Kamagarini - Manitas-Teatro (AAA, sábado 24 junio, 8 p.m.)

Autor: Roberto Martínez
Dirección Artística: Creación Colectiva
Asesoría de Dirección: Miguel Pastor
Dirección General: Alicia Olivares

Por Luis Paredes:

Una historia se defiende por sí misma cuando es buena. Los actores se encargan de hacerla sugestiva, como es el caso de KAMAGARINI.
-Además de divertir, enseña.
-Los personajes estuvieron bien construidos.

Kamagarini, presentó una serie de recursos corporales que lo diferenciaban del resto.
-Buen nivel en la solución de las distintas escenas.
-La única recomendación que tengo...es señalar mejor el cambio cuando la niña se hace invisible...que se marque de alguna manera...Es fácil si recurrimos al cambio de luz: luz negra, etc.

Tres Historias Para Ser Contadas - Renacer Teatro (AAA, lunes 26 de junio, 8 p.m.)

Por Luis Paredes:

Los Amores de Perlimplín con Belisa en su Jardín - Teatro en Ruta (Museo de la Nación, martes 27 junio, 8 p.m.)

Autor: Federico García Lorca
Director: Oscar Carrillo

Por Sara Joffré:

Tengo la suerte de contar con la confianza de Ximena Arroyo, la innegable forjadora de esta recuperación de un teatro que fuera en la Lima del 50 al 70, época en que muchas cosas pasaron, un teatro por demás no sé si decir privado o íntimo, porque a la Asociación de Artistas Aficionados no entraba cualquier hijo de vecino.

Esto para los que no conocen nada del pasado pero tienen una gran imaginación...pero me estoy desviando del tema, tengo que comentar la puesta.

Decía pues que la amistad con Ximena me hizo sugerirle don Perlimplín, como una pieza que siendo parte de lo que se exige en las escuelas, es linda, García Lorca, menos mal es un clásico.

Así pues estoy ligada por más de una razón a este montaje. Además de la obligación ante ustedes en esta X Muestra Regional.

Estamos en un ambiente convencional, las obras en su mayoría son convencionales. Aclaro esto de lo convencional: quiere decir que jugamos el juego del teatro con las reglas del arte del teatro.

Pues bien El Perlimplín dirigido por Oscar Carrillo, tuvo la oportunidad de ser visto en una bonita sala, con luces, con un amplio escenario. Pero miren ustedes creo que allí estuvo la debilidad de esta puesta en escena. Carrillo no parece haber pensado en un espacio como el que tuvo ni cómo podía usar esa posibilidad que la mayor parte de las veces no existe. Su dirección en todo caso es formal. Dura por demás. Esquemática. Limpia. Pero...es Lorca y no hay duende en la puesta.

Se inicia el diálogo de Marcolfa y Don Perimplin, ambos con buena dicción, entrega, interés, fuerza...pero hay demasiada dureza las palabras cortan como cuchillos y no vamos entrando a la pieza sino que nos golpean con fuerza. El mayor error para mí fue darles tan poca poesía a los personajes y desterrar la inocencia, el candor, esas cosas que Lorca cree y afirma que están en el pueblo y a él regresan.

Una puesta limpia, dura, exigida. Pero ¡ay adónde los jazmines, los azahares, la simpleza, la complicidad, la nostalgia?

Las actuaciones correctas y obedientes. Cumplidos los requisitos.

Pero... “Cuando se abre en la mañana
Roja como sangre está
El rocío no la toca
Porque se teme quemar...”

Y me permito preguntarles ¿cuánto han podido conocer de Federico García Lorca los teatristas actuales?

Por Luis Paredes:

¿Cómo criticar este trabajo de Oscar Carrillo? La elección de la obra no podía ser mejor. Creo que estamos en un momento en que los mejores textos de Lorca nos visitan con cierta frecuencia. Y, en verdad, es porque en la atmósfera limeña se respira en cierta medida los efluvios lorquianos.... De las piezas cortas del poeta granadino, Los amores de don Perlimplín con Belisa en su jardín, es la que más expresa los ejes poéticos y dramáticos de honda revelación española.

La puesta de Oscar, tiene esos ingredientes atmosféricos que hacen de su montaje un conjunto de sonoridades y armonías que sí encuentro muy relacionadas con el teatro poético de Federico García Lorca... Su ritmo es muy especial... Se juega con el lentísimo.... Se relatan los textos....la sonoridad de la voz de Castelot es marcada hasta la desesperación...Todo sucede y Castelot, nos sacude con ese tono trémulo y grave.... Que, claro, va, como no, con este personaje temeroso de la convivencia, desconfiado y remolón.... Belisa, debería ser un dechado de ingenuidad y sensualidad... Una niña que nace al amor, con todas estas ataduras del rubor, apenas desatadas... En cambio, logré ver en Maria Laura, otra Belisa... La ingenuidad, creo, en su interpretación, no apareció en ningún instante... La sensualidad, como que tuvo tropiezos y demoros en mostrarse en toda su plenitud... La búsqueda de esta plenitud en la sensualidad de Belisa, me parece que son el secreto escondido de esta pieza... El conocimiento profundo de la mujer que ejercita Lorca, así lo exige.

Un poco que se entraba la comprensión del fenómeno que nos presenta esta sorprendente anécdota de amor de Lorca.

Porque esta niña que busca el amor, no busca precisamente el amor de un viejo. Y en su búsqueda se encuentran detalles de ternura, de locura pudorosa y de juego...Cuando ella da cuenta de sus visitantes lo hace premunida de una inocencia.... Es obscena a fuerza de inocencia. Llega al límite que quería Lorca.

Y el ridículo de Perlimplín, también es el límite. Tanto lo es, que fragua su propia muerte. De la manera más poética y trágica que nadie la pudo concebir. Sólo él mismo.

La puesta de Oscar, no cuenta con la explicitación de la visita de los amantes de Belisa. Hecho que hubiera podido encontrar en María Laura mayores motivos para exteriorizar la sensualidad carnal del personaje. Su sexo conmovido estaba esperando aquello y sólo teníamos al pobre Perlimplín... Eso es lo que quiere pintar Lorca y Oscar....como que se queda a medio camino de este sentimiento de impotencia y profundo amor senil.... que termina en la inmolación de Perlimplín.

Además creo que Casterot, debe ocultar hasta el final que es el amante furtivo. No sé, le quita magia.

Sueño de una noche de Verano – Muñecos de Madera (AAA, jueves 29 de junio, 8 p.m.)

Autor: William Shakespeare
Director: Rafael Panduro Barrueto

Por Sara Joffré:

El jueves 29 de junio, a las ocho de la noche y en el local de la AAA, parecía ser un día difícil para la asistencia. Cuando nos anotamos para la crítica, nadie podía ir ese día. Según la reunión habida para repartir las funciones a las que podíamos asistir, convocada por Teatro a Ultranza un domingo previo al inicio de la X Muestra Regional en casa de Diego La Hoz. Entonces me anoté.

Por tanto con lluvia o sol tenía yo que ir ¿por qué? Porque adoro el teatro y me encanta no defraudar compromisos.

¿Quiénes serán estos Muñecos de Madera?
La respuesta me la dio el extracto que hizo Rafael Panduro Barrueto, un joven aspirante a director y que a estar por esta puesta, ha acertado en elegir su profesión.

Los “aspirantes a actores”: chicos, hermosos, vibrantes, llenos de fe y con el brillo y la sencillez que todos debemos poseer en este momento que ahora ellos tienen en sus manos. Bien por todos.

El compendio de: Sueño de una Noche de Verano, me gusta imaginar que le habría encantado a Shakespeare, vean ustedes: “Andrés y Dora se quieren casar y el padre de ella está a favor de otro pretendiente, ambos escapan al bosque y ocurren incidentes inesperados.”

En general, detesto siempre la exigencia de pedir el “extracto” de la obra de parte de los patrones que contratan el espectáculo, pocas veces se acierta, en este caso sí.

Es una buena mezcla la de Rafael director-profesor.
Como conversamos el brillo de las telas y las pelucas de algodón, raras veces son buenas soluciones. Mucho ver, mucho leer, ahora con la facilidad de la televisión, mucho observar, analizar, es casi seguro que, dentro de unos años tengamos otro buen director de teatro con nosotros.

Luciendo casi tan joven como sus alumnos, Panduro nos muestra cuán delicado es elegir director...pero eso será materia de otro comentario.

Buena la sintésis; acertado para no malograr la pluma de William Shakespeare, como me siento atrás en la AAA con dos butacas vacías, tenía toda la ilusión de estar riéndome a mandíbula batiente con el bardo de Stratford-upon-Avon (1564-1616), cuyo “Sueño...” tuve la oportunidad de ver por primera vez en una noche de invierno, en ese hermoso teatro de su ciudad natal, en 1963 con Judy Dench como Titania y Ian Holm como Puck, sí el Muqui nuestro.

El Dragón de Fuego - Equilibrio Teatral (Museo de la Nación, martes 4 julio, 8 p.m.)

Autora: Roma Mahieu
Director: Marco Antonio Barrueta Vega

Por Sara Joffré:

Equilibrio Teatral, presentaba de la autora –todo hace suponer que argentina- Roma Mahieu, El Dragón de Fuego, con la actuación de Susan León Cavassa y Leonardo Glener. Me niego a decir que la dirección fue de Marco Antonio Barrueta Vega porque la obra no tenía dirección alguna.

Sólo tengo preguntas, que no quisiera me respondan los actores, porque luego de haber sido sometidos a diversos suplicios no creo que además deban explicar lo que Barrueta ha pretendido enseñarnos en esta no puesta en escena sino “puesta en evidencia”. Lo único que sentí esa noche viendo la dedicación y seriedad de Susan y Leonardo, defendiendo lo indefendible fue la necesidad de expresar un sentimiento: “Los actores entregados a quién ubican ellos mismos como director, son más indefensos que niños chicos, sobretodo si tienen o una confianza ciega o una confianza supina”. Sólo preguntas tengo.

Preguntas a Barrueta y que sólo puede responder él, porque al final de la presentación, habló por todos y aseguró que la responsabilidad era suya: ¿por qué hablar en argentino? ¿y si se habla en argentino, por qué no vigilar que todo esté en argentino? ¿si la pieza es tan incongruente como parece ser a través de lo que vimos, por qué escogerla? ¿por qué una mala obra extranjera entonces si esta Muestra se ha hecho para demostrar que hay autores peruanos, y claro que los hay y muy buenos o no ha tenido oportunidad de leerlos? ¿Qué autores nacionales conoce?

Ojalá Marco Antonio Barrueta Vega, venga a la Mesa de Críticos y alumbre, mucho mejor que la noche aquella con las desaprovechadas y lindas luces del auditorium del Museo de la Nación, nuestro entender que fue defraudado.

El baile y la gracia de Susan nos alegró y trajo a la memoria esa canción, o no sé si guaracha o que ritmo alegre y bonito que dice: “Dejénla que ella baila sola”, y lo digo porque lo he visto y lo creo.

Por Luis Paredes:

Interesante obra si se ve en su contexto. La autora argentina (Roma Mahieu) ha puesto en juego una trama donde se hacen patentes los sentimientos de soledad y de ternura.

La configuración de esta bailarina de cabaret y su hermano con problemas mentales, nos remiten como metáfora a una sociedad opresiva. Fue una lástima que en la propuesta que vi, a mi parecer, sólo actuaba Susan León y en cambio su parteniere en escena estaba muy lejos de formular una mínima condición de representación... Fue absolutamente desequilibrante este contrapunto entre una actriz que sí actúa, si nos trasmite mínimamente lo que pretende la autora y el director (aunque no esté muy claro su planteamiento) y otro actor que no puede sostener un sólo texto por más pueril que parezca. Y es que hasta para decir "voy por el pan" tengo que tener claro cómo lo voy a decir, en qué circunstancia, por qué y sobre todo desde que condición de personaje... Esto era imposible pedir a semejante actor. Luego la obra sólo queda con la impresión que pueda dar el personaje femenino, intenso, contradictorio, pero parcial, pues la obra solicita que la otra parte complete la idea.

En la crítica que formulé en la Mesa, me faltó decir lo importante que ha sido la incursión de Susan en el ambiente teatral peruano...lo que me consta a mí al haber podido observar todo su discurrir escénico, la constante superación que he visto en la actriz, su paso cada vez más seguro en la escena y más evocante.

El Dragón de Fuego, es solamente una constatación de las búsquedas que tenemos que realizar antes de encontrar la obra que contenga los sentidos y las imágenes que nosotros queremos proyectar con nuestro teatro. Esto debe ir acompañado de un director que no sólo tenga las ideas claras, sino que cuente con la experiencia que haga posible un montaje saludable y sugestivo. Ir al inicio

Letoco Azul – Letoco Azul (AAA, miércoles 5 de julio, 8 p.m.)

Autora y directora: Emperatriz Vizcarra

Por Sara Joffré:

Así como el rápido compendio de “Sueño de una Noche de Verano” me parece tan feliz, no me provocó leer la explicación tan extensa –para mi gusto- que se daba en el Programa de Letocoazul.

Entonces no leí la explicación; no la leo ni para ver la obra ni para opinar sobre ella. Yo quiero ver qué me dice desde el escenario la autora y directora Emperatriz Vizcarra. Me dijo ella que quería mi opinión directamente, así es que voy a tratar de hacerlo, directamente.

En primer lugar, y como ya parece ser una constante en la X Regional, todos los actores me parecieron muy correctos en sus diferentes desempeños. Ronald estaba con una afonía, pero eso no hizo más que resaltar sus méritos al hacer su personaje.

Las actuaciones parejas, entonces, cada cual dentro de lo que parece haber pedido la directora.

La autora: evidentemente se trata de “ópera prima” por tanto es un desborde en el empeño de conseguir desde el escenario mejorar esta vida nuestra de cada día, ¡claro que no se puede lograr! ¡claro que es un mérito intentarlo!.

Como la autora era la directora, todos los excesos y las carencias resaltaron al máximo. Pero se entiende porque directores es lo que a gritos le hacen falta a todo, todo el teatro peruano. Entonces ahora caigamos en manos, o que ella caiga en las nuestras,

¡QUÉ VENGA LA DIRECTORA!

Cuando, como en este caso, se está en una sala formal y se reparte antes de empezar formalmente (luego de los consabidos avisos al público) a los actores -en este caso actrices- en la platea, y sigue entrando público y al fotógrafo se le permite que paseé impune fotografiando a las actrices como si estuvieran en un estudio, entonces ese sentimiento de actrices en funciones se confunde horriblemente.

Es como si no hubiesen bajado “dentro” de la obra. Parece que bajaron a tomarse fotos y que lo que hacen son poses.

Permitir que el final de la obra concluya con “el mundo fue y será una porquería” (ni que Argentina hubiera ganado el mundial ¡demasiada influencia!), entonces más valía poner a la Tita Merello cantando el tango CAMBALACHE, todo completo y que valga como el himno nacional de América Latina ahorrándose así el esfuerzo de tomar 70 minutos, para concluir en lo mismo. Y le reprocho esto a la directora porque esa es la función también del director que oficia de dramaturgo es decir de puente entre el que escribe y el que dirige, podando o agregando.

¡Cuidado con los efectos que se pueden tornar defectos!
Algo terrible: yo le aconsejaba a Juan Manuel Sánchez, y en general a todo el que quiere dirigir, baja a la platea, sé público.

Para no extenderme: ¡ese el sonido del corazón!. ¿No ensayaron antes?
Cuando Eve Filipeck entra a escena, su dicción que todavía tiene que hacer muchos ejercicios, fue totalmente cubierta por el horrible ruido que especialmente en la parte posterior de platea se escuchaba magnificado porque tapaba a la actriz.

¡Nunca dejen desamparados a los técnicos!

Especialmente en la cabina de la AAA, parece que no se sabe cómo sale el efecto en la platea. Luego que se retiraron 5 personas, y que una mujer joven de teatro vino a pedírmelo y además por compañerismo con los actores subí a rogar que bajaran el volumen, los pobres técnicos tenían que obedecer a su directora, fue Omar, el que hizo el favor de insistir y por fin pudimos seguir la obra.

En buen romance mi querida Emperatriz Vizcarra, si quieres perseverar en este esforzado oficio me parece que pasta tienes y bastante. Pero no olvidemos que toda pasta requiere acompañarla con una sabrosa salsa: los pequeños detalles.

Por Luis Paredes:

Obra que tiene una serie de rupturas del texto dramático, una apuesta por el teatro no realista, con una configuración sobre dimensionada de la mujer en escena.

La presencia de la mujer es relevante, sus conflictos amorosos parten de una lucha constante con el medio y con la historia de machismo que envuelve toda la sociedad en su devenir. El personaje masculino ha sido cargado de todas las lacras machistas que puedan existir, para hacer ver con mayor claridad la lucha que debe emprender la mujer en pos de su liberación.

La trama precisamente busca construir un increscendo de esta liberación, con los distintos caracteres femeninos que se expresan cada una en un registro femenino distinto. Donde los distintos matices de la sensualidad se expresan contundentemente. Cada mujer es un mundo sensual. De una sexualidad que delimita su derrotero individual. La primera mujer se expresa con la imágenes etéreas de la poesía... con ellas pretende envolver a su hombre que se halla seducido por la Revolución... Hay todo un juego aquí de signos que nos hacen aparecer la convivencia como imposible.

Efectivamente a todas ellas se les percibe como variables de una misma sensualidad. De alguna manera están puestas para servir los caprichos más descabellados del hombre. Poco a poco rompen con esta idea.

El personaje alegórico, del hombre azul, metaboliza las escenas las hace más digeribles y redondea el sentido poético de la propuesta.

A mí también me pareció exagerado el sonido de los latidos (al igual de lo expresado por Sara Joffré); no encontré la derivación de tal efecto ni a que acontecimiento demarcaba, por el hecho de su prolongación casi at libitum...

Sin embargo, la propuesta me pareció muy poética, muy bien actuada, cada uno de los personajes se van configurando desde el inicio con su aparición muy sugestiva desde los confines del auditorio, desde donde proyectan su posterior desenvolvimiento en la escena. Ir al inicio

Se Busca Chamba – Que me Queda (Cepea, jueves 6 de julio, 5 p.m.)

Autoría: Creación Colectiva
Director: César Chirinos

Por Luis Paredes:

A pesar de no ser un espacio que le favorezca, Se busca Chamba, se proyectó con la FRESCURA que suele caracterizar a César, su ya conocida faceta de mimo callejero.

Pareciera que el espectáculo hubiera nacido para interrumpir el ritmo farragoso del espectador callejero. Obedece a esa costura muy popular y libre de las escenas. Su compañera (Loiret) lo secunda muy bien y hace de esta experiencia una placentera recurrencia de gags y mecanismos populares de captar la atención del respetable para contarles historias que nos hagan reflexionar sobre distintos aspectos de la ciudad y sus habitantes.

En la función del CEPEA, lo noté un tanto apagado a César, no así a Loiret que rescató la función y nos hizo divertirnos al máximo con su plasticidad. Ir al inicio

Autor: Roberto Sánchez Piérola
Director: Eloy Florez Andazabal

Por Luis Paredes:

Ya conocemos los ejes principales por donde discurren la poética dramática de Roberto Sánchez Piérola. Sus principales inquietudes filosóficas, sociales y hasta personales marcan cada obra suya. De hecho las hacen un revertero de sentido teatral y lúdico muy acordes a nuestro tiempo, pero en el mismo momento marcados por un estilo que logra cautivar por su capacidad de rupturas y frescura de imágenes.

Los actores del Centro Peruano de Teatro, logran plasmar en gran medida las inquietudes de este joven dramaturgo peruano. Se les nota muy imbuidos de este espíritu de rebeldía que envuelve cada vez más a la juventud que se aventura por textos de teatro que rompan con cierta quietud parda de otras dramaturgias.

Los vi conmovidos, expresivos, con ganas de decir más de lo que se propone el autor; como debe ser todo grupo que se comprometa con su propuesta.

En el escenario había orden y equilibrio, pese a presentar cierto caos que sería la expresión plástica de lo que descansa como fondo espiritual del texto de Sánchez Piérola. El autor lucha contra todo el caos de las convenciones ya superadas, pero que todavía aherrojan al ser humano.

Sus dos planos, la cárcel y la casa, juegan esa simultaneidad y contrapunto de un discurso que se fragmenta para ser más expresivo.

Solamente, quise advertir en la crítica que si los actores hubieran tenido un conocimiento más cabal de cómo se elabora un personaje realista... supieran realizar con mayor brillo estos personajes que rompen con el realismo.

Aun así, los actores resultan bien librados de la cita, proyectando un pensamiento de crítica social y generacional que plantea preguntas y cuestionamientos profundos en el público. Ir al inicio

Caricias - Pies Descalzos-Centro de Arte y Cultura (AAA, lunes 10 de julio, 8 p.m.)

Autor: Sergie Belbel (Catalán)
Director: Fernando Flores

Por Luis Paredes:

Sergie Belbel, autor que fue muy socorrido los 90tas, juega con el oxímoron cuando titula Caricias esta procaz revelación de personajes y situaciones de la vida en una metrópoli del Primer Mundo.

He ahí la gran contradicción con este grupo de muchachos que desde una perspectiva absolutamente distinta intentan cargar de sentido teatral y humano a esta obra.

Caricias, es el recorrido puntual de los personajes belbeliamnos por situaciones que nos serían comunes si viviéramos en esa Barcelona cosmopolita.... Aún así el autor se proyecta con tanta humanidad contra estos personajes que logra sacarles como un resto poético que ilumina sus acciones de un elan trascendente.

Prolegómenos – Esparta (Museo de la Nación, martes 11 de julio, 8 p.m.)

Autora: Gracia Morales
Director: Jorge Flores J.

Por Luis Paredes:

Hace mucho tiempo llegó el maestro Enrique Buenaventura y dio varias charlas y mesas redondas en Lima; en una de ellas habló de los actos de habla, decía que si uno bajaba el volumen de una telenovela (cualquiera que sea) lo que se producía era lo que la semiótica moderna conoce como Acto de habla.

El treatrista colombiano, muy agudo y crítico de todo aquello que no sea arte y se disfrace como tal, profundizaba sobre lo que por esos años había sido su descubrimiento y lo aplicaba febrilmente a su manera de hacer y ver el teatro: la Semiótica.

En otro momento de la misma charla nos habló de las rupturas de eje de continuidad y nos dio varios ejemplos: uno de ellos era la conocida manera de hablar de Cantinflas, cuando hacía uso de un sin fin de expresiones verbales pero que no llegaban a puerto cognoscitivo ninguno. El ejemplo era muy sugestivo y revelador.

En Prolegómenos, noto una intención parecida: los actores se proponen realizar una obra de teatro y se plantean una serie de retos y situaciones complicadas en el escenario y finalmente no llegan a ninguna parte, la obra se queda sólo en la intención -por esto se llama prolegómenos-.

Los actores están bien encaminados hacia lo que se proponen lograr con el espectáculo, pero su propia realización conspira con el mismo. Su forma particular de enfrentar el humor de la autora nos lo deja manifestarse con la frescura que el caso requiere.

El hecho posterior, no medido, causo mayor humor...Resulta que el director, que también actúa, encontró todas las puertas cerradas al momento de acercarse para recibir los aplausos del público y no pudo hacerlo durante varios minutos, ocasionando el desconcierto de sus actores. Esto sí que era humor real!! (Ja). Y sucedía en una función que había buscado en vano la conexión con el respetable a partir del humor y no les había resultado.

Es que el manejo del humor y de la risa en el teatro tiene sus reglas y lamentablemente los actores no acudieron a ninguna de ellas. Los remito a Henry Bergson que tiene un importantísimo libro sobre la risa.

En suma el montaje resultó una secuencia de propósitos infructuosos. Como texto se rescata toda la ironía del juego con el teatro y sus principales iconos, pero nada más.Ir al inicio

Con los Pies en el Agua - LIT Laboratorio de Investigación Teatral (AAA, miércoles 12 julio, 8 p.m.)

Autor: Grégor Díaz
Director: Angelo Sandoval Quispe

Por Luis Paredes:

Te Apuesto un Sueño - Nudos Teatro (Cepea, jueves 13 de julio, 8 p.m.)

Autor: Ängel Calvo
Director: Paco Caparó

Por Luis Paredes:

Es fácil enamorarse de una obra. Sobre todo cuando uno piensa que es LA OBRA. Y quizá no convenga mucho identificarse con ella al extremo de no ver sus innegables pobrezas a la hora de ponerla en escena. Con pobrezas me refiero a los límites de lo que se propone. Siempre una obra determinada nos plantea un problema central. Bien, frente a este problema la misma obra puede que tenga algunos tropiezos y es bueno que estos se limen o decanten en el proceso de ensayarla. Pero a veces no es suficiente, y los problemas persisten.

En el caso de Te Apuesto un Sueño, encontramos una trama casi policial que poco a poco se va metamorfoseando y mostrando diversos ángulos del mismo fenómeno.

Por una parte es importante lo que nos dice en términos emotivos del compromiso por cambiar la sociedad y por otra parte están las propias circunstancias de los personajes. Su vida privada, llena de incidentes cotidianos de miserias humanas, las cuales se usan de trampolín para saltar hacia lo otro, el sueño, la revolución, la utopía, etc.

Pero todo lo que pasa en el escenario es un lenguaje que verifica o desenfoca esta querencia final que plantea la obra.
La dirección de Paco es correcta. Sin embargo, yo hubiera preferido mayor orden en la adecuación del espacio. El espacio es un elemento crucial de la puesta en escena. Si no se trata con el mayor cuidado se corre el riesgo de permitir zonas inexpresivas y contradictorias en él. Había cierto caos en el manejo del espacio.

Los actores, conocían su oficio, lograban cambios relevantes y producían el sentido solicitado en las diversas escenas. Pero sentí que el espacio era su mayor enemigo.

Los Tres Caballetes – La Manzana (…) (Sala Alzado, viernes 14 de julio, 8 p.m.)

Director: Wilmar Perea
Autor: Eugenio Griffero (Ramón Grifero)

Por Luis Paredes:

CORRECCIÓN: Con respecto a la obra Los Tres Caballetes...Solamente puedo expresar que en el nombre del autor hay un error. Se trata del autor argentino Eugenio Griffero y no es el chileno Ramón Griffero, al que tuve oportunidad de conocer a fines de la década del 80, en Santiago. Su teatro estaba marcado más por la irreverencia que por el absurdo. Lo cual es exactamente al revés observando a este otro Griffero argentino que ha sido motivo de la puesta de los muchachos de La Manzana (...). Esto no invalida el fondo de la crítica, por eso la dejo tal cual.

Interesante obra del autor chileno contemporáneo Ramón Grifero. La propuesta se ha valido de diversas rupturas con la convención (unas cuantas). De alguna manera se han aproximado a un texto un tanto críptico, pues ha sido hecho para un público durante la dictadura de Pinochet. No olvidemos que en el país del sur hubo una singular dictadura, donde no se podía referir de forma directa ciertos problemas del régimen y esto se hacía de forma velada o metafórica...En ello eran muy duchos los dramaturgos chilenos de esa época...Entre ellos el joven Ramón Grifero, que siempre realizo un teatro contestatario y marginal...luego se sofisticaría un poco, pero no perdería su inicial visión rebelde de la realidad.

El grupo cae en cierto hermetismo y confusión de signos. No le encuentran el sentido exacto a la propuesta. Pareciera que no se aclaran acerca del norte ideológico de la misma. Contra que oscurantismo se enfrentan: Político? Filodófico? Moral?

La trama es necesariamente del absurdo, pero hay en ellas fuertes conexiones hacia lo social en América Latina y hacia lo moral y ético en nuestras tierras. ¿Por qué no se vio eso?

Al parecer han caído en la trampita del propio autor. Sus ejes connotativos están trastocados y reclaman cierto reubicamiento para comprender a fondo el sentido de la propuesta.

Roberto Zucco – Nieve en África (AAA, sábado 15 de julio, 7 p.m.)

Autor: Bernard Marie Koltes
Dirección: Daniel Dillon

Por Sara Joffré:

En las Muestras nos exigimos al máximo desde todos los ángulos. Los directores y actores porque no pueden ensayar en sitio, ni preparar las condiciones técnicas en muchos de los casos.

Los críticos en lo que tiene que ver con una gran cantidad de experiencia, imaginación y respeto para distinguir cuidadosamente la puesta de sus avatares.

Y los organizadores en tanto su lucha por superar las carencias de todos conocidas.

Las Muestras, han sufrido siempre de lo mismo.

Ha habido actores y directores que han invadido -no precisamente en esta Regional- los terrenos de organizadores y técnicos y han roto todo protocolo para conseguir un escenario como lo necesitan. No me entusiasmo en dar ejemplos porque además de que sería muy larga la relación, hoy nos toca hablar de Roberto Zucco.

Para mí Daniel Dillon, ha tenido que conformarse con hacer un ensayo general frente a público. El trabajo de Daniel, en líneas generales, me es preponderantemente respetable.

Daniel no es un conformista. Se exige cosas donde muchos simplemente se atendrían a las circunstancias.

Desmantelar a la AAA de sus cámaras negras, llevar al público al escenario, prepararlo todo con el poquísimo tiempo que se concede, en atención a las mil y unas circunstancias (llámense un desconsolado Omar pidiendo disculpas, y otras ocurrencias) no pueden recuperar el tiempo perdido.

Espero, confío, quiero comprometerme con Dillon, para que así ocurra, que la puesta en escena de Roberto Zucco, se pueda ver tal como él la ha dibujado en el escenario. Susan León me preguntaba el otro día ¿cómo conseguir una buena dirección?, he aquí la respuesta Susan.

Ofrécete la oportunidad de ver cómo concibe un director el trabajo de un actor desnudo en el escenario, cómo cobra sentido este ropaje. Y otros detalles y sutilezas que hacen el espíritu de la descarnada poesía de Koltes. Esta sería una hermosa forma de aprovechar las puestas, simplemente para "conocernos". Para combinar las posibilidades técnicas de uno con los conocimientos directrices de otros. Y aprovechar las experiencias.

Porque lo importante de la dirección que Daniel Dillon otorga a Roberto Zucco, es que puedes seguir el diseño de la forma interior de la obra y te duele que nuestro mejor teatro no consiga hasta ahora los lugares que por derecho propio le pertenecerían.

Lo demás no es silencio...lo que sobra es tanta palabra equivocada.

Solidaridad, es lo que todavía no sabemos cómo encontrar. Es todo.

Por Luis Paredes:

Obra clave si observamos el teatro contemporáneo. Tiene todos los elementos que se pueden contrastar en un escenario de comienzos de siglo: rebeldía, crueldad, irreverencia, nuevo sentido del amor, nueva lectura de la solidaridad, nueva lectura de la libertad, etc.

Roberto Zucco, es un antihéroe, es un personaje de una teatralidad llevada a extremo. Es un animal de escenario. Lo que nos dice nos conmueve en las íntimas fibras del alma. Y efectivamente es un producto de la atmósfera postmoderna y ultracapitalista de nuestros tiempos.

I am Peru – Zanquinbalista (AAA, lunes 17 de julio, 8 p.m.)

Autoría: Creación Colectiva
Director: Daniel Cuadros Mozombite

Por Luis Paredes:

En realidad hay que sopesar por entero toda esta propuesta, donde una vez más el propósito es edificante, mas la propuesta no.
Toda esa brillante ejecución musical debe estar al servicio de algo. Ese algo se nos escapa entre los dedos. No lo terminamos asiendo bien, cogiendo en el sentido último del término. Asimilarlo.

Hay evidentemente una serie de hitos en esta historia que los logramos agarrar, pero finalmente no sabemos a santo de qué los agarramos.

Por ejemplo las visas. Teatralmente mal planteado. Hay formas menos engorrosas de referirse a lo mismo y ser más expresivo y hasta poético (exagerando un poco, por supuesto).

Pero lo que muestran los actores es muy simple. Un ensayo verdadero no resiste este nivel de propuesta actoral.

El tema de la educación. Desperdiciado. Un niño y sus tareas. ¡Por favor!
Pareciera que nunca hubieran asistido a los abusos que se cometen en los colegios....Tienen los elementos para recrearlos…¿Por qué no los usan?

El propósito es muy loable, pero indudablemente le falta la propuesta actoral.

Sin ello, como siempre, solamente hemos dado medio paso. Ir al inicio

Autor: Alberto Adellach
Director: Pucayacu Agua Roja Teatro

Por Luis Paredes:

Tengo finalmente la sensación de haber asistido a la culminación de un proceso de adecuación de la obra a la visión de jóvenes teatristas.

Siempre Agua Roja caracterizándose por incidir en provocar con el tema de lo político en el arte.

Cordelia, de Alberto Adellach, es precisamente la obra donde lo político y lo artístico se toman las manos para lidiar frente al mundo.

Por una parte tiene la obra de contundente denuncia de una condición latinoamericana de pobreza económica y moral.

En este contexto el arte tiene mucho que decir; en este contexto surge la imagen poética de Cordelia (Any Figueroa) una actriz que con su padre recorre la pobreza de los campos y las ciudades buscando un lugar donde desarrollar su arte...La guerra no hace más que significar ese climax de dolor en el cual va a sucumbir Cordelia como corolario poético de una gran obra y una puesta que en medio de tropiezos logró hacerse entender y presentar un espectáculo digno.

¿Problemas?
Por supuesto que existen: primero la sensación de dejar el espacio demasiado tiempo vacío....Una falta de ajuste de entradas y salidas precisas. Ritmo, en muchos momentos, casi desordenado y caótico. Pero los caracteres están claros. Sobre todo el de Cordelia que lógicamente le da vida a la obra y a la propuesta. Ir al inicio

Autor y director: Arturo Fernández

Por Luis Paredes:

Da gusto ver un grupo que está formado por jóvenes con energía y con sentido del teatro. Eso primero. La obra me convenció por tratarse de una forma de retrotraernos al teatro de Boal...A ese arsenal de propuestas estéticas que tenía el maestro brasileño para dar sentido a toda inquietud popular. Y que más que los propios actores jóvenes sumen sus esfuerzos para decir con su propia voz el desconcierto que les ocasiona el presente en el Perú. Un país que ha perdido el timón de su desarrollo y no sabe cómo encontrarlo y de paso poco a poco sus políticos nos sumen en mayor desconcierto.

Este desconcierto es el que tratan de mostrar estos muchachos actores y lo logran.

Lo logran desde la primera escena, donde aparentemente ingresa un indigente herido en la pierna y quiere dirigirse a los presentes para que le prestemos ayuda a su problema de abuso y desgracia personal...Poco a poco caemos en la cuenta que es parte del teatro....pero nos adentramos en una atmósfera de carencia, de angustia por la vida, que va a marcar a toda la propuesta.

La función de ayer fue particularmente caótica por las interrupciones que tuvo la música....Por momentos parecía adrede...Como si nos quisieran dar la impresión que hasta estos imprevistos son fruto del "mal designio" de la condición marginal y excluida de esos personajes que pululan pidiendo una ayuda ya sea de forma honesta o hasta inventada y cruel.

Los pregoneros del Milenio...es una mirada irónica y hasta cínica del Perú de hoy...Una mirada que nos hace reflexionar por provenir de unos jóvenes que quieren decirnos algo sobre la realidad y por ello recurren al teatro.

Bien conducido por una mente y corazón abiertos como es el teatrista Arturo Fernández, que no escatima signos y símbolos para acompasar este febril fluido de energía juvenil que es su grupo. Así surgió el teatro joven en el Perú hace casi 40 años con Yego.

Así seguirá surgiendo PERSECULA SECULORUM
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