Abbado Claudio
Bacchus
Caballero Fernand
Dagobert
Eco Umberto
De Falla Manuel
Jean Gabin
Hachette
Dolores Ibarruri
Alfred Jarry
Joseph Kosma
Jean de la Bruyère
Antonio Machado
Napoléon I
Jaques Offenbach
Niccolo Paganini
Salvatore
Qasimodo
François Rabelais
Octavio Paz
Marquis de Sade
Publius Cornelius
Tacitus
Miguel de Unamuno
Sfantul Valentin
Aluizio Gonçalves
de Azevedo
Michel Buttor
Georges Cuvier
François Duvalier
ETA
Louis de Funès
Nicolas Guillén
L’Humanité
Panait Istrati
Jupiter
Louis Lumière
Benito Mussolini
El Escorial
Nostradamus
Publius Ovidius Naso
José Maria Eça de Queiros
Ruy Blas
Italo Svevo
Marguerite Yourcenar
Emille Zola
Fra Angelo
Luigi Boccherini
Tristan Tzara
Maurice Utrillo
Voltaire
Carlos Chavez
Denis Diderot
César Franck
Charles Gounod
Herculanaeum
Alessandro Manzini
Eugen Ionescu
Jeanne d’Arc
Dinu Lipatti
Georges Méliès
Agostinho Neto
Jose Joaquin de Olmedo
Edith Piaf
Alfaro Sequeiros
Rafael Trujillo y Molina
Paul Verlaine
Emiliano Zapata
Juan Leon Mera
Camille Pizarro
Raffaello Sanzio
Joan Miro
Andres Segovia
Andrea Palladio
Roland
Abbado Claudio
(Milán, 1933)
Director de
orquesta italiano. Descendiente de una familia de músicos, estudió en Milán y en Viena; ganó, asimismo,
los premios Kusevitski (1958) y Dimitri Mitrópulos (1963). Director musical y
artístico de la Scala de Milán (de
1968 a 1986), de la Orquesta Sinfónica de Londres
(de 1979 a 1989), de la Ópera del Estado de Viena (de 1986 a 1991) y de la Orquesta Filarmónica de Berlín (desde 1989). En 1987 creó en
Viena la Orquesta Mahler. Ha estrenado obras de Manzoni y de Nono y ha
realizado grabaciones de los ciclos sinfónicos más importantes: sinfonías y
música coral de Brahms, sinfonías de
Mahler, Chaikovski, Prokofiev, Mussorgsky, Dvorak y Mozart.
Manuel de Falla
(Cádiz, 1876 - Alta Gracia, Argentina, 1946)
Compositor español. Con los catalanes Isaac Albéniz y Enrique Granados, el
gaditano ( catalan
din Cádiz) Manuel de Falla es el tercero de los nombres que conforman
la gran trilogía de la música nacionalista española. Fue también uno de los
primeros compositores de esta tradición que, cultivando un estilo tan
inequívocamente español como alejado del tópico, supo darse a conocer con éxito
en toda Europa y América, y con ello superó el aislamiento y la supeditación a
otras tradiciones a que la música hispana parecía condenada desde el siglo
XVIII. Nunca fue un compositor prolífico, pero sus creaciones, todas ellas de
un asombroso grado de perfección, ocupan prácticamente un lugar de privilegio
en el repertorio. Recibió sus primeras lecciones musicales de su madre, una
excelente pianista que, al advertir las innegables dotes de su hijo, no dudó en
confiarlo a mejores profesores. Tras trabajar la armonía, el contrapunto y la
composición en su ciudad natal con Alejandro Odero y Enrique Broca, ingresó en
el Conservatorio de Madrid, donde tuvo como maestros a José Tragó y Felip
Pedrell. La influencia de este último sería decisiva en la conformación de su
estética: fue él quien le abrió las puertas al conocimiento de la música
autóctona española, que tanta importancia había de tener en la producción
madura falliana. Tras algunas zarzuelas, hoy perdidas u olvidadas, como Los
amores de Inés, los años de estudio en la capital española culminaron con la
composición de la ópera La vida breve,
que se hizo acreedora del primer premio de un concurso convocado por la Real
Academia de Bellas Artes de San Fernando. Aunque las bases del concurso
estipulaban que el trabajo ganador debía representarse en el Teatro Real de
Madrid, Falla hubo de esperar ocho años para dar a conocer su partitura, y ello
ni siquiera fue en Madrid sino en Niza. Francia, precisamente, iba a ser la
siguiente etapa de su formación: afincado en París desde 1907, allí entró en
relación con Debussy, Ravel, Dukas y Albéniz, cuya impronta es perceptible en
sus composiciones de ese período, especialmente en Noches en los jardines de España, obra en la que, a pesar
del innegable aroma español que presenta, está latente cierto impresionismo
en la instrumentación. La madurez creativa de Falla empieza con su regreso a
España, en el año 1914. Es el momento en que compone sus obras más célebres: la
pantomima El amor brujo y el ballet El sombrero de tres picos (éste
compuesto para cumplimentar un encargo de los célebres Ballets Rusos de Serge
de Diaghilev), las Siete canciones
populares españolas para voz y piano y la Fantasía bética para piano. Su estilo fue evolucionando a través de
estas composiciones desde el nacionalismo folclorista que revelan estas primeras
partituras, inspiradas en temas, melodías, ritmos y giros andaluces o
castellanos, hasta un nacionalismo que buscaba su inspiración en la tradición musical del Siglo de Oro español
y al que responden la ópera para marionetas El retablo de maese Pedro, una de sus Obras Maestras, y el Concierto para clave y cinco instrumentos.
Mientras que en sus obras anteriores Falla hacía gala de una extensa paleta
sonora, heredada directamente de la escuela francesa, en estas últimas
composiciones su estilo fue haciéndose más austero y conciso, y de manera
especial en el Concierto. Los últimos veinte años de su vida, el maestro los
pasó trabajando en la que consideraba había de ser la obra de su vida: la
cantata escénica La Atlántida, sobre
un poema del poeta en lengua catalana Jacint Verdaguer, que le había
obsesionado desde su infancia y en el cual veía reflejadas todas sus
preocupaciones filosóficas, religiosas y humanísticas. El estallido de la
guerra civil española le obligó a buscar refugio en Argentina, donde le
sorprendería la muerte sin que hubiera podido culminar su última obra. La tarea
de finalizarla según los esbozos dejados por el maestro correspondió a su
discípulo Ernesto Halffter.
Dolores Ibárruri
[La Pasionaria]
(Dolores Ibárruri
Gómez, llamada la Pasionaria) Dirigente comunista española (Gallarta, Vizcaya, 1895 - Madrid, 1989).
Nacida en una familia minera
conservadora, Dolores Ibárruri se interesó por la lucha obrera bajo la influencia de su marido, un militante
socialista con el que se casó en 1915.
Desde que pasó a
la acción con motivo de la huelga general revolucionaria de 1917, Dolores
Ibárruri fue adquiriendo prestigio como oradora
y articulista política, a pesar de que había interrumpido muy pronto su
formación escolar para ponerse a trabajar como sirvienta.
Impresionada por
el triunfo de la Revolución bolchevique en Rusia, Dolores Ibárruri participó
junto con la agrupación socialista de Somorrostro, de la que era miembro, en la
escisión del PSOE que dio lugar al nacimiento del Partido Comunista de España (PCE) en 1920, llegando a formar parte
de su Comité Central en 1930; en 1931 se trasladó a Madrid para trabajar en la
redacción del periódico del Partido, Mundo Obrero.
Su activismo de
luchadora incansable le llevó a la cárcel por dos veces en 1931-33. Recién
elegida diputada por Asturias en 1936, la sublevación de los militares contra
el gobierno de la República acrecentó su carisma popular, al desplegar durante
la siguiente Guerra Civil (1936-39) una gran actividad de propaganda; su prosa
apasionada, sensible y coherente la convirtió en símbolo de la resistencia y
combatividad de la España republicana.
Ya durante la
guerra ascendió al segundo lugar en
influencia dentro del partido, después de su secretario general, José Díaz. Tras la derrota militar se
exilió en la Unión Soviética (1939-77), continuando su labor como representante
de España en la Internacional Comunista. Al morir de Díaz en
1942, Pasionaria le sustituyó como secretaria
general del PCE, cargo del que sería desplazada por Santiago Carrillo en 1960; se mantuvo, no obstante, en el
cargo honorífico de presidenta del
Partido.
Dolores Ibárruri
regresó a España tras la muerte de Franco y la transición a la democracia,
resultando elegida de nuevo diputada por
Asturias (1977). Incluso entonces permaneció aferrada a los viejos ideales
del comunismo prosoviético, que apenas tenían ya eco ni en la sociedad española
ni en el PCE; aquejada por problemas de salud, abandonó pronto su escaño y se
retiró de la política activa.
Fernán Caballero [Cecilia Böhl de
Faber]
(Morge, España, 1796 - Sevilla, 1877)
Escritora española. Hija de un hispanista alemán, pasó su infancia en la
provincia de Cádiz, y en 1805 se trasladó a Hamburgo. Tras enviudar de su primer marido, con quien había marchado
a Puerto Rico en 1816, volvió a España y contrajo nuevas nupcias con el marqués de Arco-Hermoso. Entre 1820
y 1835 redactó dos novelas en alemán: La
familia de Albareda y Sola, publicada en Hamburgo en 1840. Fallecido su
segundo esposo contrajo matrimonio con Antonio Arrom, con quien viajó a Manila
y después a Australia, al ser nombrado éste cónsul de España. En 1849
aparecieron varias novelas suyas: La
gaviota, Una en otra y Elia y,
un año después, Lágrimas, Callar en vida y perdonar en muerte y No transige la conciencia. Durante la
década de 1850 publicó más obras (Cuentos populares andaluces, 1852; Clemencia,
1852; Más largo es el tiempo que la fortuna, 1853; Simón Verde, 1853; Un verano
en Bornos, 1855; Un servilón y un liberalito, 1859), hasta que en 1865 logró un
gran éxito con La farisea. Tras haber obtenido el favor de Isabel II y trabado amistad con los duques de
Montpensier, vivió varios años en el Alcázar de Sevilla, que hubo de
abandonar en 1868. La virtud más destacable de sus novelas es la movilidad de
los personajes y cuadros de costumbres y la creación de una atmósfera
narrativa, que hace muy amena la lectura, por sus tramas ligeras e
intencionadamente ingenuas.
Antonio Machado
(1875-1939) Poeta español, nacido en Sevilla y
muerto en Collioure (Francia). Antonio Machado estudió en Madrid en la Institución Libre de Enseñanza, en
cuyo ambiente laico se formaría su talante liberal y su ancho humanismo.
Después de una
estancia en París (1899 - 1902), en donde conocería y haría amistad con Oscar Wilde, Pío Baroja, Rubén Darío y
Jean Moréas, obtuvo la cátedra de
francés en el Instituto de Soria (1907).
En esta ciudad
conocería a Leonor Izquierdo, con quien contrajo matrimonio en 1909. Logró una
beca para estudiar en París, donde asistió a las clases del filósofo Bergson,
pero una grave enfermedad contraída por su esposa les obligó a regresar. La
muerte de su esposa, ocurrida en 1912 a muy temprana edad, llenaría al poeta de
melancolía y motivaría versos de dolorido acento. Ese mismo año pasó al
Instituto de Baeza.
En 1919 se
trasladó a Segovia, donde debió de conocer a la Guiomar de sus poemas, ocupando
el tema amoroso y erótico un lugar importante en sus Nuevas canciones (1924). De 1926 a 1932 presentó con su
hermano Manuel varias comedias dramáticas. En 1931 se trasladó definitivamente
al Instituto Calderón de Madrid.
En 1927 Antonio
Machado había sido elegido miembro de la
Academia Española y en 1936, al producirse el estallido de la Guerra Civil,
se adhirió con entusiasmo al bando republicano. Cuando se trasladó a Valencia
colaboró de forma asidua en la revista Hora de España, entonces tribuna del
pensamiento democrático.
En 1939, con la
derrota del ejército republicano, sale Machado de España rumbo a Francia como
él había dicho en uno de sus versos: «ligero de equipaje, casi desnudo, como
los hijos de la mar». Estuvo primero en un campo de refugiados españoles, hasta
que la mediación de un grupo de intelectuales franceses (Cassou, Aragon,
Malraux, Mauriac) hizo que el gobierno francés le trasladara a un hotelito de Collioure, donde se
produciría poco después la muerte de la madre del poeta y la de él mismo con
tres días de intervalo.
La poesía de Antonio Machado
Para considerar
la obra de Antonio Machado en conjunto, conviene seguir la evolución de sus
tres principales etapas, que en su sucesión expresan una excepcional aventura
de reflexión en busca del sentido vital, no menos hermosa y fecunda por haber
fracasado.
Ante todo, el
libro Soledades, galerías y otros
poemas, recogiendo su lírica entre 1899 y 1907, presenta
una poesía todavía de signo romántico, subjetivista, explorando el fondo del
alma del poeta en busca de su acento más sincero, aunque ya con sentido de la
imposibilidad de tal empresa. En rigor, tal pretensión de autenticidad a
ultranza acabaría con la posibilidad de hacer versos: Antonio Machado, sin
embargo, puede hacerlos gracias a que utiliza formas populares de su tierra
sevillana que nombran, respecticamente, la situación anímica del poeta y uno de
sus grandes símbolos, las «galerías», los corredores internos de su espíritu y
de sus sueños.
Además, el poeta,
para evitar el monólogo, establece diálogos con sus propios símbolos -la
fuente, la primavera, la noche, etc.-, hasta llegar siempre al fondo de su
búsqueda: el alma se escapa ante sí misma, no sólo porque se la lleva la
corriente del tiempo, desgranada en días de ayer, sino también porque el fondo
último del Yo resulta inaprehensible y se esquiva y se enajena cuando lo quiere
captar la conciencia. Así lo expresa una
de las poesías claves del libro: aquella en que el poeta pregunta a la Noche
dónde está «su secreto», la raíz desde donde sus lágrimas pueden ser de veras
suyas. Pero la Noche responde al
poeta que ella tampoco lo sabe: al asomarse al fondo del alma del poeta, le ha
hallado siempre «vagando en un borroso laberinto de espejos».
Agotado este
intento, Antonio Machado desarrolla la segunda etapa de su obra y de su
experiencia espiritual en abierto contraste con la primera. El libro Campos de Castilla (1912) centra esta
nueva actitud de entrega a la objetividad del mundo externo, sobre todo en el
gran símbolo del paisaje de Castilla. El poeta, desengañado de la pretensión de
hallar dentro de sí mismo la verdad, se vuelve ardientemente hacia la visión realista
de las cosas, y ahora busca insertarse con la tradición popular, no ya de la
canción andaluza, sino del viejo Romancero castellano, como modelo de creación
de «poemas de lo eterno humano».
Más aún: en esto
se siente Antonio Machado precursor de una nueva época del sentir de la
humanidad, extinguido ya el presuntuoso egoísmo de la lírica individualista del
siglo XIX: «Amo mucho más la edad que se avecina y a los poetas que han de
surgir cuando una tarea común apasione las almas.» Abundan en esta colección de
poesías las de tema descriptivo, de entrañable intimidad con el paisaje
castellano y, en ocasiones, con profunda preocupación por los problemas
nacionales e históricos: la culminación de la tendencia que anima este libro,
aunque no de su logro en la calidad, la tenemos en el largo romance La tierra de Alvargonzález, donde el
poeta toma la crónica de un crimen pueblerino convirtiéndolo en leyenda lírica
y en visión emocionada de los campos de Castilla.
Pero también se
quiebra la esperanza del poeta, en esta etapa, de salir de su subjetivismo y,
tomando contacto con las cosas y las gentes, quedar incluso abierto al Dios con
que soñaba y a quien siempre iba «buscando entre la niebla». En coincidencia
significativa, que rebasa la ocasión anecdótica, la muerte rompe entonces su
matrimonio, que era la encarnación viva de su mejor esperanza humana. Castilla
había sido también para él el hallazgo del amor; el profesor de francés del
Instituto de Soria se había casado con una muchachita, sencillamente provinciana,
que muere tres años más tarde. Y su desaparición es el símbolo del hundimiento
en la gran empresa espiritual de Antonio Machado que, recaído en su soledad y
su subjetividad, se vuelve gradualmente un pensador tan profundo como crítico,
tan positivo y esperanzador para los demás como escéptico y desesperanzador
para sí mismo.
El libro Nuevas
canciones (1917-30) forma la transición hacia la etapa final de la obra de
Antonio Machado, en parte prolongando temas y formas de Campos de Castilla, en
parte volviendo a usar las formas del «cante hondo», pero ahora con un sentido
más teórico que lírico, a modo de sentencias de honda filosofía, aparentemente
sencillas, pero cargadas, sin embargo, de inagotable alcance reflexivo.
Autógrafo de Antonio Machado
Comienza a
predominar en su actividad la prosa sobre el verso. Primero son los apuntes de «arte poética» de su imaginario autor Juan
de Mairena: luego, en 1936, será todo un libro bajo el nombre de este
personaje apócrifo, seguido de unos cuantos inolvidables ensayos -sobre
Heidegger, sobre la guerra, sobre Alemania...-. Pero ya los primeros
pensamientos atribuidos a Mairena son algo más que teorización crítica sobre la
propia poesía: Mairena, a su vez, alude a otro mítico autor, Abel Martín, que
habría escrito una importante obra filosófica, cuyo resumen permite a Antonio
Machado exponer, en forma irónica y sin comprometerse técnicamente con la
filosofía, lo más hondo de su experiencia de pensador: el Ser, según Martín,
tiende a desdoblarse, a ir a «lo Otro» -eso es el amor, en sentido metafísico-,
pero ese «Otro» resulta en definitiva un espejismo, un nuevo encuentro con el
mismo punto de partida.
Tales ideas, que
nos hacen pensar en Hegel y todo el idealismo alemán, no llegan, sin embargo, a
borrar la esperanza del hombre en un término objetivo, auténticamente divino,
al margen y a pesar de la razón. Por eso dice: «Confiamos / en que no será verdad / nada de lo que pensamos.» La
poesía es, mientras tanto, tarea de ir dando tiempo al tiempo, de ir inmortalizando
lo vivido en su misma condición de transitoriedad, como instante inolvidable
sorprendido en su huida. De aquí la idea maireniana de la poesía como «palabra
en el tiempo» -sobre todo, en el Romancero, en Jorge Manrique; pero escasamente
en el barroco-. Y así -volviendo sobre el tema de la esperanza en futuras
edades de sentir común entre los hombres- la poesía sale del «rinconcito del
Yo» para ser narración, historia para todos.
Es significativo,
en ese sentido, el curioso diálogo entre Mairena y el imaginario Meneses,
inventor de una «máquina de trovar», que expresa el sentimiento común de un
grupo de personas, jamás el de un individuo, y que de ese modo irá educando a
las masas en la expresión de su propio sentir (aunque, en un momento dado, en
otro trabajo publicado más adelante, al referirse a ese arte profetizado, para
grandes masas, Antonio Machado confiesa en un inciso: «el que esto escribe
aspira a morirse antes de verlo»).
En esa época
final, tan escasa en versos y tan concentrada en reflexiones escépticas, el
poeta se muestra cada vez más obsesionado con la idea de Dios y de Cristo,
saltando por encima del descreimiento de su cerebro para abrirse a la
esperanza, tal vez ya no para él, sino para otros: «Y si el Cristo vuelve, de
un modo o de otro, ¿habremos de renegar de Él sólo porque también le esperen
los sacristanes?» Ahí llega a su extremo la gran paradoja de la vida y obra de
Antonio Machado, con un conflicto entre necesidad de fe y escepticismo
intelectual, cuya profundidad se escapa a la mirada.
Octavio Paz
(Ciudad de México, 1914 - id., 1998)
Escritor mexicano. Nieto de escritor (Ireneo Paz), los intereses literarios de
Octavio Paz se manifestaron de manera muy precoz, y publicó sus primeros
trabajos en diversas revistas literarias. Estudió en las facultades de Leyes y
Filosofía y Letras de la Universidad Nacional.
En 1936 Octavio
Paz se trasladó a España para combatir en el bando republicano en la guerra
civil, y participó en la Alianza de Intelectuales Antifascistas. Al regresar a
México fue uno de los fundadores de Taller (1938) y El Hijo Pródigo. Amplió sus
estudios en Estados Unidos en 1944-1945, y concluida la Segunda Guerra Mundial,
recibió una beca de la fundación Guggenheim, para, más tarde, ingresar en el Servicio
Exterior mexicano.
En 1955 fundó el
grupo poético Poesía en Voz Alta, y posteriormente inició una colaboración en
la Revista Mexicana de Literatura y en El Corno Emplumado. En las publicaciones
de esta época defendió las posiciones experimentales del arte contemporáneo.
Cerró su
actividad diplomática en 1968, cuando renunció como protesta contra la política
del gobierno mexicano ante el movimiento democrático estudiantil. Durante sus
años de servicio Octavio Paz residió en París, donde trabó amistad con André
Breton, pero también viajó por diversos países europeos y asiáticos (en 1962
fue nombrado embajador de México en la India).
Poeta, narrador,
ensayista, traductor, editor y gran impulsor de las letras mexicanas, Paz se
mantuvo siempre en el centro de la discusión artística, política y social del
país. Su poesía se adentró en los terrenos del erotismo, la experimentación
formal y la reflexión sobre el destino del hombre.
Conforman su obra
poética quince títulos: Luna silvestre
(1933); Bajo tu clara sombra y otros poemas sobre España (1937); Entre
la piedra y la flor (1941); Libertad bajo palabra (1949); Águila o sol (1951);
Semillas para un himno (1954); La estación violenta (1958); Salamandra (1962);
Ladera este (1969); Topoemas (1971); Renga (1972); Pasado en claro (1975);
Vuelta (1976); Poemas (1979) y Árbol de adentro (1987).
Su producción en
prosa abarca once obras: El laberinto de la soledad (1950); El arco y la lira (1959); Cuadrivio
(1965); Claude Lévi-Strauss o el nuevo festín de Esopo (1967); Conjunciones y
disyunciones (1969); El mono gramático (1974); Los hijos del limo (1974); El
ogro filantrópico (1979); Sor Juana Inés de la Cruz o las trampas de la fe
(1982); Tiempo nublado (1983) y Hombres de su siglo (1984).
A grandes rasgos
cabe distinguir tres grandes fases en su obra: en la primera, el autor
pretendía penetrar, a través de la palabra, en un ámbito de energías esenciales
que lo llevó a cierta impersonalidad; en la segunda entroncó con la tradición
surrealista, antes de encontrar un nuevo impulso en el contacto con lo
oriental; en la última etapa de su trayectoria lírica, el poeta dio prioridad a
la alianza entre erotismo y conocimiento. En
1990 se le concedió el Premio Nobel de Literatura.
Miguel de Unamuno
(Miguel de Unamuno y Jugo, 1864 - 1936)
La figura más compleja de la Generación
del 98, nacido en Bilbao y muerto en Salamanca. Vasco de linaje, testigo
infantil del sitio de Bilbao por los carlistas en 1874, residió en su ciudad
natal hasta 1880 y allí hizo sus estudios de bachillerato, en el Instituto
Vizcaíno.
Desde entonces
hasta 1884 cursó filosofía y letras en Madrid. Varios años pasaron en
oposiciones infructuosas a diversas cátedras de instituto y de universidad; por
último, en 1891, un tribunal, del que eran jueces Varela y Menéndez Pelayo, le
nombró catedrático de griego en la Universidad de Salamanca. Allí Miguel de
Unamuno se arraigó y vivió casi siempre. Fue rector muchos años, con
interrupciones debidas a destituciones y contratiempos políticos; la primera
vez, en 1914; en 1924, por su oposición a la dictadura de Primo de Rivera, fue
confinado a Fuerteventura (Canarias).
Desde allí huyó a
Francia en un velero francés y permaneció en París y en Hendaya hasta 1930;
fueron años de pasión política, en que cultivó el vejamen y la «poesía civil» y
en que aumentó enormemente su popularidad internacional; años de dolor de
España, asomado a su frontera, nostálgico y anhelante.
La República le
devolvió, en 1931, su cátedra -se encargó de la de historia de la lengua
española- y el rectorado, en el que permaneció, a pesar de haberse jubilado en
1934, hasta el comienzo de la Guerra Civil. Poco después, el último día del año
1936, inconforme y disidente de todos los bandos, lleno de fe en España, en la libertad
y el valor de la palabra y la inteligencia, murió Unamuno, dejando, como dijo
Ortega, «una era de atroz silencio» y un hueco irreemplazable en la vida
española.
Unamuno era el
más viejo de los hombres de la Generación del 98, el que ejerció cierto magisterio
sobre los demás, por ello y por su superior formación intelectual, por la
energía de su pensamiento. Fue siempre una figura polémica, apasionada y
apasionante, extremosa, inquieta, de notable valentía y coraje y de áspera
veracidad. Espíritu hondamente religioso, arraigado en el catolicismo, pero
fuera de la ortodoxia, que vivió su religión agónicamente, pretendiendo «hacer
que todos vivan inquietos y anhelantes», con una fe insegura y con frecuencia
angustiada. Pero junto a su agitación espiritual, su desmesura y su
histrionismo hay que recordar su vida ejemplar, su dignidad privada y pública,
su serenidad en muchas situaciones, su amor de tantos años a su mujer, Concha
Lizárraga, a la que llamó «mi santa costumbre», su profundo sentido de la paternidad
según la carne y según el espíritu, su tenaz apego a hijos y nietos, su sobrio
y medular sentido de España.
La obra de Miguel
de Unamuno
La obra de
Unamuno es muy amplia y variada. Cultivó creadora e innovadoramente todos los
géneros literarios. Escribió libros de ensayo: En torno al casticismo (1895), Vida de Don Quijote y Sancho (1905), Del sentimiento trágico de la vida
(1912) y durante su destierro La agonía
del cristianismo y Cómo se hace una novela.
También escribió
cientos, acaso millares de ensayos breves y artículos de periódico,
desparramados en diarios y revistas de España y América, todavía
incompletamente reunidos en volúmenes; novelas de tan extraña factura que a
veces las llamó «nivolas», que son quizá lo más original y fecundo de su obra
entera: Paz en la guerra (1897), Amor y pedagogía, Niebla, Abel Sánchez, Tres novelas
ejemplares y un prólogo, La tía Tula, San Manuel Bueno, mártir (1931);
cuentos y narraciones breves: El espejo de la muerte, etc.; teatro: El otro, El
hermano Juan, La venda, Fedra, Soledad, Raquel encadenada y Medea; y libros de
poesía, un poco tardíamente, desde Poesías (1907) hasta el Rosario de sonetos
líricos, El Cristo de Velázquez -el más grande poema religioso español desde el
Siglo de Oro-, el relato poético Teresa y el gran Cancionero póstumo, que
comprende, casi como un diario poético, poemas escritos entre 1928 y la fecha
de su muerte. En 1962 acabaron de publicarse sus Obras completas.
Por debajo de la
variedad de temas y géneros literarios, la obra de Unamuno se caracteriza por
la insistencia en un motivo permanente: dispersión y unidad es su carácter
radical. Lo que llamaba, con su habitual exageración, «la única cuestión» era
la de la inmortalidad y la pervivencia personal; saber si hemos de morir del
todo o no.
A fines del siglo
pasado y a comienzos de éste, tal cuestión estaba descartada por la
«inquisición científica»; hacía falta todo el denuedo de Unamuno para poner en
primer plano el tema de la muerte, que después ha ocupado tanto lugar en el pensamiento
de los tres últimos decenios.
Unamuno era
hombre de muy amplia lectura, buen conocedor de los filósofos, teólogos y
poetas, con especial insistencia en los ingleses, alemanes, portugueses y
nórdicos -frente al predominio de la cultura francesa entre sus
contemporáneos-. Conoció muy pronto y leyó en su lengua original a Kierkegaard,
cuando su figura distaba mucho de tener el relieve que hoy ha alcanzado.
Consideraba «hermanas gemelas» a la filosofía y la poesía, y su vocación se
repartió entre ambas.
Había nacido en un ambiente intelectual penetrado
de irracionalismo, de desconfianza en la capacidad de la razón para conocer la
vida y, por tanto, la muerte, y su «intelectualismo desesperado» lo llevó a
hacer, en vez de filosofía estricta, lo que presentaba como fantasmagoría o
mitología, y a buscar, en lugar de la razón, la imaginación, «la facultad más
sustancial», que nos hace penetrar en el espíritu de las cosas y de nuestros
prójimos.
Este fecundo
rodeo le llevó a hacer, en vez de libros filosóficos, novelas y dramas, donde
intentaba poner en juego la imaginación para comprender la vida humana y
conseguir una «anticipación imaginativa de la muerte». Éste fue quizá su mayor
hallazgo intelectual: la novela existencial o, mejor aún, personal -iniciada en
1897, muchos decenios antes de que existiera nada parecido en ningún país ni se
hablara de existencialismo-, en que se intenta asistir a la constitución
temporal de la personalidad, en la narración misma.
La novela se
convierte así en un auténtico método de conocimiento, una vía eficaz de
presentación del tema de un posible análisis filosófico de la vida humana. Las
novelas de Unamuno, a pesar de sus imperfecciones técnicas -esencialidad o
utopismo, esquematización excesiva, omisión de la circunstancia, salvo en la
primera y la última-, representan uno de los descubrimientos más importantes de
la ficción de nuestro tiempo y sus hallazgos han reaparecido en lo más
innovador de la novela contemporánea en Europa y en los Estados Unidos.
Al mismo tiempo, tanto ellas como los ensayos
están llenos de adivinaciones filosóficas y profundas, que han anticipado buena
parte de la filosofía europea de los últimos años, de la cual se puede
considerar a Unamuno como un genial precursor. Se puede reconstruir una «filosofía» de Unamuno,
que en él estuvo negada por sus supuestos irracionalistas, por su voluntad de
evitar toda doctrina y presentar literaria o poéticamente sus descubrimientos.
Así, la idea de
que el personaje de ficción no se distingue del hombre real, con lo cual
Unamuno muestra que el modo de ser de la vida humana se aproxima más al del
«sueño», al de lo que se «cuenta» o se canta, que al de las cosas: el ser de la
vida humana consiste en hacerse, en acontecer, es una historia, y por eso la forma
de acceso intelectual a ella es la narración, el relato, no el «enunciado»
acerca de cosas hechas e inertes. Unamuno describe y respeta la opacidad de la
persona, que siempre oculta un arcano, un secreto personal; y para él la
sustancia de toda novela, de todo drama humano, es un problema de personalidad.
Nunca renunció
Unamuno a su condición de poeta; a última hora, era aquélla a la que más
profundamente se adhería. Sus versos descubrían lo más profundo de su
condición, su verdad más íntima. Fue un gran poeta, a contrapelo de las
tendencias modernistas dominantes en sus años de mocedad, con cierta aspereza y
falta de sensualidad, con escaso sentido musical, con caídas no infrecuentes.
Su gusto no era seguro, pero una parte considerable de su producción poética se
puede poner a la altura de las cimas más altas de nuestro tiempo.
Unamuno parte de
una realidad poética a la cual le es esencial la forma, el verso; al realizarla
poéticamente, se encuentra la idea que ya lleva en sí la experiencia poética
originaria. Es decir, la imaginación extrae de esa realidad rítmica su
«sentido». La poesía elude los conceptos, palpa realidades que van más allá de
ellos, en rigor «inefables», y da un extraño saber de cosas «insabibles». La
metáfora poética, por último, conserva la vivencia original del creador y la
«contagia» al lector, la transmite en su integridad, con su temblor primero.
«Cuando vibres todo entero -soy yo, lector, que en ti vibro.» Este valor de
conservación y transmisión de la vida en su forma más concreta daba un especial
valor a la poesía dentro del sistema de estimaciones de Unamuno.
La obra de éste
ha sido inquietadora y de difícil comprensión, más calor que luz. Su influencia
excitadora, tonificante, como una llamada de alerta, ha sido enorme desde su
juventud. Miguel de Unamuno quería «hacer que todos vivan inquietos y
anhelantes». No fundó escuela, en cambio, ni tuvo seguidores inmediatos, ni
fueron utilizados sus mayores descubrimientos intelectuales. Sólo después de su
muerte, en parte gracias a otros métodos intelectuales, se ha podido comprender
más cabalmente la significación de su obra, se han eliminado elementos
superficiales que a veces la encubrían, ha quedado exento el torso de su
creación.
La influencia de
Unamuno es mayor hoy que durante su vida; es más leído que nunca y la atención
se concentra ahora más en su novela y su poesía que en los escritos que antes
la atraían más. El esfuerzo interpretativo, que se inició hace unos veinte
años, ha conseguido reivindicar para la filosofía el nombre de Unamuno; sus
adivinaciones empiezan a formar, desde otro nivel, un cuerpo de doctrina que se
incorpora a lo más valioso del pensamiento de nuestra época. Ni se puede hacer
historia literaria ni historia de la filosofía de nuestro tiempo sin contar con
Unamuno, que aparece a nuestros ojos como un innovador capital. Y desde el
punto de vista de la interpretación de España y la preocupación nacional,
Unamuno es uno de los autores a quienes se debe la realidad española con la
cual tenemos que habérnoslas, uno de los grandes artífices de la realidad
histórica del pueblo español.
Nicolás Guillén
(Camagüey, 1902 - La Habana, 1989) Poeta
cubano, considerado el máximo representante de la llamada poesía negra
centroamericana, y poeta naciona" de la isla por su obra ligada a la
cultura afrocubana. Nicolas Guillén cursó un año de derecho en La Habana, antes
de abandonar la universidad y volver a su ciudad donde trabajó como tipógrafo y
se dedicó al periodismo en la redacción de El Camagüeyano, en cuyas páginas
inició también su actividad literaria.
A partir de 1925
Nicolas Guillén se instaló en la capital donde participó activamente en la vida
cultural y política de protesta, lo que le supuso breves arrestos y períodos de
exilio en varias ocasiones. En 1937, cuando había publicado ya sus primeros
tres libros, ingresó en el Partido Comunista de Cuba, fundado por su amigo y
también poeta R. Martínez Villena, y participó en el célebre Congreso por la
Defensa de la Cultura, realizado en Valencia en plena Guerra Civil española,
donde conoció a P. Neruda, R. Alberti, F. García Lorca y O. Paz, y su obra
alcanzó difusión europea.
A su regreso a
Cuba, Nicolas Guillén dirigió la revista Mediodía y participó de los
movimientos de vanguardia en las tribunas de Gaceta del Caribe y Revista
Avance. Pasó luego años de exilio, viajando por Sudamérica, y en 1956 recibió
el Premio Lenin de la Unión Soviética, hasta que el triunfo de la Revolución
castrista, en 1959, le permitió regresar a la isla, donde desempeñó distintos
cargos, como la presidencia de la Unión de Escritores, desde 1961, y misiones
diplomáticas de relieve.
La obra poética
de Nicolas Guillén
En cuanto a su
actividad literaria, Guillén se inició en el posmodernismo, aunque pronto su
producción se inscribió dentro de la llamada línea realista de los múltiples
vanguardismos cubanos, cultivando como ningún otro autor la llamada poesía
negra o antillana.
Desde su
condición de mulato expresó con un peculiar sentido rítmico la temática del
mestizaje, en un contexto social y político que manifestaba la dura opresión y
servidumbre sufrida por el pueblo. En sus comienzos le caracterizó incluso una
fonética afrocubana, que más tarde abandonó para desmarcarse de la tradición
oral folclórica.
A esta primera
época pertenecen Motivos de son (1930) y Sóngoro cosongo (1931). Poco después,
con West Indies Limited (1934) se
alejó del mero ejercicio rítmico para incorporar la protesta política y
antiimperialista, orientándose hacia una cólera militante y comprometida con el
hombre.
El poema más
conocido del libro, Balada de los dos
abuelos, indicó la madura aceptación de lo africano y de lo español en una
misma sangre: el abuelo blanco y el abuelo negro, que evocan además la crueldad
del tráfico de esclavos. En poemas como Sensemayá y La muerte del Ñeque se
inspiró en ritos y creencias africanos, sin que ello supusiera un rechazo de la
cultura blanca.
Nicolas Guillén
siguió evolucionando en la dirección de las preocupaciones políticas y sociales
con Cantos para soldados y sones para
turistas (1937), donde todavía conservó formas propias del canto y de la
danza afrocubana al mismo tiempo que se hicieron ya evidentes algunos de los
rasgos estilísticos que predominaron en su lírica posterior, como el uso
frecuente que hizo de onomatopeyas "jitanjáforas" que aparecieron
abundantemente en la obra del fundador del futurismo, el italiano F. Marinetti,
y la creada por el vanguardista cubano M. Brull, así como la rima aguda, las
reiteraciones o la enumeración.
En el mismo año
de 1937 lanzó una acusación hacia el impacto y la injusticia de la Guerra Civil
española y del asesinato de F. García Lorca, en Poemas en cuatro angustias y
una esperanza. Después, aunque conservó siempre una particular claridad
expresiva popular, el elemento rítmico fue decreciendo en beneficio de un tono
más elevado y ambicioso desde El son
entero (1947) hasta La paloma de
vuelo popular (1958) y sus poesías en sazón revolucionaria de Antología
mayor (1964), donde mostró su compromiso con la Revolución cubana y los
desheredados del mundo.
Además, su poesía
se hizo eco también de las inquietudes neorrománticas y metafísicas del
momento, como la trascendencia del amor y la muerte que ocuparon un espacio
importante en su obra. Otras obras en esta dirección fueron: Tengo (1964),
donde manifestó su júbilo ante la Cuba revolucionaria y Poemas de Amor, que
apareció el mismo año. Más tarde publicó títulos como El gran zoo (1967), La
rueda dentada (1972), El diario de a diario (1972) y Por el mar de las Antillas
anda un barco de papel (1977). Además, en Prosa de prisa (1975-1976) recogió
una selección de sus trabajos periodísticos. Y aún dentro de su poesía cabe
destacar el singular Poemas para niños y mayores de edad (1977), donde siguió
demostrando su gran capacidad para conjugar preocupaciones diversas y encontrar
formas de expresión constantemente renovadas.
Maurice Utrillo
(1883-1955) Pintor francés, n. y m. en París. Era hijo natural de la artista y modelo
Suzanne Valadon (1865-1938), y en 1891 fue prohijado por el artista español
Miguel Utrillo. El joven Maurice, desde su infancia, llevó una existencia
desbocada, entregándose al alcoholismo. Realizó sus primeros dibujos y pinturas
a instancias de su madre, que le convenció de que tales trabajos podrían
aliviar sus trastornos alcohólicos, y muy pronto mostró una gran originalidad.
Entre 1902 y 1904
pintó más de 150 obras que, con el tiempo, se considerarían maestras. En el
«período blanco» (1909-14) produjo centenares de cuadros, que vendía a precios
ínfimos. Varias veces fue internado en asilos; pero durante su reclusión seguía
pintando, si bien su arte decaía a medida que recuperaba la salud.
Hacia 1930 se
convirtió en un hombre de costumbres morigeradas, pero las obras producidas en
los dos últimos decenios de su vida no responden al artista genial de otro
tiempo. Iniciado en la pintura por su madre, se incorporó tardíamente a la
escuela impresionista, que ejercería profunda influencia sobre él, y a veces se
inclinó al cubismo. Resaltan
sus obras Le Moulin de la Galette, Lapin agile, Sacré Coeur, La Maison rouge y
Neige sur Montmartre.
Chávez, Carlos
(Calzada de Tacube, México, 1899-Ciudad de
México, 1978) Compositor y director de orquesta mexicano. Prácticamente
autodidacto, Chávez se inició como compositor a edad temprana, y a los
dieciséis años contaba ya con una sinfonía escrita. Sus primeras composiciones
maduras se enmarcan dentro de la estética nacionalista vigente en México en la
primera mitad del siglo XX. Acorde con ella, el músico buscaba su inspiración
en temas históricos y legendarios de su tierra natal, reinventando, y no
citando, su folclor. El contacto con la vanguardia europea, a raíz de un viaje
al Viejo Continente efectuado en 1922, le llevó a adoptar un lenguaje armónico
y rítmico más avanzado, inspirado en Stravinski, aunque sin que el músico
perdiera por ello nunca sus raíces. Excelente director de orquesta, se le debe
la fundación de la Orquesta Sinfónica de México, a la que dirigió desde el año
1928 hasta 1949. Su catálogo incluye los ballets Los cuatro soles (1925) y
Antígona (1940), siete sinfonías, entre las que destaca la llamada Sinfonía
india (1935), y un Concierto para piano y orquesta (1940).
Neto, António Agostinho
(1922-79) Político angoleño, n. cerca de Luanda y m. en Moscú.
Estudió medicina en las universidades de Coimbra y Lisboa. Escribió en sus
tiempos de estudiante un tomo de poesía en favor de la liberación de su país y
en 1960 sufrió su primera detención por las autoridades portuguesas. Pasó dos
años encarcelado en Cabo Verde y en Portugal y en 1962, cuando consiguió
fugarse y llegar hasta Marruecos, después de un nuevo arresto domiciliario,
publicó un segundo volumen de poesía. Ese mismo año asumió la dirección del Movimiento Popular para la Liberación de Angola
(MPLA), la principal guerrilla antiportuguesa. Al mismo tiempo
debía Neto hacer frente a otros dos movimientos guerrilleros: el Frente
Nacional para la Liberación de Angola (FNLA), apoyado por Estados Unidos y
Francia; y la Unión Nacional para la
Independencia Total de Angola (UNITA), de clara orientación derechista, que
recibía, a través de su jefe Jonas
Savimbi, respaldo de la República Sudafricana. El 10 de noviembre de 1975
fue proclamado Neto presidente de la República Popular de Angola, al obtener el
país la independencia al día siguiente. Desde entonces hubo de hacer frente a
una guerra civil abierta, particularmente contra UNITA, contando el respaldo de
la entonces Unión Soviética y de un fuerte contingente de tropas cubanas.
Olmedo, José Joaquín
(Guayaquil,
Ecuador, 1780-id., 1847) Político y poeta ecuatoriano. Se doctoró en derecho y
trabajó como profesor en las universidades de San Marcos de Lima y de Santo
Tomás de Quito. Fue nombrado diputado a las Cortes españolas de Cádiz, y luchó
tenazmente para conseguir la abolición del sistema de trabajo al que estaban
sometidos los indígenas iberoamericanos. En 1814 se opuso al rey Fernando VII,
negándole su autoridad mientras éste no reconociese la Constitución liberal de
1812. Obligado a huir de España tras el restablecimiento del régimen
absolutista, regresó a Guayaquil, donde fue nombrado presidente de la Junta de
Gobierno. Se opuso a la anexión de Ecuador a la Gran Colombia preconizada por
Simón Bolívar. En 1822, a raíz de la invasión de la región de Pichincha por las
tropas bolivianas, se exilió en Perú. Seis años después, regresó a Ecuador y
promovió la secesión del país de la Gran Colombia. Participó en el Congreso de
Riobamba, donde fue nombrado vicepresidente de la República, cargo del que
dimitió por no compartir la dictadura de Flores. Posteriormente apoyó el
gobierno liberal de Rocafuerte durante los cuatro años que éste estuvo en el
poder. Tomó parte en la rebelión contra la segunda dictadura de Flores, dirigió
el gobierno provisional y se presentó sin éxito a las elecciones
presidenciales. Sus poemas más
importantes fueron la oda La Victoria de Junín o Canto a Bolívar y Oda al
general Flores, vencedor en Miñarica.
Rafael LeónidasTrujillo y Molina
(San Cristóbal, República Dominicana, 1891 -
Santo Domingo, 1961). Dictador dominicano. Rafael Leónidas Trujillo era
comandante de la Guardia Nacional, un cuerpo militar creado por los Estados
Unidos para preservar sus intereses en la isla. En 1930 dio un golpe de Estado
y se proclamó presidente de la República Dominicana.
Trujillo ejerció
hasta su muerte un poder dictatorial, si bien durante los años 1938-42 y
1952-61 se sirvió de intermediarios de su confianza para ocupar los principales
puestos políticos (como su propio hermano Héctor Bienvenido, al que situó como
presidente de la República y primer ministro en 1952).
La dictadura de
Trujillo se apoyó en el ejército y la policía, reprimiendo brutalmente a la
oposición. El nepotismo y la corrupción enriquecieron, en detrimento de la
mayoría del país, a una estrecha oligarquía encabezada por el propio clan de
los Trujillo (que se hizo con negocios como el monopolio del tabaco).
En su delirio de
grandeza, Rafael Leónidas Trujillo llegó a cambiar el nombre de la capital
dominicana, rebautizándola Ciudad Trujillo; construyó obras públicas enormes
para perpetuar su memoria; y lanzó a su ejército a operaciones de intervención
en otros países del Caribe. Ante tales excesos, los Estados Unidos dejaron de
apoyarle y promovieron un golpe de Estado militar, en el que murió asesinado el
dictador.
Emiliano Zapata
(San Miguel Anenecuilco, México, 1879 -
Morelos, 1919) Revolucionario agrarista mexicano. Hijo de una humilde
familia campesina, Emiliano Zapata trabajó como peón y aparcero y recibió una
pobre instrucción escolar.
Tenía veintitrés
años cuando apoyó a la Junta de Cuautla en sus reivindicaciones por los ejidos
de Morelos, su estado natal. La persecución desatada contra la Junta por el
régimen porfirista lo llevó a Cuernavaca y luego a México como caballerizo del
ejército.
De regreso en
Morelos, Emiliano Zapata retomó la defensa de las tierras comunales y, en 1909,
fue designado jefe de la Junta de Ayala. Al frente de un pequeño grupo armado,
ocupó las tierras del Hospital y las distribuyó entre los campesinos.
Mientras el
gobernador de Morelos, representante de los intereses de los terratenientes,
enviaba fuerzas contra él, Genovevo de la O se sublevó en Cuernavaca. En el
curso de los dos años siguientes, otros campesinos se levantaron en armas,
entre ellos Tepepa, Merino y el maderista Torres Burgos, con quienes se alió
Zapata. En marzo de 1911 se adhirió al plan de San Luis Potosí proclamado por
Madero y, a la muerte de Torres Burgos, fue designado «jefe supremo del
movimiento revolucionario del Sur».
Tras la caída de
la dictadura de Porfirio Díaz, pronto aparecieron las discrepancias entre
Zapata, quien reclamaba el inmediato reparto de las tierras de las haciendas
entre los campesinos, y Madero, que por su parte exigía el desarme de las
guerrillas. Por fin, Zapata aceptó el licenciamiento y desarme de sus tropas,
con la esperanza de que la elección de Madero como presidente abriera las
puertas a la reforma.
Elegido éste en
1911, y ante el fracaso de nuevas conversaciones, Zapata elaboró en noviembre
del mismo año el plan de Ayala, en el que declaraba a Madero incapaz de cumplir
los objetivos de la revolución y anunciaba la expropiación de un tercio de las
tierras de los terratenientes a cambio de una compensación, si se aceptaba, y
por la fuerza en caso contrario. Los que se adhirieron al plan, que eligieron
jefe de la revolución a Pascual Orozco, enarbolaron la bandera de la reforma
agraria como prioridad y solicitaron la renuncia del presidente.
Las fuerzas
gubernamentales obligaron a Zapata a retirarse a Guerrero, pero el asesinato de
Madero en febrero de 1913 por orden de Huerta cambió la situación. Zapata
rechazó la oferta de Huerta de unirse a sus fuerzas y apoyó a los constitucionalistas
de Carranza contra los huertistas. Nombrado jefe de la revolución en detrimento
de Orozco, que había sido declarado traidor, consiguió derrotar a Huerta
(1913).
En la convención
de Aguascalientes de octubre de 1914 se concretó la alianza de Zapata y Pancho
Villa, representantes del revolucionarismo agrario, contra Carranza, de
tendencia moderada. Si bien ambos entraron poco después en la capital, su
incapacidad política para dominar el aparato del Estado y las diferencias que
surgieron entre los dos caudillos, a pesar de que Villa había aceptado el plan
de Ayala, alentaron la reacción carrancista.
Perseguido por
Pablo González, Zapata se hizo fuerte en Morelos, mientras que Villa era
derrotado en el norte. El aporte de algunos intelectuales como Díaz Soto y Gama
y Pérez Taylor dio solidez ideológica al movimiento agrarista y ello permitió a
los zapatistas organizar administrativamente el espacio que controlaban.
En este sentido,
el gobierno de Zapata creó comisiones agrarias, estableció la primera entidad
de crédito agrario en México e intentó convertir la industria del azúcar de
Morelos en una cooperativa. William Gates, enviado de Estados Unidos, destacó
el orden de la zona controlada por Zapata frente al caos de la zona ocupada por
los carrancistas.
Sin embargo, la
guerra proseguía; en 1917, las tropas de Carranza derrotaron de nuevo a Villa
en el norte. Ante la amenaza que Zapata suponía para el gobierno federal, el
coronel Jesús Guajardo, que dirigía las operaciones gubernamentales contra él,
traicionó y asesinó al líder agrarista tras atraerlo a un encuentro secreto en
la hacienda de Chinameca, en Morelos.
Mera, Juan León
(Ambato, Ecuador, 1832-id., 1894)
Escritor ecuatoriano. Miembro del Partido Conservador, fue senador, gobernador
en dos ocasiones y ministro del Tribunal de Cuentas. Fundó la Academia
ecuatoriana y fomentó la conciencia literaria criollista. Esta preocupación por
la cultura criolla se refleja en su Ojeada histórico-crítica sobre la poesía
ecuatoriana (1868) y en una carta que dirigió a Menéndez y Pelayo en 1883.
Escribió la letra del himno nacional ecuatoriano, los versos de Melodías
indígenas (1858) y la leyenda inca en verso La virgen del Sol (1861). Su obra
más popular, Cumandá o un drama entre salvajes (1879), se inscribe en el género
del melodrama, pues narra los amores frustrados de los hermanos indios Carlos y
Cumandá, ignorantes de su parentesco.
Miró, Joan
(Barcelona, 1893-Palma de Mallorca, España,
1983) Pintor, escultor, grabador y ceramista español. Estudió comercio y
trabajó durante dos años como dependiente en una droguería, hasta que una
enfermedad le obligó a retirarse durante un largo periodo en una casa familiar
en el pequeño pueblo de Mont-roig del Camp. De regreso a Barcelona, ingresó en
la Academia de Arte dirigida por Francisco Galí, en la que conoció las últimas
tendencias artísticas europeas. Hasta 1919, su pintura estuvo dominada por un
expresionismo formal con influencias fauvistas y cubistas, centrada en los
paisajes, retratos y desnudos. Ese mismo año viajó a París y conoció a Picasso,
Jacob y algunos miembros de la corriente dadaísta, como Tristan Tzara. Alternó
nuevas estancias en la capital francesa con veranos en Mont-roig y su pintura
empezó a evolucionar hacia una mayor definición de la forma, ahora cincelada
por una fuerte luz que elimina los contrastes. En lo temático destacan los
primeros atisbos de un lenguaje entre onírico y fantasmagórico, muy personal
aunque de raíces populares, que marcaría toda su trayectoria posterior. Afín a
los principios del surrealismo, firmó el Manifiesto (1924) e incorporó a su
obra inquietudes propias de dicho movimiento, como el jeroglífico y el signo
caligráfico (El carnaval del arlequín). La otra gran influencia de la época vendría
de la mano de P. Klee, del que recogería el gusto por la configuración lineal y
la recreación de atmósferas etéreas y matizados campos cromáticos. En 1928, el
Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus telas, lo que supuso un
primer reconocimiento internacional de su obra; un año después, contrajo
matrimonio con Pilar Juncosa. Durante estos años el artista se cuestionó el
sentido de la pintura, conflicto que se refleja claramente en su obra. Por un
lado, inició la serie de Interiores holandeses, abigarradas recreaciones de
pinturas del siglo XVII caracterizadas por un retorno parcial a la figuración y
una marcada tendencia hacia el preciosismo, que se mantendría en sus
coloristas, juguetones y poéticos maniquíes para el Romeo y Julieta de los
Ballets Rusos de Diaghilev (1929). Su pintura posterior, en cambio, huye hacia
una mayor aridez, esquematismo y abstracción conceptual. Por otro lado, en sus
obras escultóricas optó por el uso de material reciclado y de desecho. La
guerra civil española no hizo sino acentuar esta dicotomía entre desgarro
violento (Cabeza de mujer) y evasión ensoñadora (Constelaciones), que poco a
poco se fue resolviendo en favor de una renovada serenidad, animada por un
retorno a la ingenuidad de la simbología mironiana tradicional (el pájaro, las
estrellas, la figura femenina) que parece reflejar a su vez el retorno a una
visión ingenua, feliz e impetuosa del mundo. No resultaron ajenos a esta
especie de renovación espiritual sus ocasionales retiros a la isla de Mallorca,
donde en 1956 construyó un estudio, en la localidad de Son Abrines. Entretanto,
Miró amplió el horizonte de su obra con los grabados de la serie Barcelona
(1944) y, un año después, con sus primeros trabajos en cerámica, realizados en
colaboración con Llorens Artigas. En las décadas de 1950 y 1960 realizó varios
murales de gran tamaño para localizaciones tan diversas como la sede de la
Unesco en París, la Universidad de Harvard o el aeropuerto de Barcelona; a
partir de ese momento y hasta el final de su carrera alternaría la obra pública
de gran tamaño (Dona i ocell, escultura), con el intimismo de sus bronces,
collages y tapices. En 1975 se inauguró en Barcelona la Fundación Miró, cuyo
edificio diseñó su gran amigo Josep Lluís Sert.
Segovia, Andrés
(Linares, España, 1893-Madrid, 1987)
Guitarrista y pedagogo español. Junto a Narciso Yepes, fue el principal
responsable de la consolidación de la guitarra como instrumento de concierto, a
un nivel comparable al que ocupan el violín y el piano, al menos en cuanto a la
calidad de las piezas. Guitarrista a pesar de la oposición de su familia, que
pretendía que estudiara un instrumento de más prestigio, dio su primer recital
en Granada en 1909. Posteriores conciertos en Madrid y Barcelona hicieron su nombre
popular, al tiempo que Segovia tomaba conciencia de la necesidad de renovar el
repertorio guitarrístico. A tal efecto, llevó a cabo numerosas transcripciones
de obras de Albéniz, Bach o Chopin, y encargos de partituras nuevas a
compositores como Milhaud, Moreno Torroba, Ponce, Rodrigo o Villa-Lobos, entre
otros, a lo largo de sus más de tres cuartos de siglo de carrera. Reconocido
con numerosos premios y distinciones internacionales, en 1981 el rey Juan
Carlos I de España le otorgó el título de marqués de Salobreña.
Palladio, Andrea
(Padua, 1508-Maser, actual Italia, 1580)
Arquitecto italiano. El que había de ser uno de los mayores arquitectos de la
Italia del Renacimiento, llamado a tener una proyección internacional muy
superior a la de la mayor parte de sus coetáneos, fue hijo de un molinero y se
formó como cantero, profesión que ejerció en Vicenza en su juventud. Hacia
1537, un acontecimiento fortuito cambió su destino: el literato Gian Giorgio
Trissino le encargó la construcción de su villa en Cricoli, cerca de Vicenza,
lo introdujo en los ambientes culturales más selectos del Véneto y le impuso el
nombre de Palladio. Además, lo llevó consigo en una serie de viajes, en
particular a Roma (1541, 1545, 1547, 1549), que permitieron al artista entrar
en contacto con la obra de los mejores arquitectos vivos y estudiar, con una
precisión casi arqueológica, los edificios de la Antigüedad. El conocimiento de
estas realizaciones y el estudio del tratado de Serlio formaron su estilo,
absolutamente clasicista, pero muy innovador al mismo tiempo con respecto a lo
que se hacía por entonces. En 1549, el Concejo de la ciudad de Vicenza le
encargó la reconstrucción de las logias del palacio de la Ragione, conocido
como la Basílica; era una obra problemática a la que hasta entonces no había
logrado dar solución satisfactoria ningún arquitecto. Palladio optó por
revestir las antiguas estructuras con una envoltura clasicista, y el éxito de
la obra fue tal que desde aquel momento se convirtió en el arquitecto preferido
de la aristocracia de Vicenza, ciudad en la que construyó importantes palacios.
Entre las décadas de 1550 y 1570 se sitúa el aspecto más conocido y admirado de
su producción: las villas de los alrededores de Vicenza (de La Rotonda a La
Malcontenta), en las que aplicó por primera vez el esquema del templo clásico a
un edificio civil. Casi todas ellas presentan un bloque central, la zona
residencial, a la cual precede una o varias fachadas a base de pórtico y
columnas, y flanquean las alas bajas, que son los edificios agrícolas. A partir
de 1566, desarrolló gran parte de su actividad en Venecia, donde se le deben,
entre otros edificios, las iglesias de San Giorgio Maggiore y del Redentor. Su
última obra maestra fue el Teatro Olímpico de Vicenza (concluido por Scamozzi),
en donde intentó recrear un teatro romano. Fundamentales para la difusión de su
obra fueron sus Cuatro libros de la arquitectura (1570), uno de los textos
teóricos y prácticos más difundidos del Renacimiento, en el que se incluyen
ilustraciones de sus edificios.
Eco, Umberto
(1932- )
Semiólogo y escritor italiano, n. en Turín. Se educó en la Università degli
Studi de Turín y fue catedrático de semiótica en la Politécnica de Milán
(1970-71) y en la Universidad de Bolonia (1971). Sobre temas de sus disciplinas
académicas publicó Il problema estetico in San Tommaso (1956), Sviluppo
dell'estetica medioevale (1959), Opera
aperta (1962), Diario minimo
(1963), Apocalittici e integrati (1964), La
struttura assente (1968), Il costume
di casa (1973), Trattato di
semiotica generale (1975), A Theory of Semiotics (1976), The Role of the Reader (1979) y I limiti dell'interpretazione (1991).
En 1980 apareció su novela Il nome della
rosa (El nombre de la rosa), que supuso una auténtica revolución editorial,
con ocho millones de ejemplares vendidos, traducidos a veinte diferentes
idiomas. Se trata de un denso relato que transcurre en una abadía medieval
italiana y donde, con una estructura similar a la de las novelas policiacas, el
protagonista, un fraile inglés llamado Guillermo de Baskerville, indaga en una
serie de asesinatos y llega a descubrir al autor y a los inductores de todos
ellos. No menor curiosidad produciría en 1988 la segunda novela de Eco, Il pendolo de Foucault (el péndulo de
Foucault), en la que se dan cita los misterios
cabalísticos, el gnosticismo, los ritos templarios y los manuales de ocultismo y esoterismo.
Jarry, Alfred
(Laval, 1873-París, 1907) Escritor
francés. Fue precursor de los dadaístas y de los surrealistas. Su drama Ubú rey
(1896) obtuvo gran éxito y escandalizó por su tono mordaz y grotesco contra la
cultura burguesa. En 1900 apareció Ubú encadenado. Entre sus obras, de fondo
siempre anárquico, cabe mencionar también César Anticristo (1895), El
supermacho (1902) y Hechos y dichos del doctor Faustroll, patafísico (edición
póstuma, 1911). Sus artículos fueron reunidos en La candela verde (1969).
La Bruyère, Jean de
(París,
1645-Versalles, Francia, 1696) Escritor francés. Fue tutor y secretario del
duque de Borbón, y más tarde alcanzó un gran prestigio como hombre de letras
gracias a la publicación de Los caracteres (1688), una traducción y adaptación
de una obra de Teofrasto. La Bruyère arremetió en ella, mediante la fórmula de
la máxima y el comentario crítico, contra la decadencia de la moral y las
costumbres en su época, así como contra la corrupción imperante entre los
gobernantes. De estilo directo y conciso, alejado de los artificios
estilísticos de sus contemporáneos, la mencionada obra fue ampliamente leída
(nueve ediciones hasta 1696) y dio celebridad a su autor, quien, pese a la
oposición de sus detractores, ingresó finalmente en la Academia Francesa en
1693.
Napoleón l
Emperador de los
franceses (Ajaccio, Córcega, 1769 -
Santa Helena, 1821). Nacido en una familia modesta de la pequeña nobleza de
la isla de Córcega -recién incorporada a Francia-, Napoleón siguió la carrera
militar como becario, graduándose en la Academia de París en 1785. Tras el
triunfo de la Revolución francesa (1789) simpatizó con el nuevo régimen, pero
fracasó en su intento de intervenir en política en pugna contra el nacionalismo
corso representado por Paoli.
En 1793 conoció a
Robespierre y se adhirió al partido jacobino. En aquel mismo año adquirió
notoriedad militar, al encargársele el mando de la artillería francesa en el
asedio contra Tolón (ocupada por los británicos); el éxito de la operación le
valió el ascenso a general. Posteriormente, el régimen del Directorio (1795-99)
le empleó en la represión de los múltiples intentos de derrocarle, procedentes
tanto de los realistas como de la izquierda.
Su prestigio
culminó con el mando de la campaña de Italia (1796) que, concebida como una
mera maniobra de distracción en la guerra contra Austria, fue llevada con tal
éxito por el joven general que le hizo dueño de todo el norte de Italia y llegó
a amenazar Viena, obligando a los austriacos a la rendición y desbaratando la
coalición de príncipes italianos que se había agrupado en torno a Austria
contra la Francia revolucionaria: batallas victoriosas como las de Mondovi,
Lodi, Arcole, Rivoli y Bassano acabaron llevando a la Paz de Campoformio
(1797), que otorgó a Francia la orilla izquierda del Rin y un Estado satélite
en el norte de Italia (la República Cisalpina).
Napoleón fue
recibido en Francia como el salvador de la República (tanto más cuanto que el
botín enviado desde Italia contribuyó a sanear las agotadas arcas de la
Hacienda francesa). La tarea de deshacerse del último enemigo que le quedaba a
Francia -Gran Bretaña- resultaba más difícil: tras desistir del proyecto de
desembarcar directamente en la isla, el Directorio concibió la idea de cortar
las comunicaciones británicas con sus colonias en Asia mediante la ocupación de
Egipto, y puso al mando de la operación a Bonaparte para alejarle de París,
donde su popularidad resultaba preocupante.
Napoleón
desembarcó en Alejandría en 1798 y luchó con suerte desigual contra turcos y
mamelucos; pero Nelson le cortó la retirada al hundir la flota francesa en
Abukir, y Napoleón prefirió regresar a Francia dejando a sus tropas abandonadas
en Oriente Medio (1799). Antes de que su popularidad pudiera verse deteriorada
por aquel fracaso o de que se le pudieran exigir responsabilidades por su
conducta, se unió a un grupo de conspiradores en el que participaban su propio
hermano Luciano y el abate Sieyès; él les aportó la fuerza militar que hizo
triunfar el golpe de Estado de 1799 (el 18 de brumario, según el calendario
republicano).
Napoleón se
erigió enseguida en el hombre fuerte de la nueva situación, que se diseñó como
una dictadura personal conservadora, encaminada a salvaguardar algunas
conquistas esenciales de la Revolución (impidiendo el triunfo de una
contrarrevolución monárquica), pero evitando igualmente su prolongación en un sentido
democrático y poniendo fin a la inestabilidad social (descartando toda posible
revancha de los jacobinos). La dictadura, apoyada en la primacía de los
notables, se institucionalizó con la llamada Constitución del año VIII (1799),
en la que formalmente el país quedaba gobernado por un triunvirato que presidía
el propio Napoleón como primer cónsul.
El
fortalecimiento del poder ejecutivo le permitió pacificar el país (acabando con
la insurrección realista de la Vendée) y realizar importantes reformas de orden
interno: normalizó las relaciones del Estado francés con la Iglesia (Concordato
de 1801), completó la obra jurídica de la codificación (promulgando, entre
otros, el Código Civil en 1804), centralizó y racionalizó la administración en
torno a la figura del prefecto, puso en pie un sistema educativo público laico
y eficaz, reorganizó la administración de Justicia estableciendo una jerarquía
única de tribunales estatales, creó el Banco de Francia (1800) e impuso el
franco como unidad monetaria nacional (1800).
Estas reformas,
en las que predominó un sentido racionalizador, uniformizador y estatista,
moldearon las instituciones francesas con arreglo al principio de igualdad
jurídica surgido de la Revolución. Una combinación de reformas militares y
genio estratégico personal le permitió completar la obra en el exterior,
venciendo de nuevo a los austriacos (Paz de Luneville, 1801) y asegurando la
hegemonía continental francesa en un reparto de esferas de influencia con Gran
Bretaña, que conservaba el control de los mares (Paz de Amiens, 1802). Todos
estos éxitos permitieron a Napoleón acentuar el carácter autoritario y
monárquico de su régimen, decretando primero el carácter vitalicio del
Consulado (1802) y proclamándose después emperador (1804).
Aparte de
constituir una respuesta a los intentos por restablecer en el Trono francés a
los Borbones, el Imperio suponía un ideal de poder continental por encima de
los Estados nacionales. Efectivamente, apoyándose en el poder de sus ejércitos,
Napoleón procedió a reorganizar el mapa de Europa en torno a una Francia
fortalecida y extendida por múltiples adquisiciones territoriales (los Países
Bajos, la costa alemana del mar del Norte, la orilla izquierda del Rin,
Cataluña, Piamonte, Génova, Toscana y Roma). Él mismo se hizo coronar rey de un
nuevo reino de Italia; situó a otros miembros de la familia Bonaparte como
soberanos de Estados satélites en Nápoles (Murat), España (José I), Westfalia
(Jerónimo) y Holanda (temporalmente entregada a su hermano Luis); reorganizó
Suiza convirtiéndola en un Estado dependiente de Francia; controló
personalmente el Estado creado en la costa dálmata bajo el nombre de Provincias
Ilíricas; y reorganizó Alemania en 1806, estableciendo el protectorado francés
sobre la llamada Confederación del Rin, en detrimento de la influencia de
Austria (a la que venció en Ulm y Austerlitz en 1805, y de nuevo en Wagram en
1809) y de Prusia (vencida en Jena y Auestadt, 1806); tras vencer a Rusia en
Friedland (1807), le arrebató Polonia, creando en aquel territorio un Gran
Ducado de Varsovia gobernado por el rey de Sajonia, aliado de Napoleón; e
incluso consiguió que uno de sus generales, Bernadotte, se hiciera con la
Corona de Suecia.
Controlada la
práctica totalidad de Europa occidental, el poderío naval de Gran Bretaña le
impidió una vez más doblegar a este último enemigo (batalla de Trafalgar,
1805); intentó entonces rendir a Gran Bretaña mediante un bloqueo continental
que la aislara de los mercados europeos (Decreto de Berlín, 1806), pero los
perjuicios fueron mayores para los comerciantes europeos que para la economía
británica. Aquel primer ensayo de unificación europea llevó a gran parte del
continente las ideas e instituciones surgidas de la Revolución francesa,
extendiendo a otros países la dinámica de transformaciones políticas,
económicas y sociales del liberalismo, que habrían de marcar su entrada en la
Edad Contemporánea.
Sin embargo, las
ambiciones napoleónicas toparon con demasiados enemigos: nacionalistas,
liberales, católicos, tradicionalistas, víctimas del bloqueo continental… La
invasión de España (1808) dio lugar a una insurrección permanente en la
península Ibérica, con una lucha guerrillera que absorbería grandes recursos
humanos y financieros del Imperio.
El posterior
intento de invadir Rusia en 1812-13 le permitió tomar Moscú, pero hubo de
retirarse ante la estrategia rusa de «tierra quemada» y de rehuir las batallas
decisivas; la retirada del Gran Ejército del emperador constituyó un desastre,
por efecto combinado del clima, las grandes distancias y el acoso enemigo,
iniciándose entonces el derrumbamiento del sistema napoleónico (1813). Una gran
coalición de todos los enemigos de Napoleón (con Rusia, Austria, Prusia y Gran
Bretaña a la cabeza) acabó por consolidarse y derrotarle en la batalla de
Leipzig (1813): el emperador tuvo que retirarse hasta territorio francés,
mientras veía esfumarse su anterior poderío en el resto de Europa. En 1814 los
aliados completaban su avance tomando París y Napoleón era obligado a abdicar.
Se le confinó en la isla mediterránea de Elba, mientras los aliados iniciaban
la restauración del Antiguo Régimen en el Congreso de Viena.
Restablecida en
Francia la monarquía borbónica en la persona de Luis XVIII, la arbitrariedad y el revanchismo
de los vencedores causaron pronto descontentos entre la población. Unido esto a
las disensiones políticas que surgieron entre los antiguos aliados, Napoleón se
decidió a intentar recuperar el poder. Escapó de su confinamiento y desembarcó
en Cannes, reuniendo a sus fieles en apoyo del llamado Imperio de los Cien Días
(1815). El rey huyó y Napoleón se puso de nuevo al frente del Estado y del
ejército.
Mientras
intentaba ganarse a los franceses presentándose con un proyecto más liberal,
preparó la inevitable confrontación militar contra los aliados. Ésta se produjo
en la batalla de Waterloo (Bélgica), donde los aliados derrotaron
definitivamente a Napoleón bajo el mando de Wellington. La segunda restauración
castigó más duramente a Francia y a Napoleón, que fue desterrado en peores
condiciones a la lejana isla de Santa Helena (océano Atlántico), bajo control
británico. Allí permaneció hasta su muerte, viendo deteriorarse su salud
gradualmente, al tiempo que dictaba al conde de Las Cases unas memorias en
donde interpretaba su labor como un intento de continuar y consolidar la obra
de la Revolución de 1789, añadiéndole una idea de orden y extendiéndola por el
resto de Europa.
Visita también el
monográfico Napoleón I Bonaparte
Paganini, Niccolò
(Génova, 1782-Niza, 1840) Violinista,
guitarrista y compositor italiano. Rodeado de una aureola mefistofélica por sus
propios contemporáneos, asombrados ante su dominio del instrumento y su vida
desordenada y aventurera, Paganini fue el violinista por antonomasia del romanticismo.
Niño prodigio, antes de cumplir los catorce años dominaba ya todos los secretos
del violín, al extremo de que sus profesores reconocían no tener nada más que
enseñarle. La gira que emprendió en 1828 por ciudades como Viena, Praga,
Varsovia y Berlín lo consagró como el mejor violinista de su tiempo, capaz de
extraer al instrumento músico sonidos y efectos inconcebibles. Su estilo
brillante y, en ocasiones, efectista, desarrolló de manera considerable las
posibilidades técnicas del violín, explorando diversos recursos como las
triples cuerdas, glissandi, pizzicati y arpegios, explotados en sus propias
composiciones en las que destacan los Veinticuatro caprichos para violín solo
Op. 1 (1818), seis conciertos para violín y orquesta, nueve Cuartetos para
guitarra y arcos (1806-1816) y piezas como La danza de las brujas (1813) y
Tarantella (1830).
DAGOBERT II
Commemorativo
il 23 dicembre
Profilo
Figlio del re San
Sigebert di Austrasia. Sulla morte del Sigebert in 656 quando Dagobert era ancora
un bambino, il throne è stato rubato dal guardiano Gimoald del Dagobert per
fare il suo proprio re di Childebert del figlio .
Dagobert è stato rapinato ed exiled in Irlanda ed in Inghilterra in cui è stato
disposto con Dido, bishop di Portiers. Scuola assistita a alla corte del re . Amico di San Wilfred di York. Ha sposato una
principessa inglese ed ha avuto parecchi bambini, due di chi erano San Irmina e
San Adela. Combattuto contro Theodercus III. Finalmente ricordato a Austrasia
per una riunione presunta, ha morto "in un incidente di hunting"
quella maggior parte di sega mentre un omicidio ha commesso permanente per
rimuoverlo da consideratoin per il throne.
Morto
il 23 dicembre 679
al Lorraine, Francia nell'incidente di hunting; può essere assassinato ed ha
considerato un martyr
Jean Gabin
Nom Jean Alexis Moncorgé
Né le 17 Mai 1904
Lieu : Paris 23, boulevard Rochechouart
Entouré de ses
six frères et sœurs.
Une mère chanteuse(d'Hélène
Petit) de café-concert
Un père Joseph comédien d'opérettes
Décédé le 15 Novembre 1976
Lieu : Neuilly (A
72 ans)
Il sera incinéré
et l'urne contenant ses cendres sera jetée, en pleine mer, au large de Brest.
1927 : Il épouse
Gaby Basset
1930 : Il débute
dans Chacun sa chance.
1936 : Il devient
une star, tourne dans La belle équipe, Les Bas-fonds, Pépé-le-Moko. Deux ans
plus tard, il jouera dans La bête humaine.
1940 : Départ
pour Hollywood, où il rencontre Marlène Dietrich.
1943, Jean GABIN s'engage dans les Forces
Françaises Libres, et finit la guerre comme chef de chars dans la 2ème D.B.
1949 : Mariage
avec Christiane Fournier, dite Dominique. Trois enfants naîtront.
1953 : C'est à
nouveau le triomphe grâce à Touchez pas au grisbi.
1960 : Il reçoit
la légion d'honneur.
1962 : 700 agriculteurs
encerclent sa propriété que sa famille vendra en 1977.
1976 :
Disparition de Jean Gabin le 15 novembre, dont les cendres seront dispersées
dans la mer d'Iroise, à 20 milles de Brest.
2002 Sa fille
Florence Mongorré va publier un livre sur son père en février 2003
Jean Nicolas Pierre Hachette
Jean Nicolas Pierre Hachette's father was Jean Pierre
Hachette, a bookseller by trade, while his mother was Marie Adrienne Gilson. He
attended the Collège de Charleville, then went on to attend courses at the
École Royale du Génie of Mézières where he was taught by, among others, C Ferry
and Monge. This first contact with Monge would be one of many throughout his
career, and even at this young age Hachette greatly impressed him.
In 1785, when Hachette was sixteen years old, he entered the
Of course 1789 was an eventful year in French history with
the storming of the Bastille on
However, political events were gathering pace.
Ferry was elected to be a deputy on the National Convention
in 1873 and Hachette returned to the École Royale du Génie of Mézières to take
over his position teaching mathematics. During this period Hachette showed his
strong support for the Revolution. He was [1]:-
... active in the political life of his native city, and at
the École du Génie he sought rapid training of officers qualified for the
revolutionary army and to remove teachers and students whose patriotism seemed
doubtful to him.
This period in his life was short, however, for in the
following year the Committee of Public Safety in
In 1799 Hachette was promoted to full professor at the École
Polytechnique and continued to serve the School both as a teacher and an
organiser. The students at the School were served well as Hachette encouraged
his best students with research projects, raising the level and reputation of
the School. He was an editor of the Journal de l'École Polytechnique and then
in 1804 created a new publication for the School setting up the Correspondance
sur l'École Polytechnique. Hachette edited this publication until he was forced
out of the School in 1816. The book [2] discusses these two publications, and
Hachette's role in them.
Another educational establishment, the École Normale, was
set up to train secondary school teachers and from 1810 Hachette taught there
and at the Faculty of Sciences in
Hachette worked on descriptive geometry, collected work by
Monge and edited Monge's Géométrie descriptive which was published in 1799. He
also published on a wide range of topics from his own major works on geometry,
to works on applied mechanics including the theory of machines. His work on
machines includes much in the area of applied mechanics, but he was also
interested in applied hydrodynamics and steam engines. In fact he published
interesting work on the history of steam engines.
The final area which interested Hachette was physics. Again
his interests in this topic were wide, including work on optics, electricity,
magnetism and scientific instruments. His contribution is summed up in [1] as
follows:-
Although not a scientist of the first rank, Hachette
nevertheless contributed to the progress of French science at the beginning of
the nineteenth century by his efforts to increase the prestige of the École
Polytechnique and by making Monge's work widely known, especially in
descriptive and analytic geometry and in the theory of machines.
ALFRED JARRY
Poète, dramaturge
et romancier français
Né à Laval le 08 septembre 1873
Décédé à Paris le 01 novembre 1907
«L'amour est un
acte sans importance, puisqu'on peut le faire indéfiniment.»
Alfred Jarry
LA BIOGRAPHIE DE
ALFRED JARRY
Alfred Jarry
passe son enfance à Laval, puis, à
la suite de la séparation de ses parents, à Saint Brieuc avec sa mère et son
frère. Il entre au lycée de Rennes
où il se montre brillant mais aussi turbulent, provocateur et adepte du
canular. C'est à cette époque qu'il crée le fameux personnage d'Ubu Roi. Lors de la première représentation en 1896, c'est le scandale. En effet,
initiateur de la 'pataphysique', il s'amuse à déformer les mots et refuse les
règles classiques du réalisme et de la psychologie. Anarchiste, il y fait une
satire boufonne mais cruelle du pouvoir tyrannique. Il a inspiré nombre
d'auteurs du théâtre de l'absurde comme Ionesco et Beckett et est souvent
considéré comme l'ancêtre du surréalisme. Il a aussi prouvé ses talents de
poète symboliste ('César Antéchrist' par exemple), et de romanicer ('Jours et
nuit' et 'Surmâle'). S'il a longtemps incarné la bouffonnerie du père Ubu, ses problèmes
de santé et l'abus d'absinthe finiront par le rattraper...
SES ANECDOTES
> Débit de
poison
Adepte de cette
boisson, Alfred Jarry appelait l'absinthe 'herbe sainte'... Elle le tua
pourtant.
SES CITATIONS
> La plus
noble conquête du cheval, c'est la femme.
Extrait des
Pensées hippiques
>
L'indiscipline aveugle et de tous les instants fait la force principale des
hommes libres.
Extrait d’Ubu
enchaîné
> L'amour est
un acte sans importance, puisqu'on peut le faire indéfiniment.
Le surmâle
Les 16 citations de Alfred Jarry dans
Citations du Monde
SES LIVRES
> Oeuvres
Les surréalistes
l'ont salué comme leur précurseur. Alors que le symbolisme avait fait de la
littérature une religion, il est entré dans l'église pour proférer d'horribles
blasphèmes.
Ubu Roi
Ecrite pendant ces années au lycée et jouée pour la première fois par ses petis camarades, ‘Ubu Roi’ est le premier volet du cycle des Ubu.
Joseph Kosma ~
Kozma Jozsef
Joseph Kosma est
un compositeur français d'origine hongroise né le 22 octobre 1905 à Budapest et
mort le 7 août 1969 à la Roche Guyon.
" Les
enfants qui s'aiment, Démons et merveilles, Méfiez-vous de Paris, Au jour le
jour à la nuit la nuit... : il suffit de citer ces quelques titres de vraies
chansons, ou même d'en fredonner l'air pour situer Joseph Kosma. Le plus grand
musicien français de cinéma, après Maurice Joubert. Et comme ce dernier, ayant
réussi à ne jamais se laisser corrompre par le " système ", à
n'œuvrer - presque - que pour la postérité, jamais pour la trompeuse actualité.
Et, par-dessus tout, dans le respect absolu du public ; toutes vertus capitales
qui ne courent pas les rues. "
C.B. : Cinéma 69-
Septembre p12-13
" Les feuilles mortes, Démons et merveilles,
Les enfants qui s'aiment, Méfiez-vous de Paris,..." : ces chansons, dont
beaucoup ont été popularisées par le cinéma, suffisent à situer l’art de Joseph
Kosma : dans la lignée de Maurice Jaubert, celle d’une authentique musique
populaire, ancrée dans la réalité quotidienne et l’enrobant d’une fine pellicule
de poésie, prolongement idéal des dialogues de Jacques Prévert, avec un zeste
de préciosité " tzigane " qui lui appartient en propre. "
Joseph Kosma fait
ses études au Conservatoire Franz Liszt de Budapest et travaille notamment avec
L. Weiner. Il mène en même temps ses études musicales et ses études
secondaires. De 1926 à 1928, il est nommé chef d’orchestre assistant de l’Opéra
National et participe à la création de théâtres de danse d’avant-garde. En
1929, il obtient une bourse pour continuer ses études à Berlin. Il collabore
avec Hanns Eisler et rencontre Bertolt Brecht, Kurt Weill, ainsi que Hélène
Weigel. Après un début de carrière classique en tant que directeur d’orchestre
à l’Opéra de Berlin, il rejoint le théâtre ambulant de Bertolt Brecht, puis
s'installe à Paris en 1933 où il sera naturalisé français en 1949.
Le compositeur
classique et populaire
Joseph Kosma
débute à Paris une intense activité de compositeur. Ses musiques font sa
réputation, en particulier celles écrites en collaboration avec Jacques
Prévert, qui représentent plus de 80 chansons. A la
Libération, Agnès Capris, Yves Montand, Cora Vaucaire, les Frères Jacques,
Mouloudji, Germaine Montero et Juliette Gréco contribuent à rendre ses chansons
populaires. Les Feuilles mortes, Barbara, En sortant de l’école, les Enfants
qui s'aiment, la Pêche à la baleine et Inventaire portent la marque de Prévert
et de Kosma, alors caractéristique de la chanson intellectuelle qui était
répandue à Saint-Germain-des-Prés. Les poèmes de J. Prévert n’ont jamais été
aussi bien mis en valeur que par les musiques de Kosma, qui leur apportent
rapidement une grande audience et une popularité mondiale. Les Feuilles mortes
en reste l’un des plus brillants exemples. Ces chansons ont un accueil
enthousiaste aussi bien dans les cercles intellectuels que par le public. Le
grand talent de Kosma repose précisément dans sa manière de mettre la mélodie
ou le rythme au service du texte, sans imposer la présence du musicien. En
1956, il reçoit un Grand Prix du Disque pour la chanson Inventaire. Il
participe aussi à la création du petit théâtre d’art La Rose Rouge sur le
boulevard Saint Germain.
Joseph Kosma met
également en musique des textes de Raymond Queneau (Si tu t'imagines), Robert Desnos (la Fourmi), Aragon ainsi que des pièces de Jean-Paul Sartre et
George Schéhadé. Il réussit en particulier la composition de pantomimes pour
Marcel Marceau dès 1952, de musiques de scènes pour Billetdoux ainsi que
plusieurs ballets pour Roland Petit et Yvette Chauviré dont il est directeur
d’orchestre à Paris: Le rendez-vous pour Roland Petit en 1945, Baptiste pour
Jean Louis Barrault et L’écuyère pour S. Lifan en 1949 ainsi que Le pierrot de
Montmartre en 1952.
Il est aussi
l’auteur d’autres chansons, de chœurs, de musiques de chambre et d’orchestre,
d’oratorios et d’opéras, telles la Suite languedocienne, un Concertino pour
clarinette et orchestre ainsi qu’une Sonatine pour violon. Deux de ses
oratorios sont Les ponts de Paris en 1947 et A
l’assaut du ciel. Il monte des opéras comiques comme Les chansons de Bilitis en
1954 et La Weber de Lyon en 1959 à Paris, Berlin, Lyon et met en scène un opéra
bouffe en un acte sur un livre d'André Kédros, Un amour électronique, en 1962.
Un oratorio sur un poème de Jacques Gaucheron Les Canuts est créé à Budapest,
mis en place à l'Opéra de Berlin en 1959 et repris à Lyon en 1964. Quelques
semaines après sa mort, l’opéra de Lyon monte son opéra satirique Les Hussards,
le 21 octobre 1969, qui témoigne d’une évolution, d’un style plus élaboré de Joseph
Kosma.
Le musicien de
cinéma
Ses débuts au
cinéma commencent en 1935 en même temps que Marcel Carné, avec Jenny, suite à
un concours organisé par les producteurs. La même année, il participe avec Jean
Lurçat à la curieuse entreprise du film La
marche de la faim. L’un de ses premiers travaux pour le cinéma est la
chanson de Florelle-Valentine pour le Crime
de M. Lange de Jean Renoir en 1936, sur un texte de Jacques Prévert :
" Au jour le
jour
A la nuit la nuit
A la belle étoile
C’est pour ça que je vis... "
Ces premiers
essais de musiques de films mettent en valeur ce mélange savant de tzigane et
de populisme qui sera une constante du " style Kosma ". Il compose la
partition musicale de plus de 100 films.
Ses rapports amicaux avec certains des meilleurs réalisateurs et écrivains de
cinéma de l'époque lui permettent de participer à la réalisation de grandes
œuvres du cinéma français. Il travaille sur la plupart des Renoir
d’avant-guerre. On peut évoquer la belle
symphonie du rail de La bête humaine
ainsi que les musiques de La Marseillaise et de la Règle. Sous l'Occupation, il
participe de manière anonyme à certains films de Prévert, Jacques ou Pierre.
Joseph Kosma est le musicien du groupe que forment Jacques Prévert, Marcel
Carné et le décorateur Trauner. Grâce à Prévert, il se lie aussi à Paul
Grimault et écrit pour lui la musique d’un court-métrage de dessins animés, le
Petit soldat en 1947. La collaboration de Kosma, Prévert et Grimault est
cependant remise en cause par les difficultés de production rencontrées pour le
film La bergère et le ramoneur en
1952, qui possède néanmoins une orchestration superbe.
Joseph Kosma est un musicien mélodique
original, dont le style personnel s’inspire d’une très grande diversité. Ses
préférences se tournent surtout vers des mélodies élégiaques, d’autres
tendances peuvent aussi se rencontrer, en particulier l’étonnante "
ouverture classique " dans le générique du film de Henri Decoin, Au grand
balcon en 1949. La musique de Kosma est aussi remarquée dans le motif
d'ouverture du Sang des bêtes, rappelant un blues, ou dans des films tels que
Trois Télégrammes, La Marie du Port, La Belle que voilà,... Après la
Libération, il travaille pour Marcel Carné dans Voyage Surprise
, puis fait la partition du film Les
amants de Vérone avec Prévert. A partir de1955, il participe de nouveau à
des œuvres de Renoir. Il réalise tout d'abord la musique d’Orvet au théâtre,
puis se penche sur l'Air des Bohémiens d'Elena, la Flûte de Pan du Déjeuner sur
l’herbe et la poésie dans les ténèbres de Cordelier. Travaillant souvent avec
Henri Calef, Paul Le Chanois ou Jean Devaivre, il compose aussi pour Bunuel et
Bardem. Il reçoit le Prix de la meilleure partition musicale au Festival de
Cannes 1951 pour Juliette ou La Clé des Songes.
" Ses collaborations
à l’art cinématographique (dés 1936) lui permettront de développer ses théories
sur la musique " engagée " en ce sens que, pour lui, la partition
d’un film doit être autre chose qu’un simple " accompagnement divertissant
". Kosma sera un des musiciens qui essayèrent de doter leurs travaux d’une
véritable identité musicale posée en complémentarité ou en parallélisme au
film. Cherchant à se dégager de l’inévitable " générique à chansons "
en vigueur à l’époque, Joseph Kosma impliquera son expérience des variétés de
cabaret aux rengaines de l’écran, désincarnant le classique schéma couplet /
refrain au profit d’une liberté des textes et d’une texture instrumentale
considérée alors comme révolutionnaire. "
Jean de La Bruyère
Moraliste
français (1645-1696). Auteur des Caractères, dont la forme est inspirée des
Caractères de l'écrivain de l'antiquité grecque, Théophraste. Dès sa parution,
l'ouvrage connut un vif succès et valut à son auteur, protégé de Bossuet et
précepteur de la famille Condé, un siège à l'Académie. La Bruyère occupe une
place importante dans la lignée des moralistes français, à la suite de
Montaigne et de La Rochefoucauld. Grâce à un esprit droit et un jugement d'une
entière indépendance, il a su dégager de ses observations sur la société, la
cour et les grands de son époque, une part de ce qu'il y a d'invariant dans la
nature humaine. Au-dessus de ces portraits peints avec un grand souci du style,
plane un pessimisme poignant: l'homme n'est pas fait pour le bonheur et on doit
se méfier de ceux qui en font l'étalage. L'homme ne se sent pas naître, il est
terrorisé à l'idée de mourir et il oublie de vivre; les enfants sont hautains,
envieux et sans pitié: ils sont déjà des hommes: voilà quelques-uns des traits
que lui inspire la nature humaine. On a voulu voir en lui un réformateur, un
précurseur des Lumières et de la Révolution, pour sa compassion, rare à son
époque, envers le peuple et la paysannerie que le sort condamne à peiner pour
maintenir une noblesse qui n'a souvent de grand que le nom.
Jean de La Bruyère
«LA BRUYÈRE (Jean de), moraliste français, à Paris le 16 né août 1645, mort à
Versailles le 10 mai 1696. On a longtemps cru qu'il était né dans un
village voisin de Dourdan, jusqu'à ce que l'on eût retrouvé son acte de baptême,
qui établit qu'il a été baptisé le 17 août 1645 à l'église Saint-Christophe,
dans la Cité. Il était le fils aîné de Louis de La Bruyère, contrôleur général
des rentes de l'Hôtel de Ville, bourgeois de Paris, et d'Elisabeth Hamonyn. Son
trisaïeul paternel, Jean de La Bruyère, apothicaire dans la rue Saint-Denis, et
son bisaïeul, Mathias de La Bruyère, lieutenant civil de la prévôté et vicomté
de Paris, avaient joué, au XVIe siècle, un rôle actif dans la Ligue. Il fut
vraisemblablement élevé à l'Oratoire de Paris, et, à vingt ans, obtint le grade
de licencié ès deux droits à l'Université d'Orléans. Il revint vivre à Paris
avec sa famille, dont la situation de fortune était assez aisée, et fut inscrit
au barreau, mais plaida peu ou point. En 1673, il acheta une charge de
trésorier général de France au bureau des finances de la généralité de Caen,
charge qui valait une vingtaine de mille livres, rapportait environ 12,350
livres par an, et conférait en outre l'anoblissement; il fit le voyage de
Normandie pour son installation, puis, les formalités remplies, il retourna à
Paris et ne parut plus à Caen. Il vendit sa charge en 1686. Depuis le 15 août
1684, il était l'un des précepteurs du jeune duc de Bourbon, petit-fils du
grand Condé. Cet emploi fut confié à La Bruyère, d'après l'abbé d'Olivet, sur
la recommandation de Bossuet, "qui fournissait ordinairement aux princes,
a dit Fontenelle, les gens de mérite dans les lettres dont ils avaient
besoin". On ignore d'ailleurs comment La Bruyère connaissait Bossuet.
Le jeune duc de
Bourbon était âgé de seize ans, et il venait d'achever sa seconde année de
philosophie au collège de Clermont (Louis-le-Grand), qui était dirigé par les
jésuites. C'est avec deux jésuites encore, les pères Alleaume et du Rosel, et
avec le mathématicien Sauveur, que La Bruyère partagea le soin d'achever
l'éducation du jeune duc, auquel il était chargé d'enseigner, pour sa part,
l'histoire, la géographie et les institutions de la France. Condé suivait de
près les études de son petit-fils, et La Bruyère, comme les autres maîtres,
devait lui faire connaître le programme de ses leçons et les progrès de son
élève, qui, à vrai dire, était un assez mauvais élève. Le 24 juillet 1685, le
duc de Bourbon épousa Mlle de Nantes, fille de Louis XIV et de Mlle de
Montespan, qui était âgée de onze ans et dix mois; La Bruyère fut invité à
partager ses leçons entre les deux jeunes époux. Le 11 décembre 1886, Condé
mourut à Fontainebleau, et l'éducation du duc de Bourbon fut considérée comme
terminée. La Bruyère resta néanmoins dans la maison de Condé en qualité de
gentilhomme de Monsieur le duc, ou "d'homme de lettres", suivant
l'abbé d'Olivet, avec mille écus de pension. Ces fonctions assez vagues
laissaient à La Bruyère le loisir de travailler selon ses goûts, et elles lui
permettaient d'observer à son aise ces grands et ces courtisans dont il devait
faire de si mordants portraits. Mais il eut certainement à souffrir du
caractère insupportable des «Altesses à qui il était», et que Saint-Simon nous
a dépeintes sous de si noires couleurs. «Fils dénaturé, cruel père, mari
terrible, maître détestable...», tel était, d'après l'auteur des Mémoires,
Henri-Jules de Bourbon, fils du grand Condé; et quant à son petit-fils, l'élève
de La Bruyère, "sa férocité était extrême et se montrait en tout. C'était
une meule toujours en l'air, qui faisait fuir devant elle, et dont ses amis
n'étaient jamais en sûreté, tantôt par des insultes extrêmes, tantôt par des
plaisanteries cruelles en face, et des chansons qu'il savait faire sur-le-champ,
qui emportaient la pièce et qui ne s'effaçaient jamais... Il se sentait le
fléau de son plus intime domestique..." La Bruyère, qui avait
naturellement l'humeur sociable et le désir de plaire, souffrit de la
contrainte que lui imposait l'obligation de défendre sa dignité. Il évita les
persécutions auxquelles était en butte le pauvre Santeul, mais on sent
l'amertume de l'amour-propre blessé dans les plus âpres passages de son
chapitre des Grands.
La première
édition des Caractères parut
en mars 1688, sous ce titre: les Caractères de Théophraste, traduits dit
grec, avec les caractères ou les mceurs de ce siècle. À Paris, chez Etienne
Michallet, premier imprimeur du Roy, rue Saint-Jacques, à l'Image Saint Paul.
M. DC. LXXXVIII. Avec privilège de Sa Majesté, in °12. — Le nom de l'auteur ne
figura sur aucune édition publiée de son vivant.
Bien que cette
première édition contint surtout des maximes, et presque point de portraits, le
succès fut tout de suite très vif, et deux autres éditions parurent dans la
même année 1688, sans que La Bruyère eût le temps de les augmenter notablement.
En revanche, la 4e éd. (1689) reçut plus de 350 caractères inédits; la
cinquième (1690), plus de 150; la sixième (1691) et la septième (1692), près de
80 chacune; la huitième (1693), plus de 40, auxquels il faut ajouter le
discours à l'Académie. Seule, la 9e éd. (1696) qui parut quelques jours après
la mort de La Bruyère, mais revue et corrigée par lui, ne contenait rien
d'inédit. La vente de son ouvrage n'enrichit point La Bruyère, qui d'avance en
avait destiné le produit à doter la fille de son libraire Michallet — cette dot
fut de 100,000 fr. environ, suiyant certaines estimations, etde 2 à 300,000 fr., suivant d'autres.
La Bruyère se
présenta à l'Académie en 1691, et ce fut Pavillon qui fut élu. Il se représenta
deux ans plus tard, et cette fois fut élu, le 14 mai
1693, en remplacement de l'abbé de La Chambre. Il avait été chaudement
recommandé par le contrôleur général Pontchartrain. Son discours de réception,
qu'il prononça le 15 juin de la même année, souleva des orages. Il fut
violemment attaqué dans la Mercure Galant, qu'il avait placé jadis
"immédiatement au-dessous de rien", et dont les principaux
rédacteurs, Thomas Corneille et Fontenelle, ne lui pardonnèrent pas d'avoir
fait l'éloge, dans ce discours, des chefs du parti des Anciens, Bossuet,
Boileau, La Fontaine, et surtout d'avoir exalté Racine aux dépens de Corneille.
La Bruyère répliqua à l'article du Mercure dans la préface de son discours, et
il se vengea de Fontenelle en publiant dans la 8e éd. de son livre le caractère
de Cydias, dont tout le monde reconnut l'original.
Les dernières
années de la vie de La Bruyère furent consacrées à la préparation d'un nouvel
ouvrage, dont il avait pris l'idée dans ses fréquents entretiens avec Bossuet:
c'est à savoir les Dialogues sur le Quiétisme, qu'il laissa inachevés. Ils ont
été publiés après sa mort, en 1699, par l'abbé du Pin, docteur en Sorbonne, qui
compléta les sept dialogues trouvés dans les papiers de La Bruyère, par deux
dialogues de sa façon. Il est probable qu'il ne se gêna point non plus pour
remanier les sept premiers; mais, avec cette réserve, l'authenticité des
Dialogues, qui n'était point admise par Walckenaër, parait certaine au plus
récent éditeur de La Bruyère, M. G. Servois. Ajoutons que l'on a vingt lettres
de La Bruyère, dont dix-sept sont adressées au prince de Condé, et nous aurons
achevé l'énumération de ses oeuvres complètes.
Il mourut à
Versailles, dans la nuit du 10 au 11 mai 1696, d'une attaque d'apoplexie. Le
récit de sa fin nous a été transmis par une lettre d'Antoine Bossuet, frère de
l'évêque de Meaux. "J'avais soupé avec lui le mardi 8, écrit-il; il était
très gai et ne s'était jamais mieux porté. Le mercredi et le jeudi même, jusqu'à
neuf heures du soir, se passèrent en visites et en promenades, sans aucun
pressentiment; il soupa avec appétit, et tout d'un coup il perdit la parole et
sa bouche se tourna. M. Félix, M. Fagon, toute la médecine de la cour vint à
son secours. Il montrait sa tête comme le siège de son mal. Il eut quelque
connaissance. Saignée, émétique, lavement de tabac, rien n'y fit... Il m'avait
lu [deux jours auparavant] des Dialogues qu'il avait faits sur le quiétisme,
non pas à l'imitation des Lettres Provinciales (car il était toujours
original), mais des dialogues de sa façon. C'est une perte pour nous tous; nous
le regrettons sensiblement." Bossuet lui-même écrivait de son côté le 28
mai: "Toute la cour l'a regretté, et monsieur le Prince plus que tous les
autres." Enfin, voici dans quels termes Saint-Simon a enregistré sa mort:
«Le public perdit bientôt après (1696) un homme illustre par son esprit, par
son style et par la connaissance des hommes: je veux dire La Bruyère, qui
mourut d'apoplexie à Versailles, après avoir surpassé Théophraste en
travaillant d'après lui, et avoir peint les hommes de notre temps, dans ses
nouveaux caractères, d'une manière inimitable. C'était d'ailleurs un fort
honnête homme, de très bonne compagnie, simple, sans rien de pédant, et fort désintéressé.
Je avais assez connu pour le regretter, et les ouvrages que son âge et sa santé
pouvaient faire espérer de lui.»
La Bruyère
mourait célibataire et pauvre. Sa mort, "si prompte, si surprenante",
suivant les expressions de son successeur à l'Académie, l'abbé Fleury, fit
naître le soupçon qu'il aurait été empoisonné, sans doute par la vengeance d'un
des originaux des Caractères; ces bruits n'avaient aucun fondement sérieux. Il
fut inhumé à Versailles le 12 mai, dans la vieille église Saint-Julien, qui a
été démolie en 1797.»
Un précurseur des Lumières?
«On a voulu faire
de La Bruyère une sorte de réformateur, de démocrate, un "précurseur de la
Révolution française". Les passages abondent dans son livre où l'on voit
qu'il partage, au contraire, et qu'il accepte toutes les idées essentielles de
son temps, en politique comme en religion. Il critique les abus, mais il
respecte les institutions. Il reconnaît même que certains maux sont
inévitables. Il avait trop l'amour de son art pour être un révolté, et, comme
l'a remarqué Nisard, il ne pouvait haïr ce qu'il peignait si bien. Ceci posé,
il reste que le ton des Caractères est presque constamment celui de la plus
mordante satire. Il v avait en La Bruyère un mélange singulier d'orgueil et de
timidité, d'ambition secrète et de mépris pour les ambitieux, de dédain des
honneurs et de conscience qu'il en était digne; il ressentit profondément,
malgré son affectation d'indifférence stoïcienne, l'inégalité de son mérite et
de sa fortune. Et son grand grief contre la société du XVIIe siècle est
précisément de ne pas faire sa place au mérite personnel.
"Domestique" de ces Condé, dont nous avons indiqué d'après
Saint-Simon le caractère détestable, il eut plus qu'un autre à se plaindre de
la morgue des grands et de leur injustice à l'égard d'hommes "qui les
égalent par le cœur et par l'esprit et qui les passent quelquefois". Doué
d'une sensibilité profonde et délicate, qui nous est attestée par certaines de
ses réflexions sur l'amour et sur l'amitié, il n'est pas étonnant si La
Bruyère, dont les instincts naturels étaient constamment froissés, finit par
concevoir quelque amertume contre l'injustice du sort et l'épancha dans son
livre.
Son humeur aigrie
fut admirablement servie par un style incisif, âpre, nerveux, hardi jusqu'à la
brutalité. Sa phrase, courte, brusque, saccadée, est déjà celle du XVIIIe
siècle; le réalisme de l'expression, la crudité de certains traits, la tendance
à peindre l'extérieur, les gestes des personnages, sont
presque du XIXe. Et il nous ressemble encore par un trait qui le distingue de
ses contemporains; il est le premier écrivain pour qui le style ait eu une
valeur propre, indépendante du sujet. Il est le premier en date des stylistes.
Et je ne sais s'il est le moins philosophe des moralistes français, mais il en
est assurément le plus littérateur.
Napoléon l
Le 15 août 1769 : Naissance de Napoléon Bonaparte à Ajaccio.
Le 1er janvier 1779 :
Entrée au collège d'Autun.
Le 15 mai 1779 :
Entrée au collège de Brienne.
Le 22 octobre 1784 :
Cadet gentilhomme à l'école militaire de Paris.
Le 1er septembre 1785 :
Lieutenant en second au régiment d'artillerie de la Fère à Valence.
Le 1er septembre 1786 :
Retour en Corse, accorde son soutien à Pascal Paoli.
Le 1er avril 1791 :
Lieutenant en premier au 4ème régiment d'artillerie.
Le 10 juillet 1792 :
Elevé au grade de capitaine en second.
Le 11 juin 1793 :
Chassé de Corse par Paoli.
Le 16 septembre 1793 : Affecté au siège de Toulon.
Le 19 décembre 1793 : Toulon est reprise aux Anglais grâce à l'action de Napoléon.
Le 22 décembre 1793 :
Nommé général de brigade.
Du 9 au 20 août 1794 :
Emprisonné comme robespierriste au fort Carré d'Antibes.
Le 4 octobre 1795 :
Réintégré par Barras, nommé commandant en second de l'Intérieur.
Le 5 octobre 1795 :
Réprime dans le sang l'insurrection royaliste sur les marches de
Saint-Roch à Paris.
Le 16 octobre 1795 :
Général de division, commandant en chef de l'armée de l'Intérieur.
Le 2 mars 1796 :
Nommé commandant de l'armée d'Italie.
Le 9 mars 1796 :
Mariage avec Joséphine de Beauharnais.
Le 26 mars 1796 :
Arrive à Nice et prend véritablement le commandement de l'armée
d'Italie.
Le 12 avril 1796 :
Victoire de Montenotte.
Le 21 avril 1796 :
Victoire de Mondovi.
Le 28 avril 1796 :
Armistice de Cherasco signé avec le Roi de Sardaigne.
Le 10 mai 1796 : Victoire de Lodi.
Le 5 août 1796 :
Victoire de Castiglione.
Du 15 au 17 novembre 1796 : Victoire d'Arcole.
Le 14 janvier 1797 :
Victoire de Rivoli.
Le 16 janvier 1797 :
Victoire de la Favorite, livrant Mantoue, en siège depuis trois mois,
aux français.
Le 18 avril 1797 : Signature
des Préléminaires de Loeben.
Le
26 octobre 1797 : Traité de Campo Formio avec les
autrichiens.
Le 21 novembre 1797 :
Ouverture du congrès de Rastadt.
Le 5 mars 1798 :
Nommé général en chef de l'armée d'Orient.
Le 19 mai 1798 :
Départ de Toulon du corps expéditionnaire vers l'Egypte.
Le 11 juin 1798 :
Prise de Malte et embarquement des deux mille cavaliers maltais.
Du 1er au 2 juillet 1798 :
Débarquement à Alexandrie.
Le 21 juillet 1798 :
Victoire des Pyramides.
Le
1er août 1798 : Nelson, grand amiral anglais, détruit la
flotte française à Aboukir.
Le 22 août 1798 :
Napoléon crée l'Institut d'Egypte et nomme Gaspard Monge président
provisoire.
Le 21 octobre 1798 :
Révolte du Caire, 800 soldats français sont assassinés.
Le 10 février 1799 :
Départ pour l'expédition de Syrie.
Le 7 mars 1799 :
Prise de Jaffa.
Le 16 avril 1799 :
Victoire du Mont Thabor.
Le 25 juillet 1799 :
Bonaparte lève le siège de Saint-Jean-d'Acre. Premier revers pour
l'armée d'Egypte.
Le 25 juillet 1799 :
Victoire terrestre d'Aboukir.
Le 9 octobre 1799 :
Bonaparte accoste en France avec 100 de ses meilleurs officiers.
Du 9 au 10 novembre 1799 : Coup d'Etat du 18 Brumaire. Bonaparte est
nommé consul.
Le 13 février 1800 :
Création de la Banque de France.
Le 17 février 1800 :
Création des préfets.
Le 24 mars 1800 : Bonaparte est nommé Premier consul. Il est
maintenant le vrai maître de la France.
Le 14 juin 1800 :
Victoire de Marengo.
Le 9 février 1801 : La
paix de Lunéville est signée avec l'Autriche, mettant fin à la seconde
coalition.
Le
15 juillet 1801 : Le Concordat est signé avec le Pape Pie VII.
Le 25 mars 1802 :
Signature de la Paix d'Amiens avec l'Angleterre.
Le 19 mai 1802 :
Création de la Légion d'Honneur.
Le 5 août 1802 : Napoléon est nommé Consul à vie par plébiscite.
Le
16 mai 1803 : Vente de la Louisiane aux Etats-Unis pour 70
millions de dollars.
Le 16 mai 1803 :
Ratification du Traité d'Amiens. L'Europe est de nouveau en conflit.
Le 21 mars 1804 :
Exécution du duc d'Enghien. Première grande erreur politique de
Napoléon.
Le
18 mai 1804 : Napoléon est proclamé Empereur des Français.
Le 2 décembre 1804 : Sacre de Napoléon Ier dans l'église
Notre-Dame à Paris devant le Pape.
Le 17 mars 1805 :
Napoléon Ier se couronne roi d'Italie.
Le 20 octobre 1805 :
Victoire d'Ulm.
Le
21 octobre 1805 : Désastre naval de Trafalgar. Nelson détruit
une seconde fois la flotte française.
Le
2 décembre 1805 : Victoire d'Austerlitz, qui couronne la
première année de l'Empire.
Le
12 juillet 1806 : Mise en place de la Confédération du Rhin.
Le 14 octobre 1806 :
Victoire d'Auerstaëedt grâce au corps d'armée de Davout.
Le 14 octobre 1806 : Victoire d'Iéna.
Le 27 octobre 1806 :
Entrée triomphale à Berlin.
Le
21 novembre 1806 : Napoléon ordonne le blocus continental.
Il isole ainsi économiquement l'Angleterre.
Le 8 février 1807 :
Bataille d'Eylau.
Le 14 juin 1807 :
Victoire de Friedland.
Le 25 juin 1807 :
Entrevue de Tilsit. L'alliance franco-russe est signée sur le Niémen.
Le 16 septembre 1807 :
Création de la Cour des comptes.
Le 30 novembre 1807 :
Création de la noblesse d'Empire.
Le 2 février 1808 :
Occupation de Rome. Deuxième erreur politique de Napoléon.
Le 17 mars 1808 :
Création de la "nouvelle Université".
Le 20 mars 1808 :
Les armées françaises envahissent l'Espagne.
Le 2 mai 1808 :
Soulèvement des Madrilènes. Le bilan est lourd : 4 000 morts français et
espagnols.
Le 22 juin 1808 :
Capitulation à Baylen. C'est la première défaite terrestre française
depuis 1798.
Le 27 septembre 1808 :
Entrevue d'Erfurt.
Le 4 novembre 1808 :
Napoléon est obligé d'intervenir dans la guerre d'Espagne.
Le 30 novembre 1808 :
Victoire de Somosierra.
Le 4 décembre 1808 :
Capitulation de Madrid. Joseph devient roi d'Esapgne.
Le 5 avril 1809 :
L'Autriche déclare la guerre à la France et s'engage dans la cinquième
coalition.
Le 22 avril 1809 :
Victoire d'Eckmühl.
Le 22 mai 1809 : Bataille
d'Essling. Première bataille véritablement indécise. Mort du maréchal Lannes.
Le 6 juillet 1809 :
Victoire de Wagram.
Le 14 octobre 1809 :
Traité de Vienne, mettant fin à la cinquième coalition.
Le 15 décembre 1809 :
Napoléon divorce de Joséphine car celle-ci ne peut lui donner de
descendance.
Le 2 avril 1810 :
Napoléon se marie avec Marie-Louise, l'une des filles de l'Empereur
d'Autriche.
Le 20 mai 1811 :
Naissance de Napoléon II, "roi de Rome".
Le 7 juin 1812 : La
France et la Russie rompent leur alliance et se déclarent la guerre.
Le 24 juin 1812 : La
Grande Armée, forte de 600 000 hommes, franchit le Niémen.
Le 7 septembre 1812 :
Victoire de Moscou.
Le 14 septembre 1812 : Entrée de Napoléon à Moscou.
Le 18 octobre 1812 :
Départ de Moscou. La Grande Armée entame l'effroyable retraite de
Russie.
Le 27 novembre 1812 : Passage de la Bérézina qui, contrairement à la légende, est une
victoire.
Le 14 septembre 1812 :
Entrée de Napoléon à Moscou.
Le 17 mars 1813 : La
Prusse comprend que l'Empire français est touché à mort. Elle lui déclare la
guerre.
Le 2 mai 1813 :
Victoire de Bautzen.
Le 20 mai 1813 :
Victoire de Lützen.
Le 21 juin 1813 :
Défaite de Vitoria en Espagne.
Le 12 août 1813 :
L'Autriche déclare la guerre à la France.
Du 26 au 27 août 1813 :
Victoire de Dresde.
Du 16 au 19 octobre 1813 :
Défaite de Leipzig.
Le 10 février 1814 :
Victoire de Champaubert.
Le 11 février 1814 :
Victoire de Montmirail.
Le 30 mars 1814 :
Défection de Marmont, conduisant à la capitulation de Paris.
Le 6 avril 1814 : Première abdication de Napoléon. Celui-ci
fait ses célèbres "adieux de Fontainebleau".
Le 4 mai 1814 : Napoléon accoste sur l'île d'Elbe.
Le 1er mars 1815 : Retour de Napoléon en France. Il débarque à
Golfe-Juan.
Le 20 mars 1815 : Arrivé de Napoléon à Paris. Toutes les
troupes envoyées par Louis XVIII se sont ralliées.
Le 16 juin 1815 :
Victoire de Ligny.
Le 18 juin 1815 : Défaite de Waterloo. Celle-ci sonne le glas
des espoirs de l'Empereur.
Le 16 octobre 1815 :
Napoléon accoste sur l'île de
Sainte-Hélène.
Le 5 mai 1821 : Mort de Napoléon Bonaparte à Sainte-Hélène.
Le 15 décembre 1840 (posthume)
: Retour des cendres à Paris sur
ordre de Louis-Philippe.
Jacques Lévy Offenbach
Köln, 20 juin 1819 / Paris, 5 octobre 1880.
J aques Lévy Offenbach né Jacob
Eberst est le fils d'un cantor de la synagogue de Cologne (Köln), Offenbach apprend le violoncelle
avec sa mère (il écrira ses premières pièces pour cet instrument). Envoyé par
son père à Paris en 1833, il est engagé l'année suivante dans des orchestres
d'opéra-comique. Ses premières tentatives dans le domaine de l'opérette restent
sans succès (Pascal Chambord, 1839), et l'on retrouve Offenbach chef
d'orchestre à la Comédie-Française, où il anime les entractes. En 1855, il
prend la direction d'un petit théâtre qu'il baptise Les Bouffes Parisiens, dans
lequel il connaît ses premiers succès avec des opéras-comiques ou opéras
bouffes en un acte : 24 pièces de ce style sont écrites en 3 ans.
D ans les années
60, Offenbach se consacre à des oeuvres plus importantes qui assureront sa
célébrité. Il fait appel à des librettistes dont la verve parodique se soucie
peu de la vraisemblance de l'action, et laisse libre cours à son génie ironique
et frondeur. De cette époque datent ses chefs-d'oeuvre, écrits sur des livrets
de Henri Meilhac et Daniel Halévy : La Belle Hélène (1864), Barbe Bleue (1866),
La Vie parisienne (1866), La Grande-duchesse de Gerolstein (1868), La Périchole
(1868).
Offenbach est
alors au faîte de sa carrière, sa renommée est considérable.
La guerre de 1870
l'oblige à quitter Paris quelque temps. Il prend à son retour la direction de
la Gaîté Lyrique (1872) où ses oeuvres sont représentées régulièrement. Mais le
temps de l'opéra bouffe est bientôt révolu : en 1876, Offenbach, ruiné,
abandonne le théâtre et entreprend une tournée aux Etats-Unis qui lui permet de
rétablir sa situation. Dans les toutes dernières années de sa vie, le
compositeur se tourne vers un autre genre et écrit, sur un livret des frères
Barbier, une oeuvre " sérieuse " qui sera créée en 1881 quelques mois après sa
mort, et reste l'un des chefs-d'oeuvre du
19e siècle : Les Contes
d'Hoffmann.
Le caricaturiste
génial de la société du Second Empire qui sut s'entourer des talents propres à
mettre en valeur son oeuvre (les librettistes Henri Meilhac et Daniel Halévy,
l'interprète Hortense Schneider) apparaît comme un grand musicien qui donna ses
lettres de noblesse à l'opérette, et dont l'héritage se prolonge jusqu'à nos
jours (comédie musicale).
Niccolò Paganini
(Genova 27 ottobre 1782 - Nizza 27 maggio
1840), violinista e compositore.
Continuatore della scuola italiana di Pietro Antonio Locatelli e di Gaetano
Pugnani, viene considerato il più grande violinista del secolo XIX, sia per la
padronanza dello strumento, sia per le innovazioni apportate in particolare
allo staccato e al pizzicato. La sua attività di compositore fu legata a quella
di esecutore, in quanto trovava innaturale eseguire musiche sulle quali non
aveva un completo controllo.
Ebbe vita movimentata
e sregolata nella quale, oltre ai 600
concerti che tenne con grande successo in tutta l'Europa, ebbero molto peso
anche le sue avventure amorose e la sua passione per il gioco d'azzardo. I suoi capolavori sono comunque i pezzi per solo violino ed in particolare
i 24 Capricci (1817). Compose anche
dal 1817 al 1830 6 concerti per violino
ed orchestra (famosissimo il finale del secondo detto La campanella), una sonata
per la grande viola (1834), variazioni su temi di Süssmeyer e Rossini, serenate, notturni, tarantelle. Compose anche per la chitarra, cosa allora inconsueta.
Anche se le sue
composizioni erano funzionali alla sua attività di concertista virtuoso (il suo
uso dell'orchestra viene giudicato corretto e senza sorprese), il suo stile
originale e la ricchezza delle sue sonorità influenzarono molti musicisti, fino
ai giorni nostri. L'elenco dei compositori che ripresero suoi temi comprende:
Franz Liszt, Robert Schumann, Frederick Chopin, Johannes Brahms, Sergei
Rachmaninov, Witold Lutoslawski, George Rochberg, Andrew Lloyd Webber).
SALVATORE QUASIMODO
Salvatore
Quasimodo nacque a Modica (Ragusa) il 20
agosto del 1901 e trascorse gli anni dell'infanzia in piccoli paesi della
Sicilia orientale (Gela, Cumitini, Licata, ecc.), seguendo il padre che era
capostazione delle Ferrovie dello Stato. Subito dopo il catastrofico terremoto
del 1908 andò a vivere a Messina, dove Gaetano Quasimodo era stato chiamato per
riorganizzare la locale stazione. Prima dimora della famiglia, come per tanti
altri superstiti, furono i vagoni ferroviari.
Un'esperienza di
dolore tragica e precoce che avrebbe lasciato un segno profondo nell'animo del
poeta. Nella città dello Stretto Quasimodo compì gli studi fino al
conseguimento nel 1919 del diploma presso l'Istituto Tecnico "A. M.
Jaci", sezione fisico-matematica.
All'epoca in cui
frequentava lo "Jaci" risale un evento di fondamentale importanza per
la sua formazione umana e artistica: l'inizio del sodalizio con Salvatore
Pugliatti e Giorgio La Pira, che sarebbe poi durato tutta la vita. Negli anni
messinesi Quasimodo cominciò a scrivere versi, che pubblicava su riviste
simboliste locali.
Nel 1919, appena
diciottenne, Quasimodo lasciò la Sicilia con cui avrebbe mantenuto un legame
edipico, e si stabilì a Roma.
In questo periodo
continuò a scrivere versi che pubblicava su riviste locali soprattutto di
Messina, trovò il modo di studiare in Vaticano il latino e il greco presso
monsignor Rampolla del Tindaro.
L'assunzione nel
1926 al Ministero dei Lavori Pubblici, con assegnazione al Genio Civile di
Reggio Calabria, assicurò finalmente a Quasimodo la sopravvivenza quotidiana.
Ma l'attività di
geometra, per lui faticosa e del tutto estranea ai suoi interessi letterari,
sembrò allontanarlo sempre più dalla poesia e, forse per la prima volta,
Quasimodo dovette considerare naufragate per sempre le proprie ambizioni
poetiche.
Tuttavia, il
riavvicinamento alla Sicilia, i contatti ripresi con gli amici messinesi della
prima giovinezza, soprattutto il "ritrovamento" con Salvatore Pugliatti,
insigne giurista e fine intenditore di poesia, valsero a riaccendere la volontà
languente, a far sì che Quasimodo riprendesse i versi del decennio romano, per
limarli e aggiungerne di nuovi.
Nasceva così in
ambito messinese il primo nucleo di Acque e terre. Nel 1929 Quasimodo si recò a
Firenze, dove il cognato Elio Vittorini lo introdusse nell'ambiente di
"Solaria", facendogli conoscere i suoi amici letterati, da Alessandro
Bonsanti, ad Arturo Loira, a Gianna Manzini, a Eugenio Montale, che intuirono
subito le doti del giovane siciliano. E proprio per le edizioni di
"Solaria" (che aveva pubblicato alcune liriche di Quasimodo) uscì nel
1930 Acque e terre, il primo libro della storia poetica di Quasimodo, accolto
con entusiasmo dai critici dell'epoca, che salutarono la nascita di un nuovo
poeta.
Nel 1932 vinse il
premio dell'Antico Fattore, patrocinato dalla rivista e nello stesso anno, per
le edizioni di "circoli", uscì Oboe
sommerso.
Nel 1934
Quasimodo si trasferì a Milano, che segnò una svolta particolarmente
significativa nella sua vita e non solo artistica. Accolto nel gruppo di
"corrente" si ritrovò al centro di una sorta di società letteraria,
di cui facevano parte poeti, musicisti, pittori, scultori.
Nel 1936
Quasimodo pubblicò con G. Scheiwiller Erato e Apòllion (prefazione di Sergio
Solmi) ancora un libro fortunato con cui si concluse la fase ermetica della sua
poesia. Nel 1938 lasciò il lavoro al Genio Civile e iniziò l'attività
editoriale come segretario di Cesare Zavattini, che più tardi lo farà entrare
nella redazione del settimanale il "Tempo". Nel 1938, per le
"edizioni primi piani" uscì la prima importante raccolta antologica
Poesie, con un saggio introduttivo di Oreste Macrì, che rimase tra i contributi
fondamentali della critica quasimodiana. Il poeta intanto collaborava alla
principale rivista dell'ermetismo, la fiorentina "letteratura". Nel
1939-40 Quasimodo mise a punto la traduzione dei Lirici greci, che uscì nel
1942 nelle edizioni di "corrente" e che, per il suo valore di originale
opera creativa, sarà poi ripubblicata e riveduta più volte.
Sempre nel 1942
presso Mondadori uscì Ed è subito
sera.
Nel 1941 gli
venne concessa, per chiara fama, la cattedra di Letteratura Italiana presso il
Conservatorio di musica "G. Verdi" di Milano. Insegnamento che terrà
fino all'anno della sua morte.
Durante la
guerra, nonostante mille difficoltà, Quasimodo continuò a lavorare alacremente:
mentre continuava a scrivere versi, tradusse parecchi Carmina di Catullo, parti
dell'Odissea, Il fiore delle Georgiche, il Vangelo secondo Giovanni, Epido re
di Sofocle (tutti lavori che vedranno la luce dopo la liberazione). Un'attività
questa di traduttore, che Quasimodo portò avanti negli anni successivi,
parallelamente alla propria produzione e con risultati eccezionali, grazie alla
raffinata esperienza di scrittore. Numerosissime le sue traduzioni: da Ruskin,
Eschilo, Shakespeare, Molière, Dall'Antologia Palatina, Dalle Metamorfi di
Ovidio; e ancora da Cummings, Neruda, Aiken, Euripide, Eluard (quest'ultima
uscita postuma).
Nel 1947, edita
da Mondadori, uscì la sua prima raccolta del dopoguerra, Giorno dopo giorno, libro che segnò una svolta nella poesia
di Quasimodo, al punto che si parlò e si continua a parlare di un primo e un
secondo Quasimodo. Di fatto l'esperienza tragica e sconvolgente della seconda
guerra mondiale, il profondo convincimento che l'imperativo categorico era
quello di "rifare luomo" e che ai poeti spettava un ruolo importante
in questa ricostruzione, fecero sì che Quasimodo sentisse inadeguata ai tempi
una poesia troppo soggettiva, rinunciasse al trobar clus della sua prima
maniera e si aprisse a un dialogo più aperto e cordiale, soffuso di umana
pietà, rimanendo però fedele al suo rigore, al suo stile. Quest'ultimo aspetto
spiega da un lato perchè la poesia resistenziale di Quasimodo supera quasi
sempre lo scoglio della retorica e si pone su un piano più alto rispetto
all'omologa poesia europea di quegli anni; dall'altro, che non c'è vera
rottura: solo che, rimanendo coerente con le proprie ragioni poetiche, il
poeta, sensibile al tempo storico che viveva, accoglieva temi sociali ed etici
e di conseguenza variava il proprio stile.
Dal 1948
Quasimodo tenne la rubrica teatrale sul settimanale "omnibus" (nel
1950, sempre come titolare della stessa rubrica, passò al settimanale il
"tempo").
Nel 1949 uscì
presso la Mondadori La vita non è un
sogno, ancora ispirato, anche se un pò stancamente, al clima resistenziale.
Nel 1950
Quasimodo ricevette il premio San Babila e nel 1953 l'Etna-Taormina insieme a
Dylan Thomas.
Nel 1954 uscì per
la casa editrice Schwarz Il falso e vero verde; un libro di crisi, con cui
inizia una terza fase della poesia di Quasimodo, che rispecchia un mutato clima
politico. Dalle tematiche prebelliche e postbelliche si passa a poco a poco a
quelle del consumismo, della tecnologia, del neocapitalismo, tipiche di quella
"civiltà dell'atomo" che il poeta denuncia mentre si ripiega su se
stesso e muta ancora una volta la sua strumentazione poetica. Il linguaggio
ridiventa complesso, più scabro; Quasimodo media lessemi anche dalla cronaca,
il ritmo si fa più secco, suscitando perplessità in quanti vorrebbero il poeta
sempre uguale a se stesso. Seguì nel 1958 La terra impareggiabile (Mondadori,
Milano), premio Viareggio. Ancora nel 1958 Quasimodo mise a punto l'antologia
della Poesia italiana del dopoguerra; nello stesso anno compì un viaggio in
URSS, nel corso del quale venne colpito da infarto, cui seguì una lunga degenza
all'ospedale Botkin di Mosca.
Il 10 dicembre 1959, a Stoccolma, Salvatore Quasimodo
ricevette il premio Nobel per la letteratura e lesse il discorso Il poeta e il politico, venne
pubblicato l'anno dopo nell'omonimo volume (Schwarz, Milano 1960) che raccoglie
i principali scritti critici di Quasimodo. Al Nobel seguirono moltissimi
scritti e articoli sulla sua opera, con un ulteriore incremento delle
traduzioni.
Nel 1960,
dall'Università di Messina gli venne conferita la laurea honoris causa; inoltre
fu insignito della cittadinanza di Messina.
Sempre nel 1960
sul settimanale "Le Ore" gli venne affidata una rubrica di
"colloqui coi lettori", che tenne fino al 1964, quando passò al
"tempo" con una rubrica simile.
Nel 1966
Quasimodo pubblicò il suo ultimo libro, Dare e avere; un titolo emblematico per
una raccolta che è un bilancio di vita, quasi un testamento spirituale (il
poeta infatti sarebbe morto appena due anni dopo).
Nel 1967
l'Università di Oxford gli conferì la laurea honoris causa. Colpito da ictus il 14 giugno 1968 ad Amalfi, dove si trovava per
presiedere un premio di poesia, morì sull'auto che lo trasportava a Napoli.
Il Poeta Premio
Nobel per la Letteratura è tradotto in quaranta lingue (compreso il Coreano),
ed è studiato e conosciuto in tutti i Paesi del mondo.
Octavio Paz
(1914-1998)
Poeta y ensayista
mexicano nacido en Mixcoac, Méx ico.
Primeros años
Pasó su niñez en
la biblioteca de su abuelo, Ireneo Paz. A los 17 años fundó la revista
Barandal. En 1933 publicó su primer libro, Barandal
también y fundó Cuadernos del Valle de México. Lector atento de la revista
Contemporáneos, conoció a poetas modernos, como T. S. Eliot y Paul Valéry. En
1937 marchó a Yucatán a dar clases en el campo, y poco después se casó con
Elena Garro, con quien asistió ese mismo año al Congreso de Escritores
Antifascistas en Valencia (España). Ahí publicó Bajo tu clara sombra (1937), y
entró en contacto con los intelectuales de la República Española y con Pablo
Neruda.
Ya de regreso en
México se acercó a Jorge Cuesta y Xavier Villaurrutia y publicó ¡No pasarán! y Raíz de hombre. Con Efraín Huerta y Rafael Solana, entre otros,
fundó la revista Taller en 1938, en la que participaron los
escritores españoles de su generación exiliados en México. En 1939 publicó A la
orilla del mundo y Noche de resurrecciones. En 1942, a instancias de José
Bergamín, dio una conferencia, "Poesía de soledad, poesía de
comunión", en la que establecía su diferencia con la generación anterior,
y trataba de conciliar en una sola voz las poéticas de Xavier Villaurrutia y
Pablo Neruda. En 1944 con la beca Guggenheim pasó un año en Estados Unidos. En
1945 entró al Servicio Exterior Mexicano y fue enviado a París. A través del
poeta surrealista Benjamín Péret conoció a André Breton. Se hizo amigo de
Albert Camus y otros intelectuales europeos e hispanoamericanos del París de la
posguerra. Esta estancia definirá con precisión sus posiciones culturales y
políticas; se alejó del marxismo y se acercó al surrealismo, empezando a
interesarse por los temas más diversos.
Elaboración de su
poética
Durante la década
de 1950 publicó cuatro libros fundamentales: El laberinto de la soledad (1950) retrato personal en el
espejo de la sociedad mexicana; El arco
y la lira (1956), su esfuerzo más riguroso por elaborar una poética;
¿Águila o sol?, libro de prosa de
influencia surrealista; y Libertad bajo
palabra. Este último incluye el primero de sus poemas largos, Piedra de sol, una de las grandes
construcciones de la modernidad hispanoamericana. En 1951 viajó a la India y en
1952 a Japón, sitios que lo marcarán. Regresó a México en 1953 donde hasta 1959
desarrolló una intensa labor literaria.
En 1960 regresó a
París y en 1962 volvió a la India, como funcionario de la embajada de México.
Conoció a Marie José Tramini, con quien se casó en 1964. Publicó los libros de
poemas Salamandra (1961), anterior a su viaje a la India, y Ladera este, que
recoge su producción en ese país, y que incluye su segundo poema largo, Blanco.
En 1963 obtuvo el Gran Premio Internacional de Poesía. Publicó los libros de ensayo
Cuadrivio en 1965, cuatro ensayos sobre Luis Cernuda, Fernando Pessoa, Ramón
López Velarde y Rubén Darío; Puertas al campo en 1966 y Corriente alterna, en
1967. Todos estos libros muestran el crisol de sus intereses: la poesía
experimental y la antropología, Japón y la India, el arte mesoamericano, la
política y el estado contemporáneos. En 1968 renunció a su puesto de embajador
en la India debido a los asesinatos cometidos por el Gobierno de México, el 2
de octubre de ese año, cuando cargó el Ejército contra manifestantes
universitarios, y en 1971 fundó en México la revista Plural, en la que
colaboraron algunos de los escritores más importantes de la generación
posterior.
Ese año publicó
El mono gramático, poema en prosa en el que se funden reflexiones filosóficas,
poéticas y amorosas, y en 1974 Los hijos
del limo, recapitulación de la poesía moderna; en 1975, Pasado en claro, otro de sus grandes
poemas largos, recogido al año siguiente en Vuelta, libro con el que obtuvo el
Premio de la Crítica en España.
Reconocimiento
universal
En 1977 dejó
Plural e inició la revista Vuelta de la que fue su director hasta su muerte. El
ogro filantrópico, continuación de sus reflexiones políticas, se publica en
1979, y dos años después obtiene el Premio Cervantes. En 1982 se editó Sor
Juana Inés de la Cruz o las trampas de la fe, retrato de la monja mexicana y la
sociedad mexicana del siglo XVII; en 1987, Árbol adentro, último volumen de
poesía. En 1990 se le concedió el Premio
Nobel de Literatura, y publicó La otra voz y Poesía de fin de siglo, que recoge sus últimas reflexiones sobre
el fenómeno poético. En 1993, La llama
doble y Amor y erotismo, y en
1995 Vislumbres de la India. De una
personalidad exigente y exigida, su escritura ha sabido recoger distintas
tradiciones e hilar variados intereses en una sola voz y una herencia plural.
Además de sus poemas, buscó en otras
áreas de la cultura coincidencias y cercanías que alimentaran su obra y
abrieran espacios para la comprensión del mundo. Si su poesía viaja del vacío
del yo a la plenitud del mundo y el amor, sus ensayos son un mosaico de
reflexiones puntuales sobre los aspectos más diversos de nuestra época. Murió de cáncer a los 84 años en abril
de 1998.
François Rabelais,
1494-v.1553:
Bâtir des pierres
vives
BIOGRAPHIE
- 1494 : naissance à la métairie de «la
Devinière» de François Rabelais, fils
d’Antoine Rabelais, avocat à Chinon.
- 1511-1518 :
Rabelais est novice chez les franciscains, près d’Angers.
- 1519 : il entre
au couvent franciscain du Puy-Saint-Martin à Fontenay-le-Comte.
- 1521-1524 : il
se passionne pour le grec, fréquente un groupe d’humanistes et entretient une
correspondance en latin et en grec avec Guillaume Budé. Il étudie le droit. On
lui retire ses livres de grec sur ordre de la Sorbonne, qui interdit l’étude de
l’Écriture dans les textes originaux.
- 1525 : Rabelais
obtient du pape l’autorisation de passer dans l’ordre des Bénédictins dont les
règles sont moins strictes et le milieu plus ouvert.
- 1528-1530 : au
cours de ses nombreux déplacements, il fréquente les universités de Bordeaux,
Toulouse, Orléans, Paris où il séjourne et prend l’habit de prêtre séculier.
- 1530 : il
s’inscrit à la faculté de médecine de Montpellier,
où il est reçu bachelier la même année. La médecine englobe alors diverses
disciplines : l’anatomie, la physiologie, la physique et l’histoire naturelle.
Il est chargé d’un cours et commente dans le texte Hippocrate et Galien.
- 1532 : il est
nommé médecin de l’Hôtel-Dieu de Lyon. Il publie, sous le pseudonyme d’Alcofribas
Nasier, Pantagruel.
- 1533 :
Pantagruel est condamné par la Sorbonne. Sa réputation de médecin lui vaut la
protection de l’évêque de Paris, Jean Du
Bellay, futur cardinal.
- 1534 : de
janvier à mai, il accompagne Jean Du Bellay à Rome. À l’automne, il publie Gargantua.
- 1535-1536 :
second voyage à Rome, au cours duquel il obtient du pape son absolution pour
avoir quitté le froc bénédictin.
- 1536 : il passe
à Montpellier la licence et le doctorat ; il va alors devenir l’un des premiers
médecins du royaume, enseignant et exerçant la médecine à travers la France. Il
explique Hippocrate dans le texte grec et pratique des dissections de cadavres,
méthode d’observation encore peu pratiquée à l’époque.
- 1543 : la
Sorbonne condamne à nouveau Gargantua et
Pantagruel. Rabelais est « maître des requêtes du Roi ».
- 1545 : il
obtient un privilège de François Ier pour imprimer librement ses livres pendant
dix ans.
- 1546 : Parution
du Tiers Livre, où Rabelais a renoncé à la satire religieuse et aux violentes
attaques contre la Sorbonne, qui condamne cependant l’ouvrage. Rabelais se
réfugie à Metz, où il devient médecin de la ville.
- 1547 : mort de
François Ier.
- 1550 : Rabelais
obtient du roi Henri II un privilège pour la réimpression de ses ouvrages.
- 1551 : le
cardinal Du Bellay lui fait attribuer la cure de St-Martin de Meudon, dont il
peut toucher le bénéfice sans y séjourner complètement.
- 1552 : Parution
du Quart Livre, immédiatement
condamné par le Parlement.
- 1553 : mort de Rabelais à Paris.
MARQUIS DE SADE
Romancier
français
Né à Paris le 02 juin 1740
Décédé à Charenton le 02 décembre 1814
«Je suis l’homme
de la nature avant d’être celui de la société»
Marquis de Sade
LA BIOGRAPHIE DE
MARQUIS DE SADE
Elevé et éduqué
chez les jésuites et au collège de la cavalerie royale, Donatien Alphonse
François dit Sade a passé une grande partie de sa vie en prison où il mourra.
Ses moeurs et ses écrits - 'Les cent
vingt jours de Gomore ou l'école du libertinage'; 'Justine ou les infortunes de la vertu' - étaient autant de
provocations libertines et révolutionnaires que la société napoléonienne ne
pouvait que réprimer. Héritier de Diderot et de Rousseau, il fait de la
renaissance philosophique de l'individu une apologie de la débauche, de la
cruauté et de la satisfaction systématique de tous les vices. En projetant les
fantasmes de l'homme, il a influencé les surréalistes dans leur dénonciation
des interdits culturels.
SES ANECDOTES
> Gomore à la
Bastille
Le manuscrit des 'Cent vingt jours de Gomore' que Sade
croyait avoir perdu fut trouvé par hasard par un maçon entre des pierres de la
Bastille détruite.
> Publication
retentissante
Les oeuvres complètes de Sade furent
publiées pour la première fois en 1956
et immédiatement attaquées en justice par le ministère public. L'avocat de
l'éditeur Jean-Jacques Pauvert appela à la barre pour défendre Sade, Jean
Paulhan (directeur de la NRF), André Breton, Georges Bataille et Jean Cocteau.
> Famille, je
vous aime !
Si Sade entretenait
de bons rapports avec sa femme, ce n'était pas le cas avec sa belle-mère qui le
fit enfermer à la prison de Vincennes.
Cornelius Tacitus
E Vicipaedia
Gaius aut Publius
Cornelius Tacitus auctor multorum librorum fuit (nescimus utrum Gaius an Publius
suum praenomen fuerit). Plenam scientiam de historia romana in primo saeculo ab
Tacito habemus. Tacitus etiam clarus est quia libri sui lucem ad historiam
Britanniae et Germaniae temporum antiquorum ferrent.
[recensere]
De vita Taciti
Natus: circa A.D. LVI in Gallia Cisalpina aut
Narbonensi.
Quaestor: A.D.
LXXX
Tribunus plebis:
A.D. LXXXII
Aedilis: A.D.
LXXXIII
Praetor: A.D.
LXXXVIII
In provinciis: ab
A.D. LXXXIX usque ad XCIII
Consul: A.D.
XCVII
Proconsul Asiae:
A.D. CXI
Mortuus: circa A.D. CXX
Tacitus amicus
Plinii minoris fuit. Uxor
Taciti filia consulis Iulii Agricolae erat.
[recensere]
De operibus
Taciti
Libri Taciti:
Dialogus de oratoribus
De vita et moribus Iulii Agricolae
De origine et situ Germanorum
(Germania)
Historiae
Annales
Cornelius Tacitus
Cornelius Tacitus
nacque nel c.55-7 (morì nel c.120-123).
Non sappiamo con certezza dove (Gallia
Narbonese? Italia Transpadana?),
non ne conosciamo la paternità né il prenome (Publius? Gaius?). La sua
famiglia doveva però essere ricca. Visse la maggior parte della vita a Roma,
introdotto ben presto nella società imperiale. Divenne senator grazie a
Vespasianus, partecipò alla politica perfezionandosi nel frattempo
nell'oratoria. Sposò la figlia di Iulius Agricola a poco più di vent'anni (77),
fu questore (81-2), pretore (86), console (97). Abbandonò l'oratoria per
dedicarsi alla storia. Dopo il consolato rinunciò a avere cariche pubbliche,
ottenne solo un governatorato nella provincia d'Asia (112-3): aveva allora già
pubblicato le "Storie" che gli avevano portato una grande celebrità e
stava iniziando gli "Annali" che poi compose per la maggior parte
sotto Adrianus.
Le sue opere ci
sono giunte molto incomplete. Nulla ci rimane della sua attività forense, a
detta dei contemporanei ragguardevole.
La prima cosa
(80?) attribuitagli con riserva è il Dialogo sugli oratori (Dialogus de
oratoribus), opera retorica lacunosa: vi si cercano le cause della decadenza
dell'oratoria nella mancanza di libertà civili e nella degenerazione politica e
sociale.
Vita e costumi di
Iulius Agricola (De vita et moribus Iulii Agricolae, 98) è la prima monografia
storica: commossa biografia del suocero caduto vittima della gelosia di
Domitianus, appartiene al genere encomiastico delle esaltazioni funebri.
Origine e sito
dei germani (De origine et situ germanorum) fu pubblicata quasi
contemporaneamente all'altra monografia storica, è una descrizione geografica e
etnografica dei popoli e dei luoghi germanici tra il Reno e il Danubio.
Le due grandi
opere storiche di Tacitus ("Storie" e "Annali"), prodotto
della sua piena maturità scientifica e artistica, ci sono giunte lacunose.
Erano in tutto 30 libri, attribuiti solitamente 14 alle "Storie", e
16 agli "Annali".
Le Storie (Historiae, 109?) andavano dall'avvento di Galba (68-9) alla morte di Domitianus
(96). Ci sono rimasti i primi 4 libri e metà del quinto (fino all'incontro
di Cerialis e Civilis del 70).
Gli Annali (Annales) trattavano la storia di Roma dalla salita al potere di Tiberius (14) alla
morte di Nero (68). Rimangono i primi quattro libri, un frammento del
quinto e parti del sesto (mancano i capitoli iniziali): fino alla morte di
Tiberius (37), e i libri 11-16 (ma l'11 è lacunoso e al 16 manca quasi la
metà): dal processo di Valerius Asiaticus (47) all'eroica fine di Trasea Peto
(66) in età neroniana.
Sia le monografie
brevi che le opere maggiori hanno una esplicita passione etico-politica.
Tacitus partecipa alle sorti di Roma attraverso l'analisi del contemporaneo
divenire. Le opere maggiori sono un bilancio corrosivo del primo secolo di
esperienza monarchica dal punto di vista di un intellettuale che, benché
proclami di voler fare storia in modo imparziale ("sine ira et studio"),
esprime il punto di vista dell'opposizione senatoria alla pratica imperiale.
Risalendo a ritroso nella storia, Tacitus individua il 'peccato originario'
nella svolta anticostituzionale operata da Augustus, dietro la formale facciata
repubblicana, denuncia le conseguenze nefaste del sistema dinastico, pur senza
rifiutare l'istituzione del principato che riconosce come ormai insostituibile
e necessaria per l'unità dell'impero. Le opere di Tacitus sono documento della
inconciliabilità tra "libertas" e "principatus", in una
visione storica essenzialmente individualistica che fa discendere la dinamica
degli eventi dalla personalità e dalle scelte dei grandi. Attorno alla
personalità dei singoli imperatori si addensa l'indagine, volta a coglierne i
moventi e i meccanismi psicologici, non senza incomprensioni, ma sempre con
l'obiettivo di individuare le ragioni più profonde del loro comportamento. La
storia è raccontata a tinte fosche, con rilevature energiche e appassionate, in
uno sforzo di analisi rigoroso e intransigente. Il suo austero senso dello
stato lo induce a impiegare forme retoricamente 'tragiche', cioè solenni,
lontane dalla comune convenzione linguistica. La drammaticità dei fatti,
intricati e contraddittori, e l'impegno di Tacitus a raffigurare in modo
impietoso e apparentemente impassibile una realtà infida e degradata, esigono una
tecnica narrativa a sorpresa, ricca di simmetrie, variazioni, condensazioni e
ineguaglianze, in cui si accampano luci e ombre e dove anche il particolare ha
valore tonale.
Strumento
specifico della narrazione tacitiana è lo stile scarno, irregolare, intessuto
di vocaboli rari o arcaici, di costrutti anomali, in cui le strutture
sintattiche si spezzano in asindeti, la concisione è spesso perentoriamente
ottenuta con la soppressione del verbo. Una scrittura tesa e incisiva che
raggiunge effetti di ineguagliata suggestione.
(1920).
La Storia di San Valentino
"... il
tentativo della Chiesa cattolica di porre termine ad un popolare rito pagano
(per la fertilità), è l' origine di questa festa
degli innamorati.
Fin dal quarto
secolo A. C. i romani pagani rendevano omaggio, con un singolare rito annuale,
al dio Lupercus. I nomi delle donne e degli uomini che adoravano questo Dio
venivano messi in un'urna e opportunamente mescolati. Quindi un bambino
sceglieva a caso alcune coppie che per un intero anno avrebbero vissuto in
intimità affinchè il rito della fertilità fosse concluso. L'anno successivo
sarebbe poi ricominciato nuovamente con altre coppie.
Determinato
mettere un termine a questa ottocentesca vecchia pratica, i padri precursori
della Chiesa hanno cercato un santo "degli innamorati' per sostituire il
deleterio Lupercus. Così trovarono un candidato probabile in Valentino, un
vescovo che era stato martirizzato circa duecento anni prima.
LA LEGGENDA
A Roma, nel 270
D. C il vescovo Valentino di Interamna, amico dei giovani amanti, fu invitato
dall'imperatore pazzo Claudio II e questi tentò di persuaderlo ad interrompere
questa strana iniziativa e di convertirsi nuovamente al paganesimo. San
Valentino, con dignità, rifiutò di rinunciare alla sua Fede e, imprudentemente,
tentò di convertire Claudio II al Cristianesimo. Il 24 febbraio, 270, San
Valentino fu lapidato e poi decapitato.
La storia inoltre
sostiene che mentre Valentino era in prigione in attesa dell'esecuzione, sia "caduto" nell'amore con la
figlia cieca(oarbă) del guardiano, Asterius, e che con la sua fede
avesse ridato miracolosamente la vista alla fanciulla e che, in seguito, le
avesse firmato il seguente messaggio d'addio: " dal vostro Valentino,
" una frase che visse lungamente anche dopo la morte del suo autore...
SAN VALENTINO
origine –
biografia e tradizione
di Reno Bromuro
«Valentino suona
come valorem tenens, «che mantiene valore», cioè «che persevera nella santità»;
oppure significa valens tyro, «valoroso soldato», cioè «soldato di Cristo». Si
dice che un soldato è valoroso quando non arretra mai, quando ferisce con
forza, si difende con vigore e vince con la sua possenza. Allo stesso modo
Valentino non arretrò di fronte al martirio, colpì distruggendo l'idolatria, si
difese rafforzando la fede, e vinse patendo il martirio».
(Dalla Legenda
Aurea di Jacopo da Varazze)
Il 21 Giugno a Terni si festeggia il
ritrovamento delle reliquie di San Valentino e la ricostruzione della
Basilica e l’annesso Convento.
Il prossimo anno
ricorre il Quarto Centenario della presenza dei Carmelitani Scalzi a Terni e
l'inizio della costruzione del nuovo complesso. L'avvenimento sarà commemorato
con il rifacimento di bronzo del portale della Basilica.
San Valentino, è vissuto nel Terzo secolo è
martirizzato con la decapitazione sulla Via Flaminia, a Roma; l'accaduto è
commemorato nel Martirologio Romano il 14 febbraio in un registro del Settimo secolo, che
proviene da Beda. Nella storia «Passio
Mariae et Marthae» si racconta che il Santo, arrestato per ordine di Claudio il
Gotico, è decapitato sulla Via Flaminia, e sul suo sepolcro al Secondo miglio
della stessa Via è stata edificata una basilica voluta da Papa Giulio I,
successivamente rifatta da Papa Teodoro.
La festa di San
Valentino presbitero di Roma sembra fosse celebrata già nel periodo di San
Gregorio Magno ed è annotata nei Capitularia del Settimo secolo e nel
Sacramentario Gregoriano.
Il martire è
invocato contro il male della peste e dell'epilessia. Quanto al titolo di
«patrono degli innamorati» sembra gli sia stato attribuito nel Medioevo poiché
si riteneva che il 14 febbraio, gli uccelli iniziassero a nidificare seguendo
il risveglio della natura e dunque dell'amore, da qui la sua festa.
Secondo quanto
narra la tradizione,dopo decapitato per ordine del prefetto Placido e sepolto
nel cimitero sulla Via Flaminia, i suoi discepoli Procolo, Efebo e Apollonio
disseppelliscono il corpo e lo trasportano a Terni, sua terra natale, di cui è
stato vescovo. Qui, sopra un colle non lontano dall’agglomerato urbano, gli è
stata data sepoltura provvisoria. Successivamente è stata scavata, nello stesso
luogo, una tomba, che costituisce il primo Oratorio.
Dopo l’Editto di
Milano del 313, con il quale l’imperatore Costantino concede ai cristiani la
libertà di culto, il popolo di Terni costruisce, al posto dell’Oratorio, una
Basilica. Le ricerche archeologiche condotte a Terni hanno dimostrato che
l’antica Interamna contava due necropoli distinte: una, antichissima, che
risale alla prima età del ferro, scoperta nel 1885 in località Sant’Agnese;
l’altra, d’epoca più recente, rinvenuta nella zona adiacente al luogo ove sorge
la Basilica.
Scrive Padre
Fusciardi, di questa zona cimiteriale: «Da un accurato esame del vasto
materiale epigrafico e di sculture tornate in luce in questa località in epoche
diverse, e che disgraziatamente solo in parte c’è stato conservato, emerge con
evidenza come quella zona fosse tenuta in grande considerazione dagli antichi
Interamnati e che basterebbe per sé sola, se non ci fossero altre prove
storiche e monumentali,a dimostrare la magnificenza di questo municipium
splendidissimum».
«Tra il 1605 e il
1618 sono state riportate alla luce numerose iscrizioni, appartenenti al
periodo in cui è stata ricostruita la Basilica di San Valentino e costruito
l’annesso convento, che testimoniano che in quest’area sorgeva già una
necropoli pagana».
Afferma Piero
Adorno, formulando circa la data cui si potrebbe far risalire la prima
costruzione della Basilica: «Proprio nel luogo della tomba dovette sorgere,
abbastanza per tempo, la basilica dedicata alla sua memoria, più volte
distrutta e ricostruita».
Difficile
stabilire le date esatte; tuttavia la posizione stessa dell’edificio, fuori
delle mura della città, in zona cimiteriale e sopra la tomba del martire,
«conferma l’ipotesi secondo cui la prima costruzione risalirebbe al Quarto
secolo».
Secondo Cinzia
Perissinotto, «l’esistenza di un edificio di culto risalente almeno al V secolo
è documentata, oltre che dal Martirologio Geronimiano, anche da un frammento di
pluteo con decorazione a pelte o squame, ascrivibile appunto a questo periodo,
conservato nella piccola raccolta archeologica esistente negli ambienti
sotterranei della chiesa».
Quando, alle
nuove direttive scaturite dal Concilio di Trento, che si conclude nel 1563, i
primi visitatori apostolici vanno sul colle di San Valentino per vedere la
grande basilica descritta nei calendari e nei martirologi medievali, trovano
una costruzione in pessime condizioni, della quale, è ordinato il rifacimento. Ma,
in realtà, gli interventi per il recupero della chiesa sono pochi e assai
ridotti.
«E’ tra la fine
del Quindicesimo e l’inizio del Diciassettesimo secolo che, sulla scia della
politica urbanistica inaugurata da papa Sisto V, si da inizio a una vasta opera
di ristrutturazione delle antiche basiliche e di attuazione di scavi
archeologici volti al ritrovamento e al recupero di reliquie».
L’arca del santo
e martire ternano è rinvenuta durante gli scavi del 1605, effettuati nella
Basilica al fine di ricercare i corpi dei martiri lì sepolti: l’urna, secondo
la descrizione che ne fa Boldetti, «era rustica nel di fuori ma dentro
vagamente intagliata a rilievo e con una croce della grandezza d’un braccio».
La Carini Gentili
ha dedicato alla tomba del santo un approfondito studio,nel quale fa il
resoconto dei suddetti lavori: «Scavando dietro l’altare per tutto l’ambito del
Coro, si rinvennero vicino al muro e di prospetto al Coro medesimo, due altari
di marmo, l’uno sovrapposto all’altro, ai quali si poteva accedere da una
«grotta» allora ricoperta, «che circonda dal di dentro la tribuna»; nella
faccia interna della mensa dell’altare subalterno, si vide dipinta una croce
rossa tempestata di gemme, ai lati della quale e rivolti ad essa erano
effigiati due animali, ritenuti cavalli (rappresentazione questa che si ritrova
talvolta nella epigrafia cristiana), ma che potevano anche essere agnelli.
Dipinto sulla parete c’era un carro, simboleggiante quello sul quale la
leggenda dice che fosse trasportato il corpo di San Valentino; si ebbe allora
la certezza che lì riposasse la salma del Martire. Infatti, il 21 giugno 1605,
sotto il Coro, si trovò una cassa di piombo racchiusa in un’urna di marmo,
rotta un poco da un lato... Nell’arca plumbea vennero rinvenute le ossa del
Santo, con il cranio non completamente sano, diviso dal busto».
La separazione
della testa dal busto potrebbe essere un’ulteriore prova della decapitazione
del Martire.
Agostino Amore,
in un suo scritto pubblicato negli Atti del Convegno di studio che si è tenuto
a Terni dal 9 al 12 febbraio del 1974, dedicato al culto di San Valentino
afferma che: «Dello stesso tempo è la notizia dell’esistenza a Terni di una
basilica dedicata al Vescovo Martire Valentino. La notizia è riportata anche
nella biografia del papa Zaccaria contenuta nel Liber Pontificalis».
Nei medesimi Atti
compare pure la sintesi della conferenza tenuta da Adriano Prandi che, a
proposito degli elementi archeologici denuncia che non si può dimostrare con
chiarezza l’esistenza storica del Santo e asserisce che il valore degli
elementi topografici, affermano: «Purtroppo il caso di San Valentino è assai
complesso: non solo per il mancato, finora, chiarimento dei dati archeologici,
ma anche per la scarsità e la non perspicuità degli elementi iconografici. Per
contro, abbondano le testimonianze topografiche del culto dì San Valentino: in
special modo dei conventi e delle chiese a lui dedicate in Umbria e nei
territori finitimi».
Ad esempio, nella
chiesa di Santa Maria della Visitazione, posta a lato dell’ingresso del
cimitero e sorta probabilmente sopra un monumento sepolcrale romano sulla
parete destra c’è un cielo di pitture del Quindicesimo secolo; nella parte
bassa, dentro edicole ad arco in prospettiva, sono affrescate cinque figure, una
delle quali riproduce Valentino in abiti vescovili.
Secondo Augusto
Campana,che dedicò all’argomento ampi, ripetuti e approfonditi studi, esiste
un’importante testimonianza iconografica relativa a San Valentino nella
cattedrale romanica di San Leo, che consiste in un piccolo monumento, mancante
della testa e molto deteriorato, di nessun valore artistico, ma di grande
significato storico ed epigrafico. È posto sulla sommità del portale che si
apre all’esterno della navata di destra, circa alla metà di essa, prima del
transetto, in corrispondenza della terza campata, e consiste in un bustino,
attualmente di altezza di circa 26 cm. Nella Basilica c’è un quadro bellissimo
in cui si vede Valentino, che interloquisce con il Prefetto Placido, Abondio e
Cheremone, suoi discepoli, Giunio, il capo dei Littori, e il coro degli
Idolatri, qui è dipinto come un vero eroe della fede, non solo sprezzante di
qualunque pericolo, ma anche ansioso di diffondere il Vangelo e fiaccare
l’idolatria e l’orgoglio, dei miscredenti.
Anche ad Abriola,
piccolo centro lucano in provincia di Potenza, da secoli è venerato San
Valentino sacerdote e martire romano col titolo di patrono del paese. Nella
Chiesa madre è custodito un busto ligneo del Seicento del santo, un'urna e tre
teche contenenti parte delle reliquie del martire romano, tutte accompagnate da
autentiche pontificie. Come siano giunte ad Abriola queste reliquie è difficile
da capire. E' possibile che essendo il paese nei secoli scorsi tappa importante
della via Erculea anche la chiesa madre sarebbe stata meta di pellegrini che
volendo impreziosire il luogo di culto, come si era soliti fare nel medioevo,
ha inserito in un altare le reliquie del santo martire. Il 7 febbraio 1998 è
stata inaugurata una monumentale Porta bronzea, ingresso della chiesa madre,
dedicata al santo martire.
L'origine della
festa degli innamorati è il tentativo della Chiesa cattolica di porre termine
ad un popolare rito pagano. Già dal Quarto secolo avanti Cristo i romani
rendevano omaggio, con un singolare rito annuale, al dio Lupercus.
Gli esseri che
adoravano questo Dio erano messi in un'urna e opportunamente mescolati. Poi un
bambino sceglieva a caso alcune coppie che per un intero anno avrebbero vissuto
in intimità affinché il rito fosse concluso. L'anno successivo sarebbe poi
ricominciato nuovamente con altre coppie. Determinati a mettere una fine a
questa vecchia pratica, i padri precursori della Chiesa hanno cercato un santo
«degli innamorati» per sostituire il deleterio Lupercus. In questo modo trovarono
un candidato probabile in Valentino, un vescovo nato a Terni, che era stato
martirizzato sulla Via Flaminia, decapitato oltre duecento anni prima.
A Lentini una
città situata tra Catania e Siracusa, molto antica che ha dato i natali al
filosofo Gorgia e al Notaro Jacopo, primo poeta della Scuola Siciliana di
Federico II e inventore del sonetto. A Lentini è assolutamente da vedere i
luoghi dove sono affisse, decine di poesie di autori vari scritte su grandi
pannelli di ceramica e collocate sui muri.
Dal 10 al 14
febbraio in piazza Taormina, su delle apposite bacheche,chiunque può esporre
POESIE D’AMORE, raccontini, pensieri, messaggi, foto, lettere, ecc…
Ogni sera dalle
18 alle 20 le poesie sono lette dagli autori o da declamatori provetti.
Dopo la lettura
si va tutti in corteo dietro ad un gruppo di cantatori e musicanti a portare
SERENATE su prenotazione. La bella fatta oggetto di tante attenzioni li
ripagherà offrendo vino, ceci abbrustoliti e torrone fatto in casa.
Tutte le poesie e
gli scritti esposti in piazza sono raccolti e pubblicati. Il libro, di norma, è
presentato alla vigilia del San Valentino dell’anno successivo. Il giorno 9
febbraio u.s., infatti, presso l’Auditorium Comunale di via Focea, è stato
presentato e donato al pubblico il libro delle poesie in piazza del 2004, in
una tiratura di mille copie.
Il San Valentino
in poesia quest'anno è alla quarta edizione. Delle tre precedenti sono stati
ricavati altrettanti libri: «Rose rosse, rose blu», «Le poesie in piazza» e
«Hai destato la luna». Ogni anno il Comune ne acquista mille copie per darle
gratuitamente a chiunque ne faccia richiesta.
Michel Butor
Michel Butor est né le 14 septembre 1926, dans la banlieue de Lille. Son père, Emile
Butor, travaillait dans l’administration des Chemins de fer du Nord, mais était
passionné de dessin, aquarelle et gravure sur bois. En 1929, la famille vient
s’installer à Paris où le jeune Michel fera toutes ses études, à l’exception de
l’année 1939-1940, celle de la “drôle de guerre”, passée à Evreux. Troisième
d’une famille de sept enfants, aîné des garçons, il bénéficiait d’une
quasi-gratuité pour les voyages en chemin de fer et trouvait que l’on n’en
profitait pas assez. Après des études de lettres et de philosophie, ayant
échoué à plusieurs reprises à l’agrégation, tout en servant de secrétaire à
Jean Wahl pour le Collège de philosophie, ce qui lui permet de se frotter à
maint intellectuel d’alors, il enseigne quelques mois au lycée Mallarmé à Sens,
puis profite d’un essai de réforme de l’enseignement égyptien pour traverser la
Méditerranée avec un certain nombre de licenciés ès lettres, et se retrouve
professeur dans la vallée du Nil entre les pharaons et les ermites. Puis il
saisit une opportunité de devenir lecteur à l’université de Manchester en
Angleterre. Difficile changement de climat. Possédé depuis longtemps par le
démon de l’écriture, il publie ses premiers romans aux éditions de Minuit, par
l’intermédiaire de Georges Lambrichs. Les voyages continuent, à la fois
professionnels et exploratoires : Grèce, Suisse où il rencontre Marie-Jo qu’il
épouse en 1958. Viennent rapidement trois filles, suivies un peu plus tard
d’une quatrième. Prix littéraires, travail chez des éditeurs, un peu de vie
parisienne, conférences ici et là. Nombreux voyages aux Etats-Unis. Après Mai
68, il tente une rentrée dans l’enseignement universitaire français, ce qui
l’amène à s’installer à Nice au retour d’une année au Far West. Puis il est
nommé professeur à la faculté des lettres de Genève. Les livres s’accumulent apportant
chaque fois la surprise ; essais, récits du jour ou de la nuit, poèmes,
nouvelles combinaisons de tout cela, ils font le désespoir des esprits
routiniers ; les collaborations se multiplient avec peintres, musiciens,
photographes. Séjours au Japon et en Australie ; voyages en Chine. Retraité
depuis 1991, il vit désormais dans un village de Haute-Savoie. Tout en
continuant à courir le monde, il s’efforce de mettre un peu d’ordre dans ses
papiers et dans sa tête.
La Différence a
publié de lui : Vieira da Silva – Peintures (1983) ; Jirí Kolár, l'œil de
Prague (1986) ; Dans les flammes (1988) ; L'Embarquement de la reine de Saba
(1989) ; Improvisations sur Michel Butor, l'écriture en transformation (1993) ;
À la frontière (1996) ; Le Marchand et le génie – Improvisations sur Balzac I
(1998) ; Paris à vol d'archange – Improvisations sur Balzac II (1998) ; Scènes
de la vie féminine – Improvisations sur Balzac III (1998) ; Le Sismographe
aventureux – Improvisations sur Henri Michaux (1999)
Cuvier Georges
Naturaliste français (Montbéliard, 1769 - Paris,
1832)
Georges Cuvier
naît à Montbéliard, ville alors rattachée au duché de Wurtemberg mais de langue
et de culture françaises. Il passe quatre ans à l'université Caroline en
Allemagne où il étudie les sciences administratives, juridiques et économiques,
mais aussi l'histoire naturelle et l'anatomie comparée. Au sortir de
l'université, en 1788, Cuvier est engagé comme précepteur du fils du comte
d'Héricy, en Normandie. Le hasard le met sur la route de l'abbé A.H. Tessier
(1741 - 1837), médecin chef de l'hôpital militaire de Fécamp et naturaliste
renommé. Ce dernier, impressionné par les facultés du jeune Cuvier, l'introduit
auprès d'Etienne Geoffroy Saint-Hilaire au Muséum d'Histoire Naturelle à Paris.
En 1795, Cuvier est nommé enseignant assistant d'anatomie comparée au Muséum.
C'est le début d'une fulgurante ascension qui fera de lui le scientifique le
plus titré et honoré de son temps.
Professeur au
Collège de France, il succède à Daubenton à la chaire d'Histoire naturelle en
1799. Il devient professeur titulaire au Jardin des Plantes en 1802 et sera
promu directeur du Muséum en 1808. Cuvier est très vite reconnu par ses
contemporains scientifiques : membre de l'Académie des sciences, de l'Académie
Française et de beaucoup d'autres à travers le monde, il s'impose bientôt comme
spécialiste de l'anatomie comparée et fondateur de la paléontologie. Il pose
les bases des classifications actuelles dans les grands groupes animaux dans
son livre le Règne animal distribué
selon son organisation (1817) et énonce le principe de corrélation des parties
selon lequel chaque organe est lié dans son fonctionnement à tous les autres
(un mammifère à cornes possède toujours des sabots et des molaires usées, mange
de l'herbe et rumine). Il reste néanmoins entêté sur la théorie du fixisme,
allant même jusqu'à s'opposer violemment à son ami Geoffroy Saint-Hilaire, plus
nuancé, ainsi qu'à Lamarck, tenant de la théorie transformiste.
Parallèlement à
ses travaux scientifiques, Cuvier poursuit une carrière politique non moins
brillante. Il est d'abord nommé commissaire à
l'inspection générale de l'Instruction Publique et fonde les lycées de
Marseille et Bordeaux. Puis il occupe le poste de conseiller d'Etat au sein du
Comité Intérieur (section du Conseil d'Etat), pour en devenir le président à
vie en 1819. En 1831, il est élu président du Conseil d'Etat lui-même et
déclaré pair de France. L'année suivante voit ses ambitions politiques comblées
à travers la charge de Ministre de l'Intérieur qui lui est confiée. Mais Cuvier
s'éteindra quelques semaines plus tard, à l'âge de soixante-trois ans.
François Duvalier
François Duvalier, président d'Haiti du 22 Octobre
1957 au 21 Avril 1971, naquit le 14 Avril 1907 à Port-au-Prince, non loin du palais présidentiel de Nord
Alexis. Un lieu de naissance et de résidence qui lui permit de vivre de très
près les événements quelquefois sanglants marquant l'histoire d'Haiti durant
les premières décades du XXè siècle.
Il fit ses études
classiques au Lycée Pétion où il décrocha son diplôme de fins d'études
secondaires en 1928, un diplôme qui lui ouvrit les portes de l'Ecole de
Médecine de Port-au-Prince. Durant ses études médicales et son internat, il fit
des rencontres et vécut des événements qui marquèrent de façon indélebile sa
vie et orientèrent ses choix socio-politiques.
L'une de ses
rencontres fut celle de Lorimer Denis, un ethnologue spécialiste du vodou et un
nationaliste endurci. Embrassant les vues de Denis sur le nationalisme et le
noirisme, François Duvalier les developpa dans des articles parus dans de
nombreuses revues et brochures nationalistes de l'époque. Grâce aux démarches
de Lorimer Denis, il fut admis au Bureau d'Ethnologie, institution fondée en
1942. Ce dernier le présenta également à Daniel Fignolé qui l'encouragea à
rejoindre la cellule de fondation du Mouvement des Ouvriers Paysans (MOP) en
1946.
Entre-temps, il
épousa Simone Ovide, une infirmière. La cérémonie nuptiale eut lieu en l'Eglise
Saint Pierre de Pétion-Ville le 27 Décembre 1939. De cette union naquirent
trois filles (Marie-Denise, Nicole et Simone) et un garçon, Jean-Claude.
Lors de la campagne d'éradication du
pian qui fut soutenu, financé et administré par les Etats-Unis, Duvalier fut
choisi comme un des médecins administrateurs du programme. Durant cette
campagne, son nom et son visage devinrent familiers dans les campagnes et
certains coins réculés du pays.
Avec l'avènement
de Dumarsais Estimé, son status politique changea; d'observateur et analyste,
il devint homme politique. En effet, Estimé qui réunit dans son gouvernement
des membres de diverses tendances, le nomma directeur de la Santé Publique
avant de lui confier le porte-feuille de la Santé Publique et du Travail. A la
chute d'Estimé, il refusa de cautionner le coup d'état
et le gouvernement de Paul Eugène Magloire, et se lança dans l'opposition.
Ses menées
politiques ne lui attirèrent pas de grands ennuis quoiqu'elles fussent connues
du gouvernement. A la chute de Magloire, le 6 Decembre 1956, il se déclara
candidat à la présidence. Aux élections organisées le 22 Septembre 1957, il fut
déclaré vainqueur avec 679.884 voix, (voir : Elections présidentielles) et
prêta serment le 22 Octobre devant le président du Sénat, Mr. Hugues Bourjolly.
Cette élection
n'attenua pour autant les ardeurs et les ambitions des politiciens de l`époque
et de certains membres de l'armée. Le 22 Juillet 1958, il eut à essuyer la
première de toute une série de tentatives de renversement et d'invasions. A
chaque échec des opposants et des envahisseurs, Duvalier s'endurcit un peu
plus, et son image d'homme prédestiné chargé d'une mission historique se trouva
rehaussée aux yeux de ses partisans dont
certains formèrent la redoutable police parallèle denommée les tontons macoutes.
Après avoir
organisé, en Avril 1961, des élections pour se faire ré-élire avant la fin de
son mandat, il s'accapa définitive du pouvoir en Juin 1964 en se faisant proclamer "président à vie". A cette même époque il changea la couleur du
drapeau haitien. Plus tard, voyant sa fin venir, il nommera lui-meme son successeur, dans la
personne de son jeune garçon, alors de 19 ans, Jean Claude Duvalier.
Le 21 Avril 1971,
après treize ans et cinq mois au pouvoir, il rendit l'âme. Comme prévu, son
fils, Jean-Claude Duvalier, lui succéda le lendemain. Ses funérailles eurent
lieu le 24 suivant. Après le 7 Février 1986, une populace en furie saccagea son
tombeau au cimétière principal de Port-au-Prince; apparemment, ses restes ne
s'y trouvaient pas.
Occupé á déjouer
des complots, à poursuivre et exécuter ses opposants, à inculquer la peur dans
l'âme des Haitiens, et à étendre ses tentacules sur toutes les institutions du
pays, Duvalier se montra peu soucieux du développement du pays. Sous son
administration, le pays perdit certains de ses hommes les plus éminents, à la
suite d'exécution ou de l'exil; l'économie se détériora à un point tel que
Haiti devint le pays le plus pauvre de l'hémisphère après avoir connu une
certaine période de gloire durant les années 50; le taux d'analphabétisme resta
inchangé (90%).
Pourtant,
quoiqu'on puisse dire de lui et de son administration, l'idéologie qu'il prôna
visait, dans son essence, à la promotion de toute une classe d'Haitiens qui,
jusque là, était négligée quand elle n'était pas l'objet du paternalisme des
hommes au pouvoir et des classes dominantes. Malheureusement, cette idéologie
imposée avec une farouche énergie, une ferme intransigeance et une extrême
violence sur le peuple haitien laissa des marques si profondes dans son
imaginaire, qu'il est, encore aujourd'hui sinon impossible du moins extrêmement
difficile de s'en défaire complètement.
DÉRIVES DE LA « GUERRE CONTRE LE
TERRORISME »
ETA
1959. Sous la dictature franquiste, de jeunes
opposants aux conservateurs du Parti nationaliste basque créent le mouvement Euzkadi ta Askatasuna (ETA), « Patrie basque et
liberté », dont l’objectif est d’obtenir l’indépendance du Pays basque
(avec la Navarre espagnole et le Pays basque français).
1968. Premier assassinat planifié d’ETA, perpétré contre Meliton Manzana,
dirigeant de la police de la ville de Saint-Sébastien.
1973. Meurtre de l’amiral Carrero Blanco,
président du gouvernement et successeur désigné de Franco.
Avril 1978.
Naissance de la coalition d’extrême gauche Herri
Batasuna (HB), considérée comme la « vitrine politique »
d’ETA.
1979. Le Pays
basque, à la suite d’un référendum, obtient le statut de Communauté autonome au
sein de l’Etat espagnol, dit « Statut de
Guernica ».
1980. « L’année sanglante » : au total, 118 personnes
sont tuées dans des opérations d’ETA.
Vingt-trois ans plus tard, le nombre de victimes dépasse 850.
Juin 1987. L’explosion d’une bombe dans un supermarché de Barcelone tue vingt et une personnes ;
les séparatistes présentent leurs excuses pour cette « erreur », l’attentat le
plus meurtrier de l’histoire d’ETA.
Juillet 1997. ETA enlève et exécute Miguel Angel Blanco,
conseiller municipal du Parti populaire (PP, centre droit, au pouvoir à
Madrid). Plus de cinq millions de personnes manifestent dans toute l’Espagne
pour marquer leur opposition à la violence des indépendantistes.
Septembre 1998-décembre 1999. Une trêve est adoptée entre ETA et le
gouvernement. Elle échoue quatorze mois plus tard.
2002. Le 4 juin
est votée une nouvelle loi sur les formations politiques, permettant
d’interdire les partis ayant des liens avec le terrorisme.
2003. Le 20
février, la justice espagnole décide de fermer le quotidien basque Egunkaria. Le 17 mars, le Tribunal suprême espagnol prononce l’interdiction du parti
indépendantiste basque Batasuna,
accusé de soutenir l’organisation terroriste ETA.
Louis de Funès (1914-1983)
Louis de FUNES, d'origine espagnole, est né, le 31
juillet 1914, à Courbevoie.
Cette biographie
n'a pas l'ambition de s'arrêter à un énième catalogue des films où a tourné
Louis de Funès, vous trouverez d'ailleurs une telle liste sur ce site.
L'ambition est de peindre le tableau de la vie de Louis de Funès.
Nous n'aurons pas
la prétention de rivaliser avec Jean-Jacques Jelot-Blanc qui a écrit une
biographie magnifique de Louis de Funès, mais simplement vous donner envie d'en
savoir plus sur ce monstre sacré du cinéma français et mondial. Louis de Funès de Galarza, né le 31 Juillet 1914 à Courbevoie, est
issu d'une petite noblesse espagnole de Séville, ("Monseigneur est le plus
grand des Grands d'Espagne - C'est pas une flatterie ça, c'est vrai !" -
La Folie des Grandeurs), son père est un juriste averti qui a très vite compris
que, pour gagner sa vie, il fallait savoir se
remettre en cause, et devient diamantaire pour pouvoir subvenir aux besoins
de toute sa famille. Louis quant à lui, devenu adulte, vole de petits boulots
en petits boulots. Dessinateur industriel puis travaillant dans une maison de
couture, il est polyvalent. A l'aube de la seconde guerre mondiale, il est
réformé du service militaire.
Ses débuts comme
pianiste l'amènent à travailler des soirées entières dans des boîtes d'un Paris
occupé. Là il rencontre Eddy Barclay qui, comme lui, joue des nuits entières
dans des bars pour gagner sa vie. Un
soir, en pointant une arme sur lui, un officier allemand l'oblige à jouer Lilly
Marlène, qu'il ne connaît pas, et réussit à exécuter l'ordre, doué d'une
oreille musicale sans pareil. Louis a envie de gagner sa vie en se
produisant au théâtre, au cinéma et c'est à cette époque qu'il s'inscrit au
cours Simon. Un échec, sauf sur le plan amical : c'est là-bas qu'il rencontre
Daniel Gélin.
En 1943, il se
marie à Jeanne Barthelemy de Maupassant, qui sera son soutien dans les années
difficiles, comme plus tard, son meilleur agent pour choisir parmi les nombreux
scénarios, comme pour choisir sa meilleure partenaire à l'écran : Claude
Gensac. Le 27 Janvier 1944, Patrick de Funès voit le jour. Il est aujourd'hui
médecin à Saint-Germain en Laye.
Olivier naît le
11 Août 1947. Après des participations dans Fantômas se déchaîne (Michel), Oscar au théâtre du Palais
Royal (Christian Martin), Le Grand Restaurant (le neveu), Les Grandes Vacances (Gérard), Hibernatus (Didier), L'homme
orchestre (Philippe), Sur un arbre perché (l'autostoppeur), il est
maintenant pilote de ligne à Air France Europe. Louis obtient son premier rôle
grâce à Daniel Gélin, dans le film La tentation de Barbizon.
Les débuts au
cinéma sont difficiles. Il est confronté à deux attitudes : il se heurte tantôt
à l'intransigence de certains réalisateurs qui trouvent qu'il en fait trop et
commence dans le même temps à sortir de l'arrière plan de la caméra, grâce à
des réalisateurs, qui tombent sous le charme de son professionalisme et de son
sens du détail poussé à l'extrême. Dans le film Le mouton à cinq pattes, De Funès invente un tic qu'il
soumet à Henri Verneuil pour son personnage de croque-mort, petit second rôle
face au grand Fernandel qui campe 6 rôles différents ! Verneuil accepte. Le
jour du tournage, Fernandel répond du même tic à Louis de Funès, l'effet est
enlevé, Verneuil intervient, trop tard, Fernandel le lui avait piqué ! Dans une
interview à Télé 7 jours, en 1971, Louis dépeint avec justesse le début de sa
carière : «Je ne regrette pas la lenteur dans laquelle ma carrière s'est
développée. Elle m'a permis de connaître à fond mon métier. Quand j'étais
encore inconnu, j'essayais de colorer, par des détails, des mimiques, des
gestes, les petits rôles qu'on me confiait. J'ai acquis ainsi un certain bagage
comique sans lequel je ne pourrais pas faire la carrière que je mène. C'est
pourquoi, si c'était à refaire, je recommencerais.» La critique a commencé à
écrire quelques lignes sur lui, à partir de son rôle remarqué dans le film de
Claude Autant-Lara, La traversée de Paris, où il joue un cynique
boucher/charcutier qui s'adonne au marché noir. Cette première confrontation
avec Bourvil et Gabin ne se passe pas si bien que cela. Louis agace Gabin qui
trouve qu'il en fait trop, Bourvil, quant à lui, ne le juge pas. Entre les
autres acteurs et Louis, cela ne s'est pas toujours bien passé. Fernandel
l'ignorait presque, Jean Marais refuse même d'en parler à Brigitte Kernel dans
son livre (Louis de Funès - Editions Jacques Grancher - 1987). Quant à Jean
Lefebvre, il ne lui parla plus depuis la sortie du Gendarme se marie.
Par contre, c'est
le grand amour avec Jacqueline Maillan qu'il titille un peu dans Ah, les belles
bacchantes où Robert Dhéry les a réunis. Ils seront aussi partenaires dans
Pouic-Pouic qui permet à Louis de monter définitivement en haut de l'affiche,
il n'en descendra plus jamais pour aucun de ses films. C'est la même année en
1963 que Jean Girault le choisit pour incarner un gendarme (Le gendarme de Saint-Tropez), personnage
que Richard Balducci a inventé. L'idée lui est venu en vacances à Saint-Tropez
: cet assistant réalisateur a été victime d'un vol de caméra, il va porter
plainte à la gendarmerie. Le gendarme de garde lui montre par la fenêtre
l'auteur de son vol, et lui dit qu'ils n'ont jamais réussi à l'attraper. Cette
situation fait penser à Richard Balducci, à l'arrivée dans la brigade d'un
gendarme qui remet de l'ordre dans la brigade et multiplie les situations
comiques. Jean Girault et Louis de Funès tourneront ensemble cinq autres
gendarmes, et Faites sauter la banque
en 1964, Les grandes vacances en 1967 (Bosquier), Le petit baigneur en 1968
(Fourchaume), Jo en 1971 (Brisbard), L'avare en 1979 (Arpagon) et La soupe aux choux en 1981 (le Glaude).
Jean Girault décédera au cours du tournage du film Le gendarme et les
gendarmettes en 1982, le film sera terminé par son assistant Tony Aboyantz,
aidé par l'infatigable Louis. C'est aussi une grande amitié qui unit Michel
Galabru et Louis.
Ils ne jouent pas
dans la même catégorie et se complètent admirablement dans la série des
Gendarmes. Si des personnages comme Christian Marin ou Jean Lefebvre sont
remplaçables dans la série, Michel Galabru ne l'est sûrement pas, tout comme
Grosso et Modo d'ailleurs. Il tournera aussi des films avec des réalisateurs de
renom, avec qui le tournage s'avère difficile.
C'est le cas avec
Edouard Molinaro, qui jusqu'à la sortie même du film Hibernatus, hésita, tergiversa sur la version d'Hibernatus qui
allait être présenté au public, preuve en est, la fiche de présentation du
film, relate un scénario complètement différent de la mouture finale. Avec
André Hunebelle, cela se passe relativement bien, mais du quasi second rôle du
premier épisode de Fantômas, Louis
devient réellement la vedette, au détriment de Jean Marais, ce qui fera dire à
ce dernier à la sortie du meilleur épisode des Fantômas, Fantômas contre
Scotland Yard, que l'on avait plus qu'à changer le titre et l'intituler, Juve
contre Scotland Yard («Un policier
français, vouloir arrêter des fantômes en Ecosse, on aura tout vu !»). Une
longue amitié lie Gérard Oury, Michèle Morgan, Jeanne et Louis de Funès. Gérard
Oury signera avec Louis les plus grands succès de sa carrière. Louis sur les
tournages de Gérard Oury se sent à l'aise et peut donner libre court à ses
inventions comiques. La première rencontre Bourvil / de Funès à l'écran avec Le Corniaud, nous la devons à Gérard
Oury, qui rêve de faire tourner les deux monstres sacrés du cinéma comique de
ce début des années 60. Les mauvaises langues vous parleront des salaires
différents des deux grands, et de la différence entre le temps passé à l'écran
entre les deux acteurs, il ne faut pas s'arrêter là, et comprendre qu'il n'est
pas aisé de faire collaborer deux acteurs si différents.
A ce propos,
Gérard Oury est très attristé par la quasi grêve d'une
semaine qu'inflige Louis à son réalisateur. Les scénaristes sont appelés en
renfort de Paris et il concocte à Louis une scène supplémentaire, qui est de
loin, la plus marquante du film, celle de la douche dans le camping, où il n'y
a aucun mot de trop, simplement des mimiques des grimaces, c'est du grand Louis
de Funès, il explose à l'écran. Louis de Funès adore Bourvil et il serait
injustice que de prétendre que l'un et l'autre étaient en compétition. Louis de
Funès avouait que Bourvil le faisait beaucoup rire dans La Grande Vadrouille, beaucoup plus que son propre
personnage. Stanislas Lefort et Augustin Bouvet, sont tous les deux géniaux
dans La Grande Vadrouille, ils
crèvent l'écran. Ce film fut la plus grande réussite du cinéma français,
inégalé jusqu'à présent. C'est un film sans vulgarité, sans histoires d'amour
arrangées, sans hémoglobine, sans rires enregistrés ni jeunes premiers péteux
et arrogants. C'est un chef d'oeuvre. C'est un film difficile néanmoins qui
relate les aventures de nos deux héros que tout sépare mais que la volonté de
sauver de la mort annoncée deux jeunes sous-officiers de la Royal Air Force,
dont l'avion a été abattu non au dessus de Calais, mais en plein Paris. C'est
du grand Funès, c'est du grand Bourvil, c'est du grand Oury.
Si je vous dis,
Les sombres héros, outre le jeu de mot facile, vous pensez plus à un western
spaghetti qu'à un film avec Louis de Funès. C'est pourtant le titre du film que
devaient tourner ensemble, Louis de Funès et Bourvil en Espagne et qu'Oury
changea en Folie des Grandeurs. La mort de Bourvil en ce mois de Septembre
1970, bouleverse tous les beaux projets de Gérard Oury. Louis de Funès est très
attristé par le départ anticipé de son complice de plateau. Le choix d'Yves
Montand pour remplacer l'irremplaçable convient à Louis de Funès. Mais il est
difficile de faire accepter à l'homme de gauche, Yves Montand, d'aller tourner
sur le territoire du didacteur Franco. Il s'y résout malgré tout. La
confrontation de ces deux personnages est mémorable, et la prestation d'Alice
Sapritch («Tiens voilà la vieille, ça va chauffer !») donne
une leçon sur l'art d'un strip-tease réussi. En 1975, le souffle de la France
est coupé lorsque l'on apprend que Louis de Funès, a été hospitalisé, surmené,
usé par son perfectionnisme et sa rigueur. Il doit prendre du repos pendant
plusieurs mois ce qui éteint le grand projet de tournage du prochain film
d'Oury Le crocodile où Louis de
Funès devait tourner un dictateur d'extrême droite sud-américain cocu, balayé
du pourvoir par son rival, emprisonné, et qui, pour revenir au pouvoir, se
retrouve à la tête de guerilleros d'extrême gauche.
Louis de Funès a
bien mérité son repos, cette alerte cardiaque ne lui permettra plus de courir
derrière un carosse en plein soleil, de tomber et de retomber dans une cuve de
shewing-gum vert, de courir à travers Broadway, de faire et refaire de nouveaux
gags chaque soir, dans Oscar au théâtre. Ragaillardi, il profite néanmoins de
la quiétude du Château de Clermont, où il s'occupe de ses arbres fruitiers, et
surtout de ses fleurs, dont l'une, sa rose, merveilleuse rose qu'il a créée.
En 1977, il
revient à l'affiche avec Claude Zidi, qui lui propose alors le premier rôle
dans L'aile ou la cuisse, derrière Coluche qui le taquine durant
le tournage, en lui demandant où était son ambulance. Sa carrière est désormais
presque complète, il ne lui reste plus qu'à se diriger lui même, ce sera chose
faite en 1981, avec la sortie de L'avare,
où il dirigera l'ensemble du film, des costumes, des décors et de l'adaptation
au texte initial de Molières. De l'ensemble de ses 138 films, vous êtes
capables d'en citer quelques uns, ou alors vous êtes capables de citer quelques
répliques. De toute manière, de Funès ne laisse pas insensible : ou on aime, ou
on aime pas. Certains trouvent qu'il en fait trop, ou qu'il s'est enfermé dans
un seul genre, le comique, à la différence des autres grands français,
Fernandel, Bourvil, Gabin. A ceux-là, il faut répondre, que c'est faux, Louis
de Funès rêvait de tourner la vie de Louis XI, et l'on retrouve dans certains
films une pointe d'émotion, de tragédie, de drame.
C'est le cas lors
de la communion du petit David dans Les aventures de Rabbi Jacob, ou encore
dans le film Jo, où certaines scènes avec Claude Gensac, sont émouvantes,
pathétiques même. De Funès est pour beaucoup toujours le meilleur acteur
comique français et il mérite cette reconnaissance. C'était un professionnel,
quelqu'un pour qui le film suivant ne pouvait qu'être meilleur que celui qu'il
venait de terminer, il n'avait pour ambition que de toujours mieux faire et de
ne jamais déplaire à son public, de l'enfant de maternelle de Courbevoie, à la
vieille dame de Clermont.
Histoire de
"L’Humanité"
Bref survol
historique
Quand Jaurès
fonde l’Humanité, le 18 avril 1904,
son ambition est de créer un journal socialiste indépendant, n’appartenant à
aucun des courants du mouvement ouvrier français qui s’unifieront un an au plus
tard. Sa manchette porte l’appellation de " journal socialiste quotidien
". Jamais le journal n’appartiendra à la SFIO, (qui éditera son propre
quotidien) bien qu’une crise financière grave, deux ans après sa fondation,
l’amène à s’appuyer beaucoup plus sur les différentes tendances socialistes.
Pendant les 10
ans qui vont de sa naissance à la 1ère Guerre Mondiale, l’Humanité s’affirme
comme le grand quotidien représentant le mouvement ouvrier, syndical ou
politique. Dès sa création, l’Humanité, animée par une pléiade d’intellectuels
et d’écrivains engagés, affirme nettement ses ambitions culturelles et
littéraires. Les plus grands noms des lettres françaises, d’Anatole France à
Jules Renard en passant par Octave Mirbeau, y écrivent des critiques, des
chroniques, des nouvelles.
En août 1914,
Jaurès tombe sous les balles du belliciste Villain. L’Humanité, suivant les
socialistes français, soutient les gouvernements d’union nationale. Les années
de l’après-guerre seront dominées par les débats issus de ce ralliement. Dans
toute l’Europe, le mouvement ouvrier se fracture entre partenaires et
adversaires de la révolution de 1917. En France, le Congrès de Tours consomme
la fracture entre la majorité de la SFIO, qui décide d’adhérer à
l’internationale communiste fondée sur l’initiative de Lénine et la minorité. L’Humanité devient "journal
communiste" le 8 avril 1921, et gardera cette appellation jusqu’en
février 1923, où apparaissent la faucille et le marteau ainsi que la mention
" organe central du Parti Communiste ". Marcel Cachin, directeur
depuis la fin de la guerre, est confirmé à cette fonction qu’il occupera
jusqu’en 1958.
Les années 20
voient les luttes politiques s’exacerber, et le parti communiste se trouve de
plus en plus isolé. L’Humanité, toujours vulnérable, faillit ne pas survivre à
la chute de la " Banque Ouvrière et Paysanne ". En 1929, la création
des " Comités de Défense de l’Humanité " permet de desserrer l’étau :
c’est le début de la longue tradition de vente militante. Dans la foulée, la
première fête de l’Humanité se tient en septembre 1930, à Bezons. C’est avec le
Front Populaire que l’Humanité connaît vraiment un réel essor. Cette période
faste pour la presse politique vit d’ailleurs la naissance d’un " petit
frère ", selon l’appellation de l’époque : " Ce soir " confié à
Aragon qui était depuis 1934 journaliste à l’Humanité. La diffusion fait un
bond, les plus grands intellectuels et artistes collaborent à l’un ou l’autre,
pour le soutien aux grévistes en 36, aux républicains espagnols, aux
antifascistes européens.
L’embellie sera
de courte durée. En août 1939, l’Humanité est saisie et interdite, à la suite
du pacte germano-soviétique. De 1939 à 1944, plus de 300 numéros clandestins
seront diffusés. Parmi ses rédacteurs, Gabriel Péri, chef du service
international, et Lucien Sampaix, secrétaire général, seront fusillés.
Le 21 août 1944,
l’Humanité quitte la clandestinité, avant même la libération de Paris. Imprimée
sur une feuille recto verso, elle coûte deux francs.
La libération et
les années qui l’ont suivie représentent pour l’Humanité une période
d’exceptionnel rayonnement. La guerre froide, l’éviction des ministres
communistes du gouvernement en 1947 mettent fin à l’euphorie. Dès 1948,
l’Humanité connaît ses premières saisies avant la guerre.
La création de l’Humanité
Dimanche, le 3 octobre 1948, ancre la diffusion du journal dans les quartiers
populaires. L’Humanité n’en subit pas moins les contrecoups des turbulences de
l’Histoire : guerre froide, guerres coloniales, déstalinisation : sa courbe de
diffusion est ainsi un sismographe de la vie politique française.
Elle parvient
néanmoins à conserver ses atouts, se rend propriétaire de son siège, est
présente sur tous les fronts, culturels et aussi sportifs : Cross de
l’Humanité, Grand Prix sur Piste, Boucles de la Seine..
Elle accompagne,
cependant, et parfois précède les évolutions de la presse parisienne : de
l’Offset en 1977 à la saisie des textes par les rédacteurs en 1989, une
décennie de bouleversements techniques et sociaux marque son existence, comme celle
de la profession, notamment l’impression en fac-similé en province, la
photocomposition, le passage au tabloïd en 1985.
En 1989,
l’Humanité est à la croisée des chemins. Le " Quotidien de Paris ",
qui assurait la rentabilité de son impression, a disparu. Les capacités
d’impression de la presse parisienne sont excédentaires, le matériel doit être
renouvelé, l’immeuble, vétuste, câblé : l’Humanité s’installe à Saint-Denis,
fait construire un immeuble moderne dans une commune dont le développement est encore
manifeste aujourd’hui.
En avril 1990,
l’Humanité-Dimanche fait le choix d’une formule magazine qui connaît la
réussite, mais dont le succès s’érode vite. Une rénovation, en novembre 1997,
ne suffit pas à enrayer un mouvement de baisse, notamment de la diffusion
militante. En 1999, la fusion des deux titres, Humanité et Humanité Hebdo,
malgré une brève embellie, ne réussit pas à inverser la tendance. En 2000, des
décisions de transformation radicale de la structure et du capital de
l’Humanité sont prises. En mai 2001, aux Assises de l’Humanité, à.l’issue d’un
processus de redressement d’une sitution difficile, La Société des lectrices et
lecteurs, la Société des Amis de l’Humanité, la Société du Personnel et la
Société Humanité Investissement Pluralismes entrent dans le capital de
l’Humanité.
ISTRATI PANAIT
1884 - 1935
"Il n'y a qu'un héroïsme au monde : c'est de
voir le monde tel qu'il est et de l'aimer." Romain Rolland, cité par
Istrati dans sa "confession"
"J'ai
envie de croire qu'à la minute où je suis venu au monde, mon premier geste a
été d'embrasser la terre. Là-bas, dans le hameau de Baldovinesti, sur
l'embouchure du Sereth, la terre a sûrement dû se fourrer en moi, avec la
violence de l'amour.Toute la terre! Toutes ses beautés!" Pour avoir aimé la terre ...
Il y a quelque
chose d'un peu fabuleux dans le destin de cet écrivain roumain d'expression
française, qui échoua un jour, vagabond, dans un parc de Nice où il voulu se
trancher la gorge et sur qui un ami, vagabond lui aussi, trouva une confession
fleuve destinée à Romain Rolland à qui il l'envoya entraînant une prompte
réponse de l'écrivain qui allait le conseiller dans ses débuts. Vagabond,
Istrati l'avait été de sa Roumanie natale à la France en passant par la Suisse
durant ces années de guerre horrible où la grande voix de Romain Rolland, vers
qui il va se tourner, serait une des seules à s'élever en France, celle de
Jaurès ayant été frappée comme on le sait par la clique des assassins
nationalistes, celle de Zola étant éteinte depuis longtemps et France n'ayant
pas le courage de cette lutte contre la sottise meurtrière après les morts
violentes de ses amis.
Né à Braïla, en
1884, Istrati avait appris le français avec l'aide d'un compagnon de
sanatorium, Josué Jehouda, en quelques années, il fut capable de l'écrire assez
bien pour en faire "sa" langue. Le succès vint vite
Istrati fut,
d'après sa formule, "l'Homme qui
n'adhère à rien" et cela lui valut des déboires et des abandons dans
une Europe où il fallait choisir, appartenir à une de ces familles qui se
disputaient le pouvoir et l'avenir, même si de nombreux hommes, tel Drieu, ne
faisaient leur choix que "sur le fil", optant pour un camp presque
par hasard ou avec une secrète nostalgie de l'autre.
L'oeuvre
d'Istrati est une oeuvre forte, d'homme libre et dur. Il décrit une vie
difficile, en donnant une priorité à l'aspect humain ce qui le rapproche tout
naturellement d'une autre grande figure de la littérature européenne, qu'il
connut, même si leurs oeuvres ont des tonalités parfois très différentes, Nikos Kazantzakis.
Malade,
abandonné, Istrati rentra dans son pays et mourut
à Bucarest en 1935 avant l'effondrement de l'Europe dans le cauchemar nazi.
Istrati est de
ces hommes qu'on ne peut oublier quand on les a rencontrés ne serait-ce, ou
surtout, sous forme de livres, à l'opposé par exemple de tristes salauds du
genre de Céline, dans la merde desquels se complait aujourd'hui une
intelligentsia au rabais. Chez cet aventurier de la misère, la littérature est
espoir et force de vie. Venant de Roumanie comme Ionesco, Istrati nous
réconcilierait s'il en était besoin avec ce pays frère en latinité, perdu de
l'autre coté de l'Europe et nous console d'un Cioran de même origine nationale,
ancien sectateur de la sinistre garde de fer et qui a égrené ... pour les
autres, jusqu'à un âge très avancé de bonnes raisons de ne pas vivre, à la
satisfaction des idiots pour qui une sorte de mot, pas toujours bon, est une
grande pensée pourvu qu'il fasse étalage de cynisme.
J'ai découvert
Istrati, par une édition de deux de ses romans dans une collection des Editions
Rencontre. Je me souviens de la joie avec laquelle j'ai dévoré ces livres,
n'ayant de cesse que de trouver ses autres oeuvres. On ne dira jamais assez ce
que représentaient, aux cotés des critiques d'écrivains, ces collections
"club" qui ne se cantonnaient pas aux livres "qui se
vendent", mais s'attachaient aux écrivains de qualité. Feu les éditions
Rencontre de Lausanne, la Guilde du livre, et quelques autres, étaient de ces
éditeurs atypiques qui oeuvraient souvent mieux que les autres, dans un autre
genre, la collection 10/18 fut également une mine pour les amateurs.
BIBLIOGRAPHIE succincte :
Les récits
d'Adrien Zograffi- Kyra Kyralina
Oncle Anghel
Présentation des
Haïdoucs
Domnitza de
Snagov
La jeunesse
d'Adrien Zograffi- Codine
Mikhaïl
Mes départs
Le pêcheur d'éponges
Vie d'Adrien Zograffi- La Maison Thuringer
Le bureau de
placement
Méditerranée (Lever de soleil)
Méditerranée (Coucher de soleil)
Les chardons du Baragan
(Ciulinii …)
Tsatsa-Minnka
Nerrantsoula
La famille
Perlmutter
Jupiter
Roi des dieux,
dieu de la foudre
Jupiter était le
dieu romain du ciel, l'équivalent de Zeus.
Le culte Jupiter Optimus Maximus ("le
meilleur et le plus grand") commença sous le règne des Etrusques, chassés
de Rome vers 507 av. JC.
Au début, Jupiter
fut associé aux éléments, notamment les
orages, le tonnerre et la foudre. Ce n'est que plus tard qu'il devint le protecteur du peuple romain et leur
allié en temps de guerre.
Les jeux du
cirque à Rome lui étaient dédiés.
L'une des 7 merveilles du monde, la statue d'ivoire de Jupiter qui s'élevait
dans son temple à Olympie.
LOUIS LUMIÈRE
Savant et
réalisateur français
Né à Besançon le 05 octobre 1864
Décédé à Bandol le 05 juin 1948
LA BIOGRAPHIE DE
LOUIS LUMIÈRE
Fils d'un
fabricant de plaques photographiques, Louis Lumière est ainsi initié à cette
science et invente, avant ses vingt ans, la plaque au gélatino-bromure. Après
avoir examiné un kinétoscope (appareil inventé par Edison permettant la vision
individuelle de films) avec son frère Auguste, il s'intéresse à la projection
d'images animées. En 1894, c'est la construction de la première caméra suivi du cinématographe breveté en 1895. Ce dernier connaît
un immense succès et le 28 décembre 1895, c'est l'invention du cinéma. Les
frères Lumière forment alors des équipes d'opérateurs chargés de recueillir les
premiers documents d'actualité. Louis Lumière réalise une dizaine de films dont
'Sortie d'usine'.
Il retourne par la suite à ses recherches sur la photographie.
BENITO MUSSOLINI (1883-1945)
Homme politique
italien, d'abord militant socialiste, il fonde en 1919 ses premiers faisceaux
de combat (groupuscules d'extrême-droite). Ces faisceaux, rapidement puissants,
sont les ancêtres du parti fasciste dont Mussolini devient le chef (le
"Duce").
Apparaissant
comme une solution à la crise qui touche l'Italie, Mussolini est soutenu par la
Bourgeoisie. En 1922, le succès de la marche fasciste sur Rome amène le roi à
confier le pouvoir à Mussolini.
Dès 1924, ce
pouvoir devient dictatorial. Il s'illustre par la conquête de l'Ethiopie en
1936, par l'alliance avec l'Allemagne nazie (l'Axe Rome-Berlin), et par
l'engagement dans la guerre en 1940 au côté des nazis.
Mais la guerre
est un désastre pour l'Italie. Mussolini est arrêté sur ordre de certains
dirigeants fascistes en juillet 1943. Libéré en septembre 1943 par les nazis,
Mussolini tente de reprendre le pouvoir, en vain. Arrêté le 27 avril 1945,
cette fois par des militants anti-fascistes, il est fusillé le lendemain.
Mussolini est
issu d'une famille modeste : son père, Alessandro Mussolini est forgeron,
militant socialiste et a ouvert un petit débit de boissons tandis que sa mère,
Rosa Maltoni, est institutrice. Il baigne dans la double culture anarchiste qui
lui vient de son père (son prénom, Benito
lui a été donné en hommage au révolutionnaire mexicain Benito Juarez), et catholique traditionnelle : il va à l'école chez
les Salésiens de Faenza. C'est un élève turbulent, voire violent : il manque de
peu le renvoi en 1893 lorsqu'il blesse un de ses camarades avec un couteau. En
1895, il entre à l'école normale de Forlimpopoli et devient instituteur.
En 1900, il adhère
au Parti socialiste italien et en préside la section locale. Fuyant le service
militaire, il s'expatrie en Suisse en 1902 où il perfectionne ses connaissances
idéologiques anarcho-syndicalistes. En 1904, il en est expulsé à la suite de
certaines de ses menées d'extrême gauche.
De l'activisme
révolutionnaire à l'alliance nationaliste
De retour en
Italie, il doit effectuer son service militaire parmi les bersagliers avant de
se retrouver quasi vagabond, vivant de petits métiers (maçon, etc.), puis obtient
un poste de professeur de français à Forli. C'est alors que son audience
grandit au sein du Parti socialiste, tendance « dure ». Violemment opposé à la
guerre de colonisation de la Libye (1911-1912), il mène la destruction des
voies de la gare de Forli contre le départ des troupes pour l'Afrique. Cela lui
vaut six mois d'emprisonnement. À sa sortie, il prend la tête du journal du
Parti socialiste italien Avanti ! en 1913. D'abord fermement pacifiste, il
s'oppose à l'entrée en guerre de l'Italie avant de changer radicalement de
position dans un article de l'Avanti ! : il préconise
une politique militariste en 1914 et est favorable à l'entrée en guerre de
l'Italie en 1915 aux côtés de l'Entente. Il crée les Faisceaux de combat, noyau
de son Parti national fasciste, le 23 mars 1919. À partir de cet instant sa vie
devient liée à l'évolution de son parti. Les faisceaux de combat sont un
amalgame d'anarcho-syndicalistes d'où est issu Benito Mussolini lui-même et de
nationalistes déçus par la non satisfaction de
certaines revendications territoriales à la fin de la guerre, notamment de
Fiume où D'Annunzio s'est illustré en vain.
La prise du
pouvoir et la mise en place de la dictature de Mussolini
De 1919 à 1922,
l'Italie est secouée par une grave crise sociale, économique voire politique. Mussolini l'exploite en brisant
les grèves et les syndicats par la violence : il se fait ainsi connaître et
bien voir par les milieux d'affaires et le patronat (Confindustria et
Confagricoltura). Il utilise pour cela des squadre (escouades), sortes de
milices, issues en grande partie des rangs des arditi (venant des troupes d'élite démobilisées en 1918)
nationalistes, dont l'uniforme est la chemise noire — qui deviendra un des
symboles du fascisme. Après la marche sur Rome en octobre1922, le roi d'Italie
Victor-Emmanuel III lui confie le gouvernement. Jouant habilement de mansuétude
et de menaces, Mussolini installe progressivement l'appareil fasciste sur le
pays et ce malgré l'assassinat du député socialiste Giacomo Matteotti, qui
l'accusait, preuves à l'appui, de violences et de malversations, et qui eut un
profond retentissement. En effet, d'abord dictateur « légal », allié dans un
premier temps aux forces politiques traditionnelles (des libéraux de Giolitti
et de Nitti aux nationalistes en passant par les « populaires » catholiques de
Don Sturzo), Mussolini élimine toute opposition en étant à l'origine et en
laissant se développer une violence généralisée qu'il se fait fort ensuite de
contenir : ses adversaires sont dûment battus à coups de gourdins (quand on ne
les force pas à boire de l'huile de ricin). Par une loi électorale
anti-démocratique, il obtient aux élections de 1924 la majorité absolue au
Parlement. Il en profitera, une fois passés les remous de l'affaire Matteotti,
pour faire voter les « lois fascistissimes » élaborées par son ministre de la
Justice Rocco (1925-1926), fondant
un régime totalitaire.
Une politique
totalitaire
La politique de
Mussolini dénote une « volonté de fascisation des esprits, de transformation
globale de la société et de création d'un homme nouveau. » (P. Milza, S.
Berstein). Il s'agit donc d'une politique totalitaire. Son instrument essentiel
est le Parti National Fasciste (PNF)
fondé en 1921, devenu parti unique. Son instance suprême, le Grand conseil
du fascisme, s'est substitué à la direction de l'État, le Parlement devenant
une simple chambre d'enregistrement et le gouvernement un exécutant des
décisions prises par le Grand conseil et Mussolini. Cette prépondérance du
parti fasciste se double du culte voué à la personnalité de Mussolini dont
témoignent les slogans du régime (« Mussolini ha sempre ragione », « Mussolini
a toujours raison »). Le Duce (chef) utilise les media (radio, cinéma
d'actualités, journaux...) pour se mettre en scène : discours spectaculaires,
films le montrant en train de moissonner... Dans le même temps, la société
toute entière est fascisée : les programmes scolaires sont révisés, les loisirs
sont encadrés (les vacances, les voyages des ouvriers sont pris en charges par
des organisations parallèles du parti fasciste), la jeunesse est enrégimentée
dans l'ONB (Opera Nazionale Balilla) : fils de la louve dès 4 ans, Balilla à 8
ans, avanguardisti à 14 ans. On y apprend la vie en collectivité mais aussi le
maniement des armes et la discipline militaire, à côté cours théoriques sur le
fascisme. Afin de pouvoir s'appuyer sur les masses catholiques et, surtout, la
hiérarchie ecclésiastique du pays, Benito Mussolini signe les accords du Latran
en 1929, mettant fin à la question romaine, accordant au pape un État, le
Vatican, et un statut de chef d'État.
[modifier]
Une politique
étrangère d'abord hésitante puis belliqueuse
Dans les années
20, Mussolini joue un jeu d'alliances assez classiques notamment avec le
Royaume-Uni dont certains des dirigeants ne cachent pas leurs sympathies pour
le Duce (comme le représentant du foreign office Austen Chamberlain).
Parallèlement, il cherche à accroître l'influence de son pays dans les Balkans
et en Europe danubienne : il revendique et finit par obtenir le rattachement de
Fiume à l'Italie, au détriment de la jeune Yougoslavie (traité de Rome, 1924) ;
il fait de l'Albanie un protectorat de fait (traité « d'amitié et de sécurité »
signé à Tirana en 1926) ; il noue des liens avec l'Autriche, la Hongrie, la
Roumanie. Mais un autre de ses objectifs est de faire admettre l'Italie dans le
cercle des grandes puissances coloniales : implantation en Libye qu'il «
pacifie » après une répression violente et des déplacements de population,
rapprochement avec l'Ethiopie à partir des possessions de Somalie et d'Erythrée
et dont il essaie de faire un protectorat. Devant les résistances du roi
d'Ethiopie (le Négus, Haïlé Sélassié) et suite à un incident de frontière, il
attaque l'Éthiopie en 1935. Mais la victoire est longue à se dessiner malgré
l'écrasante supériorité militaire des Italiens. Le 3 mai 1936, les troupes
italiennes entrent cependant à Addis Abeba, effaçant ainsi la défaite d'Adoua.
C'est alors l'apogée du fascisme italien. Ailleurs d'autres partis fascisants
voient le jour, notamment le Parti populaire français de Jacques Doriot en
1936.
Mussolini et
Hitler à Munich (1940)
Une des
conséquences de la guerre d'Ethiopie est d'éloigner les grandes démocraties
occidentales de l'Italie et de forcer Mussolini à se rapprocher de l'Allemagne
nazie. En effet, Mussolini, d'abord plus que méfiant vis à vis d'Hitler, se
heurte à l'opposition de la France et de l'Angleterre. Il change sa diplomatie
européenne, abandonne ses vues sur l'Europe danubienne qui devient une « chasse
gardée » d'Hitler, l'Italie se voulant héritière de l'Empire romain et donc
orientant sa politique vers le bassin méditerranéen. L'« Axe Rome-Berlin » se
dessine en 1936. C'est ainsi que Mussolini laisse Hitler annexer l'Autriche (Anschluss,
mars 1938) qui fait pourtant de l'Allemagne un voisin inquiétant pour l'Italie.
De même, il soutiendra Hitler lors de la conférence de Munich où il feint
d'être neutre : Hitler peut ainsi s'emparer de la Tchécoslovaquie. Afin de ne
pas être en reste dans une sorte de belliqueuse compétition avec le IIIème
Reich, Mussolini annexe l'Albanie (avril 1939). Mais il renâcle à s'engager
plus avant aux côtés de l'État nazi : son pays n'est pas prêt à la guerre
qu'Hitler a déjà programmée. Aussi n'entre-t-il dans le second conflit mondial
que le 10 juin 1940, alors que la bataille contre la France est déjà gagnée par
l'Allemagne. Son engagement dans la guerre est un fiasco : il envahit la Grèce
1940 depuis l'Albanie mais son armée est repoussée par les Grecs : Mussolini
doit demander de l'aide à l'Allemagne. De même, en Libye, son armée est défaite
par les Anglais, précipitant l'Allemagne dans une guerre africaine où elle
laissera beaucoup de forces. Peu à peu, l'Italie devient vassale de l'Allemagne
nazie.
[modifier]
La fin du régime
et de Mussolini
En 1943, les
Alliés attaquent la Sicile puis le sud de l'Italie, Mussolini est renversé puis
emprisonné, mais il est libéré par un commando SS. Il installe la République
sociale italienne dite République de Salò dans le nord de l'Italie où il
organise une sanglante répression. Alors qu'il tente de fuir en Suisse après la
défaite allemande, il est reconnu par des partisans italiens et fusillé avec sa
maîtresse Clara Petacci et d'autres hiérarques du régime le 28 avril 1945.
Leurs cadavres furent pendus par les pieds, traînés sur la place de Milan et
ensuite décapités.
[modifier]
Famille
Adepte de l'union
libre il exalte la famille traditionnelle n'hésitant pas à sacrifier ses
proches.
Mussolini
rencontre Ida Dalser au milieu des années 1910 alors qu'il est marié à Rachele
avec laquelle il a déjà une fille, Edda. En 1915, elle lui donne un fils,
Albino, qu'il accepte de reconnaître. Mais assez rapidement, Mussolini tente de
soustraire l'enfant à sa mère. Pour y parvenir il cherche, en pleine guerre
contre Vienne, à faire emprisonner Ida Dalser en raison de sa nationalité. En
vain. Mais arrivé au pouvoir en 1922, plus rien ne lui résiste. Ida est
internée dans un asile d'aliénés dès 1926 où elle meurt onze ans plus tard. À
ce moment c'est Albino devenu entre-temps télégraphiste sur des navires au long
cours, qui est à son tour interné et y décède en 1942.
Palais de l'Escurial
ou palais de l'Escorial
Palais et
monastère d'Espagne, au pied de la sierra
de Guadarrama, au N.-O. de Madrid.
Accomplissement
d'un voeu de Philippe II, après la
prise de la ville de Saint-Quentin le 10 août 1557, conçu comme nécropole royale et centre d'études au
service de la Contre-Réforme.
le palais de
l'Escorial fut élevé de 1563 à 1584, par
Juan Bautista de Toledo, l'Italien Giambattista Castello et Juan de Herrea dans
un style classique sévère.
Nostradamus
Michel de
Notre-Dame est né le 14 décembre 1503 à Saint-Rémy de
Provence. Son père, Jaume, était marchand de céréales et notaire. Son
grand-père paternel, Pierre de Notre-Dame, était vraisemblablement marchand en
Avignon, mais Jean de Nostredame, poète provençal et frère du prophète, et
César, fils de Nostradamus et auteur d'une histoire de la Provence, le firent
astrologue et savant, à l'égal de Jean de Saint-Rémy, le grand-père maternel de
Nostradamus. Ce dernier avait été en effet clavaire - c'est-à-dire trésorier -
de la ville de Saint-Rémy de Provence. Indéracinablement liés à cette région de
la Craux, les ancêtres de Nostradamus étaient des Juifs convertis, qui auraient
exercé à la cour du Roi René.
C'est
naturellement baigné de médecine, de mathématiques et d'astronomie que Michel
de Notre-Dame passa son enfance à Saint-Rémy. Il continua ses études en
Avignon, la cité cosmopolite appartenant à la Papauté, à cinq lieues de sa
ville natale. Titulaire de son baccalauréat ès arts, les portes de la faculté
de Médecine de Montpellier, établie et renommée depuis le Moyen-Age, s'ouvrent
à lui.
Mais en 1520, la
peste, apportée du Languedoc, se répand dans tout le Comtat Venaissin. La
Faculté suspend ses cours et les jeunes étudiants en médecine, Nostradamus en
tête, apprennent à combattre la terrible épidémie, contre laquelle seules
quelques mesures d'hygiène, le courage des médecins, et la ferveur des prières
pouvaient lutter.
Le 23 octobre
1529, la faculté rouvre ses portes. Michel de Notre-Dame reprendra les cours.
On retrouve son inscription dans le "livre du procurateur" de
l'époque, où son passage est mentionné en latin: "Michel de Nostredame,
d'origine provençale, natif de Saint-Rémy, ville dépendant du diocèse
d'Avignon, est venu dans cette université de Montpellier pour étudier, par la
grâce de Dieu..."
L'étudiant
préparera et passera ses "Triduanes", dans une université que
fréquentera en même temps François Rabelais. Brillamment reçu, et nanti de son
doctorat, le jeune médecin voyage à la rencontre des plantes et des maladies.
Astrologie et médecine étaient indissociables à l'époque, et dans ces deux
domaines il étonna par ses connaissances. Selon ses biographes, il s'était déjà
alors attelé à son grand travail de prédictions astrologiques mondiales,
peut-être rédigées premièrement en latin, et qu'il hésitera à publier durant
plus de trente ans. En 1533, Nostradamus s'installe à Agen, où il se lie
d'amitié avec César Scaliger, célèbre érudit de la Renaissance, "un
personnage incomparable, sinon à un Plutarque" selon Nostradamus, et qui
rivalisait avec Erasme et Cardan. La population loue les talents des deux médecins
lors de l'épidémie de 1534. Michel de Notre-Dame se marie, mais perd sa femme
et ses deux enfants en 1538 lors d'une nouvelle peste.
Dès lors,
Nostradamus parcourt la France. On le retrouve à Bordeaux, Bar le Duc, et il
aurait peut-être séjourné à l'Abbaye d'Orval, qui dépendait de l'ordre de
Citeaux. Il continue ses voyages d'études en Italie, Venise, Gênes, Savone,
Milan, Turin..., où il consigne recettes culinaires et remèdes médicaux.
Mais la peste se
déclare encore en France, et il revient la combattre à Marseille puis à Aix, où
il expérimente de nouveaux soins et applique de très modernes, et efficaces,
mesures d'hygiène. Pour ses exceptionnels résultats, la ville lui accorde une
pension perpétuelle. Dans ses textes, il décrit encore son intervention à Lyon.
Lorsque son père
meurt, Nostradamus rejoint sa famille à Salon-de-Provence. Son frère, Bertrand,
est un notable de la ville, et Michel choisit de s'y installer. Le 11 novembre
1547, il épouse Anne Ponsard, et fonde une nombreuse famille, tandis que la population
vient le consulter en masse. En 1553, Nostradamus finance le percement du canal
qui amène l'eau de la Durance à Salon, ouvrage de son ami Adam de Craponne. Il
publie aussi des almanachs astrologiques, fascicules de prédictions en vogue à
l'époque, qui regroupent données astronomiques, et présages astrologiques.
En 1555, Nostradamus publie ses fameuses Centuries,
ouvrage monumental composé en plus de trente ans. Elles connaîtront le même
succès que les almanachs. A tel point que Nostradamus est invité à la cour de
France par Catherine de Médicis pour tirer l'horoscope des enfants royaux.
En 1559, lors
d'un célèbre tournoi, le roi Henri II reçoit un éclat de lance dans l'œil, et
meurt, malgré les soins d'Ambroise Paré. L'épisode contribuera à la longue
renommée de Nostradamus, qui avait publié, dans ses Centuries, quatre ans
auparavant, le quatrain:
Le lion jeune le
vieux surmontera,
En champ bellique
par singulier duelle,
Dans cage d'or
les yeux lui crèvera,
Deux classes une
puis mourir mort cruelle.
Nostradamus est à
nouveau invité par la reine, férue d'astrologie. Dans le même temps, le
contexte politique se dégrade, et s'ouvre sur les Guerres de Religion à venir.
Les "cabans" se révoltent à Salon, et conflits et peste refont leur
apparition.
Afin de
désamorcer la crise, la Cour de France, et le nouveau roi Charles IX, entament
un tour de France. En 1564, le jeune roi, Catherine de Médicis, et toute leur
suite, rendent visite à Nostradamus à Salon. Il est confirmé dans ses titres de
médecin et conseiller du Roi, et aurait alors prédit l'avenir royal du jeune
Henri de Navarre.
Mais en 1566
Michel de Notre-Dame est fatigué et souffre de la goutte, et il annonce que sa
mort est proche. Il rédige son testament le 17 juin chez Maître Joseph Rouche,
et meurt dans la nuit du 2 juillet 1566,
dans les circonstances exactes décrites dans un de ses Présages. Il est enterré
dans l'église des Cordeliers, où sera gravé:
"Dieu très
grand. Ici les os du très illustre Michel de Notre-Dame, estimé digne entre
tous les mortels de décrire suivant le cours des astres et de l'univers tout
entier, d'une plume presque divine, les événements de l'avenir. Il a vécu 62
ans, 6 mois, 10 jours, et mourut à Salon
en 1566."
En 1791, le tombeau fut violé par les gardes nationaux, le cercueil brisé à
coups de hache, et les ossements du prophète dispersés. Les révolutionnaires
espéraient y trouver un trésor. Ils y découvrirent, dit-on, la date où le
tombeau sera profané. L'urne qui conservait les restes de ses ossements fut plus
tard scellée dans le mur de la chapelle de la Vierge en la collégiale Saint
Laurent.
Publius Ovidius Naso
Publius Ovidius
Naso era nato a Sulmona nel 43-. Fu
mandato giovanissimo a Roma dal padre insieme al fratello per studiare retorica
e diventare poi un politico. Si dedicò invece alla poesia, ma Ovidius fu il
primo ad applicare alla poesia, in modo dominante, la tecnica delle scuole di
declamazione. Accolto nell'alta società augustusiana, vi condusse una vita
brillante, conobbe i maggiori scrittori del tempo: Horatius, Cornelius Gallus,
Propertius, Messalla. Ricoprì cariche pubbliche poco rilevanti (triumvir
capitalis, decemvir stilitibus iudicandis), fece i tradizionali viaggi di
istruzione in Grecia, e poi in Egitto Asia Sicilia, che lo arricchirono di una
vasta cultura ellenistica. Si sposò a Roma tre volte in pochi anni. Solo con
l'ultimo legame con una donna nobile e colta riuscì a trovare una forma di
felicità.
Nell'8+ un decreto di Augustus lo relegò a Tomi
[Dobrugia, attuale Romania] sul Mar Nero: qui morì nel 17\8+. Non sappiamo il motivo di questo esilio.
Ovidius parla di un carmen e di un error. Forse fu implicato in uno scandalo di
corte. Certo è che la sia disincantata poesia era estranea alla politica
culturale di Augustus. I suoi libri vennero tolti dalle biblioteche e bruciati
in pubblico come immorali. Neppure
l'imperatore Tiberius revocò l'editto di Augustus.
Ovidius esordì
ventenne nel circolo di Messalla con un canzoniere amoroso in distici, Amori (Amores[iubiri], 20-) in cinque libri subito dopo rimaneggiati in tre libri:
quest'ultima edizione è quella che ci è pervenuta. Si tratta di poesie galanti,
disposte con voluto disordine all'interno di una calcolata simmetria frontale,
che aprono un lungo ciclo erotico. Il ciclo comprende, oltre agli
"Amori":
- Lettere (Epistulae), raccolta fittizia di lettere d'amore scritte da eroine della
mitologia e della storia ai loro amanti (116 versi di Penelope a Ulisse,
378 versi di Paride a Elena ecc.). Il titolo originario fu cambiato da
*Priscianus con quello di "Eroidi" (Heroides). Per il loro instabile
equilibrio, la monotonia dello schema perennemente ripetuto, il gioco infinito
di suggestioni e allusioni letterarie, si tratta di una dei testi più difficili
da tradurre, sovraccarico di patetico e tragico, di spregiudicata galanteria,
in una gabbia di stereotipi delle rivali (la
gelosia, i lamenti, le accuse, i pregi dell'eroina ecc.);
- Arte amatoria (Ars amatoria[arta de a iubi]) in tre
libri, composti nei primi anni + (in due riprese: prima i primi due libri, poi
il terzo): una specie di summa erotica destinata alla società elegante della
Roma del tempo che fece di Ovidius il suo interprete e beniamino;
- i Rimedi
d'amore (Remedia amoris[leacurile
iubirii]), 407 distici pubblicati nel 1\2+, analoghi all'"Arte
amatoria" nella finta e compiaciuta palinodia;
- Medicamenti del
volto (Medicamenta faciei[medicamentele
feţei]), breve prontuario di maquillage,
in distici.
A questo stesso
periodo appartengono una tragedia, Medea, molto celebrata nell'antichità ma
andata perduta, e altre opere minori tutte perdute.
Più ambiziose le
opere scritte in seguito al suo accostarsi ai circoli augustusiani.
I libri delle
metamorfosi (Metamorfoseon libri[Metamorfozele])
furono iniziati nel 3+. E' un poema epico in esametri, vasta silloge in 15
libri delle trasformazioni che la tradizione mitografica gli offriva, dalla
descrizione del Kaos fino alla trasformazione di Caesar in astro, all'apoteosi
di Augustus. Si accostava così ai temi della propaganda contemporanea.
Nonostante lo sforzo di creare un poema unitario, resta un'opera frammentaria,
un arazzo affascinante in cui molta parte della letteratura greca e latina
(Homeros, i tragici, i poeti ellenistici, i latini fino ai contemporanei) è
usata e rifusa con unità di stile ma non di disegno.
I Fasti(Fasti)
sono un poema elegiaco. Fu interrotto dall'esilio, anche se rimaneggiato a
Torni. Comprende i primi sei libri del piano originario in 12. Destinato a
narrare e spiegare mese per mese le feste del calendario romano. Lo scopo era
anche quello di celebrare la Roma antica, in accordo con la volontà di
restaurazione morale e religiosa di Augustus.
Seguono le opere
dell'esilio. L'evento dell'esilio fu un evento sconvolgente per Ovidius, che
allora aveva 35 anni e si trovava all'apice del successo. Ovidius riuscì a fare
di questa faccenda un evento mitico, tra il patetico e lo stravolgente. Sei
mesi di duro viaggio per giungere a Tomi, quando vi giunse «non ero più io» (non sum ego qui fueram), si descrive
precocemente incanutito, tossicchiante, in un paesaggio desolante e rigido ai
confini più estremi dell'impero.
Tra le opere
dell'esilio, quelle che ci rimangono sono:
Il poemetto Ibis è un elenco di maledizioni in 322 distici, scritto durante il viaggio
d'esilio.
In cinque libri
sono le Tristezze (Tristia), elegie
scritte nel 9-12+.
Le Lettere dal
Ponto (Epistulae ex Ponto) in metro
elegiaco, dedicate a amici a Roma, in quattro libri. Tre furono terminati nel
12+, il quarto invece fu pubblicato postumo.
Poemetto
didascalico è La pesca (Halieutica) di cui restano 134 versi. Ma non siamo
sicuri dell'autenticità. Non suoi sono "Noce" (Nux) e
"Consolazione a Livia" (Consolatio ad Liviam).
Ovidius è il
testimone più importante e tipico della seconda metà del regime augustusiano.
E' nettamente diverso dai poeti della prima generazione, Virgilius e Horatius.
Le guerre civili sono lontane, il significato della pacificazione portata da
Augustus gli è presente. Di fronte a questo programma Ovidius è semplicemente
un conformista. La stessa antica gloria di Roma è vista da lui con
condiscendenza. La letteratura è entrata nei salotti, è diventata spettacolo,
rito intellettuale. Ovidius è poeta della società mondana: di qui l'edonismo
letterario, l'eleganza, il virtuosismo tecnico. Sia quando apparentemente in
linea con il programma augustusiano ("Fasti") o che lo nega clamorosamente
("Arte amatoria" ecc.). Manca di profondità di pensiero , di
autentica sensibilità per la politica. Il mondo greco gli offre un ricco
apparato di dottrina. Ma vero oggetto è la Roma contemporanea dei salotti e
della vita elegante del foro. Il linguaggio è quello destinato a un'élite
raffinata, fluido e impersonale, si presta alle mimesi di moda, capace di
evocare situazioni patetiche, indugia con abilità sulla psicologia femminile.
In ciò è il miglior continuatore della letteratura ellenistica.
Anche l'elegia
triste dell'esilio, non priva di note sincere, manca di valori di fondo.
Ovidius specula sugli umori, sulla possibilità di compiacere l'imperatore e di
persuaderlo. Alla morte di Augustus sostituisce i versi dedicatigli nei
"Fasti" con altri diretti al principe designato Germanicus. La
sensazione è sempre quella di trovarci davanti a un retore piuttosto querulo.
Rimangono efficaci alcune pagine in cui trasfigura la sua esperienza.
Già la
descrizione della navigazione di trasferimento nella seconda elegia delle
"Tristezze" vive di una tempesta prodigiosa in cui il bell'Ovidius è
un Ulisse spaesato. Là in Romania, sulle rive di un mare cupo e selvaggio, la
terra è
«[...] bianca di
ghiaccio marmoreo, la neve forma una distesa e Borea la indurisce rendendola
perpetua [...]. La violenza con cui si scatena l'Aquilone è così forte che rade
al suolo alte torri e scoperchia tetti. La popolazione si difende dal freddo
cattivo con pelli e brache cucite, e di tutto il corpo resta scoperto solo il
viso. Spesso i capelli muovendosi fanno rumore per i ghiaccioli che vi si
formano, e la barba risplende bianca dei cristalli che la ricoprono».
Persino il vino
«sta insieme senza recipienti, mantenendo la forma dell'anfora». Dice Ovidius:
«com'è penoso che si trovi a vivere tra Bessi e Geti colui che era sempre sulla
bocca della gente!». Il suo cuore rimane a Roma, quando i ghiacci si sciolgono
si precipita in spiaggia a scrutare l'orizzonte in cerca di una vela che porti
notizie da Roma (XII elegia). Eppure non si trova in lui nessun ripensamento
esistenziale, nessuna disperazione profonda: solo la voce flautata di un retore
un po' querule.
L'opera di
Ovidius è però anche la storia ininterrotta di un'esplorazione, sempre più
penetrante e sofisticata, del cuore umano, condotta con inesauribile fecondità
espressiva. Di qui la suggestione esercitata. Ovidius ha un grosso virtuosismo
linguistico e metrico, con lui il distico elegiaco giunge a risultati raramente
superati.
Ebbe molto
seguito nell'antichità (di qui il gran numero di falsi, a lui attribuiti) e nel
medioevo, quando fu ritenuto secondo solo a Virgilius. Ebbe fortuna anche
dentro estetiche classiciste e anticlassiciste, un'eclisse nel XIX secolo.
José María Eça de Queirós
Póvoa de
Varzim, Portugal, 1845 - París, 1900
Licenciado por la
universidad de Coimbra, se inició primero en el periodismo, y a partir de 1870
en la narración. Hombre de convicciones liberales profundas y defensor de la
modernización de la sociedad y las letras portuguesas, supo mantener su producción
fuera de los modelos estéticos del Romanticismo y convertirse en el iniciador
de la novela realista en Portugal. Su profesión de diplomático le llevó a
residir en Cuba, Inglaterra y Francia, y fue nombrado cónsul de Portugal en París en 1889, donde permaneció hasta su
muerte.
José
María Eça de Queiroz:
Los Maia
Ecos de Paris
El crimen del padre Amaro
El primo Basilio
El misterio de la carretera de Sintra
Ruy Blas par Victor Hugo
Résumé de la pièce
Acte I
Un salon dans le
palais du roi à Madrid. Don Salluste de Bazan médite sur la
disgrâce dont il est victime. Il vient d’être exilé de la cour, par la reine, doña Maria de Neubourg, en
raison d’un enfant illégitime qu’il a eu avec une des suivantes de la reine. Il
médite sa vengeance.
Il espère trouver
en son cousin don César, jeune
seigneur dévoyé, l’allié et l’instrument de sa vengeance. Mais don César, dans
un sursaut d’honneur, refuse de prêter la main à ce complot.
Ruy Blas, valet de Don Salluste , resté seul avec Don César lui avoue
son amour insensé pour la reine. Don Salluste, qui a tout entendu, a
désormais son stratagème : il fait enlever don César et le fait vendre aux
corsaires d’Afrique. Il lui substitue Ruy Blas, à qui il fait écrire deux
lettres : une invitation pressante à une dame aimée, et la reconnaissance par
Ruy Blas qu’il est son valet. Puis il ordonne à Ruy Blas de séduire la reine et
de devenir son amant.
Acte II
Un salon proche
de la chambre de la reine. Délaissée par son époux, le roi Charles II, et prisonnière
de l’étiquette despotique espagnole, la
reine s’ennuie loin de son Allemagne natale. Elle rêve à l’inconnu qui
chaque nuit lui dépose un bouquet de fleurs et qui a osé y joindre une lettre
d’amour. Entre Ruy Blas, transformé en écuyer, qui lui apporte un billet
laconique dicté par le roi. Avec émotion, la reine reconnaît en lui l’auteur de
la lettre d’amour.
Don Guritan, vieil aristocrate épris de la
reine, devine cette idylle naissante et provoque Ruy Blas en duel. Pour le
sauver, la reine exige que le vieil aristocrate jaloux parte sans délai pour
Neubourg, en Allemagne, avec mission de remettre à son père un précieux
coffret.
Acte III
La salle de
gouvernement du palais royal. En 6 mois,
Ruy Blas ( qui porte toujours le nom de Don César) a
fait une prodigieuse ascension politique. Il est comblé de titres et est devenu
premier ministre. Ses succès provoquent
la jalousie des grands du royaume et sa vie privée, très secrète, leur
curiosité malveillante. Au conseil du gouvernement, Ruy Blas surprend les
transactions infâmes des ministres et les fustige d‘une tirade méprisante : «
Bon appétit, messieurs ! ». La reine, cachée dans un cabinet dérobé,
a tout entendu. Elle avoue à Ruy Blas son admiration et son amour. Ruy Blas, ivre de bonheur et d’orgueil,
savoure cette déclaration. C’est alors que surgit Don Salluste, déguisé en
valet. Il humilie Ruy Blas, lui rappelant qu’il n’est que son valet et aussi
l’auteur d’une lettre où il reconnaît la bassesse de sa condition. Don Salluste ordonne à Ruy Blas de se rendre dans une maison secrète pour y
attendre ses ordres. S’il refuse, sa liaison avec la reine sera rendue
publique.
Actes IV
Une petite
chambre dans la mystérieuse demeure où s’est rendu Ruy Blas. Après avoir envoyé
un page afin d’avertir la reine de ne pas quitter son palais, Ruy Blas quitte
la maison secrète de don Salluste pour aller demander aide à Dieu.
Dans la maison,
un homme tombe par la cheminée . Il s’agit de Don
César, qui tout en se restaurant, raconte ses aventures. Un laquais lui apporte
mystérieusement une sacoche pleine d’argent. Cet argent est en fait destiné à
Ruy Blas ( le faux Don César). Une duègne vient lui
confirmer le rendez-vous avec la reine . Ce
rendez-vous a en fait été organisé par
Don Salluste . Don Guritan surgit avec deux
épées en vue de son duel différé avec Ruy Blas. Don César le tue.
Arrive Don
Salluste. Don César lui apprend qu’il a tué Don Guritan et qu’il a rendez-vous
avec la reine. Voyant ses plans compromis, Don Salluste réussit à faire arrêter
Don César en le faisant passer pour le célèbre voleur Matalobos.
Actes V
La même chambre
la nuit. Ruy Blas, persuadé qu’il a
réussi a avertir la reine du danger et à la sauver,
veut s’empoisonner. Mais doña Maria, appelée par une autre lettre dictée à Ruy
Blas par don Salluste, est prise au piège. Elle apparaît. Don Salluste savoure sa vengeance. Il met en
demeure la reine de choisir entre le scandale ou l’abdication et la fuite avec
Ruy Blas. La reine est prête à abdiquer, lorsque Ruy Blas, déchiré, éperdu,
l’arrête et confesse son véritable nom et son état. Révolté, il tue Don
Salluste de son épée, boit le poison et meurt dans les bras de la reine. Doña
Maria lui crie son pardon et l’appelle de son nom, Ruy Blas.
Italo Svevo (1861-1928)
Italo Svevo
(1861-1928) né Ettore Schmitz à Trieste
d’une mère italienne et d’un commerçant juif d’origine rhénane.
Il fit ses études
en Allemagne avant de revenir à Trieste. Il connaissait très bien la
littérature allemande et admira tout de suite également Shakespeare. Il prit le
surnom[porecla] d’Italo Svevo pour bien
marquer son appartenance aux communités italienne et allemande et faire ainsi
une allusion aux différentes cultures qui se croisent à Trieste. ( svevo signifie
souabe[şvab]).
Trieste faisait
alors encore partie de l’Empire austro-Hongrois. Son père, riche industriel a
fait faillite en 1860, Ettore doit alors rentrer dans une banque comme employé
subalterne, expérience qu’il transposa dans son premier roman Una vita qui
connut le succès en 1893. Italo Svevo a su dès ses premiers livres, évoquer
l’atmosphère de Trieste.
En 1896, il
épouse Livia Veneziani, lointaine cousine et fille d’un riche fabricant de
peintures et de vernis pour navires et entre dans l’entreprise de son beau-père
en tant qu’attaché de direction.
Il écrit en 1897 Senilità[senilitate].
Il rencontrera en
1903, en prenant des cours d’anglais, un professeur irlandais, nommé James
Joyce en qui il reconnaîtra d’emblée un père.
En 1910, après
s’être forgé rapidement une culture littéraire européenne, il découvre Freud et
la psychanalyse. Trieste était alors le relais naturel entre Vienne et
l’Italie, Svevo entreprend de traduire le livre de Freud sur les rêves. Il
compose en 1923, La coscienza di Zeno[Conştiinţa lui Zeno], sorte de journal intime destiné au psychanalyste
pour une cure vouée à l’échec comportent de nombreuses références
autobiographiques, c’est avec ce roman
qu’il connaîtra la célébrité.
Il mourra à Trevise en 1928 des suites d’un accident de voiture après avoir écrit une longue nouvelle Le bon vieux et la belle enfant.
Il est le
romancier le plus moderne de l’Italie contemporaine et le créateur du roman psychanalytique. Il resta complètement inconnu en Italie jusqu’au jour où, passé la soixantaine,
il fut découvert par Eugenio Montale et en France par James Joyce et Valéry
Larbaud.
Marguerite Yourcenar
1903
Naissance à Bruxelles le 8 juin de Marguerite de Crayencour (Yourcenar en est l'anagramme). Elle est la
fille de Michel de Crayencour et de Fernande Cartier de Marchienne.
Orpheline de mère
(celle-ci meurt dix jours après sa naissance), Marguerite sera élevée par sa grand-mère
paternelle, Noémi, qui a une propriété près de Lille (propriété du Mont-Noir)
et par son père qui l'initiera très tôt à
la culture gréco-latine et à une vie cosmopolite
1912
Marguerite et son
père, suite à la vente de la propriété du Mont-Noir, s'installent à Paris.
1914
La guerre incite
M. de Crayencour à se réfugier, avec sa fille Marguerite, à Richmond en
Angleterre.
C'est au British
Muséum que Marguerite voit, pour la première fois, le buste de l'empereur
Hadrien.
Marguerite
apprend l'anglais et commence, avec l'aide de son père, à étudier le latin
1921
Elle publie à
compte d'auteur Le Jardin des Chimères.
Par jeu, elle crée, avec le concours de son père, l'anagramme qui deviendra son
nom légal aux Etats-Unis, à partir de 1947.
1922
Elle publie à
compte d'auteur Les Dieux ne sont pas
morts
1924
Elle visite avec
son père la villa Adriana qu'elle décrira dans les Mémoires d’Hadrien
1926
Elle commence une
biographie de Pindare et se rend régulièrement en Suisse, où son père se fait
soigner.
Elle publie dans
L'Humanité un article intitulé L'Homme .
1929
Mort de son père
à Lausanne
Marguerite Yourcenar
publie son premier roman, Alexis ou
le traité du vain combat : le récit d'un jeune homme avouant à sa femme
son homosexualité et qui mettant ainsi fin au mensonge, reprend sa liberté.
1931
Marguerite
Yourcenar passe plusieurs mois en Grèce. Elle travaille avec Constantin Dimaras
à une traduction des poèmes de Constantin Cavafy
Elle publie La Nouvelle Eurydice et Pindare.
1934
Publication de La Mort conduit l'attelage
Publication de Denier du rêve : elle y évoque un
attentat manqué contre Mussollini par une "passionaria
révolutionnaire"
1936
Publication de Feux, poème en prose qui est le fruit
d'une passion impossible pour un homme qu'elle aime et qui, lui, préfère les
hommes
1937
Elle se rend à
Londres pour rencontrer Virginia Woolf dont elle traduit les Vagues
Marguerite
Yourcenar rencontre à Paris Grace Frick, une enseignante américaine qu'elle va
aimer et qui l'invite à passer l'hiver aux Etats-Unis.
1938
Publication de: Les Songes et les Sorts
Publication de Nouvelles orientales, l'histoire d'un
vieux peintre, Wang Fo, condamné à mort par un empereur qui ne supporte pas
qu'il puisse créer "un univers plus beau que le monde réel". Wang Fo
réussira à s'évader sur la mer de jade que son pinceau vient de créer.
1939
Elle publie le Coup de grâce qu'elle a écrit à Capri.
Elle y exprime toute la violence qui couve en elle à cette époque.
Elle connaît à
cette période des difficultés financières.
Début de la
seconde guerre mondiale.
A la fin de
l'année, elle s'embarque pour les Etats-Unis pour vivre chez Grace Frick. Elle
enseigne à New-York la littérature française jusqu'en 1949.
1944
Elle traduit Ce
que Savait Maisie ( What Maisie knew) d'Henry James.
Elle devient citoyenne américaine.
1949
Marguerite Yourcenar s’installe en 1949 sur l’île
des Monts-Déserts, aux Etats-Unis
1951
Publication des Mémoires d’Hadrien. Elle fait revivre à
la première personne Hadrien, un empereur romain du deuxième siècle, souverain
qui a favorisé les arts et amélioré la vie des esclaves. Ce roman remportera en
France et dans le monde entier un immense succès.
1952
Elle obtient pour les Mémoires d'Hadrien le Prix
Fémina Vacaresco.
Elle achète la
maison Petite Plaisance sur l'île des Monts-Déserts où elle s'installe avec
Grace Frick. Elle vivra dans cette maison jusqu'à la mort de Grace Frick en
1979
1954
Publication d'Electre ou la chute des masques
1956
Elle publie Les Charités d'Alcippe, un recueil de
poèmes
1958
Elle publie
Présentation critique de Constantin Cavafy
1959
Elle republie
Denier du Rêve (publié en 1934 et dont l’action se déroule dans l’Italie
fasciste) qu'elle a éprouvé le besoin de retravailler
1968
Publication de L’Œuvre au noir
Elle obtient le
prix Femina
1969
Publication de
Présentation critique d'Hortense Flexner
1970
Election à
l'Académie Royale de langue belge et de littérature française.
1971
Elle obtient le
prix littéraire de Monaco
1974
Elle publie
Souvenirs Pieux, le premier volume de son œuvre autobiographique, Le labyrinthe du monde
Elle obtient le
Grand Prix National des lettres
1977
Elle obtient le
grand Prix de l'Académie française
Elle publie Archives du Nord, le second volume de
son œuvre autobiographique, Le
labyrinthe du monde
Sortie du film Le
Coup de Grâce de Volker Schloendorff
1979
Elle publie La Couronne et la Lyre
Mort de Grace
Frick
1980
En mars elle est élue à l’Académie française, où elle remplace Roger
Caillois. Elle est la première femme à siéger à l’Académie française
Début d'un long
périple à travers le monde en compagnie d'un
jeune musicien Jerry Wilson, son nouveau compagnon.
1981
Elle est reçue à
l'Académie française le 22 janvier. Emouvant discours de réception
Publication
d'Anna Soror,
Publication de
Mishima ou la Vision du Vide
1982
Publication de Comme l'eau qui coule
Ses Œuvres
romanesques, qu'elle édite elle-même, paraissent dans la Bibliothèque de La
Pléiade
Elle voyage en
Egypte et au Maroc
1983
Publication de :
Le Temps, ce grand sculpteur
Traduction du
Coin des amen de James Baldwin.
Marguerite
Yourcenar et Jerry Wilson vont au Japon, en Thaïlande et en Grèce
Elle a un grave
accident de voiture au Kenya.
Elle reçoit le
Prix Erasme à Amsterdam.
1984
Traduction de
Cinq No modernes de Mishima
Traduction de
Blues et Gospels.
1985
Publication de Un
homme obscur , Une belle matinée et Le cheval noir à
tête blanche .
Grave
intervention chirurgicale
1986
Mort de Jerry
Wilson, tombé malade lors d'un voyage en Inde
1987
Marguerite
Yourcenar meurt le 17 décembre à Bar
Harbor aux Etats-Unis
1988
Publication
posthume de Quoi ? L'éternité, le
troisième volume de son œuvre autobiographique, Le labyrinthe du monde
Sortie de
L'Oeuvre au noir du cinéaste belge André Delvaux
Emile Zola
Je suis né le 02 avril 1840 d'un père natif de Venise
et d'une mère française, originaire de la Beauce - je suis né ici à Paris, en plein centre d'un des
quartiers populaires. Mon père était ingénieur et réalisa quelques grands
travaux de canalisation dans la région d'Aix, près de Marseille, où il mourut
en 1847. J'ai grandi en Provence de l'âge de 3 ans jusqu'à l'âge de 18 ans et
j'ai commencé mes études au collège de la ville d'Aix. Revenu à Paris en 1858,
j'ai connu une période de grande misère. J'ai terminé mes études secondaires au
lycée Saint-Louis et passé quelques temps à fainéanter avec l'insouciance d'un
poète. En 1862, je suis rentré à la Librairie Hachette, jusqu'en 1866, époque
où je me suis lancé dans le journalisme.
Il y a déjà dix
ans que je vis de ma plume, plutôt mal que bien. On me conteste violemment, on
ne me reconnaît souvent pas le moindre talent et je gagne bien entendu moins
d'argent que ceux qui écrivent des feuilletons des journaux. Il y a quatre ans
seulement que j'ai pu cesser tout à fait de collaborer à des journaux, où je m'attirais
des désagréments par mes manières et je me suis définitivement enfermé chez moi
pour écrire mes romans.
Je vis très à
l'écart, dans un quartier éloigné, au fin fond des Batignolles. J'habite une
petite maison avec ma femme, ma mère, deux chiens et un chat. Si quelqu'un
passe me voir le jeudi soir, il s'agit surtout d'amis d'enfance qui sont
presque tous des Provençaux. Je sors le moins possible. Comme écrivains, je ne
fréquente que Flaubert, Goncourt et Alphonse Daudet. Je me suis éloigné de tout,
exprès, pour travailler le plus tranquillement possible. Je travaille de la
manière la plus bourgeoise. Mes heures sont fixées : le matin, je m'assieds à
ma table, comme un marchand à son comptoir, j'écris tout doucement, en moyenne
trois pages par jour, sans recopier : imaginez-vous une femme qui brode de la
laine point par point ; naturellement je fais des fautes, quelques fois je
rature, mais, je ne mets ma phrase sur le papier que lorsqu'elle est
parfaitement disposée dans ma tête. Comme vous voyez, tout ceci est
extraordinairement ordinaire. Je crains qu'une telle révélation ne fasse tort
dans l'esprit de vos auditeurs, au personnage effrayant qu'ils imaginent que je
suis. Mais en réalité, tous les véritables travailleurs à notre époque doivent
être par nécessité des gens paisibles, éloignés de toute pose et qui vivent en
famille, comme n'importe quel notaire d'une petite ville.
Que vous dire
encore ? Mes Rougon-Macquart auront vingt tomes et actuellement je travaille
sur le septième, un roman qui embrassera le monde des ouvriers parisiens. J'ai
déjà beaucoup travaillé et j'ai encore devant moi beaucoup de travail. Pour
moi, la vie toute entière se résume dans le travail. Je ne compte pas, même
dans dix ou quinze ans, être compris et reconnu en France. On répand sur mon
compte des absurdités de toute sorte. De plus, la haine des écoles littéraires
est trop forte pour qu'on me rende justice et la politique fait maintenant chez
nous tellement de bruit que les livres passent tout à fait inaperçus. Ca ne fait
rien ! Il faut seulement produire. Quand je suis content de ma journée, le
soir, je joue aux dominos avec ma femme et ma mère. J'attends ainsi plus
facilement le succès.
Je juge presque
superflu d'ajouter que je ne me connais qu'un vice : j'aime bien manger. Mais
un tel aveu peut sembler vaniteux. Jugez-en vous-même, pouvez-vous expliquer
par tout ceci mes romans ? Un dernier détail : je suis très nerveux, le travail
prolongé m'irrite et me tue. Parfois, je suis obligé de m'arrêter quelques
semaines parce que mon cœur commence à battre de manière effrayante. Si je
n'écrivais pas mes livres, j'aimerais être un petit propriétaire quelque part
dans un village et respirer librement le grand air.
Corrigez tout
ceci. Je voulais seulement donner des faits et des chiffres. Au fond, dans
l'art, je n'ai qu'une passion : la vie. Je suis dévoué avec l'amour à la vie
actuelle, à toute mon époque.
(Article paru
dans les Annales de la Patrie, 1876)
***
Né à Paris, le 02
avril 1840, rue Saint-Joseph. Mon père, né à Venise, officier à 17 ans dans
l'armée du Prince Eugène, capitaine dans la légion étrangère, démissionnaire,
établi ingénieur à Marseille, venu à Paris pour travailler aux fortifications.
Ma mère, née à Dourdan (Seine et Oise) -- Parti à 3 ans pour Aix, où mon père
avait eu le projet de creuser un canal d'irrigation. Enfant mal portant et très
gâté. Revenu à Paris, pour une année, en 1846 : mon père était en instance pour
obtenir l'ordonnance royale nécessaire à ses travaux. L'année suivante, en
1847, mort de mon père, à Marseille, quelques jours après les premiers coups de
mine, dans les rochers de Jaumegarde. Dès lors, de longs procès et une ruine
lente -- Entré à 7 ans au pensionnat de notre Dame ; très retardé dans mes
études, je n'ai su lire qu'à 8 ans -- Première jeunesse dans un jardin, avec de
grands biens ; toujours très gâté, absolument libre, appelé par mes camarades
"le Petit Parisien" -- Au collège, en 8ème, en 1852 seulement, à
l'âge de 12 ans -- Pensionnaire jusqu'en cinquième ; une vie de froissements et
de chagrins parmi les autres élèves ; très bonnes études, tous les prix, de
véritables triomphes aux distributions -- Devenu externe en 4ème, à 16 ans ;
alors toute une autre vie ; rencontre de deux ou trois camarades ayant mes
goûts, promenade de 8 à 10 H, après-midi passées à nous baigner dans l'arc, à
lire Hugo et Musset dans la campagne, à battre tout le pays environnant ; deux
années vécues ainsi, nous faisions des vers, des drames et des romans --
Pendant ce temps, ruine complète de ma mère qui était venue à Paris, à la fin
de 1857 pour suivre un procès. J'étais alors en seconde. Je quittai en février
1858 le collège d'Aix pour venir la rejoindre et j'entrai au lycée Saint-Louis.
J'avais fait, à 11 ans, un autre voyage à Paris, où j'avais passé six à huit
mois -- Au lycée Saint-Louis, je suis tout d'un coup devenu un cancre. Moi qui
avais tous les prix à Aix, je n'avais plus à Paris que le prix de discours
français. Je ne faisais absolument rien ; ni devoirs, ni leçons. Pendant les
années 1858 et 1859, j'ai lu Montaigne et Rabelais, derrière le dos de mes
voisins -- Fini ma rhétorique en 1859. Entré dans la vie sans plan arrêté,
vivant ceci et cela, écrivaillant beaucoup de vers. Pas un sou, d'ailleurs.
Années 1860 et 1861 abominables. Sur le pavé, absolument. Des jours sans
manger. Vivant très à l'écart, avec une fierté ombrageuse, dévoré d'ambition
littéraire. Pas malheureux, au fond : un temps que je regrette. Des promenades
sans fin dans Paris, le long des quais surtout, que j'adorais -- Quelques amis
de Provence étaient arrivés, nous faisions le rêve de conquérir Paris. En 1862,
entré chez Hachette, où je gagnais cent francs et où je fis d'abord des
paquets. Un poème de deux mille vers que j'avais déposé un soir sur le bureau
du père Hachette me fit monter au bureau de la publicité. En 1864, j'étais chef
de ce bureau et je gagnais deux cents francs. C'est là que j'ai connu presque
tout le journalisme et toute la littérature -- Cependant, en 1864, j'avais
publié mes Contes à Ninon et en 1865 ma Confession de Claude. Je ne pouvais
plus rester. Je quittai la maison Hachette à la fin janvier 1866 et j'entrai
immédiatement à l'événement de Villemessant, où je rendis compte des livres
pendant près d'une année. Je fis un Salon qui, pour la première fois, me mit en
vue ; mon éloge de Manet avait ameuté les artistes et le public. Depuis lors,
j'ai vécu de ma plume, j'ai payé mes dettes , et vous
savez le reste.
Voici la liste de
mes premiers ouvrages : Contes à Ninon (1864), Confession de Claude (1865), Mes
Haines (1866), Le Vœu d'une Morte (1866), Etude sur Manet (1866), Thérèse
Raquin (1867), Madeleine Férat (1868) ; puis viennent les Rougon-Macquart.
J'ai collaboré à
beaucoup de journaux : Evénement, Figaro, Grand Journal, Petit Journal,
Illustration, Vie Parisienne, Gaulois, Salut public, Sémaphore, Siècle, Cloche,
Bien public...
(Note
biographique de Zola à l'intention de Daudet)
***
Les dates
importantes de sa vie
1840 : Naissance d'Emile Zola à Paris
1847 : Mort du
père d'Emile : François Zola
1862 : Zola entre
à la librairie Hachette comme employé pour devenir chef de la publicité deux
ans plus tard.
1866 : Zola
quitte la librairie Hachette.
1870 : Zola
épouse Gabrielle-Alexandrine Melay, sa compagne depuis cinq ans.
1871 : Zola
débute son cycle des Rougon-Macquart.
1877 : Zola
obtient son premier gros succès littéraire avec son roman l'Assommoir.
1878 : Zola
achète sa maison de Médan : " Une cabane à lapin "
1888 : Zola
débute une liaison avec l'ancienne lingère de sa femme : Jeanne Rozerot
1889 : Zola
découvre les joies de la paternité avec la naissance de sa fille Denise qu'il a
eue avec Jeanne Rozerot
1891 : Zola
devient à nouveau père d'un petit garçon : Jacques, deuxième enfant de sa
maîtresse
1893 : Zola
achève ses Rougon-Macquart avec le dernier volume : Le Docteur Pascal.
1897 : Zola
publie son premier article en faveur de Dreyfus
1898 : Zola publie sa lettre ouverte au Président
de la République : "J'accuse"
Zola quitte la France pour l'Angleterre afin
d'échapper à sa condamnation d'un an de prison.
1899 : Zola
rentre en France après l'arrêt de révision du procès Dreyfus.
1900 : Zola écrit
trois articles à la mémoire de son père afin de répondre aux articles
diffamatoires le concernant parus durant l'Affaire Dreyfus.
1902 : Emile Zola est retrouvé sans vie dans son
appartement parisien suite à une asphyxie due au mauvais tirage de sa cheminée,
bouchée par des pierres. Accident ou acte intentionnel ?
Fra Angelo da Copertino
Pittore
dell’ordine dei minori Cappuccini di Terra d’Otranto attivo nel XVII secolo, emerse dall’oscurità nel
corso dell’1800, quando l’interesse per la storia locale ebbe un eccezionale
incremento quantitativo e qualitativo attraverso gli scritti dell’Arditi e del De Giorgi. La sua attività pittorica fu permeata di tutti quegli
interessanti fermenti manieristici introdotti da Gianserio Strafella e
diffusasi, secondo i canoni controriformistici, da Donato Antonio D’Orlando.
Fra Angelo, infatti, seppe sintonizzarsi con l’atmosfera dei Seicento, ricca di
implicazioni devozionali, adottando un modo di dipingere che, per i suoi
effetti chiaroscurali, per quella predilezione per le tinte scure e per una
sottile vena di sensualità che percorre soprattutto certe immagini femminili,
si potrebbe agevolmente collegare al filone della grande pittura barocca romana
post-caravaggesca. Fra Angelo, al secolo[pe numele mirean] Giacomo Maria
Tumolo, nacque a Copertino il 4
marzo 1609 da Bartolo e Lucia Turi. A 19 anni scelse di indossare il saio
cappuccino ed entrò nel convento di
Rugge, unica sede di noviziato in Terra
d’Otranto. Da quel momento si perde di lui ogni traccia biografica. Non
accadde così per la sua opera pittorica di cui, invece, si trovano esemplari in
molti centri salentini. Da Ruffano a Tricase, da Casarano a Martina Franca, da
Copertino a Nardò, da Alessano a Gallipoli, da Melendugno a Galatina, da Lecce
a Scorrano a Salve la sua pittura è stata oggetto di efficace propaganda
religiosa.
Luigi Boccherini
(Lucca
1743 - Madrid 1805)
Nato a Lucca nel 1743, trascorse l’infanzia a contatto quotidiano con
la musica: il padre Leopoldo, cantore, violoncellista e contrabbassista della
cappella Palatina della città, ben presto avviò i figli allo studio del
contrappunto e di uno strumento, nel caso di Luigi il violoncello. Dopo aver
ricevuto la prima formazione in casa e da padre Vannucci presso il seminario
arcivescovile di Lucca, si perfezionò a Roma con Giovanni Battista Costanzi,
già allievo di Tartini e direttore della cappella Giulia a S. Pietro. Il
debutto risale al 1756, anno in cui è documentata la partecipazione come
strumentista alle feste di S. Croce a Lucca. Poco più tardi, appena
quindicenne, Luigi si recò a Vienna per assumere insieme al padre un incarico
nell’orchestra del Teatro Imperiale, incarico lasciato l’anno seguente nella
speranza di ottenere un impiego stabile nella città natale, ma le esibizioni
pubbliche, sia come solista che in orchestra, non procurarono alcuna offerta
ufficiale da parte delle autorità locali. Tra il 1760 e il 1764, a causa del
perdurare di questa precarietà, Luigi compì due viaggi nella capitale
austriaca, dove la vivacità della vita musicale — vi operava negli stessi anni
Gluck — poteva garantigli maggiori opportunità di farsi conoscere come virtuoso
e come compositore. Già nelle opere databili a questo periodo giovanile — quali
la prima raccolta di Sei Trii per archi e i sei Quartetti op. 2 — si fanno
largo alcune caratteristiche dello stile boccheriniano: l’equilibrio solistico
tra le parti, attuato riscattando strumenti quali la viola e il violoncello dal
ruolo di basso continuo cui erano tradizionalmente legati; una articolata
circolazione delle melodie tra le parti; una sostanza tematica a volte
“galante”, a volte irruenta, che imprime alla struttura formale una precisa
consequenzialità. L’esperienza viennese si chiuse definitivamente nell’aprile
del 1764, quando il Consiglio di Lucca nominò Luigi membro della Cappella
Palatina, per la quale vengono composti i due oratori, Gioas re di Giuda e
Giuseppe liberato, e molta musica vocale sacra, da eseguirsi in occasione delle
feste cittadine. Contemporaneamente si rivelarono di fondamentale importanza
l’incontro a Milano con Giovanni Battista Sammartini e la formazione di un
quartetto d’archi riempito per le altri parti da Filippo Manfredi, Pietro
Nardini (violini) e Giuseppe Maria Cambini (viola). L’attività del quartetto si
protrasse per sei mesi e il repertorio praticato comprendeva lavori di Haydn e
di Boccherini. Alla morte del padre, nel 1766, Luigi lasciò definitivamente la
città natale e in compagnia di Manfredi raggiunse alcune città dell’Italia
settentrionale prima di stabilirsi a Parigi per un anno; qui fu introdotto nel
salotto del marchese De Bagge, frequentato dagli esponenti più in vista del
panorama musicale francese, e allacciò rapporti duraturi con gli editori Vénier
e La Chevardière, presso i quali pubblicherà molte opere. Si spostò quindi a
Madrid e, nel 1770, entrò a servizio di don
Luis Infante di Spagna, il quale, profondamente appassionato di musica, già
manteneva presso di sé un complesso quartettistico formato dalla famiglia Font.
L’impiego offriva la possibilità di frequentare gli ambienti madrileni
culturalmente più raffinati e di conoscere gli aspetti caratteristici della
tradizione musicale spagnola, della quale si nota l’influenza nelle ultime
creazioni del musicista lucchese. L’Infante, che seppe comprendere e apprezzare
il genio del suo protetto, fu ripagato da una produzione vasta e matura, di cui
poteva godere anche grazie alla mediazione di esecutori di grande talento, non
ultimo l’autore. Il quintetto venne
coltivato con particolare evidenza, per un totale di 30 composizioni suddivise
in 5 raccolte, nelle quali il genere acquista caratteristiche proprie:
un’estensione della struttura dialogica già propria del quartetto; un
arricchimento della sonorità che porta un più efficace sfruttamento dei giochi
di pieno-vuoto; una promozione a pieno titolo del violoncello come strumento
solista, con un ruolo attivo nello sviluppo tematico. Videro la luce anche diverse sinfonie, per un ampio organico
e di notevole estensione, finché l’allontanamento dell’Infante dalla corte
determinò non soltanto la definitiva preminenza delle composizioni da camera su
quelle sinfoniche ma ancora l’adozione della forma “piccola”, in due tempi, e
la formulazione di uno stile “intimo”, adatto alla dimora appartata di don
Luis, e richiesto dal mercato europeo, sempre più modellato sulle esigenze dei
dilettanti aristocratici. Alla morte dell’Infante, nel 1785, Luigi si trovò in
gravi difficoltà economiche, alle quali in parte sopperì cercando nuovi
mecenati nel re di Prussia Federico Guglielmo II, al quale doveva fornire
quartetti e quintetti compensati ogni anno con 1000 scudi tedeschi, e nei conti
di Benavente-Osuna, che gli affidarono la direzione della loro orchestra
privata, per la quale concepì numerose sinfonie. Il teatro dei Benavente ospitò
l’allestimento dell’unica sua composizione drammatica, la zarzuela Clementina,
andata in scena nel 1786. Sempre su commissione del conte, Luigi trascrisse per
quintetto con chitarra dodici quintetti originariamente ideati con due viole e
rielaborò un Concerto inserendovi la chitarra. Rese così ufficiale
l’introduzione di questo strumento nell’organico orchestrale, sia con funzioni
di solista che di raddoppio. Gli ultimi anni furono tuttavia caratterizzati
dall’indigenza e dall’indifferenza della società madrilena che fino ad allora
lo aveva apprezzato e sostenuto. Si
spense nel 1805 e fu sepolto nella chiesa di S. Juan; nel 1927 la sua salma fu
riportata in Italia e tumulata nella chiesa di S. Francesco a Lucca. A
partire dagli anni ’60 lo stesso Boccherini cominciò ad ordinare la propria
vastissima produzione in un catalogo tematico, rimasto incompleto per esservi
esclusi i componimenti vocali, alcuni lavori orchestrali e le sonate per
violoncello; è dunque probabile che l’autore intendesse registrare i soli
titoli destinati alla pubblicazione. Il catalogo apparve in due edizioni a
stampa nella seconda metà dell’Ottocento; l’esemplare autografo andò distrutto
durante la guerra civile spagnola.
Tristan Tzara
Introduction
Si le nom de
Tristan Tzara (1889-1963) est
indéfectiblement lié au mouvement Dada, dont il a été l'un des principaux
animateurs à Zurich dès 1916, puis à Paris à partir de 1920, le poète demeure
étonnamment méconnu, alors même que son activité a continué après la fin de
Dada.
Tzara, Tristan
(1896 - 1963) Roumanie / Ecrivain Zürich / ZH
L'écrivain
roumain créa à Zürich le mouvement Dada et passa plusieurs années en Suisse
avant de rejoindre la Résistance française avec ses amis surréalistes de Paris.
S-a nascut la Moinesti, in Romania, pe 16 aprilie
1896 sub numele de Samuel Rosenstock si a murit in 1963 la Paris.
Sub pseudonimul
de Tristan Tzara a fondat la Zurich, in Elvetia, miscarea DADA, o miscare
nihilista in arta. Cu alte cuvinte, Tzara se ocupa cu dezmembrarea formala a
literaturii si in acelasi timp a oricarei forme de arta. Dar dadaismul nu era
doar o miscare artistica ci si o miscare de atitudine - o atitudine de separare
a artistului fata de mase, un suprem egoism al creatiei. Arta, pentru dadaisti,
trebuia sa fie inainte de orice, izvorata dintr-o nevoie interioara a
autorului, produsa pentru el insusi. Fiecare creatie trebuia sa explodeze, fie printr-o
seriozitate grava, fie printr-o frenezie poetica, noua, eterna, zdrobitoare.
In 1918 s-au
publicat "Sapte manifeste DADA"
si "Douazeci si cinci de poeme"
unde s-au conturat primele principii al miscarii. Lui Tristan Tzara i s-au alaturat André Breton si
Louis Aragon. Pentru acesti
poeti si eseisti, DADA inseamna energie intensa (miscarea s-a nascut,
premonitoriu, in cabaretul Voltaire),
abolirea traditiilor, bucurie enorma si tristete, subversiune totala. Artei ii
lua locul astfel o antiarta, contrariul
tuturor creatiilor de pana atunci. Anti-arta era filosofie, era imagine, era
rebeliune, era tot ce nu putea fi numit, era un fel de a trai. Dar era, ramanea
arta.
In 1930, satul de
atata deconstruire, obosit poate de prea multa energie cheltuita in procesul
nasterii unui curent literar- artistic, Tristan Tzara s-a alaturat
suprarealistilor, propunandu-si sa impace suprarealismul cu marxismul ( Louis
Aragon este unul dintre putinii scriitori de valoare care au fost comunisti
convinsi).
In 1936 s-a inscris in partidul comunist si in Rezistenta
franceza. In urma "experimentarii" pe propria piele a razboiului,
Tzara a devenit mai apropriat de oameni, poezia lui devenind treptat una
lirica. Revolta cu care a revolutionat un singur om intreaga literatura (si
arta) nu a fost imblanzita, ci transformata intr-o neliniste profunda, careia
entuziasmul pentru noutate (proclamata zeita la inceput) nu i-a mai
supravietuit.
Tristan Tzara a
fost un vizionar. Un idealist. Voia sa schimbe lumea cu cea mai intima parte a
ei, literatura si arta. Voia sa nu mai foloseasca cuvintele, ele fiind dupa
parerea lui, corupte. Deviza
lui a fost "Fara cuvinte
!".
Voltaire
1694
François Marie Arouet naît le 21 novembre
à Paris. Il est le troisième enfant d'une famille dont le père est receveur
à la Cour des Comptes.
1704
Il effectue de
1704 à 1711 de brillantes études de rhétorique et de philosophie chez les
jésuites du collège Louis Le Grand. Cette éducation l'initie aux plaisirs de la
conversation et du théâtre.
Son parrain,
l’abbé de Châteauneuf le présente à Ninon de Lenclos, alors âgée de plus de
quatre-vingts ans. La légende veut que la vieille courtisane, charmé par le
jeune homme, l'ait couché…. sur son testament.
1713
Le jeune François
Marie Arouet néglige ses études de droit. Il part comme secrétaire d'ambassade
à la Haye. Il tombe amoureux d'une jolie huguenote, l'ambassadeur le renvoie à
Paris.
1714
Son parrain,
l’abbé de Châteauneuf, l'introduit dans les milieux mondains et libertins
parisiens. Il vole de château en château et anime les dîners galants de ses
vers hardis.
1716
Ses écrits
satiriques sur les amours incestueuses du Régent font scandale. Ce mélange
d'insolence et d’inconscience lui vaudront d’être emprisonné onze mois à la
Bastille ( mai 1717 à avril 1718).
1718
Dès sa sortie de prison, le jeune Arouet prend le pseudonyme de
Voltaire (anagramme probable de A.R.O.V.E.T L.e I.eune). Il présente sa première tragédie, Œdipe et connaît un beau succès.
1722
Le Régent, guère
rancunier, lui accorde une pension.
Mort de son père,
qui lui lègue une belle fortune.
1723
Il publie La
Henriade, une épopée consacrée à la grandeur de Henri IV.
1725
Il est chargé des
représentations théâtrales pour les fêtes du mariage de louis XV.
1726
À la suite d’une altercation avec le chevalier de
Rohan, Voltaire est une nouvelle fois embastillé
pendant deux semaines.
A sa libération, il s'exile en Angleterre. Il y
passera deux ans et demi.
Ce séjour au sein de la monarchie parlementaire et
libérale anglaise l'influencera. Il y découvrira notamment la tolérance
religieuse et un "souffle"de liberté.
1728
Il dédie La
Henriade, à la reine d'Angleterre. Cette œuvre sera très appréciée des anglais.
1729
Retour en France.
1731
Histoire de Charles XII. Le gouvernement ordonne la saisie de cette œuvre,
mais celle-ci circulera clandestinement.
1732
Zaïre, tragédie
écrite en trois semaines. Il obtient un immense succès et apparaît comme le
digne successeur de Corneille et Racine.
1773
Le Temple du
Goût.
1734
Lettres Philosophiques. Voltaire y
fait l’éloge des mœurs politiques anglaises; une façon pour lui de dénoncer
les travers de la monarchie française. Ces lettres déclenchent un immense
scandale. Elles sont condamnées à être brûlées et Voltaire, pour échapper à la
Bastille, doit quitter Paris. Il se réfugie dans le château d'Emilie du
Châtelet, à Cirey en Champagne. Il y restera dix ans et va s’adonner à l’étude,
à l’écriture, à des expériences de physique et à la philosophie scientifique.
Il compose également plusieurs pièces de théâtre.
1735
Traité de métaphysique,
Mort de Jules
César
1736
Le Mondain, poème
à la fois épicurien et ironique, sur le bonheur d'être sur terre.
Alzire ou les
Américains
L'Enfant Prodigue
Voltaire entame en Août, des relations épistolaires
avec Fréderic II, alors prince royal de Prusse. Cette correspondance
débouchera en 1741 sur un premier séjour de Voltaire à Berlin, chez celui qui
sera devenu entre-temps roi de Prusse.
1738
Éléments de la philosophie
de Newton, ouvrage de vulgarisation qui contribua largement à la diffusion des
idées nouvelles.
1739
Une Vie de
Molière
1741
Mahomet ou le
fanatisme, essai sur le drame du pouvoir.
1744
Le comte
d'Argenson, devenu ministre des Affaires Etrangères, fait revenir Voltaire à
Paris. Il est également soutenu par Mme de Pompadour, la nouvelle favorite du
roi. Il devient historiographe du roi Louis XV
La Bataille de
Fontenoy
1746
Voltaire est élu à l'académie française
1748
Zadig : premier conte philosophique important de
Voltaire. Il traite de la destinée humaine, du bonheur, du destin, du bien et
du mal…
Sémiramis,
tragédie.
Voltaire est peu
apprécié du couple royal. Déçu, désabusé, il se retire un an, avec Emilie du
Châtelet, à la cour du roi de Pologne Stanislas, à Lunéville.
1749
Mme du Châtelet,
qui a une liaison avec le jeune poète Saint-Lambert, meurt en couches. Cette
mort affecte profondément Voltaire qui décide alors de répondre à l’invitation
de Frédéric II, et part pour la Prusse.
1750
Oreste
On retire à
Voltaire, contre les usages, sa fonction d’historiographe. Il part pour Berlin à la cour du roi Fréderic II de Prusse. Les
relations entre le roi philosophe et le philosophe roi sont d’abord idylliques,
mais celles-ci deviendront vite orageuses.
1751
Le Siècle de
Louis XIV
1752
Micromégas, conte
philosophique qui traite de la relativité des connaissances.
1753
Brouille entre Frédéric II et Voltaire. Le
philosophe doit quitter l’Allemagne. La France lui refuse l’asile, en raison du scandale causé par l'édition
pirate de son Abrégé de l'Histoire Universelle. Voltaire s’installe à Ferney, près de Genève.
1755
En mars, il
s'installe avec Mme Denis, dans les
environs de Genève. Il achète une propriété qu'il appelle Les Délices.
1756
Essai sur
l’Histoire générale et sur les mœurs. Voltaire joue un rôle essentiel dans le
renouveau des études historiques.
Poème sur le
désastre de Lisbonne
Premier désaccord
avec Rousseau sur la question de la Providence.
1757
Il collabore au septième tome de l’Encyclopédie.
Les autorités
genevoises n’apprécièrent pas l’article Genève qu’il y rédige, en raison des
critiques sévères contre la République et la religion calviniste qu’il
contient.
1759
Candide, conte
philosophique considéré comme l’un de ses chefs d’oeuvre. Le héros,
Candide, est un jeune homme crédule à qui son précepteur, Pangloss lui inculque
une théorie très simpliste sur l’optimisme. Les mésaventures du jeune héros mettent à mal cette doctrine. Cela permet
à Voltaire de se moquer de toutes les théories métaphysiques qui ne résistent
pas à l’épreuve des faits. Au-delà du procès
de l’intolérance, du fanatisme, de la mauvaise foi ou de la superstition,
Candide est aussi une défense du
pragmatisme, présenté comme une forme de lucidité et de sagesse.
1760
Voltaire s’établit à Ferney. Il va faire de cette petite ville du pays de Gex, un haut lieu de l’Europe
intellectuelle.
Il engage une
correspondance avec plusieurs souverains : l’impératrice Catherine II de
Russie, Frédéric II, les rois de Pologne, du Danemark et de Suède.
De Paris, des
personnages influents lui témoignent également leur soutien : Choiseul (alors
Ministre des Affaires étrangères), d’Alembert, Richelieu, Turgot, Condorcet…
1762
Voltaire défend Calas, un huguenot condamné sans preuve pour avoir tué son fils,
qu’il soupçonnait de vouloir se convertir au catholicisme
1763
Traité sur la
Tolérance à l’occasion de la mort de Jean Calas
Ce Traité sur la
Tolérance est une protestation contre l’injustice faite à l’accusé et contre le
fanatisme d’une accusation née de la rumeur et de la haine.
1764
Le Dictionnaire
philosophique portatif. Voltaire y raille la métaphysique, le fanatisme, la
théologie et y expose ses grands
principes politiques : Lois, Etats, Gouvernements…
Commentaires sur
Corneille
1765
La Philosophie de
l'Histoire
1770
Neuf Volumes de
Questions sur l'Encyclopédie
1772
Epître à Horace
1775
Lettres de M. de
Voltaire à l'Académie française
1778
Voltaire quitte Ferney le 5 février.
Retour triomphal à Paris.
Voltaire meurt le 30 mai et est enterré presque clandestinement, l'Eglise
lui ayant refusé des obsèques. Pourtant, en février, 4 mois avant sa mort, il
déclarait vainement, dans une ultime profession de foi : " Je meurs en
adorant Dieu, en aimant mes amis, en ne haïssant pas mes ennemis, en détestant
la superstition.."
1791
Sa dépouille est
transférée au Panthéon.
Denis Diderot (1713-1784)
Notre véritable
sentiment n'est pas celui dans lequel nous n'avons jamais vacillé, mais celui
auquel nous sommes le plus habituellement revenus.
Le but d'une
encyclopédie est de rassembler les connaissances éparses sur la surface de la
terre ;
d'en exposer le
système général aux hommes avec qui nous vivons, et de les transmettre aux
hommes qui viendront après nous ;
afin que les
travaux des siècles passés n'aient pas été des travaux inutiles pour les
siècles qui succèderont ;
que nos neveux,
devenant plus instruits, deviennent en même temps plus vertueux et plus heureux,
et que nous ne mourions pas sans avoir bien mérité du genre humain.
Article «
Encyclopédie » de l'Encyclopédie. (Denis Diderot)
Biographie
1713 : Naissance à Langres, dans une famille d'artisans aisés (son
père est maître coutelier).
1726 : destiné
par sa famille à l'état ecclésiastique, il est tonsuré et fait ses études chez
les jésuites de Langres.
1726 : il
poursuit ses études à Paris, au collège d'Harcourt.
1728 : il est
bachelier es arts de l'Université de Paris. Pendant une dizaine d'années, il
mène une vie de bohème, ponctuée de métiers divers (il enseigne les
mathématiques, travaille chez un procureur).
1742 : il se lie
avec Jean-Jacques Rousseau et Grimm.
1743 : Diderot
épouse une lingère, Antoinette Champion, contre l'avis de son père.
1746 : le
libraire Le Breton l'engage pour traduire la Cyclopoedia de Chambers.
1747 : il est
nommé codirecteur, avec d'Alembert, de la publication de l'Encyclopédie, dont
les travaux vont absorber pendant près de vingt ans une grande partie de son
activité.
1749 : Diderot
est emprisonné à Vincennes pour sa Lettre sur les aveugles à l'usage de ceux
qui voient.
1751 :
publication du premier volume de l'Encyclopédie.
1753 : naissance
de sa fille Marie-Angélique.
1756 : Diderot se
lie avec Sophie Volland, avec laquelle il entretiendra une abondante
correspondance jusqu'à la mort de celle-ci (février 1784).
1757 : Parution
du tome VII de l'Encyclopédie. L'article « Genève » suscite de vives
protestations du parti dévôt français et provoque la brouille avec Rousseau.
1759 :
l'Encyclopédie est jugée subversive par le Parlement. Le roi révoque les
privilèges pour l'impression et ordonne la destruction par le feu des sept
volumes. Le pape met l' oeuvre à l'index. Les manuscrits conservés par Diderot
sont saisis, mais Malesherbes les cache chez lui. Diderot se lance dans la
critique d'art (Salons).
1765 : les dix derniers volumes de l'Encyclopédie, imprimés
secrètement sans privilège paraissent sous une fausse adresse. Catherine II, impératrice de Russie lui
achète sa bibliothèque, pour qu'il puisse doter sa fille.
1773-1774 : Voyage
en Russie et en Hollande.
1784 : Diderot meurt à Paris le 30 juillet.
Ses idées philosophiques
Esprit universel,
Diderot croit en la « Science de toutes les sciences », la philosophie, qui, en
synthétisant toutes les connaissances, peut mener au progrès de l'humanité.
Soucieux
d'instaurer une philosophie positive, il poursuit des études scientifiques,
s'intéresse aux travaux des savants et surtout à la méthode expérimentale.
Avec l'entreprise
encyclopédique, il a la double ambition d'ouvrir le savoir au plus grand nombre
et de combattre l'intolérance et les préjugés, afin de faire triompher la
raison.
Face à la
religion, Diderot adopte peu à peu la position du matérialiste athée. Le monde
se crée lui-même, en un devenir incessant. L'homme n'est qu'un moment dans le
devenir d'un univers matériel. La crainte de Dieu est un obstacle à
l'épanouissement de l'homme.
Il remplace la
métaphysique par une morale positive fondée sur sa confiance en l'homme, qui
éprouve du plaisir à faire le bien et a l'horreur du mal. Il croit, à l'inverse
de Rousseau, que l'homme peut trouver le bonheur individuellement et
collectivement dans la société.
N'étant lui-même
finalement sûr de rien, constamment en proie à ses propres contradictions,
balançant entre les « lumières de la raison » et les « transports de la
sensibilité », il place la dignité de l'homme dans la recherche plutôt que dans
la découverte de la vérité.
Ses idées
politiques
Diderot semble
être un partisan du despotisme éclairé, c'est-à-dire d'une monarchie où les
élites intellectuelles contribuent à la postérité de l'État. Il pense en avoir
trouvé le modèle avec Catherine II de Russie. Mais ses analyses politiques
laissent entrevoir les prochains bouleversements révolutionnaires.
À travers
l'Encyclopédie, il condamne l'absolutisme, la monarchie de droit divin, dénonce
les privilèges, les atteintes à la liberté du travail et la guerre.
Postérité
Avec l'entreprise
encyclopédique, Diderot espère qu'il aura « au moins servi l'humanité ».
Investie sur tous les fronts pour les libertés et contre l'intolérance,
l'Encyclopédie, diffusée à vingt-cinq mille exemplaires avant 1789, aura été le
plus puissant véhicule de la propagande philosophique.
Diderot est
représentatif de ce tournant du siècle, du rationalisme pur au culte de
l'instinct et de la passion.
Goethe saluera
plus tard Diderot en déclarant à son propos : « la plus haute efficacité de
l'esprit est d'éveiller l'esprit ».
OEUVRES
PRINCIPALES
Tout en se consacrant
à l'Encyclopédie dont il rédige de multiples articles, Diderot étend son
activité littéraire à de nombreux domaines.
Théâtre
Le Fils naturel
(1757) et le Père de famille (1758) inaugurent le drame domestique bourgeois.
Essais théoriques
sur l'art
Les Salons (1759
à 1781)
Paradoxe sur le
comédien (1773)
Romans et contes
philosophiques
La Religieuse
(1760)
Le Neveu de
Rameau (1762)
Jacques le
Fataliste (1771)
Essais
philosophiques
Lettre sur les
aveugles à l'usage de ceux qui voient (1749)
Pensées sur l'interprétation
de la nature (1753), où il définit la méthode expérimentale
Rêve de
d'Alembert (1769)
Essai sur les
règnes de Claude et Néron (1778)
César
(Auguste-Jean-Guillaume-Hubert) Franck est né, à
Liège, le 10 décembre 1822 et est mort, à Paris, le 8 novembre 1890.
Compositeur
français, professeur et organiste d'origine belge, l'une des grandes figures de
la vie musicale française durant la deuxième moitié du 19è siècle.
Les origines
culturelles de Franck ont été sujet de débat. Avant
1830, Liège faisait partie de la Wallonie, sous domination française, qui
devait devenir la Belgique. Sa mère était de descendance allemande alors que
son père, Nicolas-Joseph, un commis de bas rang qui était au chômage lors de la
naissance de son fils aîné, venait de Gemmenich, près de la frontière
allemande.
La combinaison
d'un talent précoce, d'un parent irresponsable et ambitieux et d'une ère où les
prodiges étaient vénérés a conduit, inévitablement, à une enfance et une
jeunesse marquées par l'exploitation et, peut-être, a-t-elle contribuée au
retard de la pleine maturité de la création de Franck.
En 1830, son père
l'inscrit au conservatoire de Liège où il remporte, rapidement, les grands prix
pour le solfège (1832) et le piano (classe de Jalheau, 1934). De 1833 à 1835,
il étudie l'harmonie sous la direction de Dassoigne, un neveu de Méhul qui a
enseigné au conservatoire de Paris. Encouragé par ces succès académiques, son
père organise, au printemps de 1835, une série de concerts à Liège, Bruxelles
et Aachen.
En 1835, la
famille déménage à Paris. Cet évènement laissait présager, en lui-même, un
assaut vers de nouveaux publics mais aussi des leçons de piano avec Zimmermann
et un cours d'harmonie et de contrepoint avec Reicha, le professeur de Berlioz,
Liszt et Gounod.
On lui refuse
l'accès au conservatoire de Paris pour des raisons de nationalité et il doit
attendre une année pendant que son père lui obtient le certificat de
naturalisation. Il y est enfin admis le 4 octobre 1837 avec pour professeurs,
Zimmermann pour le piano et Leborne pour le contrepoint. Il y remporta encore
les premiers prix de piano (1838) et de contrepoint (1839 et 1840). Une année
dans le classe d'orgue de Benoist ne produira qu'un
second prix (1841). Il a été retiré du conservatoire, sur ordre de son père, le
22 avril 1842 sans avoir la chance de participer au Prix de Rome, et ce afin
qu'il puisse se consacrer à une carrière de virtuose. La famille retourne vivre
en Belgique.
Durant ncette
période, il se consacre à la composition. Il publie ses Trios, Op. 1 en 1843 et
commence la rédaction de son oratorio biblique Ruth.
Après un séjour
deux ans en Belgique où son père ne trouva pas les avantages recherchés, la
famille revient, en 1844, à Paris. La carrière de Franck, comme virtuose, est en
déclin et la pauvre réaction à la première représentation de son oratorio Ruth
(4 janvier 1846) contribuent à la détérioration de ses
relations avec son père déçu. Peu après, il quitte la résidence familiale.
Pour subvenir à
ses besoins, en plus de recruter de nouveaux élèves, il enseigne dans
différentes écoles publiques et institutions religieuses et obtient le poste
d'organiste à la petite église Notre-Dame-de-Lorette.
Franck passe la
majorité de son temps à la maison de sa fiancée, Félicité Saillot Desmousseaux,
une artiste dramatique qu'il épouse, le 22 février 1848 et ce, malgré que son
père soit farouchement opposé à cette relation mais qui accepte, à contrecoeur,
d'assister au mariage.
Durant ce temps,
Franck compose un poème symphonique "Ce qu'on entend sur la montagne"
et travaille sur un opéra qui demeurera inachevé "Le valet de la
ferme". À part ces deux oeuvres, aucun autre ouvrage de quelque importance
ne sera produit pour la période allant de 1848 à 1858.
En 1853, il
devient organiste à l'église Saint-Jean-Saint-François du Marais qui possède un
orgue Cavaillé-Coll. Frank est rattaché à cette firme en tant que
"représentant artistique". Ayant été inspiré par le jeu de Lemmens,
il est probablement déterminé à perfectionner sa technique, principalement à la
pédale, et à développer ses techniques d'improvisation.
Une nouvelle ère
dans la carrière de Franck débute, début 1858, lorsqu'il devient, suite à un
concours où se présentèrent plusieurs compétiteurs, l'organiste de la nouvelle
basilique Sainte-Clothilde où il inaugure, le 19 décembre 1859, l'un des plus
beaux instruments produits par Cavaillé-Coll. Il en restera le titulaire
jusqu'à sa mort.
Quoique concerné
de produire une musique de qualité pour les services religieux, ses extemporisations
d'après-service devinrent rapidement une attraction publique. De cette époque
datent les "Six pièces pour orgue" mais elles n'eurent pas de suite
si ce n'est qu'un certain nombre de petites pièces pour orgue qui seront
publiées de façon posthume.
En 1871, à la
surprise générale, il est nommé comme professeur d'orgue au Conservatoire de
Paris en remplacement de Benoist. Pour obtenir ce poste, il doit devenir
citoyen français. Il prend officiellement possession de sa classe, le 1er
février 1872.
C'est durant
cette année 1872, qu'il complète la première version de l'oratorio
"Rédemption" lequel fut un échec lamentable lors de la première
représentation dû une exécution pitoyable. Franck remodela l'oeuvre, suite aux
persuasions de Duparc et d'Indy, pour en faire une deuxième version qui elle
sera acclamée.
La période allant
de 1874 jusqu'à sa mort marque une période intense de créativité: oratorios,
oeuvres pour piano, quatuor pour cordes, sonate pour violon, ballet, poèmes et
variations symphoniques, pièces pour orgue, etc.
En 1885, il
reçoit la croix de la Légion d'honneur et un an après, en 1886, il devient
président la Société Nationale de Musique.
À l'automne 1890, il est victime d'une grippe qui,
mal soignée, tourne à la pleurésie. Il
meurt le 8 novembre 1890.
Il eut droit à
des funérailles modestes. Aucune délégation officielle du Ministère ou de
l'Administration des Beaux-Arts ne fut représentée alors que le Conservatoire
le fut par Delibes. Parmi ceux présents aux funérailles, on remarquait Fauré,
Bruneau, Widor, Lalo, Duparc, d'Indy, Chausson, Lekeu, Vierne, Dukas, Guilmant
ainsi que celui qui livra l'oraison funèbre, Chabrier.
Charles Gounod
17 Juin 1818
Naissance de
Charles François Gounod, 11, place St-André des Arts à Paris,
second fils de
François Louis Gounod, peintre et graveur,
et de Victoire
Lemachois, fille d'un ancien avocat au parlement de Normandie.
1823
Mort de François
Louis Gounod. Pour élever ses deux enfants, Charles (1818-1893)
et Louis Urbain
(1807-1850), Victoire Lemachois donne des leçons de piano.
1829
Charles Gounod
entre au lycée Saint-Louis. Il en sortira bachelier (en 1835)
Janvier 1831
Charles Gounod se
rend avec sa mère à une représentation de l'Othello de Rossini,
avec la Malibran
dans le rôle de Desdémone.
1832
Nouvelle
initiation avec le Don Juan de Mozart.
Les deux
événements décident le jeune Gounod à devenir musicien
1836
Gounod est confié
au compositeur tchèque Reicha,
puis Halévy pour
le contrepoint et la fugue
et enfin à Lesueur
pour la composition.
Il se présente
pour la première fois au Prix de Rome.
1839
Gounod se
présentant pour la troisième fois remporte le Grand Prix de Rome.
Le lauréat écrit
une première messe, présentée à Saint-Eustache.
5 décembre 1839
Il part en Italie
en compagnie de Hector Le Fuel, prix d'architecture.
27 janvier 1840
Arrivée à Rome.
Le Directeur de la Villa Médicis est alors Ingres;
parmi les
pensionnaires figure Hébert, prix de peinture et futur ami de Gounod.
Hiver 1840-41
Le jeune musicien
rencontre d'abord Fanny Hensel, soeur de Felix Mendelssohn, qui lui fait
découvrir la musique allemande; puis Pauline Viardot, soeur de la Malibran et
future interprète de ses oeuvres et aussi le père Lacordaire, venu à Rome dans
le but de restaurer l'Ordre des Dominicains. A la Villa Médicis, Gounod est
convié aux soirées organisées par Ingres. A cette occasion, il interprète ses
premières mélodies: Le Vallon, le soir ...
1er mai 1841
Gounod compose et
dirige une messe à Saint-Louis-des-Français à Rome
à l'occasion de la
fête du roi Louis-Philippe.
1842
Gounod part pour
Vienne
Septembre 1842
Il assiste à une
représentation de la Flûte Enchantée de Mozart
et fait exécuter
sa messe de Saint-Louis à l'Église Saint-Charles de Vienne.
Fin avril 1843
Gounod se rend à
Liepzig et rencontre le musicien allemand Mendelssohn.
Novembre 1843
De retour en
France, Gounod est nommé maître de Chapelle des Missions Étrangères. Il
retrouve le père évêque d'Anthéon. Gounod compose une Messe brève pour voix d'homme , un chant du départ des missionnaires et quelques
cantates.
Octobre 1847
L'archevêque de
Paris autorise Gounod à porter l'habit ecclésiastique. Il habite la maison des
Carmes et suit des cours de théologie au Séminaire Saint-Sulpice. Ses lettres
sont alors signées "Abbé Gounod".
Mars 1848
Gounod
démissionne des Missions Etrangères
1850
Gounod abandonne
Saint-Sulpice. Il retrouve Pauline Viardot rencontrée en 1840.
La cantatrice le
recommande au librettiste Émile Augier.
De leur
collaboration va naître son premier Opéra: Sapho.
16 avril 1851
Première de Sapho
à l'Opéra avec Pauline Viardot dans le rôle-titre.
La critique
accorde un succès d'estime à l'auteur.
20 avril 1852
Mariage de Gounod
avec Anna Zimmerman, fille de Pierre-Joseph Zimmerman, professeur au Conservatoire.
A partir de cette
date, Gounod fera de nombreux séjours à Saint-Cloud, dans la propriété de ses
beaux-parents où il se fera ensuite construire un chalet.
30 mai 1852
Gounod est nommé
directeur général de l'enseignement du chant dans les écoles de Paris, et
directeur de l'Orphéon, mouvement choral des milieux populaires.
1853
Exécution pour la
première fois de la Méditation sur le 1er prélude de J.S. Bach, qui deviendra
en 1859 le fameux Ave Maria.
18 octobre 1853
Mort de son
beau-père Pierre-Joseph Zimmerman.
18 octobre 1854
Première de le
Nonne sanglante à l'Opéra de la rue le Peletier; échec.
1855
Gounod fait la
connaissance, par l'entremise des frères Lionnet, chanteurs en pleine gloire,
de ses futurs collaborateurs, les librettistes Jules Barbier et Michel Carré.
22 novembre 1855
Messe de
Sainte-Cécile créée à Saint-Eustache à la mémoire de Pierre-Joseph Zimmerman.
6 janvier 1856
Gounod est nommé
chevalier de la Légion d'honneur.
8 juin 1856
Naissance de son
fils Jean.
Juillet 1856
En l'honneur de
Napoléon III, Charles Gounod écrit "Vive l'Empereur"
l'hymne officiel
du second empire.
1857
Tout au long de
l'année, Gounod compose Faust , la partition est
refusée par l'Opéra.
Gounod et ses
collaborateurs Barbier et Carré, s'adressent alors à Léon Carvalho, directeur
du Théâtre-Lyrique, qui accepte de monter l'oeuvre.
15 janvier 1858
Création du
Médecin malgré lui , au Théatre-Lyrique. C'est un
succès.
16 janvier 1858
Mort de Victoire
Lemachois, mère du compositeur.
19 mars 1859
Création de Faust
au Théâtre-Lyrique avec Caroline Miolan-Carvalho, première Marguerite de
l'histoire.
C'est le premier
grand succès. L'Opéra sera joué dans beaucoup d'autres théâtres, à l'étranger
comme en France. A Paris, Faust fut représenté 314 fois sur les différentes
scènes du Théâtre-Lyrique jusqu'en avril 1869,
puis 166 fois de
1869 à 1875 à l'Opéra (Salles Le Peletier et Ventadour).
18 février 1860
Création de
Philémon et Baucis au Théâtre-Lyrique.
Août 1861
Gounod travaille
à un nouvel Opéra: La Reine de Saba , sur un livret de
Barbier et Carré.
Novembre 1861
Il séjourne au
Château de Compiegne du 11 au 24.
28 février 1862
La première de la
Reine de Saba est un échec.
Mars 1863
Gounod s'occupe
d'un nouvel ouvrage, Mireille,
tiré d'un poème
provençal de Fréderic Mistral.
Le poète invite
Gounod à venir travailler en Provence.
Le compositeur y
séjourne du 21 mars au 28 mai, d'abord à Maillane, puis à
Saint-Rémy-de-Provence.
Septembre 1863
Naissance de sa
fille Jeanne.
19 mars 1864
Mireille ,
présenté au Théâtre-Lyrique, avec Caroline Miolan-Carvalho, obtient peu de
succès.
12 mai 1866
Gounod est élu à
l'Académie des Beaux-Arts.
13 août 1866
Gounod est promu
officier de la Légion d'Honneur.
27 avril 1867
Création de Roméo
et Juliette au Théâtre-Lyrique avec Caroline Carvalho.
L'Opéra remporte
un grand succès à Paris.
Il sera ensuite
joué à Londres avec Adélina Patti dans le rôle de Juliette.
Juillet 1870
Gounod achève
Polyeucte qui ne sera présenté que huit ans plus tard.
13 septembre 1870
Sous la pression
des évenements, déchéance de l'Empire, proclamation de la République et début
du siège de Paris, Gounod débarque à Liverpool, puis s'installe à Londres avec
sa famille.
26 février 1871
Gounod rencontre
pour la première fois les époux Weldon.
Sa maison de
Saint-Cloud est détruite, un nouveau chalet sera construit après guerre.
1er mai 1871
Première de Gallia , motet composé pour soprano, choeur et orchestre.
Mai-juillet 1871
Anna Zimmerman,
sa mère et ses enfants rentrent en France. Gounod s'installe chez les Weldon.
Décembre 1871
Georgina Weldon
fonde une société chorale à l'Albert Hall avec le compositeur. Elle chante en
soliste et Gounod écrit les partitions. Le musicien compose énormément. Il
produit de nombreuses mélodies.
Gounod devient
surmené, angoissé, et subit plusieurs "crises cérébrales".
8 juin 1874
Emmené par des
amis, dont le docteur Blanche, Gounod rentre en France. Il entame des démarches
pour récupérer des papiers laissés chez les Weldon, dont le manuscrit de Polyeucte . Refus de Georgina Weldon et procès.
Mai 1876
Léon Carvalho,
nouveau directeur de l'Opéra-Comique, commande un opéra à Gounod, Cinq-Mars .
Eté-Automne 1876
Gounod écrit
Cinq-Mars et une messe du Sacré-Coeur de Jésus .
5 avril 1877
Création de
Cinq-Mars à l'Opéra-Comique; se solde par un échec.
4 aout 1877
Gounod est nommé
Commandeur de la Légion d'Honneur.
21 octobre 1877
Il inaugure
l'orgue Cavaillé-Coll installé dans l'église de Saint-Cloud.
7 octobre 1878
Création de
Polyeucte à l'Opéra Garnier avec Gabrielle Krauss. La représentation est un
échec.
Gounod écrit
alors le Tribut de Zamora .
1er avril 1881
Première du
Tribut de Zamora à l'Opéra avec G. Krauss;
nouvel échec,
après lequel Gounod renonce définitivement au théâtre.
30 aout 1882
Gounod dirige
pour la première fois la Rédemption ,
triologie sacrée
écrite dix ans plus tôt.
L'audition à
Birmingham est un succès.
10 mai 1885
Jugement rendu à
Londres contre Gounod en faveur de Georgina Weldon.
26 aout 1885
Création de Mors
et Vita ,
trilogie sacrée, à
Birmingham sous la direction de Hans Richter.
Gounod ne peut se
rendre à l'audition du fait du jugement rendu le 10 mai.
24 juillet 1887
Gounod dirige à
la cathédrale de Reims la Messe à la mémoire de Jeanne d'Arc
.
4 novembre 1888
500e de Faust à
l'Opéra dirigé par le compositeur.
10 mai 1888
Mort de Mme
Zimmerman, belle-mère de Gounod, à Saint-Cloud.
1890
Il écrit une
étude sur le Don Juan de Mozart.
1891
Retiré dans sa
maison de Saint-Cloud, Gounod donne parfois des concerts.
1892
Gounod laisse les
claviers de l'orgue de St-Cloud à son élève Henri Busser.
18 janvier 1893
Centième de Roméo
et Juliette à l'Opéra de Paris.
17 octobre 1893
Mort de Charles Gounod à Saint-Cloud.
27 octobre 1893
Obsèques nationales
en l'église de la Madeleine avec Saint-Saëns au grand orgue et Fauré à la tête
de la maîtrise. Inhumation au cimetière d'Auteuil.
Alessandro Manzoni
breve biografia
Alessandro
Manzoni e' nato a Milano nel 1785, suo
padre era Pietro Manzoni, ricco possidente di Lecco, e la madre era Giulia
Beccaria, figlia del famoso giurista Cesare Beccaria (autore del trattato Dei
delitti e delle pene). Compie i suoi studi in vari collegi cattolici e le sue
prime composizioni poetiche sono caratterizzate da un forte anticlericalismo e
da una sincera adesione agli ideali democratici e giacobini della Rivoluzione.
Vive a Parigi fino al 1810, anno in cui, per motivi di eredità, rientra in
Italia e sposa Enrichetta Blondel, prima con rito calvinista poi con rito cattolico.
Si apre ora il periodo più fertile dello scrittore: tra il 1812 e il 1815 si
dedica alla composizione degli Inni Sacri conclusi nel 1822 con la composizione
dell’ultimo Inno, La Pentecoste. Tra il 1820 e il 1822 conclude le due tragedie
Il Conte di Carmagnola e l’Adelchi; negli scritti teorici di quegli anni
elabora quell’idea di “provvida sventura” che ricorrerà anche nei
I Promessi
Sposi (1821-1842). Dopo il 1842 si dedica quasi esclusivamente
alla elaborazione di saggi e scritti teorici di carattere letterario,nei quali
il suo impegno civile non verrà mai meno. Viene nominato senatore del nuovo
Regno (1861) e gli viene assegnata la presidenza della commissione per
l’unificazione della lingua italiana. Muore
nel 1873 dopo aver ricevuto la cittadinanza
romana, riconscimento del suo impegno per l’unità nazionale.
Eugène Ionesco
(1912-1994)
1912
Naissance
d’Eugène Ionesco le 26 Novembre à Slatina (Roumanie). Son père est un
avocat roumain et sa mère est française.
1913
La famille
Ionesco vient s’installer à Paris afin
de permettre au père d’Eugène de préparer son doctorat de droit.
Période difficile
d’instabilité et de pauvreté. L’ambiance est tendue entre les parents d’Eugène.
1917
C’est la guerre.
Le père d’Eugène doit rentrer en Roumanie. Sa mère travaille dans une usine .
1918 -1919
Eugène est mis en
pension, avec sa sœur, en Mayenne (La Chapelle Anthenaise) dans un cadre
paisible. Ionesco gardera un très bon souvenir de ce séjour.
1925
Ionesco à 13 ans.
Il doit retourner en Roumanie avec sa sœur à la suite du divorce de ses
parents, son père ayant obtenu la garde des enfants.
Ionesco apprend
le roumain qu’il ne connaissait pas et poursuit de brillantes études
secondaires.
1929
Ionesco est
étudiant à l’Université de Bucarest. Il obtient un diplôme lui permettant de
devenir professeur de français.
1930
Premiers
articles de Ionesco dans la revue Zodiac
1936
Ionesco se marie.
Il épouse une étudiante en philosophie.
1938
Le couple part
pour la France. Il travaille à une thèse sur Les Thèmes du péché et de la mort
dans la poésie française depuis Baudelaire. Problèmes financiers et petits
métiers. Le couple rentre en Roumanie en 1940 et revient en France, à
Marseille, en 1942
1944
Le couple
s’installe à nouveau à Paris.
Naissance de leur
fille Marie-France
1948
Mort de son père
Ionesco est
correcteur dans une imprimerie. Il se lie d’amitié avec André Breton, Luis Bunuel, Adamov et Cioran.
1950
Il est naturalisé
français.
La Cantatrice chauve
est créée au Théâtre des Noctambules . La
pièce est accueillie froidement
1951
La Leçon au Théâtre de Poche
.
La critique
classique manifeste son hostilité. Les salles restent vides. Mais un cercle
d’admirateurs commence à se créer Ils saluent ce comique né de l'absurde où
l’insolite fait éclater le cadre quotidien.
1952
Les Chaises
1953
Le Maître,
Victimes du Devoir, La Jeune fille à marier.
1954
Amédée ou Comment
s'en débarasser
Reprise des
Chaises. Jean Anouilh écrit un article élogieux en première page du Figaro, un
quotidien qui n’avait jamais pourtant applaudi aux pièces de Ionesco.
1955
Jacques ou la
Soumission, Le Nouveau Locataire, Le Tableau
1956
L’Impromptu de
l’Alma,
1957
L’Avenir est dans
les Oeufs
1958
Rhinocéros
1959
Tueur sans gages
1960
Jean-Louis Barrault crée Rhinocéros à l’Odéon.
C’est la consécration pour Ionesco.
1962
Le roi se meurt
Notes et
Contre-notes
1963
Le Piéton de l’Air
1966
Création à la
Comédie française de La Soif et la Faim
1967
Journal en
Miettes
1968
Présent-Passé,
Passé-Présent
1970
Création à la
Comédie française de Jeux de Massacre
1971
Ionesco est reçu à l’Académie française
1972
Macbett
1973
Ce Formidable
Bordel
Le Solitaire,
unique roman d’Eugène Ionesco
1975
L’Homme aux
Valises
1989
Ionesco est fêté à la Nuit des Molières
1994
Ionesco meurt le 28 mars à Paris
La jeune paysanne
(1412-1429)
6 janvier 1412
Naissance de
Jeanne d'Arc à Donrémy, village des Vosges. Elle est la fille de Jacques Darc
et d'Isabelle Romée.
Vers 1425
Jeanne entends "ses premières voix". Elle les entendra
durant quatre ans, lui ordonnant de se rendre en France pour délivrer le
royaume, presque tout occupé par les anglais aidés des Bourguignons.
Hiver 1428
Jeanne se rend à
Vaucouleurs, accompagnée de son oncle Durant Laxart qui était dans la
confidence quant à ses voix. Elle fait la connaissance de Robert de
Baudricourt, capitaine, et lui demande de l'emmener rencontrer le dauphin
Charles VII. L'entretien est un échec et Jeanne d'Arc regagne Donrémy.
mai 1428
Vaucouleurs est
envahi par les bourguignons, favorables aux anglais. Les habitants de Donrémy,
proches de cette villes, fuient leur village, pour le retrouver pillé une fois
le siège levé.
juillet 1428
"Ses
voix" ordonnent à Jeanne d'Arc de revenir à Vaucouleurs. Et si Robert de
Baudricourt souhaite dans un premier temps la repousser, il commence à la
prendre plus au sérieux.
Hiver 1428
Robert de
Baudricourt dit au dauphin que Jeanne d'Arc vient le rencontrer. Elle aurait
des talents de guérisseuse dont a demandé à profiter le duc de Lorraine.
13 février 1429
Un messager du
dauphin demande à Robert de Baudricourt d'emmener Jeanne d'Arc à Chinon.
Jeanne d'Arc à
Chinon (1429)
4 mars 1429
Jeanne d'Arc
arrive à Sainte Catherine de Fierbois, au sud de Tours. Elle fait transmettre
sa première demande d'entrevue avec le dauphin.
6 mars 1429
Jeanne d'Arc se
dirige vers l'Île Bouchard puis se rend à Chinon.
8 mars 1429
Jeanne d'Arc,
vétue en homme, est reçue par le dauphin au château de Chinon. Elle se dirige
sans hésiter vers le dauphin alors qu'elle ne le connaît pas et que ce dernier
était mêlé au milieu de personnes participant à l'assemblée. Le dauphin Charles
remet toute sa confiance et ses décision à Jeanne d'Arc.
14 mars 1429
Jeanne d'Arc et
le dauphin Charles quittent Chinon. Elle est dirigée, à son insu, sur la ville
de Poitiers. Elle y subit un examen, destiné à prouver sa virginité. De plus,
le parlement étudie son cas sans rien trouver de suspect ou en rapport avec un quelconque
maléfice.
fin mars 1429
Jeanne d'Arc est
nommée chef des armées par le dauphin Charles. Souhaitant lui fabriquer une
épée, Jeanne dit que celle qu'elle veut est enterrée dans l'église de Sainte
Catherine de Fierbois, derrière l'autel. Elle est trouvé à l'endroit indiqué.
C'est l'épée qu'aurait abandonné Charles Martel après
sa victoire sur les sarrazins.
22 mars 1429
Jeanne d'Arc
envoie des lettres de sommations aux anglais.
29 avril 1429
Jeanne d'Arc
arrive aux portes d'Orléans. Furieuse de ne pas être conduite face aux anglais,
elle entre au soir dans la ville assiégée depuis plus de six mois, sous les
accalamations.
30 avril - 3 mai
1429
Jeanne d'Arc
attend des renforts de Blois.
D'Orléans à Reims
(1429)
4 mai 1429
Avec les renforts,
les français passent à l'attaque sans prévenir Jeanne d'Arc. Celle-ci rejoint
la btaille, redonne de l'énergie à ceux qui se découragent et les mène à la
victoire.
5 mai 1429
Profitant de la
trève de l'ascension, Jeanne d'Arc envoie encore une lettre de sommation aux
anglais.
6 mai 1429
Jeanne d'Arc
prend la bastide Saint Jean le Blanc et celle des Augustins.
7 mai 1429
Blessée lors de
l'assaut des Tourelles, Jeanne d'Arc continue de combattre pour finalement en
prendre possession en soirée.
8 mai 1429
Les anglais
lèvent le siège d'Orléans et se réfugient à Meung sur Loire.
9 mai 1429
Jeanne d'Arc se
rend à Loches.
12 juin 1429
Jeanne d'Arc
blessée à la bataille de Jargeau, est maître de la place le soir venu.
14 juin 1429
Jeanne d'Arc
reprend Meung-sur-Loire.
18 juin 1429
L'armée française
est victorieuse à Patay, ne comptant qu'une dizaine de victimes alors que les
anglais et les bourguignons en comptent deux mille. Jeanne d'Arc retrouve le
dauphin à Gien.
29 juin 1429
Jeanne d'Arc prend
Auxerre.
4 juillet 1429
Les habitants de
Troyes se soumettent à Jeanne d'Arc.
14 juillet 1429 Chalons capitule.
Du sacre de
Charles VII aux premiers échecs (1429-1430)
17 juillet 1429
Le dauphin et sa
troupe entre dans Reims sous les acclamations. Le dauphin Charles est sacré et
devient Charles VII. Jeanne d'Arc demande à Philippe le Bon de se réconcilier
avec Charles VII.
15 août 1429
Jeanne est à
Compiègne. Il y a une période d'inactivité due à plusieurs trèves. Charles VII
ne pense plus guère au conflit et se détache de Jeanne d'Arc.
31 août 1429
Le roi exempte
d'impôts les villages de Domrémy et Gueux, origines de Jeanne d'Arc.
8 septembre 1429
Jeanne d'Arc est
blessée lors de l'attaque de la porte Saint-Honoré à Paris.
21 septembre 1429
Charles VII
dissout l'armée royale et retourne à Meung-sur-Loire.
novembre-décembre
1429
Jeanne d'Arc
rencontre le succès à Saint-Pierre-le-Moutier mais échoue à La
Charité-sur-Loire.
avril 1430
Jeanne d'Arc,
après quelques mois loin des champs de bataille, repart au combat à Lagny. A
Melun, "ses voix" lui disent qu'elle se fera prendre avant la
Saint-Jean.
14 mai 1430
Jeanne d'Arc est
devant Compiègne, assiégée par les bourguignons.
22-23 mai 1430
Jeanne d'Arc est
capturée par Lionel de Vendôme qui est avec les bourguignons. Elle est ensuite
remise à Jean de Luxembourg-Ligny.
26 mai 1430
Emprisonnée près
de Noyon, Jeanne d'Arc tente en vain de s'échapper. L'Université, pour
l'Inquisition de France, demande à ce que Jeanne d'Arc lui soit remise.
juin 1430
Transférée au
château de Beaurevoir, Jeanne tente une seconde fois de s'évader, mais en vain.
Du procès à
l'exécution (1430 -1431)
6 décembre 1430
Les anglais
payent une rançon à Jean de Luxembourg-ligny et ont la garde de Jeanne d'Arc.
Elle part pour Rouen. Elle est prisonnière au château de Bouvreuil.
3 janvier 1431
Jeanne d'Arc est
remise à l'évêque de Beauvais, Pierre Cauchon.
9 janvier 1431
Des enquêtes sont
entreprises, même sur place à Domrémy.
mi-janvier 1431
Jeanne d'Arc est soumise
à un test de virginité.
26 mars 1431
Début du procès
"ordinaire", qui dure jusqu'au 24 mai.
27 mars 1431
Lecture de l'acte
d'accusation dont les soixante-dix articles sont issus des réponses de Jeanne
d'Arc.
mi-avril 1431
Jeanne malade,
accuse Pierre Cauchon de lui avoir donné de la nourriture avariée.
18 avril 1431
L'évêque Cauchon
propose à Jeanne de se faire conseiller pour sa défense.
9 mai 1431
Jeanne est
emmenée au château de Rouen où on lui fait voir des instruments de torture pour
lui faire peur.
12 mai 1431
Le tribunal ne
souhaite pas torturer Jeanne d'Arc.
13 mai 1431
Le comte de
Warwyck informe Pierre Cauchon et Jean de Luxembourg qu'il souhaite en finir au
plus vite avec Jeanne d'Arc.
19 mai 1431
Certains
assesseurs souhaitent que l'interrogatoire de Jeanne d'Arc soit plus poussé.
Mais elle ne déclare rien de nouveau.
24 mai 1431
Une séance
publique a lieu au cimetière Saint-Ouen où le tribunal exhorte encore Jeanne.
Voyant que son exécution est prête, elle en appelle au Pape. Cauchon lisant la
sentence, elle abjure. Sa peine est commuée en prison à vie. On lui promet de
l'enfermer dans une prison de l'Église, pour pouvoir assister aux messes.
25 mai 1431
Jeanne d'Arc est
remise en prison et on lui demande de quitter son habit d'homme.
28-29 mai 1431
Un nouveau procès
de relapse (se dit d'un chrétien qui retombe dans l'hérésie). En effet le fait
de revenir sur son abjuration en fait à nouveau une hérétique.
29 mai 1431
Jeanne d'Arc est
confiée au bras séculier pour être brûlée
vive... le30 mai 1431
Au petit matin, des dominicains viennent dire à
Jeanne d'Arc ce qui l'attend. A neuf heures, elle est conduite Place
du vieux marché, à Rouen, où est déjà prêt le bûcher. Son dernier cri
est : "Jésus".
Dinu Lipatti Biography
1950, at the age of thirtythree, dinu lipatti played his
final concert. After Lipatti s death, on
http://www.webcom.com/cyteen/links/lipatti.html
Extractions: From 1936 on, Lipatti's reputation as a
pianist, and then as a teacher, continued to grow. In 1944, he was made a
professor at the conservatory in
INKPOT#58 CLASSICAL MUSIC REVIEWS: Dinu Lipatti - An
Ink-troduction
(The flying Inkpot) An
introduction to the great pianist by Soo Kian Hing, with detailed descriptions
of reissues of his recordings.
http://www.inkpot.com/classical/lipatti.html
Extractions: An ink-troduction by Soo Kian Hing Dinu Lipatti
was born in
Dinu Lipatti
dinu lipatti bio and recommended
recordings
http://members.macconnect.com/users/j/jimbob/classical/lipatti.html
Extractions: Other Sites Dinu Lipatti Bach, Mozart, and
Schubert: studio recital Chopin, Liszt, Ravel recital Chopin: Waltzes,
Barcarolle, et. al. Concerto performances: Chopin,
Schumann, Grieg ... Packing it all together: the legacy set Arbiter Records
Pianist Museum (Lipatti's Final Essay)
Inkpot Reviews (bio, detailed reviews of two discs) Philips Great Pianists of
the Century Series: Dinu Lipatti (with bio) Posted to:
rec.music.classical.recordings Date: Fri, 01 Nov 1996 [email protected] wrote:
Still my favorite single classical album of all time is Dinu Lipatti's
sensational performances of Bach and Mozart. It includes IMHO the definitive rendition of Bach's Jesu,
and perhaps the same can be said for everything else on the album. I believe it
was on Columbia Masterworks originally released in the early '50s and I am
wondering if anyone knows if it has been reissued on CD. Also, I have seen
other Lipatti works on CD and wonder if any of them are as wonderful.
INKPOT#58 CLASSICAL MUSIC REVIEWS: Dinu Lipatti - An
Ink-troduction
Dinu Lipatti. ( 19171950) An ink-troduction by Soo Kian Hing. Dinu Lipatti
was born in
http://inkpot.com/classical/lipatti.html
Extractions: An ink-troduction by Soo Kian Hing Dinu Lipatti
was born in
INKPOT#63 CLASSICAL MUSIC REVIEWS: Dinu Lipatti Plays
Chopin, Liszt, Ravel, Brah
imagemap, Great pianists of the
20th Century Vol. 65 - dinu lipatti. Compilation of
recordings spanning the pianist s entire recording career. by Soo Kian Hing.
http://www.inkpot.com/classical/lipattigp.html
DINU LIPATTI CDs - Buy Rare Imports, Used Vinyl And Music Records
dinu lipatti CDs buy rare used
records and import CD's. Imports, New Releases, Used Music Albums, Hard to Find
LPs, Out of Print CDs lipatti, dinu CDs - Buy Used Rare Records, Vinyl LPs,
Imports, Hard to Find CD's Out-of-Print Music Trax Records. Argent.
lipatti dinu. Great pianist-bach/chopin/grie
http://www.musicstack.com/search/lipatti,_dinu.html
Extractions: Main Search Sell Your Music Wants ... Tabs
Search Artist Search Title Search Label Search Genre Search Seller Search
E-mail Search Show All Formats CDs only Vinyl only Vinyl and CDs CD CDsingle
CDR CDV Digi Pak Box Set DVD Calendar Cassette DAT LD LP LP Gatefold EP 7"
PS Split 7" 8-Track Mini Disc VideoNTSC VideoPAL NTSC+PAL Flat Flexi Book
Program Memorabilia Pic Disc 7" Pic Disc 10" Pic Disc 12" Pic
Disc LP Pic Disc Shaped Pic Disc Photograph Poster Postcard Press Kit Patch Pin
Sheet Music Sticker T-Shirt Ticket Zine Any/All Other United States Dollars
Australia Dollars Brazil Reais United Kingdom Pounds Canada Dollars China Yuan
Renminbi Cyprus Pounds Czech Republic Koruny Denmark Kroner Euro Hong Kong
Dollars Hungary Forint India Rupees Israel New Shekels Japan Yen Malaysia
Ringgits Mexico Pesos New Zealand Dollars Norway Kroner Poland Zloty Russia
Rubles Singapore Dollars South Africa Rand South Korea Won Sweden Kronor
Switzerland Francs Taiwan New Dollars Thailand Baht Venezuela Bolivares
Dinu Lipatti - The Legendary Romanian Pianist
Yet it is as a pianist that he will always be remembered. confirmation that God lent the world His chosen instrument,
whom we called dinu lipatti, for too
http://members.fortunecity.com/hyperionedmn/lipatti.html
Extractions: by EMI Records The
Roumanian Dinu Lipatti is a myth among pianists, a cult figure ringed by the
aureole of a reputation. The recording of Robert Schumann's Piano Concerto is
one of those of which words like "imperishable" and
"unsurpassable" are used, and it is the epitome of supple elegance;
some of his Chopin performances exert the spell of "Romantic Schwarmerei" ; his interpretations of Bach are heard with respect
but the listeners shake their heads over the perpetuation of 19th-century
taste. And they lament Lipatti's Schubertian fate, his early death at only 33.
The very sound of Dinu Lipatti's name is a distant, oh so distant sound from a
remote age in the history of piano-playing. Where does the key to Lipatti's art
lie? Not in the fluency, accuracy and high technical standard, for every
aspiring pianist has those today, as a matter of course. In
the breadth of his repertory (even if it excludes Beethoven)? It's not
uncommon. In the poetry and expressiveness of his attack7 A
large number of presentday pianists equal him in that. I never had the good
fortune to hear Lipatti in the concert hall; I know him only through his
recordings. Yet I will venture the theory that the key to Lipatti's art lies in
something that reference books pass over: in the fact that he was a composer
and also a conductor, just as his compatriot and godfather George Enescu was a
violinist and a composer.
NPR PIANIST DINU
LIPATTI (DEE-NOOH
pianist dinu lipatti (DEENOOH.
http://rdre1.inktomi.com/click?u=http://www.npr.org/features/feature.php?wfId=10
Lipatti, Dinu At Edifying Spectacle
Recordings of the Century dinu lipatti by Fryderyk Chopin
Price $11.98 Customer Review dinu lipatti was perhaps the greatest pianist of
the modern age.
http://edifyingspectacle.org/thanks/type_browse/mode_52204/
Extractions: Lipatti, Dinu Edifying Spectacle Thanks for
helping, Richard Home Music Styles Classical ... ( L ) / Lipatti, Dinu Search
All categories Baby Books Classical Music DVD Electronics Kitchen Magazines
Office Products Popular Music Computers Software Toys Videos Video Games Cell
Phones Books, Music, DVD Books I never thought that a set of Chopin's Waltzes
could ever compete with the Rubinstein for me, but this one by Dinu Lipatti is
exceptional. This was a man who truly loved this music and had the talent to
show it. The sound is acceptable given the age of the recording, and the
Barcarolle, Nocturne,... more info Customer Rating:
Dinu Lipatti - Wikipedia, The Free
Encyclopedia
dinu lipatti. From
Wikipedia, the free encyclopedia. lipatti was
born in
http://en.wikipedia.org/wiki/Dinu_Lipatti
Extractions: Dinu Lipatti March 19 December 2 ) was a Romanian pianist Lipatti was born in
All Products Bestsellers- Amazing Deals, Bargains, Deepest
Discounts, Monstrous
Great Recordings Of The Century dinu
lipatti Popular Music, Amazing Deals, Bargains, Deepest Discounts, Monstrous
Markdowns, Exciting Prices, Cheap, Deals, Special, Outlet Stores, Free after
have virtually never been out of the catalog since dinu lipatti's untimely
death in 1950 at age 33 sonatas, and it shows. The pianist's intense,
impassioned Mozart A Minor Sonata
http://www.recipedelights.com/search/shopping.pl?item_id=B00000IOBF&search_t
Pianist - Wikipedia, The Free
Encyclopedia
A performing classical pianist usually starts playing piano
at a very young John Lill; dinu lipatti; Eugene List; Franz Liszt; Yvonne
Loriod; Louis Lortie; Jacques
http://en.wikipedia.org/wiki/Pianist
Extractions: A pianist is a person who plays the piano A
professional pianist can perform solo pieces, play with an orchestra or smaller
ensemble , or accompany one or more singers or solo
instrumentalists A performing classical pianist usually starts playing piano at
a very young age, some as early as three years old. Many well-known classical
composers were able pianists themselves; for example, Wolfgang Amadeus Mozart
Ludwig van Beethoven Franz Liszt Frederic Chopin ... Robert Schumann
, and Sergei Rachmaninov were all virtuoso pianists. Some pianists have
special preferences as to which composer's music they play. Most western forms
of music can make use of the piano. Consequently, pianists have a wide variety
of forms and styles to choose from, including jazz classical music
, and all sorts of popular music Well-known or influential classical
pianists: See List of jazz pianists Well known blues pianists include: Ray
Charles also jazz, and
INKPOT#58 CLASSICAL MUSIC REVIEWS: DINU LIPATTI - The Last
Recital (EMI)
dinu lipatti Last Recital. EMI
Classics Références CDH5 65166-2 rests on the artistic good taste of the
pianist. lipatti opens the cycle with the Grande Valse
in A
http://inkpot.com/classical/lipattilast.html
Extractions: Live recording of Lipatti's last recital in
Besançon, on
Dinu Lipatti Biography
On the 19 th of March, dinu lipatti is born in
http://www.simplyromania.com/lipatti.htm
Extractions: Places to See Contact Us Site Map Dinu Lipatti
(1917-1950) Romanian musician and one of the greatest piano players of the
century. His renditions of Bach, Schumann or Chopin delight even today the
music fans. Home General Data about Romania Culture On
the 19 th of March, Dinu Lipatti is born in
rhythmic energy combined with an
almost inhuman control (his "Alborada" is not only unsurpassed but
unequaled) and a profound awareness of pianistic colors" Jeremy Siepmann
Extractions: about submit item become an editor feedback the
entire directory only in this category Top Regional Europe Romania
: Bands and Artists View: Bands Artists See also: AG Weinberger - The
official web site of American blues Romanian singer, Attila Weinberger. Contains the artist's historical evolution, concerts' details, news,
photos, discography and a guestbook. Akcent - Includes information about
band albums and members, media feeds, fanclub details, a forum and contact
details. Aliaj - Contains history of the romanian rock
band, gallery, lyrics, mp3, guestbook, links. Alin Gherman - The personal web
page of the Romanian piano player. Contains a short presentation of the
musician, a gallery of compositions, a pressbook, the details of his future
concerts, favourite links, a guestbook and contact
information. Alutus - The official web page of the Romanian folk band. Displays a short biography, news, members' details, discography,
awards, music samples and a photo album. Andreea Antonescu - The
official web site of the Romanian singer. Includes
discography and lyrics, images, music samples, polls, guestbooks and fanclubs
information.
Wolfgang
Lempfrid: Dinu Lipatti
Translate this
page Biographie. Kaum ein pianist unseres Jahrhunderts dürfte mit soviel
Ehrfurcht genannt werden, wie der 1950 verstorbene dinu lipatti.
http://www.koelnklavier.de/texte/interpreten/lipatti.html
Extractions:
Literatur (Auswahl) , und Francis Poulenc sah in ihm einen sein Leben unter dem
Zeichen der Gnade stand. (Transparenz) seiner Interpretationen: Lipatti als
durchdringender Vergeistigung Oder anders gefragt: Läßt sich die Faszination,
die von dem Musiker Lipatti ausging, auch heute noch nachvollziehen? Ein
Versuch bietet sich an; immerhin ist seine künstlerische Hinterlassenschaft
vergleichsweise überschaubar. Im Handel erhältlich sind derzeit rund sieben
Stunden Musik, davon Etliches in doppelter Ausführung, als Studio-Produktion
und Konzertmitschnitt. Entsprechend schmal ist auch das eingespielte
Repertoire: Bach (mit Vorliebe in Bearbeitungen), zwei Scarlatti-Sonaten,
Schubert-Impromptus, einzelne Werke von Liszt, Ravel und Enesco, ein wenig
Mozart, die Klavierkonzerte von Schumann und Grieg, und vor allem Chopin.
Beethoven hingegen fehlt ganz. Nur zögernd näherte Lipatti sich dem "Neuen
Testament" der Klavierspieler an; von den 32 Sonaten hat er nur die
"Waldsteinsonate" öffentlich gespielt. Vorwärtsdrängend und mit
vibrierender Nervosität dann der erste Satz von Mozarts a-moll-Sonate KV 310 -
das einzige Mal, daß Lipatti das Gefühl vermittelt, er müsse gegen die ihm
verbleibende Zeit anspielen. Melodiebögen reißen unvermittelt ab, und die
Durchführung brodelt bedrohlich im Pianissimo. Ein gelegentliches kurzes
Aufbäumen ins Forte, dann fällt alles wieder in sich zusammen. Ein Mozart, der
nicht im eigentlichen Sinne schön, dafür jedoch mit jeder Faser wahrhaftig ist.
Der Vorwurf, Lipattis Kunst gehe das Dramatische ab, wird spätestens in seinem
letzten Konzert ad absurdum geführt; man kann sich durchaus vorstellen, wie
seine Interpretation der "Waldsteinsonate" geklungen haben muß.
Georges qui
naquit le 8 décembre 1861, boulevard Saint-Martin, à Paris. Il fit ses études
au Lycée Impérial de Vanves, puis au Lycée Louis-le-Grand, où il fut le
condisciple de Maurice Donnay. L'un écrivait des vers, l'autre crayonnait sans
cesse. Georges Méliès faisait des caricatures très réussies de ses camarades et
de ses professeurs, particulièrement du professeur de mathématiques, matière
pour laquelle il ne se sentait aucune disposition. Celui-ci vint un jour se
pencher sur son portrait que son mauvais élève était en train de faire en
cachette. Qu'allait-il se passer? «Si ce dessin avait été mauvais, je vous
aurais mis à la porte Monsieur Méliès mais je le trouve excellent et je le
garde... ». Et l'histoire en resta là.
Georges Méliès
fut reçu au Baccalauréat en 1880 et partit à Blois en 1881 pour faire son
service militaire. Il alla ensuite, en 1884, passer une année en Angleterre où
son père l'avait envoyé chez un de ses amis, propriétaire d'un grand magasin de
confection. Les vendeurs firent au «petit Français» à l'accent épouvantable la
mauvaise plaisanterie de le placer au rayon des fournitures pour corsets et de
le laisser se débrouiller avec les clientes. C'était parfaitement « shocking »
et le pauvre garçon n'en finissait pas de rougir et de bafouiller... Comme il
ne comprenait pas suffisamment l'anglais pour s'intéresser aux pièces de
théâtre, il se mit à fréquenter la salle de 1'« Egyptian Hall » dirigée par
Maskeline, célèbre illusionniste, et il y étudia la prestidigitation. Il revint
à Paris avec l’intention d'entrer aux Beaux-Arts et de devenir peintre. Son
père s'y opposa formellement et il dut entrer dans la maison de chaussures
paternelle. Il s'occupa surtout des machines de l’usine, de leur
perfectionnement et de leurs réparations et c'est là qu'il acquit cette
habileté de mécanicien qui devait lui être si utile plus tard. Il refusa
cependant de s'associer à ses deux frères lorsque son père se retira des
affaires. Consacrant la part qui lui revenait à l’achat du théâtre Robert
Houdin.
En 1885, il
épousa une jeune fille d'origine hollandaise. amie de
la famille de sa mère qui lui apporta une fort belle dot. A cette époque, il
donnait des séances de prestidigitation à la Galerie Vivienne et au Cabinet
Fantastique du Musée Grévin, il fabriquait aussi des automates. Il fréquentait
assidûment le Théâtre d'Illusions situé 8 boulevard des Italiens, au premier
étage. Ce théâtre avait été créé par Robert Houdin, en 1852, et il appartenait
à Madame veuve Emile Robert-Houdin (bru du célèbre magicien). Lorsque celle-ci
mit le théâtre en vente, en 1888. Méliès en fut aussitôt acquéreur.
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Georges Méliès
avait déjà cette activité débordante qui le caractérisa toute sa vie et une
grande puissance de travail. Il était en même temps, en 1889-1890, directeur du
Théâtre Robert-Houdin et, sous le pseudonyme de Géo Smile, journaliste et
dessinateur au journal satirique anti-boulangiste « La Griffe » dont son
cousin, Adolphe Méliès, était le rédacteur en chef. Il dit lui-même à ce
propos: « Si ce dernier (le général Boulanger) avait réussi, je risquais pour
le moins l'exil, car je fis du « brav’ général », comme l'appelait le chanteur
populaire Paulus, dévoué à sa cause, des quantités de caricatures mordantes qui
couvrirent de ridicule le candidat-césar ».
Son imagination
créatrice lui permettait de présenter au Théâtre Robert-Houdin de véritables
petits spectacles avec décors, costumes et scénario, consacrés à la magie
blanche et à l'illusionnisme comme « La Stroubaïka Persane » ou « Le Décapité
Récalcitrant ». Déjà, ses programmes portaient l'indication : « Décors,
machinerie, scénario et trucs de M. Georges Méliès » qui va se retrouver plus
tard dans les catalogues de ses films. C'était surtout Monsieur Legris qui présentait
ces tours avec l'aide du servant de scène Marius et du machiniste Eugène.
Contrairement à ce qui a été dit bien souvent, Georges Méliès ne paraissait pas
lui-même sur la scène du Théâtre Robert-Houdin. Il se contentait d'en être le
directeur et le metteur en scène. Il avait fondé, en 1891, l'Académie de
Prestidigitation, qui devint en 1904 la Chambre syndicale de la
prestidigitation dont il assuma la présidence pendant trente années
consécutives. De 1890 à 1896, il consacra tout son temps au Théâtre Robert-Houdin
qui se trouvait à l'actuel emplacement du carrefour Richelieu-Drouot et qui fut
démoli en 1924 pour permettre le percement du boulevard Haussmann.
Les
représentations de magie et d'illusionnisme s'y terminaient régulièrement par
la projection d'une série de vues photographiques coloriées sur verre. Aussi,
lorsque le 28 décembre 1895, Méliès fut invité par les Lumière à la première
représentation du Cinématographe, il vit aussitôt le parti qu'il pourrait tirer
de cette invention pour en faire un spectacle. Mais Antoine Lumière, père
d'Auguste et de Louis, lui en refusa l’achat. Plein de dépit. Méliès chercha
puis construisit sa première caméra. Dès le 5 avril 1896, il projetait ses
premiers films au Théâtre Robert-Houdin. C'étaient des petites scènes de plein
air reproduisant les mêmes sujets que les premières vues de Lumière. Puis il
changea très vite de genre.
LE PREMIER STUDIO
DU MONDE [Top] [Next] [Previous]
Tous ses films
étaient tournés en plein air ; on devait attendre le soleil, craindre la pluie.
Les commandes affluant, il fallait songer à tourner tous les jours, quel que
soit le temps. Méliès s'inspira des ateliers de photographie et de l'usine de
chaussures paternelle. Il fit construire, le premier, à la fin du mois de
septembre 1896, une grande salle vitrée de tous côtés au milieu du jardin
potager de sa propriété de Montreuil-sous-Bois. Il s'était adressé à un
menuisier du pays, mais lorsque la carcasse fut en place, il constata que la
charpente était trop légère. Il fit doubler tous les supports par une charpente
de fer. La construction coûta 80.000 francs, somme énorme pour l'époque,
surtout pour les débuts d'une industrie dont on ignorait l'avenir...
Il faut citer ici
Maurice Noverre qui a fait une étude complète sur le studio de
Montreuil-sous-Bois, dans son numéro du « Nouvel Art Cinématographique » de
juillet 1929 : « L'atelier fut parqueté, les parois garnies de verres dépolis
sur toutes les faces et au-dessus. excepté trois
travées (en avant de la scène) qui reçurent du verre simple, transparent, pour
les cas de lumière solaire insuffisante. Ces travées furent d'ailleurs
complétées par des volets mobiles composés de châssis garnis de toile à calquer
permettant d'aveugler les rayons solaires gênants. Un ingénieux système de cordages
et de poulies permettait à un seul homme, en tirant sur un câble qui les
réunissait tous, de fermer ou d'ouvrir instantanément les châssis. En tirant
sur ce câble, ils montaient se plaquer contre la toiture: en le lâchant, ils
s'ouvraient par leur poids... Derrière la scène fut construite une petite loge
(4 m. x 5 m.) pour les artistes, peu nombreux dans les films du début. Cet
atelier primitif était orienté de façon à recevoir la lumière face à la scène,
de 11 h du matin à 15 h... Lorsqu'il s'agissait de ce qu'on appelle aujourd'hui
des gros plans, ils n'étaient pas photographiés à part. L'artiste s'avançait
lentement vers l'appareil en sortant des limites du tableau, tracées à la craie
sur le sol, et s’en approchait assez près pour que sa tête touchât presque le
haut du tableau... Au bout de très peu de temps, Méliès fit creuser, à
l'emplacement réservé à la scène, une fosse de 3 mètres de profondeur, sur
toute sa surface, avec rues, trappes, mâts à décors, tampons ascendants pour
les apparitions, trappes en étoile, trappes dites « tombeau » et treuils placés
hors du studio, trop étroit alors pour les mettre à l'intérieur ».
Ce premier
studio, achevé en mars 1897, long de 17 mètres, large de 7 mètres, se trouvait
dans le jardin de la propriété que Méliès possédait au 74 bis, boulevard de
l'Hôtel-de-Ville (plus tard avenue Wilson) et 1 et 3, rue François-Debergue, à
Montreuil-sous-Bois. Méliès appela cette construction « atelier de prises de
vues cinématographiques ». A propos du titre de « premier studio du monde », il
est bon de noter que d'autres ateliers furent antérieurs à celui de Georges
Méliès, entre autres la « Black Maria » d'Edison, à West Orange, aux
Etats-Unis. Mais le studio de Montreuil fut le premier à posséder une
machinerie complète uniquement créée en vue de la réalisation de films avec
mise en scène, scénario, acteurs et décors. Les inventions précédentes
représentaient des étapes dans la marche vers le cinématographe et les studios
antérieurs étaient des cabines expérimentales. Georges Méliès fut le premier à
construire un atelier de prises de vues pour y réaliser des films destinés à
être projetés en spectacle public.
LES CREATIONS DE GEORGES MELIES [Top] [Next] [Previous]
C'est dans ce
studio, et dans un second construit en bordure de la rue Galliéni en 1905 que
Georges Méliès tourna environ 500 films, les premiers n'ayant que 17 ou 20
mètres, et les derniers de 600 à 800 mètres de longueur. Au début, Méliès avait
eu un associé, Reulos, dont il se sépara à la fin de 1897. En 1898, sa maison
de production, la « Star-Film », dont la devise était: « Le monde à la portée
de la main », édita seulement une trentaine de films, contre 54 en 1897 et 78
en 1896. En 1899, il présenta sa première grande féerie « Cendrillon ».
Dans les premiers
mois de 1897, il fit un essai de prises de vues à la lumière artificielle pour
filmer le chanteur Paulus, son ancien adversaire de la période boulangiste. Il
employa pour cela l'arc électrique qu'il utilisait au Théâtre Robert-Houdin. Le
chanteur y vint mimer quatre petits films : c'était ainsi le premier essai
d'accompagnement synchronisé de la voix au geste. Méliès inventa, dés 1897,
tous les truquages employés depuis lors sans interruption au cinéma: la
surimpression, l'exposition multiple et les caches. Le truc par substitution
lui fut inspiré par un incident qu'il raconte lui-même ainsi : « Un blocage de
l'appareil dont je me servais au début produisit un effet inattendu, un jour
que je photographiais prosaïquement la place de l'Opéra une minute fut nécessaire
pour débloquer la pellicule et remettre l'appareil en marche. Pendant cette
minute, les passants, omnibus, voitures, avaient changé de place, bien entendu.
En projetant la bande ressoudée au point où s'était produite la rupture, je vis
subitement un omnibus Madeleine-Bastille changé en corbillard et des hommes
changés en femmes ». Les films à truquages et les féeries se succèdent alors
sans interruption jusqu'en 1912. certains de ces films
étaient coloriés à la main, image par image, par une centaine d'ouvrières
placées sous la direction de Mademoiselle Thuillier et de Madame Chaumont.
Au début de son
activité cinématographique, Méliès se heurta au refus des acteurs
professionnels de paraître dans des vues. Pour eux, ce n'était pas un spectacle
digne de leur talent. On employa donc toutes les bonnes volontés. Tout le
personnel de Robert-Houdin, des voisins, des membres de la famille, les
domestiques et le jardinier furent promus au rang de comédiens. Puis Méliès eut
l'idée de s'adresser aux danseuses du Châtelet. Les danseuses de l'Opéra, ayant
appris que le cachet était intéressant (un louis d'or et un excellent
déjeuner), vinrent se faire inscrire à leur tour, puis les acteurs eux-mêmes
finirent par se dire: « pourquoi pas nous? ». Mais les acteurs de théâtre
avaient besoin d'une formation spéciale pour s'adapter au cinéma. Méliès dit
lui-même : « Habitués à bien dire, ils n'emploient le geste que comme
accessoire de la parole au théâtre, tandis que dans le cinématographe la parole
n'est rien, le geste est tout... ». Dans la plupart de ses films, Méliès jouait
le rôle principal, soigneusement grimé et méconnaissable. Il devait se trouver
à la fois derrière la caméra pour diriger ses acteurs et sur le plateau pour se
mêler à eux. Il adorait se costumer et incarner des personnages fort
excentriques et fort différents les uns des autres. Il aborda tous les genres :
documentaires, féeries, reconstitutions historiques, actualités reconstituées,
vues de voyages fantastiques, opéras, drames, vaudevilles, publicités.
Ecoutons-le dans une conférence qu'il fit en 1932 pour une société de publicité
: « Une autre réclame où j'employais aussi la crème au chocolat comme dans la
réclame Bornibus, pour inciter mon propre fils alors âgé de 5 ans, à manger
avec ardeur un produit alimentaire qui ne lui plaisait pas plus que cela, fut
celle d'une farine alimentaire très connue, dans cette vue, il y avait un
enfant très malade, avec sa mère et un docteur qui venait visiter l'enfant. Le
docteur déclarait que pour remonter le petit malade maigre et souffreteux, il
lui fallait la fameuse farine K. On délayait la farine dans un bol, l'enfant en
mangeait ; puis le docteur revenait un mois après et trouvait le bambin gros et
gras comme le Bébé Cadum, en train de manger, avec amour, un plein bol de la
merveilleuse bouillie. Mais le public ignorait que, dans le bol, nous avions
substitué à la bouillie une excellente crème, bien sucrée, aussi l'enfant s'en
barbouillait-il jusqu'au nez, avec un entrain des plus comiques ».
Dessinateur,
décorateur, illusionniste, auteur de scénarii, metteur en scène et acteur,
Méliès est chaque jour au studio de Montreuil dès 8 heures du matin. Il habite
à Paris, rue Chauchat, et continue à diriger le Théâtre Robert-Houdin où il
invente et réalise des trucs. En 1900, il fonde la première Chambre syndicale
des éditeurs cinématographiques dont le siège social est au Théâtre
Robert-Houdin. En 1908 et 1909, il préside les deux premiers Congrès
Internationaux du Cinéma (France Italie, Angleterre, Russie, Allemagne.
Etats-Unis. Danemark, seules nations produisant régulièrement des films à cette
époque), au cours desquels il propose et obtient l'unification de la
perforation du film. Le Congrès de 1909 décide alors de remplacer la vente des
films par leur location, car à cette époque on ne louait pas les films, on les
vendait au mètre. Chacun produisait selon ses goûts et vendait à son gré. Le
cinéma en était au stade de l'artisanat. Méliès aimait à répéter : « le cinéma
est intéressant parce qu'il est avant tout un métier manuel », Que peuvent en
penser nos cinéastes actuels ?
DIFFICULTES FINANCIERES [Top] [Next] [Previous]
En 1902 outré par
le contretypage et la contrefaçon de ses films en Amérique, il ouvre à
New-York, sous la direction de son frère Gaston, une succursale et des
laboratoires, afin d'assurer par le copyright le respect de ses droits
d'auteur. Avec Lumière et Pathé, il introduit le film français aux U.S.A. et se
voit contraint, en 1908 de faire partie du trust Edison qui monopolisait
l'industrie cinématographique de ce pays. Malheureusement, lorsque le cinéma
commence à devenir véritablement une industrie, Georges Méliès, artiste et
créateur avant tout, n'est pas de taille à lutter avec tous ces financiers. La
location des films, qui commence à s'établir sérieusement en 1910, lui porte un
coup terrible. Il n'est pas organisé pour ce genre de travail et cela fait
brusquement tomber la vente de ses films. D'autre part, ses concurrents se
tournent vers la nature, les documentaires, les scènes de plein air. Lui,
s'obstine à rester claquemuré dans son studio et à ne montrer que des forêts
peintes et des maisons en contre-plaqué. Il ne veut pas renoncer à ses féeries
et à ses inventions. Il se laisse dépasser par la « nouvelle vague » des jeunes
employés de Pathé et Gaumont, les Zecca, Nonguet, Velle, Heuzé et surtout Max
Linder. En 1910, sa situation commence à devenir difficile. C'est alors que son
frère Gaston qui dirigeait la Star-Film de New-York commet la faute, après
avoir tourné un certain nombre de « westerns », de subir l'attrait du
documentaire. Ce genre de film plaisait au goût d'une élite mais son succès
auprès des foules n'était pas suffisant pour couvrir les frais engagés dans un
grand voyage autour du monde. La succursale des U.S.A. doit fermer ses portes.
A partir de 1911, Georges Méliès se lie à Charles Pathé et ses films sont
désormais édités par ce dernier. C'était, la personne de Pathé mise à part, se
mettre dans les griffes de l'homme qui l'avait tant jalousé et plagié,
Ferdinand Zecca, metteur en scène attitré de la maison Pathé dans ses studios
de Vincennes. Zecca, en effet. ne cessa de gêner la
diffusion des films de Méliès, aidé par le fait que la mode évoluait vers des
genres différents.
Méliès cessa
toute activité cinématographique en 1913. C'est en mai de cette même année
qu'il perdit sa femme et resta seul avec ses deux enfants, Georgette, née en
1888, dont je suis la fille, et André, né en 190I. Il ne pouvait disposer de
ses fonds comme il le voulait à cause de la présence de son fils mineur dans la
succession. Il se trouvait donc dans une situation financière extrêmement
embrouillée lorsque éclata la guerre de 1914, Le Théâtre Robert-Houdin qui
était devenu un cinéma avec séance de prestidigitation le dimanche seulement
fut fermé dès le début des hostilités par ordre de la police.
LE THEATRE DES
VARIETES ARTISTIQUES [Top] [Next] [Previous]
Georges Méliès
transforma alors le second de ses studios de prises de vues de
Montreuil-sous-Bois en théâtre. Ce fut le théâtre des Variétés-Artistiques qui
fonctionna de 1915 à 1923. Sa fille Georgette, qui fut d'abord une des
premières actrices de cinéma, puisqu'elle débuta à 9 ans dans les premiers
films de son père et qui fut probablement la première femme ayant fait des
prises de vues et des projections, fut la directrice et l'animatrice de ce
théâtre. Elle était répétitrice et cantatrice et chanta tous les premiers
grands rôles lyriques (Manon, Thaïs, Hérodiade, la Tosca, Faust etc...) Son
frère André, grand premier comique, dont la femme était également chanteuse et
fit carrière à l'Opéra-Comique, son mari, le baryton Pierre-Armand Fix, et
surtout son père, qui tenait les rôles les plus divers, l'entourèrent
constamment. On y joua tous les genres de pièces: opéras, opéras-comiques, opérettes,
drames, vaudevilles. Georges Méliès lui-même écrivit plusieurs revues qui
furent jouées avec succès. On n'hésitait pas à monter des pièces à grande mise
en scène ou à exhumer certains opéras tombés dans l'oubli ! Un jour, on affiche
« Paul et Virginie » de Victor Massé, avec un orchestre de quatre musiciens et
de beaux décors peints « à la maison », Le public montreuillois boude un peu et
on escomptait un triomphe, qu'à cela ne tienne! Méliès fait des affiches sur
lesquelles on peut lire: «pendant le deuxième acte, la Bamboula sera dansée par
Méliès Père et Fils »... « Paul et Virginie » attirent les foules... Pour «
Hérodiade », Méliès avait fait un ravissant décor où l’on voyait au loin
briller toutes les lumières d’Alexandrie. Au lever de rideau du second acte, le
public applaudissait spontanément chaque soir. Tous les décors faits par
Georges Méliès et son fils étonnaient les spectateurs par leur fraîcheur, leur
beauté et leur inspiration poétique. Deux petites filles, l'une, fille d'André,
l'autre, fille de Georgette, vinrent agrandir la famille qui était heureuse,
unie et vivait sans trop de soucis. Mais un créancier, un seul, qui
n'appartenait pas à la corporation cinématographique, engagea des poursuites et
fit prononcer par le Tribunal l'ordre de vente de la propriété de
Montreuil-sous-Bois. Le tout fut cédé pour une somme dérisoire. On peut
imaginer le chagrin de Georges Méliès lorsqu'il lui fallut quitter la propriété
familiale et qu'il vit emporter par les brocanteurs tout le matériel qui lui avait
servi pendant plus de 20 ans. Tous les aéroplanes, les hélicoptères, les
tramways. les autos, les locomotives, les escaliers et
les praticables, tout disparut.
MELIES QUITTE
Le théâtre, lui
aussi, dut fermer ses portes. En 1923. La famille Méliès quittait
définitivement Montreuil-sous-Bois, La propriété fut vendue par lots, Le
premier studio du monde subsista encore quelque temps et fut démoli en 1947,
sans que rien ait été fait pour essayer de le sauver. Toutes les caisses
contenant les films furent vendues à des marchands forains et disparurent.
Méliès lui-même, dans un moment de colère, brûla son stock de Montreuil.En
1936, Méliès, désolé, disait : « Les jeunes n'ont rien connu du cinéma
d’avant-guerre. Aussi ne connaissent-ils de ma production que quelques féeries
provenant de la collection Dufayel qui ont survécu par hasard et qu'on a
retrouvées il y a 4 ans. Et c'est pourquoi, tout en me couvrant d'éloges, ils
me taxent souvent de naïveté, ignorant certainement que j'ai abordé tous les
genres » .En 1924, il fut appelé à Sarrebrück par la direction des Mines de la
Sarre. Il fut chargé de reconstituer tout le matériel d'un grand théâtre
détruit par les Allemands lors de leur retraite. En cinq mois, il reconstruisit
avec son fils toute la machinerie disparue et refit tous les décors.
A LA GARE
En 1925, que
faire ? Plus de maison, plus de théâtre : sa fille habitait avec son mari chez
les parents de celui-ci, son fils logeait chez les parents de sa femme. il était las, seul, sans foyer et il avait 64 ans... Il
retrouva alors une de ses anciennes interprètes, Jehanne d'Alcy, qui faisait
partie du personnel du théâtre Robert-Houdin lorsqu'il l'acheta en 1888.
C'était à l'époque une jeune veuve de 23 ans et sa petite taille, sa minceur
l'avait fait engager pour tous les truquages et escamotages, car elle devait
disparaître dans une cache très réduite. Elle interprétait « La Sibylle de
Cumes », « La Fée des fleurs », « Le Calife », «1a Poupée de Nuremberg», qui
étaient des scènes truquées à grande mise en scène. Elle joua tout
naturellement dans les premiers films de Méliès et fut ainsi la première star
du monde. Elle est morte en octobre 1956 à l'âge de 92 ans, attachée à faire
rendre justice à Georges Méliès, à défendre son oeuvre et à faire rayonner sa
gloire. Approchant de la cinquantaine, elle avait pu obtenir, en 1914, la
gérance d'une petite boutique en bois située d'abord sur le trottoir, puis dans
le hall de la gare Montparnasse. Elle y vendait des chocolats, des bonbons et
des jouets. Elle avait réussi à dénicher un petit appartement donnant sur le
square Jolivet, à deux pas de la gare, meublé de quelques objets rappelant sa
splendeur passée. C'est là que Méliès vint la rejoindre et l'épousa le 10
décembre 1925. C'est à la Gare qu'il fut retrouvé par hasard par Léon Druhot
qui passait. Il entendit quelqu'un qui appelait : « Monsieur Méliès». Il dressa
l'oreille et demanda : « Seriez-vous parent avec Georges Méliès qui faisait du
cinéma avant-guerre ? » - « Mais c'est moi-même », C'était en 1928, et c'est
ainsi que la génération d'après-guerre apprit à connaître le nom et ce qui
restait de 1'oeuvre de Méliès. Il n'était cependant pas totalement oublié dans
la corporation cinématographique, puisqu'une lettre datée du 28 juin 1926 lui
apprenait qu'il venait d'être nommé par acclamations premier membre d'honneur
de la Chambre syndicale de la Cinématographie.
En 1930, la fille
de Méliès décédait à 42 ans après une longue et cruelle maladie contractée en
Algérie pendant une tournée théâtrale à Mascara et à Oran. Son gendre
continuant sa carrière d'artiste lyrique, Méliès prit avec lui sa petite-fille
qui vint, elle aussi, s'installer dans la boutique de jouets de la gare
Montpamasse. Elle devait rester avec lui jusqu'à sa mort, et c'est la
signataire de ces lignes. Durant toute l'année, il y avait l'école pour elle et
le magasin pour ses grands- parents. Mais au mois de septembre, on fermait
boutique, et en route pour la Bretagne ! On économisait pendant onze mois pour
aller dans le plus grand hôtel de Trebeurden ou de Ploumanach mener la vie de
riches rentiers. Pendant que ma grand-mère faisait la grasse matinée, mon
grand-père m'accompagnait à la plage et surveillait mes barbotages tout en
crayonnant sur un petit carnet de croquis qui tenait dans sa poche. Je ne l'ai
jamais vu un instant inoccupé. Il fallait qu'il dessine, qu'il fasse des
caricatures. Gare au moindre morceau de papier blanc : faire-part de décès ou
de mariage, factures, et même mes cahiers de classe si j'avais le malheur de
les laisser à portée de sa main !
A
En 1932, la
Mutuelle du Cinéma permettait à Georges Méliès de terminer décemment sa vie, à
l'abri des soucis, dans son Château d'Orly. C'est là qu'il recevait la visite
de jeunes gens épris de cinéma, Langlois et Franju, créateurs de la
Cinémathèque Française, Lo Duca, René Jeanne, Paul Gilson. Il écrivait ses
Mémoires, des articles pour les journaux et de nombreuses lettres. Dans l'une d'elles,
datée du 17 mai 1937, huit mois avant sa mort, il faisait remarquer: « Druhot a
promis dorénavant d'observer l'ordre logique et chronologique : Lumière,
Méliès, Pathé, Gaumont, Le dernier, venu au cinéma 3 ans après nous, et Pathé 2
mois 1/2 après moi. Et alors, voici qu'après bien des années, semble vouloir se
réaliser la prophétie de Noverre qui écrivit à Coissac lorsque celui-ci fit,
dans son Histoire du Cinéma, tant de courbettes aux grosses maisons: « Vous
faites erreur en exaltant Pathé et Gaumont au détriment de Méliès à qui vous
donnez la quatrième place. Il n'y en a qu'une, en bonne conscience, pour
Méliès, après l'inventeur Lumière, et cette place c'est la première ».
Attendons les événements... Je me place bien entendu au seul point de vue «satisfaction
d'amour-propre », mais je crois bien que je verrai l'heure de la fameuse «
justice immanente » arriver, si toutefois je ne fais pas la bêtise de claquer
avant! ».
A Orly, Méliès
continuait à dessiner et à peindre, plaisantait avec tout le monde. Aussi gai
dans le malheur ou dans une situation modeste qu'au moment de sa splendeur et
de ses succès, jamais un mot de regret ou d'aigreur ne sortit de sa bouche. Il
aimait toujours autant les calembours et les jeux de mots. Toujours agile et
souple, il sautait encore à pieds joints au-dessus d'une chaise, à 75 ans. Il
jouait très bien du piano, sans être capable de lire une note de musique. Quand
il était jeune, il faisait danser ses invités des nuits entières. Dans sa
vieillesse, tout à coup, il disait à sa femme : - « Te souviens-tu de tel air
dans « La Belle Héléne ? » (Offenbach était son compositeur préféré) ; et les
voilà tous deux, à minuit, en train de chanter l'opérette... Heureusement qu'il
n'y avait pas de voisins ! Mais cela gênait un peu la petite-fille qui devait
aller à l'école le lendemain matin!
Un cancer devait
l'emporter le 21 janvier 1938 à l'hôpital Léopold-Bellan à Paris. Il ne fut
malade que trois mois, mais ses souffrances furent atroces. Il ne se plaignit
jamais. Après une vie de labeur acharné, toujours captivé par son travail. habile à se servir de ses mains et de son esprit toujours en
éveil, il avait trouvé le secret du cinéma : invention, mouvement, poésie. Il
fut le seul des producteurs de la première heure à n'avoir pas fait fortune,
mais il a fait ce que lui dictait son imagination.
Depuis son décès,
il ne s'est guère passé d'années sans qu'une manifestation ou une cérémonie
vienne rappeler son souvenir. Le petit cercle de ceux qui connaissaient son nom
va en s'élargissant et il a maintenant atteint le grand public.
LE CENTENAIRE
1961 [Top] [[Previous]
C'est depuis la
célébration du centenaire de la naissance de Georges Méliès que les
manifestations en son honneur se sont multipliées grâce, entre autres, à la
création en 1961 de l'Association « LES AMIS DE GEORGES MELIES » (Président
d'Honneur : M. René Clair, de l'Académie Française) et dont le but est de mieux
faire connaître l’oeuvre et la vie de Méliès. C'est sous son égide, à partir de
l'année du centenaire, que se sont déroulées dans le monde entier la plupart
des manifestations importantes concernant Georges Méliès.
Si le monde
entier a rendu justice à Georges Méliès, tous ceux qui l'ont connu, sans
exception, l'ont aimé et admiré. On ne peut mieux faire, pour terminer cette
petite présentation, que de citer Henri Jeanson qui a joué avec lui dans son
théâtre : « Ebéniste, journaliste, peintre, photographe, escamoteur,
illusionniste, mécanicien, écrivain, caricaturiste et poète,
Méliès inventa,
avec ou sans préméditation, sous le double signe de la nécessité et du hasard,
à la grâce du hasard et le plus naïvement du monde, le film en couleurs, le
fondu enchaîné, la surimpression, le studio, le gros plan, l'accéléré, le
ralenti, l'usage des caches et des maquettes, ainsi que mille et un truquages
qui, depuis, ont enrichi les malins... Méliès était un Monsieur, un grand
Monsieur qui, toute sa vie, resta un petit garçon ».
Madeleine MALTHETE-MELIES.
Edith Piaf
!
"C'est nous
les mômes, les mômes de la cloche, clochards qui s'en vont sans un rond en
poche, c'est nous les paumés [...] qui sommes aimés un soir n'importe
où..." (Les mômes de la cloche, 1936, V. Scotto - A. Decaye).
C'est sous cette
image populaire que Piaf apparaît au grand public. La légende veut même qu'Edith Giovanna Gassion, son vrai
nom, soit née sur le trottoir du 72 rue
de Belleville à Paris, plus précisément sur la pèlerine d'un policier, le 19
décembre 1915.
En réalité, elle
semble plutôt avoir vu le jour à l'hôpital Tenon, mais il n'en faut pas plus
pour que colle à la peau d'Edith cette image "populo".
Edith a la vie
d'artiste dans le sang: son père Louis, qui est à la guerre, est
contorsionniste, et sa mère Annetta, d'origine italo-kabyle, est chanteuse de
rue.
Edith grandit
entre ses deux grands-mères, dont l'une tient un bordel dans l'Eure, à Bernay.
Puis après la guerre, son père, engagé dans un cirque itinérant, embarque sa
fille avec lui. Trottoir, cirque, chanson, bordel, quelle singulière enfance !
Des débuts forcés
C'est pour aider
son père au cirque que la jeune Edith commence à pousser la chansonnette. Alors
que ses parents divorcent et qu'une demi-soeur, Denise, naît en 1931 du
remariage de son père, Edith continue la chanson de rue.
A 17 ans, elle
rencontre Louis Dupont dont elle tombe enceinte. Mais Edith, née "dans la
rue", voit commencer pour elle une longue vie de défaites amoureuses et de
malheurs.
Le premier de ses
malheurs est le décès en 1935 de sa fille Cécelle (Marcelle) d'une méningite.
Entre-temps, pour se guérir de sa séparation d'avec P'tit Louis, Edith,
mauvaise mère, fréquente la racaille parisienne, truands et marlous.
A 20 ans, la
voilà seule, orpheline en quelque sorte, au bord de la déprime, de la pauvreté,
de la drogue et de la prostitution.
La lumière... et
l'ombre revenue
Un soir de 1935,
elle fait la connaissance de Louis Leplée, gérant du Gerny's, un établissement
de spectacle très en vogue à l'époque. Séduit par la jeune femme, il l'invite à
chanter quelques titres chez lui, dont Les
mômes de la cloche de Scotto.
C'est aussi
Leplée qui trouve à Edith son surnom de Môme
Piaf, afin d'illustrer la petite taille de la chanteuse.
Son passage au
Gerny's est un succès: Chevalier lui-même, ainsi qu'un certain Jacques Canetti
sont subjugués. Canetti lui fait passer sa première séance radio et lui fait
enregistrer fin 1935 son premier disque.
Mais malgré son
succès naissant, la rue la rattrape. Avril 1936: Leplée est assassiné,
vraisemblablement par les "protecteurs" d'Edith. Celle-ci passe de
mauvais moments avec la police. Les journaux se régalent de ce fait divers.
Le renouveau
Grâce à Raymond
Asso, rencontré quelques temps plus tôt, Piaf sort de la galère. Il lui fait
enregistrer en janvier 1937 le titre Mon
légionnaire. Raymond et Edith deviennent amants. Plus question alors
pour elle de vivre une vie de débauchée. Un seul mot: le travail.
Et le travail
paye. L'ABC accueille la chanteuse sous son nouveau nom de scène: Edith Piaf.
Elle côtoie les Mireille et les Trenet, tourne dans toute l'Europe. La guerre
sépare Raymond et Edith, et celle-ci se jette dans les bras d'un débutant, Paul
Meurisse, puis le quitte pour Michel Emer, qui lui écrit L'accordéoniste et Le disque usé.
Piaf et la vie
culturelle
Devenue une
institution, elle rencontre le tout Paris: Breton, Cocteau (ils mourront le
même jour !), ... Mais la guerre la fait fuir. Jusqu'à la fin 1942, elle tourne
dans la zone libre.
De tournées en
amants, la guerre passe. Puis vient la libération. Piaf n'a jamais cessé de
chanter, de Paris à Berlin. En 1944, elle fait chanter et devient l'amant d'un
certain Yves Montand, alors inconnu.
Puis en 1946, elle écrit l'un de ses titres qui feront le tour du monde: La vie en rose.
Paris New York
Fin 1947, elle
embarque pour New York. Elle y rencontre Marlene Dietrich, et surtout le boxeur
Marcel Cerdan. Ils deviennent amants, les "meilleurs amants du
monde". De Paris à New York, entre un concert d'Edith et un combat de
Marcel, leur amour prend force.
Mais le malheur
rejoint encore Edith, qui perd son amant le 27 octobre 1949, dans un accident
d'avion. Pour lui, elle écrit L'hymne à
l'amour, mais la vie ne sera plus jamais comme avant.
1950. Si elle
retourne à New York, c'est pour y chanter. Elle s'accompagne d'Eddie
Constantine, son nouvel amant, et d'un secrétaire, un certain Charles Aznavour (qui, lui, ne sera
jamais son amant).
La p'tite Lili
De retour à Paris
en 1951, Piaf travaille à imposer une comédie musicale La p'tite Lili, avec Eddie Constantine et Robert Lamoureux. La
pièce a un certain succès. Mais de maladies en accidents, Edith tombe dans la
drogue (la morphine tue la douleur).
Peu à peu, sa vie
s'enfonce dans la déchéance. Côté scène, elle obtient toujours le succès, que
ce soit avec Jézebel (écrit par
Aznavour), ou Je t'ai dans la peau
(de Pills et Bécaud).
Pills, auteur
célèbre outre-Manche, deviendra, entre deux amants et par défi, le mari d'Edith
en l'épousant le 29 juillet 1952. Ils s'installent au boulevard Lannes à Paris,
appartement que la chanteuse gardera jusqu'à sa mort. La complicité du couple
est aussi professionnelle: ils chantent et jouent ensemble (dont Le bel indifférent de Cocteau).
Toxico Piaf
Mais Cerdan a
détruit, par son absence, la vie d'Edith. Elle suit en 1953 une première cure
de désintoxication. S'en suivent des tournées, New York, Mexico, Rio, Paris, et
de longs voyages pour oublier.
Si elle est une
star internationale, sa vie reste une succession d'échecs. Ainsi divorce-t-elle
de Pills en 1956. Comme à son habitude, Edith se plaît à "élever" les
hommes, à les prendre en main et à en faire des stars.
Un certain Jo, Georges Moustaki, n'échappe pas à la règle. Il devient son amant et
débute dans la chanson. Ensemble, ils ont un grave accident de voiture en 1958,
accident qui ne fait qu'empirer l'état de santé de Piaf et sa dépendance aux
produits illicites. Ensemble aussi, ils écriront Milord, un autre grand succès d'Edith.
La chute
Début 1959, alors
qu'elle triomphe une fois de plus à New York, elle s'effondre sur scène. Les
opérations se suivent. Piaf n'est plus qu'une femme en sursis. Elle rentre à
Paris en piteux état, sans Moustaki qui l'a quittée entre-temps.
Malgré son état
de santé, elle triomphe en 1961 à l'Olympia, devant le tout Paris. La fin de sa
vie est difficile. Les hommes de talent se succèdent pour lui écrire des
chansons (Francis Lai, Charles Dumont, etc.) et elle tombe amoureuse d'un
certain Théophanis Lamboukas, dit Théo Sarapo, qu'elle épouse le 9 octobre 1962 à Paris.
Le mariage est bidon (=fictif), l'artiste est finie,
droguée, épuisée, malade. Quelques concerts l'achèveront.
En convalescence
près de Grasse, elle y meurt le 10
octobre 1963, et est ramenée en douce à Paris où sa mort est officialisée
le 11 octobre, le même jour que le
décès de Cocteau, son ami. Elle est enterrée au Père Lachaise devant une foule immense.
Paul Verlaine
Verlaine enfant
Le 30
mars 1844, naissance à Metz de Paul-Marie Verlaine, fils de
Nicolas-Auguste, militaire de carrière, et d' Élisa-Stéphanie Dehée. C'est une
famille bourgeoise aisée. Ils ont recueilli leur nièce Elisa Moncomble en 1836
et elle jouera auprès de Paul à la fois le rôle de grande soeur et de cousine.
Enfant unique longtemps désiré, il est choyé par sa mère et sa cousine qui lui passent tous ses caprices.
En 1849, le père
de Verlaine démissionne de l'armée après de nombreuses mutations ţet la famille s'installe à Paris.
De 1851 à 1861 :
Verlaine fait toutes ses études à Paris, en temps qu'interne à l'institution
Landry, rue Chaptal, puis au lycée Bonaparte (Condorcet aujourd'hui).
De 1862 à 1864 :
Verlaine est bachelier ès lettres à 18 ans. Il s'inscrit en droit mais fréquente surtout les cafés et les poètes.
Il renonce rapidement à ses études pour travailler d'abord dans un cabinet
d'assurances, puis comme expéditionnaire à la mairie du IXème arrondissement.
Il est ensuite expéditionnaire de l'ordonnancement à la préfecture de la Seine.
Avec son ami
Edmond Lepelletier, il fréquente le salon de la marquise de Ricard et rencontre
chez elle les premiers Parnassiens
ainsi qu' Alphonse Lemerre, futur éditeur. Son premier poème publié est Mr Prudhomme
dans la revue de son ami Louis Xavier de Ricard : La Revue du Progrès.
Son père décède
en 1865. Paul vit avec sa mère. Il est amoureux fou, mais sans espoir aucun, de
sa cousine Elisa, mariée depuis 1858.
En 1866, à
vingt-deux ans, Verlaine publie sept poèmes dans le Parnasse Contemporain, puis
sa première plaquette à compte d'auteur chez Lemerre, Poèmes Saturniens.
En 1867, Elisa
meurt à l'âge de trente et un ans. Miné par le chagrin, Verlaine se réfugie
dans l'alcool.
Publication
discrète à Bruxelles par Poulet-Malassis, ami et éditeur de Baudelaire, des
"Amies, Scènes d'amour
sapphique".
En 1868, Verlaine
rencontre Charles de Sivry, musicien au Chat noir, demi-frère de Mathilde Mauté
de Fleurville et membre du groupe des futurs Vilains Bonshommes. Il fréquente
le salon de Nina de Villard (séparée de son mari Hector de Callias).
Le 20 février
1869, ll fait paraître "Fêtes galantes" chez Lemerre, toujours à compte
d'auteur.
Ayant rencontré Mathilde chez Sivry en juin, il lui
fait la cour. La Bonne Chanson est
un témoignage de cette époque.
Il mène une
existence crapuleuse(=ed
dezmăţ) à Arras. Début juillet, en état
d'ivresse, il tente par deux fois de tuer sa mère à quelques jours
d'intervalle. En octobre, il demande officiellement Mathilde en mariage. A
côté, il se lie d'amitié avec Lucien Viotti, ex-condisciple avec lequel il
s'essaye au théâtre (Vaucochard-fils 1er).
En juin 1870, la
Bonne Chanson paraît chez Lemerre.
Le 11 août,
apparemment assagi, il épouse Mathilde, âgée de dix-sept ans à peine.
En septembre, au
début du siège de Paris, il s'engage comme Garde national tout en restant
commis-rédacteur de la Ville.
Durant la
Commune, du 18 mars au 28 mai 1871, Verlaine conserve son poste à l'Hôtel de
Ville puis se réfugie en province avec sa famille. Le 11 juillet, il est
révoqué.
En août il rentre
à Paris et est hébergé par les Mauté, rue Nicolet.
En septembre, il
invite Rimbaud à le rejoindre
à Paris. Celui-ci a seize ans et lui a envoyé ses premiers poèmes de
Charleville. Ils visitent Paris et traînent les cafés ensemble. Ils fréquentent
le cercle des poètes Zutiques qui se
réunit à l'Hôtel des Etrangers, boulevard Saint-Michel, et collaborent à l'Album collectif du groupe. Malgré leur
largeur d'esprit, ces jeunes poètes (parmi eux Mallarmé) sont scandalisés par la violence et l'attitude grossière
de Rimbaud. Verlaine est écartelé entre sa vie de famille et son amour pour Rimbaud. Indécis, il boit
de plus en plus.
En janvier 1872,
victime de violences conjugales, Mathilde s'enfuit avec son fils Georges, né le
30 octobre. Elle se réfugie à Périgueux.
Verlaine vit
jusqu'à la mi-mars à Paris avec Rimbaud, pour qui il écrit "Ariettes oubliées". Puis ayant promis à sa femme de rompre avec Arthur
rentré à Charleville, elle accepte de
reprendre la vie commune.
De retour à Paris en mai, Arthur contacte Verlaine
et arrive à le convaincre de partir avec lui. Tous les deux s'enfuient pour la
Belgique à Bruxelles au mois de juillet 1872 (futurs Paysages belges de
Romances sans paroles). Décidée à ramener son mari à la maison, Mathilde part
les rejoindre avec sa mère le 22 juillet. Toutes les deux parviennent à
entraîner Verlaine jusqu'à la frontière mais il les abandonne brusquement dans
la gare et choisit de rejoindre Rimbaud. Mathilde rentre à Paris et demande la
séparation de corps et de biens.
Le 7 septembre, Verlaine et Rimbaud voyagent
entre Ostende et Douvres, puis gagnent Londres. Sur les conseils de sa mère,
Rimbaud rentre à Charleville en décembre.
Resté seul,
Verlaine déprime et tombe malade. Il est soigné par sa mère en janvier 1873.
Rimbaud vient le rejoindre. Ex-communard, Verlaine est surveillé de loin par la
police et se cache. Il repart à Namur le 4 avril pour essayer de se réconcilier
avec sa femme, mais elle ne veut rien entendre.
Fin mai, Verlaine et Rimbaud sont de retour à
Londres. Le couple vit de l'argent de la mère de Verlaine, et de leçons de
français.
Le 3 juillet,
à la suite d'une violente dispute qui n'est qu'un prétexte, Verlaine quitte
Rimbaud. Il veut essayer une dernière fois de parlementer avec sa femme et
menace de se brûler la cervelle si elle ne vient pas au rendez-vous. Le 5, Mme
Verlaine mère retrouve son fils à Bruxelles. Rimbaud arrive le 8, convoqué par
télégramme. Le 10, ivre et sachant que Rimbaud veut le quitter définitivement,
Verlaine tire sur lui deux coups d'un revolver qu'il a acheté. Rimbaud est
légèrement blessé au poignet gauche. Après avoir reçu des soins à l'hôpital, comme Verlaine semble persister à
vouloir empêcher à tout prix son départ alors qu'ils sont sur le chemin de la
gare, Rimbaud prend peur et fait intervenir un agent de police. Verlaine est
arrêté et subit un examen médico-légal qui conclut à des pratiques
homosexuelles.
Le 8 août, il est
condamné à deux ans de prison ferme à Bruxelles, et 200F d'amende, bien que
Rimbaud ait retiré sa plainte. Après appel, le jugement est confirmé le 27
août. D'abord en prison à Bruxelles, Verlaine est transféré à Mons en octobre
1873.
Le 27 mars 1874 paraissent les Romances sans paroles.
Le 24 avril le
jugement de séparation est rendu et donne à Mathilde la garde de son fils.
Verlaine est condamné à lui verser une pension alimentaire de 1200F par an.
En juin, le poète
se déclare converti au catholicisme et rédige en prison certains des poèmes de Sagesse.
Il sort de prison
le 16 janvier 1875, ayant bénéficié de presque un an de remise de peine pour
bonne conduite. Il se rend avec sa mère à Fampod (Pas-de-Calais) chez son oncle
maternel, puis après une autre tentative de réconciliation avec Mathilde, il part pour Stuttgart rejoindre Rimbaud qui
est précepteur et qui lui fait en deux jours et demi " renier son dieu".
C'est au cours de cette dernière rencontre que Rimbaud lui confie le manuscrit des Illuminations.
Le 20 mars,
Verlaine est à Londres, professeur de grec, latin, français et dessin. Il
rencontre Germain Nouveau, ancien du Cercle Zutique et également ami de
Rimbaud.
Verlaine envoit
des poèmes au 3ème Parnasse contemporain qui les refuse.
En décembre, il
envoie une dernière lettre à Rimbaud, restée elle aussi sans réponse, depuis
qu'il a refusé de le dépanner financièrement. Verlaine continuera cependant à
essayer de rester informé des faits et gestes de son ami en restant en contact
avec leurs amis communs, Ernest Delahaye et Germain Nouveau.
En 1876, il est
professeur en Angleterre : Stickney, Boston, puis Bournemouth. Il passe
régulièrement ses congés en France, chez sa mère.
Fin juin 1877, il
quitte l'Angleterre. En octobre, il est engagé comme professeur à Rethel. Il
enseigne le français, l'anglais, l'histoire et la géographie.
En 1878, toute
l'année Verlaine essaye en vain de fléchir Mathilde par l'intermédiaire de
Sivry avec lequel il travaille à une Opérette, La Tentation de Saint-Antoine.
A Rethel, à la
rentrée suivante, il noue avec un de ses élèves, Lucien Letinois, 18 ans, une
amitié équivoque.
Le 4 septembre
1879, il est renvoyé de Notre-Dame de Rethel et il part aussitôt pour Londres avec Lucien Létinois, qui trouve un
poste de professeur à Stickney, où avait enseigné Verlaine. Lui enseigne à
Lymington, près de Southampton et de l'île de Wight. A Noël, ils se retrouvent
à Londres. A la suite d'une dispute, ils reviennent subitement en France.
En mars 1881,
Verlaine achète une ferme à Juniville pour les parents de Lucien, près de
Rethel, et s'y installe avec eux.
En été, il est à
Arras avec Germain Nouveau.
En automne, il
suit partout Lucien qui fait son service militaire comme artilleur. En
novembre, Sagesse paraît à compte
d'auteur à la Société générale de Librairie catholique. La Revue du Monde
catholique refuse de publier Voyage en
France par un Français.
En janvier 1882,
le domaine de Luniville est revendu à perte et Verlaine retourne à Paris. Il a
trente-huit ans, engage des démarches pour se faire réintégrer dans
l'administration, renoue avec les milieux littéraires, publie en novembre Art poétique dans Paris moderne. Après enquête administrative
qui remonte juqu'à l'affaire de Bruxelles et découvre l'expertise médico-légale
de 1873 qui mentionne son homosexualité, il n'est pas réintégré dans
l'administration.
En avril 1883,
Lucien Létinois meurt, à vingt-trois ans, d'une fièvre typhoïde. Le désespoir
de Verlaine se traduira dans une série de vingt-cinq poèmes à la mémoire de son
"fils adoptif", qui termine Amour.
En juillet, Mme
Verlaine mère achète pour les Létinois une propriété (Malval) à Coulommes, près
de Rethel. Verlaine s'y installe avec elle en septembre et y mène une vie de
débauche et d'ivrognerie.
En mars 1884,
publication chez Vanier du texte en prose Les
Poètes maudits avec un chapitre sur l'Homme aux semelles de vent. Divers
poèmes qui trouveront leur place dans Jadis et Naguère paraissent en revue.
En avril, Mme
Verlaine mère fait la donation à son fils du domaine de Malval.
En janvier 1885,
parution de Jadis et Naguère chez
Vanier.
Le 9 février, le
jugement de divorce entre Mathilde et Verlaine est rendu, aux torts de ce
dernier.
Verlaine manque
d'étrangler sa mère qui se réfugie chez des voisins. Le 8 mars, le domaine de
Malval est revendu. Le 24 mars, Verlaine est condamné par le tribunal de
Vouziers à un an de prison pour coups, blessures et menaces de mort envers sa
mère. Il est libéré le 13 mai sur l'intervention de celle-ci. Il vagabonde
jusqu'en juin, où il s'installe de nouveau à Paris, hôtel du Midi, avec sa
mère.
Il souffre
d'hydarthrose du genou. A l'hôtel du Midi, il fait la connaissance de la
prostituée Marie Gambier, trente ans, la première de ses trois dernières
maîtresses importantes, la "Princesse Roukhine" de Parallèlement.
RAFFAELLO SANZIO
Sulla tomba di
Raffaello, nel Pantheon di Roma, c'è questo epitaffio:
"Qui giace
Raffaello, dal quale la natura temette mentre era vivo di essere vinta; ma ora
che è morto teme di morire".
Sono di Pietro
Bembo, ed è un omaggio alla creatività divina del grande Urbinate.
Ad Urbino il
Venerdi Santo, 6 aprile del 1483,
alle tre di notte vide la luce
Raffaello Sanzio.
Raffaello
iniziava la sua breve avventura terrestre, così intensa e bruciante da essere
considerata leggenda; e il giuoco delle coincidenze sembra preordinare e
favorire circostanze fedeli più che all'uomo al mito.
Il Venerdì Santo 6 aprile del 1520, alle ore tre di notte, Raffaello moriva.
Il Vasari
arriverà a far combaciare persino l'ora dei due avvenimenti, le tre di notte.
Raffaello lavorava alla "Trasfigurazione" quando si ammalò, e la
tavola incompiuta fu collocata a capo del letto funebre, "la quale opera
-è sempre il Vasari a scrivere - nel vederre il corpo morto e quella viva,
faceva scoppiare l'anima di dolore".
Raffaello è stato
talmente l'interprete d'un ideale bellezza classica, canonica, passata poi nel
gusto di interi secoli di civiltà e connaturatasi quindi con il nostro ideale
di bellezza, che non si distingue più, con lui, tra il bello di natura e il
bello artistico. La sua grandezza di artista ha eliminato quel diaframma, e ha
alimentato il mistero, che il Bembo ha poi in quell'epitaffio, toccato non a
caso, il punto essenziale di qualunque discorso su Raffaello, cioè la
concezione dell'arte come imitazione della natura. E quando si parla di
"natura" in relazione all'arte, bisogna intendere qualcosa di diverso
e ben più complesso delle capacità di imitare l'apparenza delle cose. Implica
una allusione all'equilibrio, al senso dell'armonia, alla solennità calma e
serena. Tutte quelle caratteristiche che sono poi state teorizzate come tratti
distintivi delle opere di Raffaello. Tratti distintivi unici. Un'arte tutta
sua.
"Raffaello è
sempre riuscito a fare quello che gli altri vagheggiavano di fare" (W.
Goethe)
Raffaello e
Michelangelo nella pittura, stanno come Mozart e Beethoven nella musica.
Uno gentile,
calmo, sereno, giocoso; l'altro burbero, agitato, inquieto, solenne
Anche Raffaello,
come Mozart, durante gli effetti rumorosi del suo tempo, fu pronto a comporre
lo spazio con i più dolci ritmi.
Raffaello come
Mozart (che morì quasi alla stessa età) godette per nascita di due privilegi:
di un padre con una specifica competenza nell'arte e per suo tramite in breve
tempo un immediato riconoscimento delle sue eccezionali doti artistiche.
Circostanze
favorevoli quella del padre, che stimolarono in ambedue gli artisti una
notevole precocità, soprattutto perchè dotati di una fervida predisposizione
per la propria arte.
Ma l'analogia per
Raffaello non si prolungò nel tempo come nel vispo bimbetto salisburghese
seguito e protetto dalla chioccia materna e paterna. Raffaello già orfano di
madre a 8 anni, a 11 perdeva anche il padre, ritrattista di successo, pittore
di corte, suo primo e forse unico vero maestro. Tuttavia pur in una condizione
meno privilegiata rispetto al grande musicista, Raffaello in pochi anni
completò il suo apprendistato nella bottega del Perugino, e già a 15 anni pur
artista completo, e già affermato a 17 anni come maestro in Umbria, a 20 anni
nonostante la giovane età, si trasferì a Firenze dove così potè conoscere le
opere dei grandi artisti più recenti, come Leonardo e Michelangelo.
(Altrettanto, Mozart quando decise di trasferirsi a Vienna). E a Firenze
Raffaello si accorse "di aver insino allora gettato via il tempo e diventò
quasi di maestro nuovo discepolo e si sforzò con incredibile studio (di fare)
essendo già uomo, in pochi mesi quello che avrebbe avuto bisogno (di fare) in
quella tenera età che meglio apprende ogni cosa, e nello spazio di molti
anni".
E se a Urbino
nella scuola del Perugino, dipingeva come lui, e meglio di lui, a Firenze
l'intento era ora quello di farsi emulo di Michelangelo e di Leonardo, e in
seguito a Roma ancora di Michelangelo, e con gli artisti dei capolavori
dell'antichità che mano a mano proprio lui andava scoprendo in quella città
sepolta da secoli.
Quando giunse a
Firenze nel 1504, aveva subito iniziato ad avere forti legami con l'ambiente
artistico, intellettuale, politico, e pur conservandoli questi legami, nel 1508
lascia la città fiorentina per Roma, dove - salvo brevi ritorni nei luoghi
natali e a Firenze- rimase fino alla morte.
Giunse a Roma
forse in seguito a una convocazione di papa Giulio II, che potrebbe essere
stata suggerita dal Bramante. E sappiamo che già nel marzo del 1509, Raffaello
è già citato come "pittore" del Palazzo Vaticano, ed ha anche la
carica di "Scrittore dei Brevi Apostolici", una occupazione che gli
frutta al di fuori della pittura una sicura rendita per vivere senza problemi
economici.
Papa Giulio II
voleva ristrutturare i Palazzi Vaticani, indi voleva decorare una serie di
stanze nell'ala nord degli stessi. Raffaello non era il solo artista convocato
e presente a Roma, ma quasi subito è lui che ottiene la piena responsabilità di
una di esse, la Stanza della Segnatura. Il successo dell'opera (compiuta nello
stesso momento in cui Michelangelo realizzava la volta della Cappella Sistina)
gli guadagnò il monopolio di tutti i successivi incarichi pittorici in Vaticano.
Anzi alla morte del Bramante, nel 1514, questi incarichi si estesero a
comprendere le imprese architettoniche, inclusa la nuova basilica di San
Pietro, e con la partenza di Michelangelo nel 1516, in questi incarichi
Raffaello non ebbe più alcuna concorrenza.
Così inizia il
documento con il quale Raffaello già nel 1514, è nominato "Architetto di
San Pietro" dal nuovo papa Leone X: " Essendochè tu, oltre alla
pittura, nella quale il mondo sa quanta sia la tua eccellenza, ssi ancora stato
reputato da Bramante architetto tale nell'arte dell'edificare, che egli morendo
giudicò a te potersi giustamente commettere la fabbrica di San Pietro...".
seguito poi nel 1515 dalla un breve pontificio che lo nominava "presidente
di tutti i marmi e di tutte le pietre che si scaveranno in Roma".
La sua attività
quindi spaziò non soltanto nella pittura e nell'architettura, ma essendo molto
profondo il suo interesse per l'antichità, ma anche "preso dalla pietà per
le distruzioni di monumenti causate dal tempo e dagli uomini" scrisse a
Leone X un accorato rapporto sullo stato di abbandono, e ricevuto l'incarico di
occuparsene, da perfetto archeologo fece una completa ricostruzione filologica
dei monumenti di Roma antica; ed ebbe pure la supervisione di una nuova
edizione-traduzione di Vitruvio. Fu lui - dopo aver ricevuto la nomina di
"Presidente delle antichità romane"- a tracciare una pianta di Roma
antica, con allegate le singole relazioni di ogni monumento; impegno e serietà
d'indagine che fanno di lui il fondatore della moderna scienza archeologica, e
nel contempo - definendo certi principi e metodi- fondatore della scienza del
restauro.
Intento alla
ricostruzione ideale di Roma, Celio Calcagnini così allora definiva l'opera di
Raffaello: "Tanti grandi antichi e tanta lunga età occorsero alla
costruzione di Roma; tanti nemici e secoli occorsero a distruggela. Ora
Raffaello cerca e ritrova Roma in Roma: cercare è di un uomo grande, ma
ritrovare è di Dio".
Tutti questi
impegni - coronati da successi- ebbero un'immediata influenza sui
contemporanei; l'impatto provocato da Raffaello sull'arte del Rinascimento fu
notevole tanto esso fu vasto, e in un modo o nell'altro ne risentirono tutti
gli artisti italiani di un certo livello, anche se dopo il '700 si prese in
considerazione solo il pittore dimenticando l'architetto e l'archeologo.
Baldassarre
Castiglione che lo aveva aiutato a compilare il testo descrittivo inserito nel
rapporto inviato a Leone X, quandò morì Raffaello, in un epigramma in onore di
lui, ripetè il concetto del medesimo rapporto: "Mentre tu con mirabile
ingegno ricomponevi Roma tutta dilaniata, e restituivi a vita e all'antico
decoro il cadavere dell'Urbe lacero per ferro, per fuoco e per il tempo,
destasti l'invidia degli Dei; e la morte si sdegnò che tu sapessi rendere
l'anima agli estinti, e che tu rinnovassi, spezzando le leggi del destino,
quanto era stato a poco a poco da morte distrutto".
Quando Raffaello
morì il 6 aprile 1520, dopo quindici giorni di malattia, a 37 anni, oltre che
addolorare il Pontefice, su Roma, nell'universale rimpianto cadde un ombra di
mestizia. Tutti fino allora avevano guardato il "Principe dei
pittori" come a un essere divino, e nella triste ferale notizia vollero
vedere i segni del cielo "quali si mostrarono per la morte di Cristo";
alcuni videro perfino la minaccia di rovina del palazzo papale.
Raffaello lasciò
numerosi discepoli, tutti tentarono invano di riflettere la serenità dell'arte
del Maestro. Ma gli effetti - spesso rumorosi- non mostrarono di avere
ereditato il senso musicale del Maestro, pronto a comporre lo spazio con i più
dolci ritmi. Anche perchè i tempi in quel periodo si facevano torbidi, e
stavano iniziando in Italia secoli di servitù nei confronti degli stranieri;
l'Italia stava cominciando a soffrire le dure tormente, che gli umiliarono la
terra e gli avi. Stava iniziando quel secolo che verrà sconvolto dai grandi
avvenimenti religiosi e politici.
L'arte, l'opera,
il messaggio di Raffaello, in quelle bufere, in quelle miserie, in quel degrado
italico, rimasero e sono rimasti indenni. Avevamo avuto Dante, ma non sempre la
sua parola poteva oltrepassare i confini italici, nè tantomeno poteva essere
compreso il suo linguaggio dagli invasori della penisola. Non così quello
figurato che aveva lasciato invece Raffaello, chiaro, limpido, semplice, dove
non occorre nessuna comprensione linguistica, ma essendo semplicemente
"grandioso" bastano anche dei distratti occhi per rendere ricco e
felice anche l'ultimo degli ignoranti o per far sentire piccolo e povero -
oltre che umiliato - il più ricco e istruito uomo della terra..
Raffaello oltre
che essere immortale rimarrà universale fino all'ultimo giorno dell'ultimo
essere umano su questo pianeta. Un pianeta che ogni mille anni partorisce una
stella, un genio, o lancia nell'Universo una meteora come Raffaello
LA CHANSON DE
ROLAND
Manuscrits :
Oxford (O) (visualiser une reproduction), Saint-Marc, Collection de G. B. Recanati (V4),
Saint-Marc, Collection de G. B. Recanati (V7), Châteauroux (C), Paris (P),
Bibliothèque de Lyon (L), Trinity College (T), Karlamagnussaga (K),
Ruolandesliet (R).
Vers : 4002 décasyllabes.
Laisses : 291.
Date de
composition : 1098.
Auteur : Turold (?)
Langue : Dialecte Anglo-normand (de fapt franceza veche - I.G.) dans le manuscrit.
Cette chanson
appartient au Cycle du Roi.
Conservée sous sa
forme la plus ancienne dans un manuscrit copié
entre 1125 et 1150 (manuscrit dit d'Oxford), La Chanson de Roland pose une
série d’énigmes qui ont longuement nourri les débats critiques. Par quelles voies un événement historique,
le désastre subi par l’arrière-garde de l’armée de Charlemagne à Roncevaux, le 15
août 778, s’est-il transmis jusqu’à la fin du XIe siècle ? Pourquoi
est-ce à ce moment-là que le souvenir en a été comme réactivé ? Comment expliquer
d’autre part la perfection formelle de ce premier témoin conservé de l’art
épique ? À partir de quels modèles médio-latins et romans s’est forgée une
technique épique aussi aboutie ?
Roland commence
au moment où « Carles li reis nostre emperere magne » (« Le roi Charles, notre
grand empereur », v. 1) vient de dévaster l’Espagne sarrasine et où ne résiste
plus que Saragosse, que tient le païen Marsile. La ruse mise au point par les
Sarrasins avec la complicité du traître Ganelon, conduit à une attaque surprise
de l’arrière-garde chrétienne commandée par Roland, le neveu de Charlemagne. Au
cours des âpres combats qui s’engagent, Roland refuse d’abord de sonner du cor
pour rappeler Charlemagne, comme le lui demande son compagnon Olivier. Mais,
trop peu nombreux, les combattants chrétiens sont peu à peu massacrés. Roland
sonne enfin du cor, se rompt une veine et meurt en odeur de sainteté tout en
restant maître du champ de bataille :
Li quens Rollant
se jut desuz un pin ;
Envers Espaigne
en ad turnet son vis.
De plusurs choses
a remembrer li prist :
De tantes teres
cum li bers cunuqist,
De dulce France,
des humes de son lign,
De Carlemagne,
sun seignor, kil nurrit. (vers 2375 à 2380)
Revenu à
Roncevaux, Charlemagne met en fuite Marsile et son armée, puis triomphe en un
terrible combat de l’émir Baligant, venu au secours de Marsile. De retour à
Aix-la-Chapelle, l’empereur fait juger et supplicier Ganelon. Saint Gabriel
vient alors lui annoncer les lourdes tâches qui l’attendent encore.
Commémorer les exploits
des guerriers, leur « geste », passe dans le Roland par le choix d’une forme,
la laisse, suite de décasyllabes en nombre variable unis par une même
assonance. Chanson de dimension moyenne, le poème comprend 4002 vers, répartis
en 291 laisses. Forme souple, cellule autonome, la laisse permet tout à la fois
d’isoler les éléments de l’action et de leur donner l’ampleur ou la brièveté désirées. Mais la chanson propose aussi les
procédés qui permettent de lier les laisses entre elles et de jouer de l’alternance
entre discontinu et continu : les laisses « enchaînées » assurent la continuité
du récit ; les laisses « parallèles » permettent, pour les combats notamment,
d’élargir le champ de vision ; les laisses « similaires », en introduisant dans
le récit de « grandes haltes lyriques » (Jean Rychner), tendent à dilater le
temps en des moments essentiels, comme la longue agonie du héros. C’est
également dans le Roland que se fixe pour l’essentiel le répertoire de formules
(les « clichés épiques ») et de motifs narratifs que se transmettront ensuite
les chanteurs de geste. Comme le vers 1, la laisse 8 du Roland propose au
lecteur-auditeur un univers épique préexistant à la chanson, où sont
parfaitement circonscrits le bien et le mal, le droit et le tort, comme
l’énonce plus loin le vers 1015 : « Les païens sont dans leur tort, les
chrétiens dans leur droit. » La laisse rappelle les victoires des chrétiens en
Espagne, le riche butin conquis, les conversions des vaincus, obtenues de gré
ou de force. L’empereur qui,
"Blanche ad la barbe e tut fleurit le chef" (v. 117) siège en majesté dans le verger royal. Auprès
de lui se tiennent Roland et Olivier et « quinze milliers » de guerriers
francs. Est ainsi évoquée une société puissante, sûre de ses valeurs, où chacun
tient sa place : les guerriers se reposent, les vieux chevaliers jouent aux
échecs, les très jeunes s’exercent au maniement des armes. La perfidie des
païens et la trahison de Ganelon brouillent un moment cette harmonie. Mais l’un
des enjeux majeurs de La Chanson de Roland est de montrer comment les valeurs
véhiculées par le monde chrétien et incarnées par Charlemagne et ses guerriers
peuvent et doivent finalement s’imposer, quels que soient les sacrifices à
consentir. Roland meurt, mais sa mort permet à l’empereur, dans un combat
décisif, de triompher de Baligant, chef suprême des païens. On ne saura sans
doute jamais comment s’est transmis le souvenir
bien déformé du désastre de Roncevaux ni comment les chanteurs de geste,
et déjà l’énigmatique Turoldus, qui inscrit son nom au dernier vers de la
Chanson, ont pu connaître ce passé revisité par la légende. On peut plus
sûrement estimer qu’évoquer les luttes de Charlemagne contre les Sarrasins
d’Espagne rejoignait les préoccupations les plus actuelles d’une époque, la fin
du XIe siècle, alors que s’amorce la reconquête de l’Espagne sur les Maures et
que la première croisade vient d’aboutir à la conquête de Jérusalem. Quelle
meilleure leçon d’héroïsme proposer aux chevaliers de ce temps que les exploits
et le dévouement sans faille à Dieu, à leur roi, à « douce France », de Roland,
d’Olivier, de l’archevêque Turpin et de leurs compagnons ?
Remarques sur le texte...
La scène de la
mort de Aude "est belle en elle-même mais elle a surtout pour but de
grandir le personnage de Roland en montrant la qualité du sentiment qu'il a
suscité chez sa fiancée." (p. 357 de Micheline de Combarieu).
Quelques
images...
La postérité de l'oeuvre...
En 1516,
L'Arioste composa les 46 chants du Roland furieux où il combina trois intrigues
distinctes. Il emprunta ses personnages à la chanson de geste mais il les fit
évoluer dans un univers médiéval ostensiblement imaginaire.
Victor Hugo, dans
La légende des siècles, nous livre "Le mariage de Roland", un long
poème de 145 alexandrins que vous pouvez lire ici.
Il existe une
version cinématographique de La Chanson de Roland (1977). Durée : 1h 40mn. Avec
Pierre Clémenti, Klaus Kinski, Dominique Sanda, Alain Cuny. Réalisé par Frank
Cassenti. Synopsis : Au XIIe siecle, une troupe de comédiens en marche vers
Saint-Jacques-de-Compostelle chante les exploits des héros de la guerre sainte.
Récemment (en
2002), La Chanson de Roland a été adaptée à la scène sous le titre HRUODLAND ( =numele lui Roland in dialect normand ) par le groupe Manoar.
BACCHUS
Bacchus (Dionysos chez les Grecs) est le dieu du
vin, de la vigne, de la végétation, de la danse ainsi que des plaisirs de la
vie. Il est parfois nommé Liber parce que le dieu du vin délivre l'esprit de
tout souci.
Il est le fils de
Sémélé et de Jupiter, c'est donc un demi-dieu. Sémélé mourut avant la naissance
de Bacchus; elle voulut voir Jupiter dans toute sa splendeur, mais incapable de supporter l'éclat divin , elle tomba foudroyée. Aussitôt, Jupiter s'empressa
de coudre l'enfant dans sa cuisse jusqu'à sa naissance ( d'où
son nom Dionysos: deux fois né ).
Junon voulait la mort de Bacchus, fruit
des amours adultères de son mari.
Celui-ci (Bacchus) eut donc une enfance tourmentée et dut se cacher et se
changer tantôt en bouc, tantôt en jeune fille. Il grandit parmi les nymphes qui lui enseignèrent la culture
du vin. Une fois adulte, Bacchus porta avec lui la vigne qu'il planta et fut adoré comme le dieu du vin. Junon finit par le frapper de folie;
ainsi ce demi-dieu très beau et jeune
éternellement erra dans une grande partie du monde. Il était accompagné de Silène, son vieux père nourricier, et des Bacchantes. Ensemble, ils célébraient les Bacchanales (sortes d'orgies) par des chants et des danses frénétiques.
Plus tard,
Bacchus entreprit de descendre aux Enfers pour ramener sa mère et lui rendre la
vie. Il monta avec elle dans l'Olympe pour y être reçu de plein droit et
devenir un des douze dieux.
Ov., M., III,
283-312
Sémélé, corrompue
par Junon, demanda à son amant
Jupiter de lui dévoiler sa puissance. Ainsi se produit la première naissance de
Bacchus:
«Au reste, il ne
suffit pas qu'il soit Jupiter; il faut encore qu'il te donne un gage de son
amour; si c'est véritablement lui, exige que la grandeur et la gloire dont il
est environné, quand la hautaine Junon le reçoit sur son sein, se manifeste
aussi quand il te presse dans ses bras; qu'il commence par revêtir l'appareil
de sa puissance.» Par de tels propos Junon avait façonné l'
âme naïve de la fille de Cadmus; celle-ci demande une grâce à Jupiter
sans la désigner. [...] Le corps d'une mortelle ne put supporter le fracas qui
ébranlait les airs; elle fut consumée par les présents de son époux. L'enfant
imparfait est arraché du sein de sa mère et, tout frêle encore, cousu ( s'il est permis de le croire) dans la cuisse de son père,
où il achève le temps qu'il devait passer dans les flancs maternels.