1974년 자렛과 노르웨이 연주자들로 구성된 유러피안 퀄텟이 결성된다. 당시까지 아메리칸 퀄텟은 활동을 끝낸 상태가 아니었다. 이 퀄텟은 색소폰에 Jan Garbarek, 베이스에 Palle Danielsson, 그리고 드럼에Jon Christensen으로 구성되었다. 이 들은 앨범 Belonging을 계기로 Belonging 퀄텟으로 불리기도 하는데 우리에게도 친숙한 앨범 My Song, Personal Mountain등의 순도 높은 앨범들을 발표했다. 굳이 미국 퀄텟에 비해 이 유러피안 퀄텟은 정신적인 것보다 회화적이고 인상적이며 정제된 연주를 들려준다. 그리고 표현 양식에 있어서도 아방가르드적인 요소를 지니고 있기는 하지만 기존의 정통 재즈에서 발견하는 주류적인 표현 양식을 반영하고 있다. 그리고 보다 더 작곡의 중요성이 커졌다는 느낌을 준다. 작곡과 즉흥 솔로의 부분이 확연하게 구분이 되지 않거나 악기별로 작곡된 부분과 즉흥 솔로 부분의 차이를 보이는 것이 이 퀄텟의 음악이라고 생각된다. My Song이 유명하지만 개인적으로는 2분이 조금 넘는 곡인 Belonging이 이 퀄텟이 지니고 있는 미학의 정제된 모습이 아니었나 생각이 된다. 한편 미국 퀄텟이 작곡을 기초로 하더라도 연주시에 발생하는 즉흥, 우연성을 중시했다면 이 퀄텟은 결과로서 연주된 곡이 만들어 낼 이미지를 미리 염두에 둔 듯한 음악을 들려준다.
아마도 그의 쾰른 콘서트만큼이나 My Song을 통해 그를 알게 된 사람이 많을 것이다. 얀 가바렉의 차가운 색소폰 연주에 공간적인 상황을 연출하는 두 리듬 악기의 연주. 그리고 키스 자렛이 잡아내었던 회화적인 분위기가 대중에게 친숙할 수 있었던 요인이었다고 생각된다.
* Classical Work
자렛은 클래식을 포기하지 않았다. 그래서 현재까지 클래식 곡을 연주해오고 있고 재즈를 벗어난 곡들을 작곡해오고 있다.그는 In The Light이라는 더블 앨범을 발표했다. 이 앨범에는 하프시코드를 위한 푸가, 브라스 퀸텟, 현악 사중주, 기타와 현을 위한 곡들이 들어있다. 그리고 유러피안 퀄텟 시절에 얀 가바렉에 의해 연주된 색소폰 즉흥 연주와 스트링 오케스트라를 위한 조곡이 담긴 Luminescence라는 앨범을 발표한다. 이 앨범에서 타이틀 곡은 그가 했던 이런 작업 가운데 명작이라고 감히 말하고 싶다. 그리고 후에 이와 비슷한 Arbour Zena라는 앨범도 발매한다.
70년대 중반 그는 매우 왕성한 활동을 하는데 2년간 22장의 앨범을 녹음하고 콘서트를 지속적으로 가지며 트럼펫 연주자 Kenny Wheeler의 음반에 사이드 맨으로 참가를 한다. 그리고 The Celestial Hawk라고 200여 페이지가 넘는 악보로 된 오케스트라, 타악기, 피아노를 위한 곡을 완성한다. 이것은 Seiji Ozawa가 이끄는 보스톤 심포니 오케스트라의 의뢰에 의해 이루어졌는데 후에 오자와는 이 곡에 대한 관심을 보이지 않았다. 왜냐하면 즉흥 연주를 하는 재즈 연주자와 오케스트라를 위한 곡을 기대했는데 자렛의 곡은 즉흥부분이 없는 완전히 작곡된 곡이었기 때문이었다. 정통 클래식 오케스트라의 의뢰를 의식했던 것일까? 결국 자렛은 덜 알려진 Syracuse 심포니라는 잘 알려지지 않은 오케스트라와 앨범을 녹음했다.
76년부터 자렛은 클래식을 처음부터 다시 시작하는 마음으로 연습하기 시작한다. 사실 그는 베토벤, 바하같은 클래식 작곡가의 곡들을 꾸준히 연주해왔다. 하지만 연주회는 갖지 않았다. 자렛은 유명하지 않은 음악학교를 졸업한 연주자의 훌륭한 콘서트에는 비평가들이 무관심하지만 나쁠 경우엔 전 세계에 비평가의 악평이 퍼진다는 생각에 스트레스를 받고 있었다. 그럼에도 그는 콘서트 계약을 하게 되는데 그 시작이 좀 의외라고 할 수 있는 Lou Harrison과 St. Paul Chamber Orchestra와의 연주였다. 이후 꽉 짜여진 클래식 연주 활동을 하게 되는데 그 속에는 Samuel Barber나 Stravinsky같은 작곡가의 곡이 있었다. 그리고 18세기 음악과 고음악을 주로 연주하는 크리스토퍼 호그우드 와 함께 모짜르트의 곡을 원전악기로 연주했다.
그는 바하의 평균율 곡 집 두 권을 두 개의 더블 앨범으로 발매하는데 1권은 피아노로 2권은 하프시코드로 연주했다. 그 이후 다시 하프시코드로 바하의 골드베르그 변주곡을 녹음하고 피아노로 쇼스타코비치의 24 Preludes and Fugues를 녹음한다. 그리고 모짜르트의 피아노 콘체르토를 두 차례에 걸쳐 녹음한다. 그리고 나아가 직접 마음 먹고 작곡한 클래식 곡들로 채워진 Bridge Of Light을 발표하기도 한다.
그의 클래식 연주가 클래식 전문가들에게 어떤 연주로 다가 오는지는 알 수 없다. 진짜 그가 재즈 연주자로 더 유명하기에 이방인에 대한 배타처럼 그의 연주를 폄하하는 지도 알 수 없다. 실제 그가 작곡한 클래식 곡을 들어 보면 그다지 큰 감흥이 오지는 않는다. 듣기 불편한 음악은 아니지만 그가 즉흥 연주에서 보여 주었던 인간적 자유로움이 잘 드러나지 않는다는 느낌이다. 그것은 자렛이 클래식에 임하는 자세에 기인한다. 보통 클래식 연주자들은 곡을 해석한다는 표현을 쓴다. 즉, 작곡자의 음악을 그만의 색을 넣어 연주한다는 것이다. 특히 낭만파 음악의 경우가 일종의 Vision을 요구한다. 그러나 자렛은 자신의 전 존재를 넣는 것은 즉흥 연주를 할 때이고 클래식을 연주할 때는 마치 자신은 작곡자의 손인 양 투명한 연주를 들려주어야 한다고 생각한다. 그래서 그런 연주가 가능하다고 생각하는 곡만 선택해서 연주한다. 개인적으로 한 사람이 이렇게 다른 두 개의 상반된 의견을 가질 수 있을까 의아스럽기는 하지만 아무튼 자렛이 생각하는 클래식 연주의 관점은 이러하다.
그가 행한 바하의 연주에는 키스 자렛이 보이지 않는다. 하지만 모차르트의 연주는 만족스럽지 못한 느낌을 준다. 오히려 그의 모습이 잘 드러났다면 좋았을 것이라는 상상을 하게 한다. 개인적으로 그의 클래식 앨범 중에 좋아하는 것은 쇼스타코비치의 24개의 전주곡과 푸가 앨범이다. 곡 자체가 키스 자렛의 기본적인 이미지와 어울린다는 느낌인데 그래서 그런지 피아노는 평소의 그와 다른 클래식에서 들을 수 있는 소리 임에도 전체적으로 그의 존재를 강하게 느끼게 된다. 쇼스타코비치의 음악을 많이 들어보지 못한 나로서는 키스 자렛의 음악으로 생각될 정도였다. 정말 쇼스타코비치를 연주하기로 한 것은 잘한 선택이었다고 느꼈다. 키스 자렛은 앨범 제작 전까지 이 작품을 몰랐다고 한다. 그래서 아주 투명한 상태를 유지할 수 있었다고 한다. 그러나 내 생각엔 그로 인해서 쇼스타코비치에 자렛이 더 잘 들어갈 수 있었다고 생각된다.
* The Standards Trio
자렛의 음악에서 또 다른 분야는 재즈 피아노 트리오 활동이다. 83년에 그는 베이스 연주자 Gary Peacock 과 드럼 연주자 Jack DeJohnette에게 기존의 스탠더드 곡들을 새롭게 연주해보자는 제의를 한다. 그래서 세 사람이 스튜디오에 모이게 되는데 키스 자렛은 긴 스탠더드 곡 리스트를 제시한다. 여기서 한번 골라서 연주를 하자는 것이었다. 그래서 한번 해보자는 마음으로 세 사람은 연주를 하는데 그렇게 해서 나온 앨범이 Standards, Volume 1. 이다. 이 앨범은 비평가들로부터 호평을 받았고 상업적으로도 성공적이었다. 그래서 일련의 앨범들이 발표되는데 이 트리오의 첫 세장의 앨범은 모두 한 날에 녹음된 것들이다. 1996년의 한 인터뷰에서 키스 자렛은 앨범 녹음도 콘서트와 마찬가지로 기획된다고 했다. 거기엔 사전 준비나 곡 목록이 없고 무대에서 직접 Great American Songbook이라는 장대한 악보 집을 보면서 연주할 곡을 결정한다고 한다. 개인적인 추천을 한다면 Still Live, Standard, Vol 2, Tribute를 언급한다.
이 스탠다드 트리오는 그의 솔로 연주 이상의 인기를 현재까지 유지하고 있다. 이 트리오는 기존의 정통 스탠다드 재즈의 이디엄을 따르면서도 세 연주자가 다른 연주자와 교통하는 방법은 무척이나 자유로운 모습을 보여준다. 키스 자렛만큼이나 대가로서의 면모를 지닌 두 연주자는 단순히 자렛을 뒷받침하는 연주를 하는 것이 아니라 각기 솔로를 하고 있다는 인상을 받는다. 이것은 그들의 콘서트 장면을 보면 더 잘 느끼게 되는데 보통의 트리오들은 서로 밀착해서 눈길을 주고 받으며 연주를 하는데 이 들은 널찍이 떨어져서 각자 눈을 감은 채로 연주를 한다. 서로의 영역을 존중하고 침범하지 않으면서 자신의 소리는 간직하는 그런 연주를 들려준다. 그러면서도 인터플레이를 느끼게 되는 것은 이들이 같은 방식으로 스탠다드 곡을 해석하고 있기 때문이라고 생각된다. 이 트리오에서 키스 자렛의 피아노는 테마를 연주하는 부분과 솔로를 하는 부분을 다른 영상으로 채운다. 즉, 테마의 구애를 받지 않고 테마에서 영감을 얻어 그 테마가 주는 이미지를 다른 곳으로 비약시킨다. 그러면서 그 차이는 그가 만들어 나가는 멜로디로 채운다. 그의 솔로에는 언제나 멜로디가 느껴진다.
다른 그의 음악에서 보다 이 트리오 음악에서 우리는 종종 쥐를 잡는 듯한 소리를 듣게 된다. 이 소리는 다름 아닌 그가 연주를 하면서 내는 소리인데 혹자는 성가시다고 하지만 그래도 무시할 수 없는 그의 특허가 되었다. 또한 얼굴을 찡그린 채 연주를 하는 것도 그를 대표한다. 이런 신음과 얼굴 찡그림은 발라드를 연주할 때도 계속된다. 내가 처음 그의 연주를 눈으로 접하게 된 것은 I Fall In Love Too Easily의 트리오 연주를 통해서 였는데 그 부드럽고 아름답기만 한 발라드의 한음 한음을 자렛은 서서 짜내듯이 찡그린 얼굴을 한 채로 끙끙거리며 힘겹게 연주를 해 나가서 놀랬었다. 게다가 꾹 찍어 누르는 듯한데 들리는 소리는 어찌나 부드러웠던지..... 그런데 신기한 것은 기보된 클래식 음악을 연주할 때는 몸을 비틀거나 소리를 내는 경우는 없다고 한다.
1995년 이 트리오는 블루노트 3일간의 실황을 담은 6장의 세트 앨범을 발매하게 된다. 아마도 이 앨범이 이 트리오의 정수가 아닐까 생각이 된다. 그리고 이 때부터 재즈 사에서의 최상의 트리오라는 호칭을 듣기 시작한다.-굳이 빌 에반스 트리오와 비교를 하자면 빌 에반스 트리오는 이렇게 오랜 시간동안 지속되었던 적이 없다. 여러 차례에 걸쳐 멤버가 바뀌었기 때문에, 빌 에반스를 최고의 피아니스트로 생각할 수는 있을지 모르나 그 트리오를 최고로 평가하기에는 무리가 따를 수 있다. 게다가 벨 에반스 트리오에서 부족한 녹음에서의 세밀한 공간감이 키스 자렛 트리오에 내재되어 있는데 이는 단순한 기술상의 차이일 수도 있지만 이 두 트리오가 주는 이미지의 차이를 확연하게 하는 요인이다. 만약 빌 에반스가 좀 더 생존해서 ECM에서 녹음을 했다면 모를 일이다. 그러나 전체 트리오의 측면에서는 분명 키스 자렛 트리오가 최고라고 감히 주장하고 싶다.
* 위기를 극복하고
85년 키스 자렛은 음악 인으로서 위기를 맞는다. 비록 그는 클래식 음악을 연주하는 것을 좋아했지만 그가 보기에는 그가 지닌 클래식에 대한 사고가 클래식계의 음악인들과 잘 맞지 않는다고 생각을 했다. 클래식 음악인들은 음악보다는 개개의 음들(Notes)에 대해 더 많은 이야기를 하는 것 같았다. 비록 그가 클래식 계에서 인정 받는 훌륭한 음악인들과 연주를 하고 그것이 호평을 받기도 했지만 항상 그는 클래식 계로부터 동떨어져 있다는 느낌을 받았다. 이것은 연주자로서 음악을 바라보는 관점과 즉흥 연주자로서 음악을 바라보는 관점의 차이 때문이 아닌가 싶다. 왜냐하면 연주자는 텍스트를 앞에 놓고 그 세밀한 부분을 그대로 옮겨야 한다는 부담을 느끼기 대문이다. 반면 즉흥 연주를 하는 행위에는 창작적인 면이 더 강하므로 전체적인 음악적 이미지에 더 관심을 갖게 되기 때문이다.
어느 날 밤, 그는 링컨 센터에 있는 Alice Tully 홀에서 솔로 공연을 했다. 그는 그날 그가 연주한 것에 대 만족이었다. 그의 생각으로 그날 그의 연주는 최상이었다. 그러나 다음날 뉴욕 신문의 공연 리뷰는 혹평으로 일관되어 있었다. 그는 매우 낙담을 하고 약 2주간 아무와도 이야기를 나누지 않았다. 그때 그는 공부와 녹음은 계속하더라도 더 이상 클래식 공연 계약은 하지 않겠다는 결심을 했다. 그리고 그는 자신의 스튜디오로 가서 파키스탄 플루트를 불기 시작했다.
그에게는 오버 더빙이 가능한 싼 가격의 카세트 녹음기가 있었다. 약 한 달 간 그는 밤낮으로 연주를 했다. Flute, Tablas, Recorders, Percussion, Glockenspiel, Soprano Sax, Guitar, 그리고 작은 Piano. 그렇게 해서 그는 여러 차례의 오버더빙을 통해 26개의 짧은 곡들을 녹음했다. 스타일은 포크나 민속음악에 가까운 것이었다. 이 녹음은 비록 음질은 좋지 않았지만 그에게 일종의 카타르시스를 느끼게 했다. 그는 이 녹음을 중요하게 생각을 했다. 그래서 우편을 통해서가 아니라 직접 독일에 있는 맨프레드 아이허에게 가지고 갔다. 워낙 아이허가 새로운 음악에 적극적인지라 곧바로 최상의 기재를 동원해서 음질을 보정하는 작업에 들어갔다. 그렇게 해서 더블 앨범 Spirits이 나오게 된다. 개인적으로 이 앨범을 처음 들었을 때는 그의 연주 스타일과는 전혀 다른 것이기에 좀 당황했었다. 음악적으로도 무엇인가 큰 것이 빠져있다는 느낌이 들었었다. 그러나 가끔 이 음반을 듣게 되면 전혀 다른 차원의 공간으로 들어가는 경험을 하게 된다.
* 다양한 키보드 앨범들
피아노 외에 자렛은 Electric Organ, Pipe Organ, Electric Piano, Harpsichord, Soprano Sax, Drums, Guitar, Trumpet, Percussion, Folk Flutes, Recorders, Clavichord, Marimba, Vibes, 등 다양한 악기를 연주한다. 그리고 비록 60년대 후반부터 70년대 초반까지 전자 악기를 연주하긴 했지만 72년부터는 오직 어쿠스틱 악기만 그의 앨범에 등장한다.
76년 자렛은 독일의 Ottobeuren 사원에 갔다. 그 곳에는 훌륭한 상태의 파이프 오르간이 두 대가 있었다. 그는 작은 오르간을 선택했다. 왜냐하면 큰 오르간은 그에게 너무나 무리였기 때문이었다. 당시 그는 오르간에 대해서 아는 바가 거의 없었다. 그래서 오르간 연주자로부터 약간의 설명을 들었을 뿐이었다. 그는 최소한의 오르간에 대한 이해를 가지고 연주에 임하고 싶었다. 그렇게 해서 만들어지는 우연적인 소리를 듣고 싶었다. 그렇게 연주를 해서 더블 앨범 Hymns/Spheres이 완성된다. 현재 이 앨범은 CD로는 Sphere만 발매되어 있는 상태다. LP로만 Hymns를 들을 수 있는데 중고 가격도 현재 만만치 않다. 파리의 한 레코드 가게에서 보았을 때도 CD가격보다 더 비싼 가격이었다. 이 앨범은 녹음 상태가 훌륭하다고 할 수는 없다. 전혀 다른 과정을 거치지 않았기 대문이다. 그래서 멀리서 들리는 오르간 소리와 함께 입자처럼 떠돌아다니는 공기의 흐름이 느껴진다. 그러나 좋은 오디오로 듣는다면 공기를 가르고 하늘을 향해 올라가는 오르간의 웅장함을 느낄 수 있을 것이다. 몇 년 후 다시 한번 자렛은 파이프 오르간을 연주하는데 이 연주는 더블 앨범 Invocations / The Moth And The Flame 에 수록되어 있다. 여기엔 소프라노 그의 색소폰 연주도 함께 들어 있고 두 번째 음반은 스튜디오에서 연주한 피아노 솔로로 채워져 있다. 오르간과 피아노가 한 음반에 들어간 구성이 좀 이상하기는 하지만 음악적으로는 들을만 하다.
86년 그는 Book Of Ways(The Feeling Of String)라는 또 다른 즉흥 연주 더블 앨범을 녹음한다. 이번에 사용한 악기는 Clavichord였다. 이 클라비코드는 음량이 작아서 아주 조용한 실내에서만 제대로 된 소리를 들을 수 있다. 그런데 마이크를 클라비코드에 아주 가깝게 대고 녹음을 하면 음량이 풍부한 Lute(기타와 흡사한 고악기, 클래식에서는 Jon Downland의 곡들이 유명하다.)와 흡사한 소리를 얻을 수 있다. 이를 이용해 자렛은 클라비코드로 마치 류트를 연주하는 느낌으로 연주를 한다. 그러니까 일반 적으로 피아노 족의 악기가 코드를 연주할 때 각 노트를 동시에 누르게 되지만 기타류의 악기에서는 위나 아래에서 반대 방향으로 긁어 내려가는 과정에서 약간의 시간 차를 가지고 각 노트가 연주되게 된다. 이 앨범에서는 이런 소리 외에 이를 고려해 현악기를 표현하려 했던 그의 연주를 들을 수 있다. 음악은 고전적이면서도 현대적인 긴장을 담고 있다. 개인적으로 이 분야에서의 그의 작업의 대표 작으로 이 앨범을 추천한다.
그는 프랑스 영화를 위한 음악도 작곡을 했다. 그래서 그 곡을 감독의 만족을 얻으며 녹음했는데 후에 맨프레드 아이허의 남은 녹음시간 동안 앨범을 한번 완성해 보자는 제의에 의해 그는 더블 앨범 Staircase를 완성한다. 이 앨범은 4개의 제목하에 각 서너개의 연주로 꾸며져 있는데 공간적인 면이 콘서트 녹음보다는 못하지만 비슷한 Facing You에 비해서 매우 자유롭다는 느낌으로 다가온다. 이런 표제 음악을 연주하는 피아노 솔로 음반은 일본에서 콘서트 녹음으로 만든 Dark Interval이 개인적으로 최고였다고 생각된다. 폭풍처럼 서서히 그러나 엄청난 힘으로 다가오는 Opening을 시작으로 서정적이면서도 가볍지 않은 멜로디들과 분위기를 이 앨범은 담고 있다. 가끔 키스 자렛을 조지 윈스턴 류의 뉴 에이지의 개척자로 평하곤 하는데 이 앨범이 그에 근접하는 모습을 가장 많이 담고 있지 않나 생각된다.
일반적인 의미에서 그는 종교를 가지고 있지 않다. 하지만 그의 음악을 통해서 종교적인 특징들이 발견되곤 한다. 이미 그의 솔로 콘서트를 통해서 종교적인 느낌을 주는 연주를 접할 수 있었고 그 외 그의 표제 음악 중 20여 개가 넘는 곡이 Hymn이라는 제목을 달고 있다. 특히 오랜 시간동안 그는 George Gurdjieff라는 사람의 음악에 심취되어 있었다고 한다. 그래서 그의 음악을 녹음하기도 했다.
* 투병과 그 이후 활동
1996년 알 수 없는 병이 키스 자렛의 연주활동을 멈추게 한다. 오랫동안 그의 병에 대해서는 공공연하게 관계자들과 팬들 사이에서 언급되어 왔다. 그리고 최악의 경우까지 예상하고 있었다. 마침내 키스 자렛의 매니저인 Steve Clout을 통해서 만성 피로를 유발하는 박테리아가 그의 몸에 기생하고 있음이 알려졌다. 이병은 이 박테리아가 혈관에 있을 때 항생제를 투여함으로서 치료되는데 그러면 그 박테리아는 신체의 다른 부분으로 자리를 옮겨 다른 장애를 일으킬 수 있다. 그래서 약 2년 반 동안 그는 연주활동을 할 수 없었다. 98년 11월이 되어서야 그의 스탠더드 트리오가 모여 그가 살고 있는 뉴 저지의 Camden에서 공연을 하는 것으로 많지는 않지만 지속적인 연주활동을 재개할 수 있었다.
그가 연주활동을 멈추고 있는 동안에는 2장의 앨범이 발매되었다. 첫째는 이태리 밀라노에 있는 La Scala에서 행한 즉흥 솔로 콘서트 앨범이고 두 번째는 96년 도쿄에서 했던 트리오 콘서트 실황 앨범이었다. 그리고 세 번째는 수년 전에 발표했던 것과 비슷한 형태의 모차르트 피아노 콘서트 앨범이었다. 위의 두 장은 평이 최고였으나 모차르트는 그리 좋은 평을 받지는 못했다. 특히 프랑스에서는.
99년 11월 그는 자신의 집에서 녹음한 또 다른 앨범을 한 장 발표한다. 그 앨범이 The Melody, At Night, With You이다. 긴 투병을 마치고 녹음한 그의 첫 앨범으로 이 앨범은 그의 새로운 음악적 스타일을 담고 있다. 보통 피아노 솔로는 즉흥 연주만 하던 그가 솔로로 기존의 스탠더드 곡들을 연주한다. 트리오 멤버를 부르지 못했을까? 아무튼 이 음반에서 들리는 연주는 무척이나 단순하면서도 내면적이고 가라앉은 분위기를 만들어내고 있다. 여기엔 그의 집이라는 개인적인 공간이 한 몫을 하고 있기도 하다. 그리고 이 글을 완성하고 있는 2000년 10월 그의 건재를 알리는 트리오 앨범 Whisper Not이 발매된다. 이 앨범은 비록 이전처럼 그의 전 존재를 집어 넣어 곡을 다른 차원으로 비약시키는 힘을 발휘하지 못하고 있지만 밥 시대에 대한 일종의 찬가로서 아주 경쾌하고 노래하는 듯한 연주를 들려준다.
이렇게 대충이나마 자렛에 대한 이야기를 해 보았다. 자렛의 음악 활동에서 내가 가장 부러웠던 점은 늘 새로움을 추구하는 정신이었고 끊임없이 하나의 스타일이 자신에게 달라붙는 것을 거부하는 태도였다. 그리고 일체의 형식을 고려하지 않고 머리 속에 무엇인가 떠오르는 것이 있으면 바로 행동에 옮기는 것이었다.
자렛의 삶 자체가 즉흥이 아니었는지. 이제는 더 이상 열정에 의지해 모든 것을 불사를 수 없는 나이가 되어 많이 절제된 연주를 들려주고 있지만 그래도 그가 보여주는 유연적인 자세에 의해서 그 제약하에 무엇인가 새로운 것이 나올 수 있기를 기대해 본다.
※ 이 글은 여기 저기서 수집한 그의 전기적 요소에 내가 평소 그의 음악을 들으며 느꼈던 것을 섞어 정리한 것임을 밝힌다. 그러므로 음악적인 모든 내용은 모두 내 생각이다. 처음에는 Lynn Newton이라는 인터넷 상에서 키스 자렛의 전기를 잘 정리했다고 소문이 난 사람의 글을 그대로 옮기려고 했다. 그러나 막상 정확한 연도같은 부분이나 음악 활동 순서의 부분에서는 상당한 오류를 지니고 있음을 발견했다. 그래서 그의 글의 순서와 일화적인 요소에 다른 자료들과 내 음악에 대한 느낌을 첨가해 이 글을 만들었다. 최근 이 글을 옮기고 싶다는 분들이 있는데 이런 부분을 고려했으면 한다.
2000.11.30
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