7 CAMINOS TEATRALES

Congreso Internacional de Teatro

Texto y fotos: Salvador Perches Galván.

La Fundación Cervantista Enrique y Alicia Ruelas AC, organizó por primera vez en México el Congreso Internacional de Teatro, 7 Caminos Teatrales, un encuentro donde grandes personalidades de las artes escénicas compartieron al público las nuevas tendencias y necesidades en el mundo del teatro, a partir de conferencias magistrales que se realizaron del 28 al 30 de agosto en el Teatro Principal de la Ciudad de Guanajuato, México. 

Con el espíritu de la gran tradición escénica que nació en Guanajuato a través del maestro Enrique Ruelas (1913-1987), dramaturgo, maestro y promotor de teatro, quien inauguró en 1953 Los Entremeses Cervantinos, que cada año se verificaban en la mágica plazuela de San Roque, en 2005 la Fundación Cervantista Enrique y Alicia Ruelas AC; una organización filantrópica con sede en Guanajuato que tiene entre sus objetivos promover el intercambio cultural en México y el mundo, a través de proyectos que vinculen a la sociedad y sus instituciones, públicas y privadas, con los creadores de todas las artes.

El propósito de 7 Caminos Teatrales, Congreso Internacional de Teatro, es que a través de las reflexiones de expertos internacionales, los profesionales de las artes escénicas y el público interesado construyan el posible mapa con los senderos teatrales que existen hoy en día. Se trata de debatir acerca de ¿qué teatro se debe hacer? ¿Para qué público? ¿Con qué actores? Y en especial sobre ¿qué formación deben recibir los actores y directores para hacer este teatro?

Los expertos internacionales que participaron ofrecieron una master class y al final se llevó a cabo una mesa redonda donde se presentaron las conclusiones. Participaron en el congreso Eugenio Barba; Julia Varley; Luis de Tavira; Tapa Sudana; José Sanchis Sinisterra; Paolo Magelli y Aderbal Freire, quien, por cuestiones migratorias fue devuelto a París y participó de forma tecnológica a través de una videoconferencia; Ramiro Osorio fungió como moderador.

Colombo mexicano, Ramiro Osorio ha sido director de prestigiosos festivales y eventos internacionales entre los que destacan: Festival Internacional Sevilla; Festival Internacional Cervantino; Festival Internacional del Caribe; Comisario General de Colombia en la Expo de Lisboa; Gran Festival de la Ciudad de México y Festival Internacional de Teatro de Bogotá, entre otros.

Sin duda un gran promotor del teatro en México, conversamos con el moderador del evento: 

Salvador Perches Galván: Ramiro, dicen que el delincuente siempre regresa al lugar del crimen, en tu caso este dicho se cumple, ¿cómo te sientes otra vez en Guanajuato?

Ramiro Osorio: Muy feliz, Guanajuato es uno de los lugares fundamentales de mi vida, yo aquí estudie, aquí hice parte de mi carrera artística, aquí tuve posibilidades maravillosas para llevar adelante proyectos, me tocó el privilegio y el honor de dirigir el Festival Internacional Cervantino. En fin, yo no me voy de Guanajuato, o sea no es que vuelva, aquí estoy.

S. P. G. ¿De donde parte la iniciativa para la realización de este encuentro internacional?

R. O. Yo conocí mucho al maestro Ruelas, porque yo vine a trabajar a la Universidad, yo dirigía el repertorio contemporáneo y el maestro dirigía el repertorio clásico, los cinco años que yo estuve en Guanajuato muchos viernes nos reunimos para hablar de la escuela de teatro, de la universidad, en fin, para hablar muchas cosas.

Esta es una iniciativa que nació de una charla entre Enrique Ruelas y yo en octubre del año pasado, después del Festival Cervantino me encontré con Enrique y nos pusimos a pensar, la iniciativa surgió de los dos, en ese encuentro salió que teníamos que hacer algo, que la fundación tenía que hacer algo que de verdad significara un gran impacto en la  comunidad cultural guanajuatense, pero no solo guanajuatense, sino que implicara también a los artistas de todo el país, empezamos entonces a pensar una serie de nombres, ahí le pusimos el título, 7 caminos teatrales…

Se decidió que 7 porque me gustaba el número cabalístico y porque de golpe 10 son muchos y 3 son pocos,entonces 7 nos pareció un buen número. Empezamos a pensar y uno siempre empieza a pensar por los que mas admira y por los que también quiere y por quien mas complicidades tiene uno,  entonces empecé a llamar a todos estos grandes maestros que tengo la fortuna de tener amistad con ellos y diseñamos el tema.

S. P. G. ¿Por qué convergen los siete caminos en Guanajuato, no crees que hubiese tenido mucho mas impacto en el D. F., por ejemplo?

R. O. No creo, a mi me parece que Guanajuato es un lugar natural para hacer este tipo de experiencia, primero, es una ciudad que es un cruce de caminos culturales, que es la sede del festival mas importante de América, es una ciudad natural para propiciar este tipo de reflexiones, eso por un lado, por otro lado aquí es la sede de la Fundación Cervantista Enrique y Alicia Ruelas A. C. y el inspirador de esta Fundación, el padre de Enrique Ruelas Barajas, Don Enrique Ruelas Espinoza, su obra fundamental la hizo aquí y la mejor manera de rendirle homenaje al maestro Ruelas es hacer lo que el siempre hizo.

Los caminos:

Julia Varley nació en Londres y a los 3 años su familia se muda a Milán, donde finaliza sus estudios universitarios. Desde 1976 vive en Dinamarca formando parte del Odin Teatret. Desde su incorporación al grupo ha trabajado como actriz en múltiples montajes. Con el Odin Julia también trabaja como pedagoga en escuelas y universidades y ha sintetizado sus experiencias en demostraciones de trabajo.

Desde 1990 forma parte de la concepción y organización de la ISTA (Escuela Internacional de Antropología Teatral) dirigida por Eugenio Barba y desde 1986 de la concepción y organización del Proyecto Magdalena, (Red Internacional de mujeres en el teatro contemporáneo). Es también directora artística del Encuentro y Festival Transit, en Holstebro, Dinamarca,  dedicado a temas de interés para mujeres que trabajan en el teatro.

S. P. G. ¿Cuál es el camino teatral, que desde la actuación propone Julia Varley?

J. V. Para mi la cosa esencial es saber reconocer y conocer que es una acción, una acción que no necesariamente tiene que ser muy grande en el espacio, pero que siempre involucra el torso del actor, entonces saber que a través de lo que uno hace en el escenario cambia, cambia algo. El primer cambio uno lo siente en el cuerpo pero es claro que después el cambio tiene que ser algo que produce una reacción en el espectador y esto de reconocer la acción es mi camino.

Paolo Magelli trabaja prácticamente en todos los países de la ex Yugoslavia: Eslovenia, Croacia, Servia, Macedonia, Bosnia, su trabajado representa una gran labor pedagógica y en medio de la terrible historia contemporánea de ese país, esa ruptura por las guerras. Ha sido un militante que ha defendido la cultura y la libertad, por lo cual ha sido perseguido.

En los 80’s trabaja en París y gracias a un encuentro con creadores teatrales empieza a trabajar como director invitado permanente en el teatro de Rupertal, el teatro de Pina Bausch. En 1996 trabaja en Budapest, en Viena, en Bogota, en Caracas, en la ciudad de México, en Santiago de Chile.

En Croacia celebra con el Teatro Nacional de Palestina de Ramala y con actores de Tel Aviv y de Jaifa quizá el último trabajo en donde estos actores de estos dos países en guerra se unen en torno al teatro.

Sus espectáculos son de una fuerza extraordinaria, de una magnifica factura, la contención de las emociones, la fuerza contenida que hay en estos espectáculos anticipa todo este mundo de dolor en que está envuelto. Siempre que se ve el teatro de Paolo Magelli queda la reflexión sobre los espectáculos tan contenidos, tan fuertes, tan hermosos, ¿cómo surgen en medio de los muertos que van dejando estas guerras?

S. P. G. ¿Cuál es el camino teatral que propone Paolo Magelli?

P- M. Ciertamente no el mío, que es muy cansado.

S. P. G. Entonces ¿cuál sería?

P. M. Cuando se decide hacer un viaje, hay que decidirlo verdaderamente, estar firme en la decisión, hay que encontrar un bello aunque difícil, lo mas difícil posible camino,, y lo mientras mas difícil sea, mas bello será.

S. P. G. ¿Y el resultado de recorrer camino a donde nos conduce?

P. M. Es de volverse una ruina, casi como soy yo, como lo es el coliseo.

En el año 1974 durante el Festival de Teatro Latinoamericano, en México, en el seminario de los jesuitas, en coyoacán surgió una generación brillantísima de jóvenes jesuitas integrada por Luis de Tavira, Rubén Aguilar, Ricardo Govela entre otros. Director de escena, pedagogo, poeta, un hombre de verdad integral del teatro, de Tavira es, aparte de todo ello, el gran maestro de actores de este país. Cabe destacar su compromiso ético y critico con su tiempo, con la sociedad y con el mundo en que vive. Tiene una sólida formación, filosófica, artística, teológica.

Fue fundador y director del Centro Universitario de Teatro, con Héctor Mendoza; titular de la Dirección de Teatro UNAM; del Centro de Experimentación Teatral del INBA; fundador y director de la Casa del Teatro y actual director de la Compañía Nacional de Teatro.

Su trabajo ha sido una incesante búsqueda para reencontrar la dimensión espiritual del teatro y verificar que larealidad es transformable, y todo ello se ve a lo largo de mas de 60 montajes escénicos y de 13 piezas de su autoría. De Tavira encontró en la dirección teatral la identidad de un sacerdocio “Yo me comprometí con el teatro para hablar con Dios”, el conceptote puesta en escena lo llevó a profundas reflexiones sobre la recuperación del sentido medieval de la misa, de la liturgia. Ante un teatro de perspectiva de punto de vista, el maestro propone un teatro de signos que hace visible lo invisible y por medio de lo dicho muestra lo no dicho, en la línea de Pinter, de Botho Satrauss, de Peter Handke, dice que ha llegado el momento de renovar la dramaturgia por una dramaturgia con una responsabilidad compartida, como teatro de contenido.

S. P. G. ¿Cuál es su propuesta de camino teatral?

L. de T. Plantearnos la pregunta por el espectador nacional, por su identidad en una sociedad que está padeciendo problemas tan graves como esta guerra de barbarie, de inseguridad y de crimen en el que estamos, por un lado, por otro este alarmante fenómeno que todavía debemos reflexionar con mayor responsabilidad, que es el irnos convirtiendo en un pueblo de migrantes, el abandono de las pequeñas aldeas, el abandono de la tierra, todo esto está desbaratando el tejido social de lo que somos como patria y como nación y eso es ante todo un problema cultural, sin que deje de ser también un problema socioeconómico pero esto pone a la tarea de la acción de la cultura y la acción del arte y particularmente el del teatro en una perspectiva distinta.

Nos preocupamos mucho por profesionalizar a los hacedores del teatro, por formar a los artistas del teatro y ahí invertimos muchísimo esfuerzo y muchísima tarea, creo que es importante empezar a pensar al revés, empezar a pensar en el destinatario, en el sujeto del derecho al teatro, en el sujeto de la necesidad del teatro para de allí empezar a plantearnos cual es el teatro que puede formar a este espectador, porque no cualquier teatro lo puede formar y una vez que podamos discernir cual es el teatro que puede formar a este espectador, tenemos que pensar en quienes son los actores que pueden hacer ese teatro que cumpla con esta misión.

Después  de realizar sus primero oficios como estibador portuario y estibador Eugenio Barba un día confeso porque tienes esos brazos tan impresionantes: “es que yo cargaba bultos y ese fue mi primer trabajo”, dijo.

El maestro inicia su formación en literatura e historia de las religiones, estudia dirección teatral en Polonia, trabaja con Jerzy Grotowski y en 1964 funda en Oslo el Odin Teatret y se trasladará con su compañía en 1966 a Holstebro, Dinamarca y ahí se establece. A lo largo de 45 años Eugenio Barba y el Odin se han convertido en un referente fundamental, un compromiso ético de la búsqueda incesante, de permanente renovación y su ejemplo, su experiencia, su fascinante aventura creativa ha sido y es un ejemplo para muchos artistas y grupos de diversas latitudes que han apostado por el teatro para construir en él, una vida plena, una cultura de grupo. Eugenio ha dirigido con el Odin y con el Ensamble Theatrum Mundi ha realizado mas de 70 producciones, al observar alguna de ellas el público sale con la certeza de haber asistido a una experiencia única de vida que altera las convicciones, pensamientos, emociones, que enriquece, pone retos, confronta con un grupo de actores, de oficiantes de una liturgia de sumo compleja, lúcidos. De una fortaleza y una convicción excepcionales.

Eugenio creo la Escuela Internacional de Antropología Teatral en 1979 y desde allí ha propiciado un trabajo verdaderamente extraordinario para el diálogo y el encuentro de las culturas teatrales de Oriente y Occidente.

S. P. G. ¿Cuál es su propuesta de camino teatral?

E. B. Partiendo de nuestra biografía, nosotros somos un grupo formado de rechazados de la escuela teatral, nos juntamos, fuimos un grupo de aficionados y aprendimos nuestro saber teatral, nuestra técnica y hoy somos un punto de referencia. El camino del teatro que nosotros proponemos es: tu puedes luchar contra las circunstancias que están en contra, solo debes hacer sacrificios, saber mantener una especie de coherencia, saber aguantar las dificultades, no pensar en ganancias económicas, solo lo que es lo estricto necesario, ese es, al final, el camino del Odin.

Originario de Valencia, España, dramaturgo, director de escena, profesor, gestor, teórico teatral y maestro muy apreciado de la escritura dramática en América Latina. Muy probablemente José Sanchis Sinisterra ha recorrido todos los países de América Latina impartiendo cursos y formando generaciones de dramaturgos.

En 1987 el maestro Sanchis Sinisterra funda y codirige la Sala Becket en Barcelona, que es una sala de referencia en esa ciudad. En 1997 funda el Teatro Fronterizo, un proyecto de investigación de las fronteras entre la narrativa y la dramaturgia. Autor de múltiples obras, cabe mencionar algunas de las mas conocidas La noche de Molly Boom; El retablo de el Dorado; Ay Carmela; Ñaque o de piojos y actores; Crímenes y locura del traidor Lope de Aguirre; El cerco de Leningrado. Misiles melódicos.

Por su trabajo ha recibido muchísimos premios y reconocimientos, entre otros el Premio Nacional de Teatro de España, El Premio Lorca, El premio del Institut de Teatro de Catalunya, El premio Nacional de Literatura Dramática en España.

Viajero incansable, resalta el trabajo que el maestro ha hecho con textos narrativos como Rayuela, de Julio Cortazar, en el espectáculo Carta a la maga.

El se pregunta ¿Qué hay del espectador?. ¿Debe necesariamente ser el mismo de antes, aun cuando a su alrededor todo haya cambiado? Aboga por un espectador activo, un compañero de viaje del proceso autoral y por tanto, un co-creador de la obra. Maestro riguroso, con una infinita capacidad de asombro que ama nuestra geografía latinoamericana. Sanchos Sinisterra constituye un referente del diálogo entre los teatros de América Latina y el teatro español.

S. P. G. ¿Cómo ve el panorama teatral actual?

J. S. S. No se ha hablado tanto, y eso me gusta  de la falta de apoyo, de la falta de subsidio, porque es una especie de vicio que tenemos los teatreros aunque pensemos que el teatro es un servicio publico y que debe ser apoyado por las instituciones. El quejarse permanentemente de esta especie de desvalimiento me parece que no es productivo. Y en ese sentido hay una gran diversidad de relaciones de las instituciones con el teatro, hay países, regiones o incluso ciudades en donde el teatro tiene muy buena resonancia pública y otras en donde el teatro se mueve en la precariedad absoluta, en ese sentido yo creo que México es de los países latinoamericanos  en donde en mayor o menor grado el teatro tiene un apoyo y una posibilidad de supervivencia, hay países muy próximos en donde hacer teatro  es una verdadera tragedia, diríamos.

Otras preocupaciones también dependen de las circunstancias, hay momentos en que a uno le preocupan temas de una dimensión casi planetaria, o por lo menos ampliamente colectiva y otros en cambio, en los que lo que a uno le preocupa, por ejemplo, con la relación, padre hijo, ¿Qué esta pasando ahora con las relaciones familiares? La relación con el propio imaginario, pero, repito, volviendo al origen de la pregunta creo que la preocupación es el germen de cualquier tipo de creación artística digna de ese nombre.

S. P. G. ¿Qué le preocupa ahora?

J. S. S. Me preocupa el poder nefasto de las religiones. Y voy a hacer una declaración de principios, soy ateo militante y muchos años de estudio del hecho religioso y la constelación de lo que está ocurriendo en la realidad, me llevan a adoptar una actitud beligerante frente, fundamentalmente a los tres monoteísmos: el cristianismo, el islamismo y el judaísmo, que yo considero causantes de guerras, genocidios, discriminación de la mujer, impedimento del pensamiento libre, retraso de la ciencia, del progreso, entonces de pronto me veo convertido, por una serie de circunstancias en una especie de ateo militante y la última obra que estoy escribiendo trata de eso.

S. P. G. ¿Cuál es el camino teatral que propone a través de la dramaturgia?

J. S. S. Una cosa interesante que ocurre desde hace 10, 15 años es que, al haberse devaluado los cánones, los dogmas, las modas unilaterales se produce una enorme diversidad, una gran variedad, entonces no se puede hacer un mapa exacto sin conocer muy bien las realidades concretas de cada país y de cada circunstancia. Yo acostumbro señalar un fenómeno, quizás por interés propio en la medida que aparte de dramaturgo soy director y es que se está dando en toda Europa y en muchos países latinoamericanos un retorno del texto dramático, una revalorización de la dimensión literaria del teatro, una especie de regreso del discurso, del pensamiento traducido en texto, en partícula textual al teatro. Hasta hace relativamente poco el texto parecía un anacronismo y yo percibo que hay en generaciones de dramaturgos y dramaturgas jóvenes una revalorización de la palabra dramática, del texto y de esa partícula a través del cual se organiza un discurso sobre un tema  particular, sobre una problemática, etc.  

Bailarín, coreógrafo, compositor Tapa Sudana nació en Bali y a los cuatro años recibió de su padre las bases de la danza balinesa. En Indonesia trabajó con los grandes maestros, fue miembro de la compañía de Peter Brook, de 1979 a 1991, ha trabajado en múltiples compañías, con grandes coreógrafos como Joseph Nash, ha trabajado en teatro musical en Nueva York, París, Luxemburgo, ha participado en múltiples películas y es creador de muchos espectáculos de danza musical con mascaras balinesas. Ha impartido cursos en muchísimos países europeos, así como en Colombia y Venezuela en Sudamérica y es reconocido como el maestro balines,  ha establecido un sistema de vasos comunicantes con los teatros occidentales.

El mas participativo de los ponentes manifiesta: “En Bali los actores se comportan como servidores de una historia, sirven a una historia que debe ser contada, honrada, es necesario que esa historia sea mas importante, mas interesante, superior a ellos. Son servidores los actores de ideas, de frases, de palabras, de cosas invisibles, sus cuerpos son como marionetas que la animan, su conciencia es trascendida. El trabajo del actor consiste en descubrir, cultivar y unificar la expresión de tres mundos: cuerpo, emoción y pensamiento”. 

Autor y director de teatro, la mayoría de los espectáculos de Aderbal Freire han sido creados en Río de Janeiro, Brasil. Algunos de sus espectáculos han sido concebidos para representarse en espacios no convencionales.

Sus investigaciones sobre el equilibrio entre expresión dramática y expresión narrativa encuentran su síntesis en la trilogía de novelas que puso en escena en los años 1991, 203 y 2007 y que constituyen lo que llamó novela-en-escena, una dramaturgia construida sin adaptación literaria.

Algunos de los ponentes opinan en torno a los resultados:

S. P. G. Tu que eres gente de teatro, ¿que tanto esta convergencia pudiera ser de utilidad para el ejercicio escénico de las distintas procedencia de estos caminos?

Ramiro Osorio. A mi me parece que lo que aquí queda, es claro, son procesos, todo esto detona procesos que ni siquiera sabremos a donde lleguen, lo primero, detona procesos personales, yo estoy seguro que las 390 personas que llegaron al congreso, los maestros, en mi caso como moderador, a todos nos toco esencialmente este encuentro, se va uno diferente de aquí, fue como una apertura de los horizontes culturales impresionante para todos. Pero lo que sigue es el proceso de irse complejizando, de ir conociendo mas esto que quedó como una semilla y eso ya es una ganancia, ya solo por eso valió la pena hacer esto.

Otra cosa que me parece absolutamente fundamental del resultado de este evento es que la gente que vino, estoy seguro, que aquí confirmó que dedicarse al trabajo artístico, dedicarse al teatro en concreto, vale la pena, porque vio gente que han dedicado su vida en las condiciones mas adversas, estos transterrados que llegaron a Dinamarca hace 45 años, o como Paolo Magelli, que ha creado en medio de los muertos, en medio de las bombas, que ha sido perseguido, por decir algo.

S. P. G. ¿Qué opina de u n encuentro como el que acaba de concluir, en donde 7 calificadas y experimentadas voces de distintas formaciones y procedencias convergen en este espacio?

JULIA VARLEY.- Para mi es un lujo increíble, es un lujo tener personas con tanta experiencia juntos, es un lujo que cada uno tenga tanto tiempo a disposición como para presentar el propio trabajo y es un lujo tener la pasión que reúne tanto a las personas que son los maestros como todas las personas que han venido para poder asistir a este congreso, la sala se llena de una energía muy especial que no se encuentra todos los días en lo que hacemos

S. P. G. Además exenta de egos y de protagonismos, creo que se dio una gran comunión.

J. V. Si, porque pienso que todas las personas que tienen mucha experiencia en teatro sabe que lo importante no es la propia persona, sino a través de lo que creamos podemos producir como efecto y como imaginación en la mente del espectador y eso es otra cosa.

S. P. G. ¿Cuál es la importancia de que este usted aquí, junto con otras seis experimentadas voces hablando de teatro?

Paolo Magelli. Es la tercera vez que estoy en Guanajuato, estoy muy vinculado con la ciudad, también por razones afectivas y me dio mucho gusto retornar, me dio mucho gusto encontrar e Eugenio, nos conocemos desde hace mucho tiempo, y nos vemos tan poco y de conocer a Luis, ha sido para mi una experiencia maravillosa, me dio mucho impulso para reflexionar y yo también he aprendido algo aquí, sobre todo de los viejos.

S. P. G. Un encuentro como este, ¿qué importancia tiene y de lo aquí vertido, algo se puede aplicar a la escena nacional?

Luis de Tavira. Bueno, yo creo que esto es una experiencia asombrosa de posibilidad de encuentro, de capacidad de reunión, de iniciar esa amistad sin la cual no habrá teatro, este interés, esta avidez, esta consecuencia, esta apertura de tantos jóvenes nos muestra el interés que las nuevas generaciones tiene por el teatro y de su necesidad, pero también este cambio de actitud que puede hacer de nosotros realmente una comunidad al servicio de la sociedad y no mas este gremio insolidario, este gremio de competidores unos de los otros, de mercenarios puestos al servicio del mercado. Esto implica una conversión, un cambio y aquí hay señales de que eso es posible.

S. P. G. ¿Tiene continuidad el proyecto?

Ramiro Osorio. Pues vamos a evaluar, una vez evaluado este proyecto, yo creo que seguramente vamos a hacer cosas, pero debe partir de la evaluación.

Al término de la exitosa jornada los creadores Eugenio Barba, Paolo Magelli y Luis de Tavira ofrecieron dos becas cada uno para que seis afortunados tengan residencias en sus respectivos centros de creación.

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