Gran compositor inglés y famoso intérprete del laúd. Padre de Robert Dowland. Probablemente nació en Londres en 1563, muere en esta misma ciudad el 20 de febrero de 1626 (fecha cuando fue enterrado). En 1580 se traslada a París al servicio de Sir Henry Cobbam. John Dowland es el más representativo compositor para laúd de la escuela inglesa. Dowland tiene importancia ya que realizó originales y nuevos usos cromáticos, el trataba las partes del acompañamiento como separadas de la parte de la melodía, obteniendo efectos armónicos relativamente avanzados para su tiempo.

Compositor y guitarrista nacido en Calandra (Teruel) Aragón, España el 4 de abril de 1640 y murió en Madrid en 1710. Sanz obtuvo un grado en teología en la renombrada Universidad de Salamanca y posteriormente viajó a Italia donde estudió guitarra con Lelio Colista. Sanz además estudió órgano y teoría de la música con Christoval Carisani, quien logró gran éxito como organista de la Capilla Real de Napoles. En Italia Sanz empezó a familiarizarse con las obras de los más renombrados guitarristas italianos. En su primera publicación (1674) él menciona a Francesco Corbetta, Foscarini (L’Academico Caliginoso), Pellegrini y Granata como compositores y profesores de guitarra.

A su retorno a España, Gaspar Sanz publica el mismo sus tres libros de música para guitarra. El primer libro lleva el título "Instrucción de la música sobre la guitarra española" que en la página 18 lleva la siguiente inscripción: "tomo I sexta die Decembris anno 1674. . . .Gaspar Sanz, Invenit." El segundo libro "Libro segundo de cifras sobre la guitarra española", (Caragosa 1675). El tercer libro "Libro tercero de música de cifras sobre la guitarra española", fue incorporado al primero y segundo, y fueron publicados los tres libros con el título de primer libro en 1697. Estos libros tienen varias instrucciones sobre como improvisar y ejecutar la música de guitarra usando dos métodos: el tañer de rasgueado (método italiano) y el tañer de punteado (método español). Sanz creía que el primer método se adaptaba mejor con las danzas musicales.

Los acordes de rasgueado los escribía con el Alfabeto, a manera de la notación italiana. Pero la mayor parte de sus composiciones estaban escritas en tabulatura donde las líneas representan las cuerdas de la guitarra y los números el traste donde la cuerda debe ser pisada. La música de Sanz es de gran calidad y constituye una rica contribución a la literatura de la guitarra. Es el personaje central de la guitarra barroca española del siglo XVII, y la influencia de su música se percibe hasta el siglo XVIII, ya que todavía es mencionada en numerosos tratados como modelo.

Tañedor de laúd y gran compositor. Hijo de Johann Jacob Weiss. El apelativo Weiss corresponde a una gran familia de músicos alemanes. Silvius Leopold Weiss nació en Breslan, el 12 de octubre de 1686 y muere en Dresden, un 16 de octubre de 1750. Weiss fue uno de los más grandes tañedores y compositores de laúd en todos los tiempos. El número de obras que compuso alcanza los 600, la mayor colección de composiciones para solo laúd en toda la historia. Weiss visitó a J. S. Bach en Leipzig en 1739.

Compositor y guitarrista italiano; nació en Nápoles el 20 de febrero de 1770 y murió en París el 17 de febrero de 1841. Viaja a París en 1808 y prospera ahí como profesor de guitarra. Se le atribuye ser el primer guitarrista que utilizó este instrumento para ejecuciones artísticas. Publicó su método para guitarra, L´Harmonie appliquée â la guitarre (París, 1825). Su obra incluye cerca de 400 composiciones, entre ellas conciertos, cuartetos, tríos, dúos, fantasías, variaciones, y solos de toda índole musical. En 1830 Carulli compuso una pieza musical descriptiva para guitarra titulada Les Trois Jours, que describe los días de la revolución de Julio de 1830.

Nace en Barcelona el 14 de febrero de 1778, aquél que se tornaría en una de las más prominentes figuras de todos los tiempos, de la literatura de la guitarra. Su obra se extendió a varios géneros de la música erudita. Sin embargo, Sor es reconocido por los aportes a la música de guitarra. Después de todo, él dedicó mucha energía y su gran talento musical a este noble instrumento.

A los 12 años fue internado en el célebre Monasterio de Montserrat. A la edad de 17 años compuso su primera ópera titulada Telémaco en la isla de Calipso, estrenada con éxito en el Teatro de Santa Cruz, Barcelona. Habiéndose coronado de triunfo se traslada a Madrid. Aquí escribe sinfonías y cuartetos, alcanza éxitos como operista y también como guitarrista. Más tarde, se alista para la guerra con el grado de capitán en los ejércitos de Napoleón Bonaparte. Posteriormente reside en Londres, Rusia y París donde su fama es consagrada y adquiere reconocimiento en todo Europa por sus grandes composiciones como guitarrista. En Moscú logró poner en escena su célebre ballet Cendrillon, obteniendo un gran éxito. En el Teatro de la Opera de París, fue representado durante más de seis meses consecutivos. En 1828 vuelve a París, de 50 años de edad. Pasa el resto de su vida dedicándose a la composición. Sus últimos días son tristes y muere de cáncer un 10 de julio de 1839 a los 61 años de edad.

Sor inició su carrera musical en Barcelona como compositor de óperas y ballets; sin embargo sobresalió mucho más como compositor guitarrístico que como autor escénico. En su época, causó viva sensación en el mundo musical y guitarrístico; si bien como concertista elevó con su habilidad el instrumento, logrando éxitos y rodeándose de admiradores, como compositor nos ha legado una obra que figura al lado de aquella de los grandes maestros de la música. Como todos los compositores de su época, Sor sintió la influencia de Mozart, a pesar de lo cual, su obra encierra gran personalidad. En la literatura guitarrística, él representa esa época de oro que se llamó clasicismo y también en muchas de sus páginas, por sus sentimientos, se observa ese romanticismo que acompaña la transición de una época.

Su obra consta de 60 Opus para guitarra sola, entre los cuales están 14 obras con el titulo de Fantasías, Solo Sonatas, variaciones, danzas, y varios otros tipos de música para guitarra. Son relevantes sus series de estudios para guitarra contenidos en los Opus 6, 29, 31, 35 y 60. Sus últimas obras son para dúos de guitarra, como el Opus 62 Divertissement y el Opus 63 Souvenir de Rusia. Sor también compuso una serie de piezas para guitarra y voz o acompañamiento de piano, denominadas Seguidillas.

Este eminente artista nació el 27 de julio de 1781 en Bisceglie, un pequeño pueblo en Apulia, situado en la costa Adriática, como a 35 Km al noroeste de Bari. Empezó sus estudios musicales con el violonchelo. Cuando aprendió la guitarra, adquirió rápidamente una sorprendente virtuosidad en el instrumento. Viendo que no tenía grandes esperanzas como guitarrista virtuoso en su país, emigró a Vienna en 1807, donde había relativamente una comunidad mayor de guitarristas. Giuliani se hizo conocer rápidamente y no le fue difícil publicar sus composiciones. Era un ejecutante siempre requerido y ocupado; él tocó la parte de violonchelo en el estreno de la Séptima Sinfonía de Beethoven en 1813; también tocó con otros músicos notables como Hummel, Salieri y Meyerbeer. También tocó una serie de seis conciertos con Moscheles y el violinista Josef Mayseder.

Giuliani dejó Vienna en 1819 para retornar a Italia. Pasó unos años en Roma, donde conoció a Rossini; y se estableció finalmente en Nápoles, donde murió en mayo de 1829. Su obra comprende más de 150 piezas para guitarra. La mayoría de ellas fue editada y publicada en Vienna, Leipzig y París. Las composiciones de Giuliani requieren casi siempre un cierto grado de virtuosismo. Compuso también piezas para guitarra y otros instrumentos como violín, violonchelo, flauta y tres conciertos para guitarra y orquesta; en su tiempo, se creía que la guitarra era un instrumento de sonoridad deficiente para tomar parte de una orquesta.

Guitarrista y compositor español. Nació en Madrid el 8 de abril de 1784, y muere en la misma ciudad el 29 de Diciembre de 1849. En 1825 se traslada a París, donde atrae la atención de Rossini y Paganini debido a su excepcional virtuosidad. Retorna a Madrid en 1838, y se dedica a la enseñanza de la guitarra. Entre su producción se encuentra Estudio para la Guitarra (Madrid, 1820), su difundida obra entre las mejores de este género Escuela o Método de Guitarra (Madrid, 1825); también compuso 45 waltzes, 6 minuets, y otras composiciones para guitarra de menor magnitud.

Luigi Legnani fue uno de los más connotados virtuosos de la guitarra durante el siglo XIX. Nació el 7 de noviembre de 1790 en Ferrera, Italia. Cuando tenía 8 años su familia se traslada a Ravenna; aquí empieza a estudiar canto y guitarra. A la edad de 17 años hace su debut en el teatro de Ravenna cantando arias de las óperas de Donizetti y Rossini. Al mismo tiempo ya cultivaba su profundo interés por la guitarra, y el año 1819 publica su primera composición en Milán. Legnani reside en esta ciudad hasta octubre de 1822; y a partir de esta fecha empieza sus viajes por Europa como concertista de guitarra. Legnani frecuente cantaba acompañándose con la guitarra en sus recitales. Viaja a Austria, Alemania, Suiza, Rusia, Francia, posteriormente a Italia, el año 1835, quedándose en Genova. En esta ciudad tiene la oportunidad de conocer a Paganini con quien toca algunos duetos en un concierto en el teatro de Corignono de Turín el año 1837, aunque esta actividad no esté totalmente documentada, existen sólo algunos anuncios de este concierto. El año 1838 viaja a Viena, luego a Munich para tocar en conciertos. En 1842 toca en Madrid y Barcelona. A partir del año 1850 vuelve a radicar en Ravenna donde se dedica a fabricar guitarras. Trabaja con el luthier Stauffer con quien planea su propio modelo de guitarra. En Ravenna él fabricó violines y guitarras de buena calidad, algunas de las cuales todavía existen. Legnani fue un compositor muy prolijo, su obra alcanza las 250 composiciones, y todas ellas requieren buena técnica de virtuoso. Entre sus obras se encuentra un método, el cual no tiene valor didáctico.

Renombrado compositor y guitarrista del siglo XIX. Nace en Florencia, Italia, en 1792. Sus primeros pasos musicales los da estudiando el piano, pero aún joven aprende la guitarra y adquiere una técnica admirable en pocos años. Viaja a Alemania en 1810 donde recibe los primeros aplausos de la crítica; ahí conoce a Antoine Meissonnier, con quien entabla una amistad de varios años. Posteriormente, en 1820, se mueve a París, donde reside por el resto de su vida. En 1825 toca en el Teatro de la Opera de París y en 1828 a dúo con el cantante Stochausen. La fama de Carcassi se compara con la de Carulli en la capital francesa, pero Carcassi se distingue por tener una diferente posición de la guitarra, pulsa las cuerdas con las uñas y con un gusto musical más melódico. Posteriormente se dedica a componer y a la enseñanza de guitarra y piano. Por el año 1840 Carcassi abandona las salas de concierto y muere el 16 de enero de 1853 en París. El compositor italiano nos legó cerco de 100 obras para guitarra de un gran sentimiento romántico, pero sobre todo demandantes en técnica. Sobresalen su Op. 59, titulado Método para Guitarra, uno de los trabajos didácticos más relevantes del siglo XVIII, como también sus Estudios Op. 60 de gran valor pedagógico

Nace en Bologna un 6 de julio de 1800 (según algunos autores en 1801). De una familia distinguida Zani de Ferranti a muy temprana edad demostró gustar de la literatura y poesía. A los once años empieza a estudiar el violín y en cuatro años adquirió dominio y gran agilidad en el instrumento. Posteriormente decide estudiar la guitarra bajo la tutela de Gherli. Progresa rápidamente y hace su debut como concertista. En 1820 viaja a París. El círculo musical de esta ciudad critica su técnica y probablemente por esta razón prontamente viaja a San Petersburgo; allí trabaja como bibliotecario para el senador Miatlev. En los cuatro años de su estadía en Rusia trabaja para mejorar su técnica en el instrumento. En los próximos 10 años viaja por toda Europa dando conciertos en París, Londres, Bruselas y viajando por Holanda, Francia, Inglaterra, América e Italia donde conoce a Paganini. En 1834 el Rey Leopoldo de Bélgica lo nombra su guitarrista de honor. Dio conciertos en dúo con el violinista Camilo Sivori. En 1846 radica definitivamente en Bruselas como profesor de italiano en el Concervatorio Real de Música. En los años posteriores deja de tocar la guitarra y se mueve a Pisa donde fallece el 19 de noviembre de 1878. Su obra contempla 30 obras para guitarra de carácter virtuoso-romántico, entre las cuales se encuentran fantasías, nocturnos y 2 polaccas para 3 guitarras. También realizó trabajos literarios como estudios sobre la poesía de Dante en la Divina Comedia.

Giulio Regondi fue una de las principales figuras en la historia de la guitarra durante el periodo romántico. Nace probablemente en Génova el año 1822 (según otros el año 1824). Su padre Giuseppe era de Milán y su madre de origen alemán. Su padre le enseña los principios de la música y guitarra cuando Regondi era aún un niño. Hace su debut como niño prodigio en Lyons a la edad de 8 años; su familia se mueve a esta ciudad antes de ir a París en abril de 1830. En esta ciudad Regondi es aclamado y no le es difícil alcanzar la fama, y es invitado a presentarse en las grandes salas de conciertos. En mayo de 1831 se traslada a Londres, época donde ya era reconocido como un concertista virtuoso, apoyado por las buenas críticas a su favor en las revistas de aquellos tiempos. En 1835 Regondi presenta cierto interés por un nuevo instrumento de viento inventado por Wheatstone, la concertina, y prontamente se convirtió también en un gran intérprete de este instrumento. Los años siguientes se presenta en los conciertos ya sea tocando la guitarra o la concertina. Los años 1840 a 1841 realiza una gira de conciertos por toda Europa con el chelista Joseph Ledel. En Leipzig toca en un concierto de beneficiencia para la orquesta de la ciudad organizado por Clara Schumman. Después de su regreso a Londres, Regondi realiza algunos conciertos más en otras ciudades por algún tiempo; a partir de 1850 deja la guitarra para tocar la concertina, probablemente hasta el año 1860, donde se retira a una vida más privada. Muere en Londres el 6 de mayo de 1872. Como músico dedicado a la ejecución de la guitarra y a dar conciertos, Regondi nos legó sólo 5 obras para guitarra de un gran valor instrumental y artístico. Fernando Sor dedicó a Regondi su Fantasía Op. 46, "Sourvenir d'amitié".

Julián Arcas nace en Almenia, España, el 25 de octubre de 1832 y muere en Antequera, Málaga, el 16 de febrero de 1882. Fue un distinguido guitarrista y compositor de danzas y aires nacionales, arreglos de música dramática y su nombre es mencionado en muchos libros de historia de compositores españoles. Su fama llega a la cumbre entre los años 1860-1870 cuando toca para las familias reales de España e Inglaterra. Entabló una estrecha relación con el connotado fabricante de guitarras Antonio Torres, a quien sugirió hiciera cambios en la tapa armónica de la guitarra. Estas sugerencias junto a las realizadas por Tárrega jugaron un rol muy importante para el desarrollo de la construcción de guitarras en el siglo XX.

Compositor y guitarrista austriaco. Este notable guitarrista nació en Pressburg el 17 de agosto de 1806 y muere en Viena el 14 de diciembre de 1856. El año 1840 se traslada a Viena. En esta ciudad y en Alemania hace una gira de conciertos tocando con una guitarra de 10 cuerdas. Sus composiciones para guitarra adquirieron prontamente popularidad; su música es de género romántico. Su Concertino recibió el primer premio en una Competencia Internacional de Bruselas en 1856. El estaba casado con la pianista Josepline Plantin.

Este excepcional guitarrista y compositor español nació en Villareal, Castellón el 12 de noviembre de 1852, y murió en Barcelona el 15 de diciembre de 1909. Tárrega tiene gran importancia en la historia y evolución de la guitarra tal como la conocemos hoy en día. Reformuló la escuela guitarrística. Estudió primeramente con Sergio Molina. También tuvo como a su profesor a Julián Arcas. Él vivía y tuvo que competir en una época de alto romanticismo (Operas de Wagner, las óperas italianas, y con grandes pianistas como Schumann, Chopin o violinistas como Paganini). Estas obras eran de gran sonoridad en contraste con la escasa sonoridad de su instrumento. Fue a estudiar al Conservatorio de Madrid, donde debe estudiar el piano ya que la guitarra se considera un instrumento de segundo plano. Aquí conoce a Albéniz y Granados. En su búsqueda por una guitarra con mejor sonoridad trabaja con el lutier Antonio Torres. Comienza un trabajo mecánico de pulsación observando otros instrumentos y sus mecanismos, como el piano. Tárrega es importante además de sus innovaciones en la técnica de la guitarra, por sus transcripciones de piezas de compositores como Mendelssohn, Beethoven, Chopin y otros expandiendo el repertorio disponible para el instrumento. Realizó como 120 transcripciones para guitarra sola y 21 para dúos de guitarra, además que sus propias composiciones alcanzan un número de 78. Su remarcable carrera como interprete es trágicamente interrumpida debido a una parálisis en su mano derecha en 1906.

Virtuoso guitarrista catalán. Nació en Barcelona el 18 de octubre de 1875 y muere en la misma ciudad el 22 de febrero de 1938. Empezó su carrera como pintor, pero después estudió música con Magin Alegre y Tárrega. Decide estudiar la guitarra a los 11 años cuando escucha en concierto a Antonio Jiménez Manjon. Vivió en París los años 1900-1914. Expandió la escuela de Tárrega por América del Sur. Viajó por Argentina (1910), Chile (1912) y E.E.U.U. (1915-1917). Compuso las canciones catalanas. Transcribió obras para dos guitarras. Grabó discos en dúo con la guitarrista María Luisa Anido. Fue el primer guitarrista en motivar a grandes compositores a componer para guitarra. Manuel de Falla fue el primero (Homenaje a Tombeau de Debussy). Esta composición la dedicó al mismo Llobet y fue compuesta después de la muerte de Debussy para conmemorar su muerte.

Agustín Barrios, nació el 5 de mayo de 1885 en el pequeño pueblo de San Juan Bautista de las Misiones, Paraguay. Miembro de una numerosa familia de 8 niños donde cada miembro de la familia tocaba por lo menos un instrumento. Recibió su educación primaria en un colegio Jesuita donde utilizaba su guitarra para el estudio de armonía. A la edad de 13 años fue descubierto por quien fue su primer profesor formal, Gustavo Sosa Escalada, un dedicado guitarrista y profesor del instrumento, quien estudio con Juan Alais. Sosa inicia al pequeño Agustín con los métodos de Sor y Aguado, y empieza a tocar piezas de Tárrega, Viñas, Arcas y Pargá. Este mismo año es reconocido como niño prodigio y recibe una beca al Colegio Nacional en Asunción, donde además de música, se destaca en matemáticas, periodismo y literatura. Barrios también estudia caligrafía y era un talentoso artista gráfico.

Barrios amaba la cultura, una vez dijo "Una persona no puede ser un guitarrista sin haberse bañado en la fuente de la cultura". Además de español, hablaba Guaraní, la lengua nativa de Paraguay. Entendía Francés, Inglés y Alemán, además que le interesaba la filosofía, poesía y teología. Musicalmente, era un gran improvisador, según varias historias se dice que muchas piezas las improvisaba de manera completamente espontánea, muchas veces en concierto. Su inusual creatividad le permitió componer más de 300 piezas para guitarra. Lamentablemente muchos de los manuscritos se han perdido. En su música podemos apreciar una gran creatividad e inspiración combinada con un gran conocimiento técnico de la capacidad armónica de la guitarra. Su conocimiento de la ciencia armónica permitió a Barrios de componer en varios estilos: barroco, clásico, romántico y descriptivo. La música de Barrios se caracteriza por ser de carácter folklórico, imitativo y religioso. Él compuso preludios, estudios, valses, mazurcas, tarantelas, romanzas, etc. y muchas piezas onomatopéyicas que describen objetos temas histórico culturales. Barrios también interpretaba gran cantidad de música popular, y una gran cantidad de sus composiciones se basan en cantos y danzas de toda América Latina como: cueca, chôro, estilo, maxixa, milonga, pericón, tango, zamba y zapateado.

Además de Paraguay, Barrios vivió en Argentina, Uruguay, Brasil, Venezuela, Costa Rica, y El Salvador. También dio conciertos continuamente en Chile, Méjico, Guatemala, Honduras, Panamá, Colombia, Cuba, Haití, República Dominicana y Trinidad. Barrios dio conciertos incesantemente desde 1906 hasta su muerte. En los años 1934-1936 viajó a Europa, tocando en Bélgica, Alemania, España y Inglaterra. Fue en un concierto en Bruselas que incluyó la primera trascripción y ejecución pública de la Suite para Laúd Nº 1 de Bach. El evento recibió muchas críticas.

En 1932 empezó a llamarse "Nitsuga Mangoré", el Paginini de la guitarra de las selvas del Paraguay. Nitsuga (Agustín escrito al revés) y Mangoré (Un legendario jefe Guaraní que peleó ante la conquista española). Barrios fue el primer guitarrista en grabar música para guitarra de forma comercial en discos de 78 r.p.m. Muchas de sus obras sólo sobreviven en estas grabaciones que datan de años anteriores a 1910 y otros cuantos entre 1912 y mediados de 1920. Barrios muere muy pobre un 7 de agosto de 1944 en Salvador.

Entre sus obras más importantes en orden cronológico: Souvenir d’un Reve (Un Sueño en la Floresta) (1918), Romanza en imitación al violonchelo (Pagina d’Album) (1919), Mazurca Apassionata (1919), La Catedral (1921), Preludio en Sol (1921), Valses Op. 8 (1923), Danza Paraguaya (1924), Choro de Saudade (1929), Julia Florida (1938), Una Limosna por Amor a Dios (1944).

Heitor Villa-Lobos (1887-1959), fue la más sobresaliente figura en la música brasileña, el más prolífico de los compositores de todos los tiempos, y su prodigiosa obra incluye varias composiciones de importancia para guitarra. Efectivamente, su primera composición fue una Mazurca en Re+ para guitarra, escrita a la edad de 12 años, continuó escribiendo para el instrumento durante toda su vida. Vale destacar que de una serie de composiciones denominadas Chôros, el primero sea para guitarra, mientras que las subsecuentes composiciones van desde dúos de vientos hasta grandes orquestas con coros. Para 1920 cuando compuso el Chôro Nº 1, Villa-Lobos ya compuso dos Suites importantes y media docena de piezas independientes para guitarra, en 1929 comienza a componer su serie de 12 estudios donde resume la técnica de su tiempo, y en 1940 añade una colección de 6 Preludios, de los cuales solo subsisten 5. Parece haber incertidumbre sobre cuando terminó sus estudios, que fueron publicados recién en 1953. Los Estudios están dedicados a Andrés Segovia. Los frutos del talento de Villa-Lobos han legado un precioso regalo a la historia de la guitarra tan grande como Scarlatti legó al clavicordio y Chopin al piano. No es de impresionar que estos Estudios sean una expresión de la guitarra, ya que la guitarra fue el primer instrumento entre tantos que aprendió Villa-Lobos a la edad de 6 años, no solamente familiarizándose con su uso en la música popular brasileña, sino que realizó arduos estudios de los métodos de aquellos virtuosos del siglo XIX como lo fueron Dionisio Aguado y Mateo Carcassi. Villa-Lobos compuso también para guitarra y flauta o voz, su Sexteto Místico para flauta, oboe, saxofón alto, guitarra, celesta y arpa (1917). Segovia le pidió constantemente que componga un concierto para guitarra y orquesta; gracias a la mediación de Arminda (la segunda esposa de Villa-Lobos), Segovia finalmente obtiene un concierto para guitarra y pequeña orquesta en 1951. Villa-Lobos fue un gran violinista, conductor de orquesta y coros.

Andrés Segovia nació el 21 de febrero de 1893 en Linares, España. Siendo niño estudió el piano y el violonchelo, no pudo ser persuadido de su gran interés por la guitarra, aunque en aquel entonces se la consideraba como instrumento para ser tocado solamente en cafés. Como no existía ningún profesor competente de guitarra, Segovia se instruyó a si mismo basando su técnica en sus propias intuiciones. Dio su primer concierto público en 1909, como estudiante de música del Instituto de Música de Granada. Pero toda su fama comenzó cuando dio su primer concierto de importancia en el Ateneo de Madrid en 1911. Posteriormente en 1916, ya daba conciertos en Barcelona y Madrid, mientras la crítica tenía diversas opiniones sobre la guitarra como un instrumento de concierto. Entre 1919 a 1923 viajó a Sud América donde realizó varios conciertos. Para el año 1924, cuando ofreció su primer recital en París, su fama ya traspasó las fronteras de su país y era considerado el más destacado ejecutante de guitarra de su tiempo. Aquí comenzaron los sacrificios de su devota vida de artista que permitieron expandir la literatura guitarrística existente y abrir la demanda por nuevas creaciones. Segovia se convirtió en el personaje más importante, encargado de reestablecer la guitarra como instrumento de concierto. Ha expandido enormemente el repertorio disponible para este instrumento mediante la trascripción de más de 150 obras originalmente escritas para laúd, vihuela, clavicordio de compositores como François Couperin, Jean-Philippe Rameau, Johann Sebastian Bach, despertó interés por obras desconocidas del siglo XIX, de Sor, Giuliani, Aguado, etc., además de aportar con sus propias composiciones. Segovia también incentivó a que grandes compositores del siglo XX compongan para guitarra, compositores tales como Mario Castelnuovo-Tedesco, Manuel María Ponce, Heitor Villa-Lobos, Federico Moreno Torroba, Federico Mompou, Joaquín Rodrigo, Albert Roussel, Alfredo Casella, Joaquín Turina, etc. Sus clases magistrales desarrollaron nuevos talentos en la interpretación y enseñanza de la guitarra. En 1987 se afirma en Japón que su arte ejerció una influencia directa sobre más de 2 millones de estudiantes de guitarra o ejecutantes aficionados. Segovia continuó dando conciertos hasta después de los 90 años de edad. El legendario Andrés Segovia muere un 2 de junio de 1987, en Madrid España.

Mario Castelnuovo-Tedesco nace el 3 de abril de 1895, en Florecia, Italia. Descendiente de una familia judía, desde niño muestra una precoz aptitud por la música, tal vez heredada de su madre Noemi Senigaglia. A los 10 años de edad compuso dos piezas musicales para piano que fueron publicadas en una revista juvenil. A un principio su padre se oponía a que Mario siga una carrera musical, pues, de acuerdo a las tradiciones familiares se esperaba que sea un banquero. Obstinadamente, el joven prosiguió sus estudios de piano en el conservatorio Cherubini de Florencia con M. Edgardo del Valle. También tuvo como maestros a Ildebrando Pizzetti. En el verano de 1924 conoce a Giacomo Puccini y entabló una estrecha relación con Arturo Toscanini que dirigió varias de sus obras. En un festival en Venecia, en 1932, conoce a Andrés Segovia y desde entonces Mario Castelnuovo-Tedesco empieza a componer para la guitarra. Así comienza una estrecha relación con Segovia que duraría 36 años, la cual permite que Castelnuovo-Tedesco componga como 350 obras para guitarra. En 1939 toda su familia se traslada a Nueva York, y Mario obtiene finalmente la nacionalidad estadounidense en 1946, después de dedicarse en este lapso a componer música para películas para una firma norteamericana. En 1958 fue reconocido por su obra "El Mercader de Venecia", que obtuvo el primer puesto en el concurso de Campari en el teatro de La Escala de Milán. Su obra es muy variada y van desde composiciones para coro, orquesta, instrumentos solos, obras orquestales y escénicas. Su contribución fundamental al repertorio de la guitarra son sus cuatro conciertos para guitarra y orquesta: Concierto en Re Op. 99, Serenade Op. 118, Segundo Concierto en Do Op. 160, Concierto Op. 201 para 2 guitarras y orquesta. De la Serenade Op. 118 solamente se encuentra disponible la versión reducida para guitarra y piano, pues la versión con orquesta no está publicada. También se encuentra no editada otra obra para guitarra y orquesta: el Concierto Capriccio diabolico Op. 85b. Castelnuovo-Tedesco compuso varias obras para dúo de guitarra y voz o piano, y algunas transcripciones, muchas de las cuales no se encuentran publicadas. También pretendió realizar un método didáctico para guitarra que quedó incompleto, a invitación de Ruggero Chiesa, y que se concretó parcialmente en sus "Quaderni, Preludi y Studi Op. 210". Segovia ya le había propuesto muchos años antes la realización del método. La figura de Castelnuovo-Tedesco hoy en día es reconocida como la de un artista muy versátil, con un estilo muy diferente al de su maestro Pizzetti y de sus contemporáneos, muy peculiar por la ausencia de imitación. Es evidente el amor que tenía hacia la literatura, la poesía y el teatro, como claro ejemplo se encuentra su Op. 190 "Platero y Yo" compuesto para voz y guitarra, que se base en los 28 poemas del Nobel de literatura J.R. Jiménez o los 24 Caprichos de Goya op. 195 inspirados en los óleos de Francisco Goya y dedicados a su hijo Lorenzo, estudiante de arquitectura. Mario Castelnuovo-Tedesco muere en 1968.

Joaquín Rodrigo Viadre nacido en Sagunto, Valencia, España, el 22 de noviembre de 1901, fallece el 6 julio de 1999 en Madrid a los 97 años. Era el menor de seis hijos, dos hermanos y cuatro hermanas. Su padre era un terrateniente de Almenara (Castellón), líder del partido conservador en zona republicana. A los tres años de edad, una epidemia de difteria que mató a varios niños le dejó ciego. Fue operado en Barcelona y pudo ver luz y distinguir colores, pero varias intervenciones posteriores no tuvieron éxito y finalmente el glaucoma le cegó por completo. Posteriormente el maestro comentaría que esta desgracia lo llevaría a la música. Ingresó a un colegio para niños ciegos en Valencia, y a los ocho años ya estudiaba solfeo, piano y violín en braille. Su profesor de armonía y composición fue Francisco Antich. Los músicos Enrique Gomá y Eduardo López Chavarri fueron maestros suyos y ejercieron gran influencia sobre él. Rafael Ibáñez, amigo de la familia, fue encargado por ésta para instruir al joven, y que más tarde fue también compañero, secretario y copista: "Rafael me prestaba los ojos que yo no tenía", decía a menudo el compositor. A principios de los años 20, Rodrigo era un pianista espléndido y un estudiante de composición fascinado por las corrientes más importantes del arte. Ravel y Stravinski eran dos de sus grandes referencias. Rodrigo decidió irse a París y en 1927 siguió los pasos de Falla, Albéniz y Turina. Durante su vida, Rodrigo compuso al menos 26 piezas para guitarra además del Concierto de Aranjuez, con lo que contribuyó decisivamente a dignificar la guitarra como instrumento de concierto. Algunos hablan de Rodrigo como artista cercano a la Generación del 27, grupo al que estuvo unido, sobre todo, a través de su amigo Regino Sainz de la Maza, motor y vehículo de transmisión de su música, y solista en el estreno de la obra cumbre del compositor, que se la dedicó al guitarrista. Otra de sus famosas obras para guitarra es la dedicada al legendario Andrés Segovia, su Fantasía para un Gentilhombre, para guitarra y orquesta. También compuso conciertos para dúo y cuarteto de guitarras, además de piezas magistrales para guitarra sola. En su juventud, de acuerdo a los críticos musicales, sus composiciones hacen remembranza a Granados. En París Rodrigo estudió composición con Paul Dukas y allí se hizo amigo de Manuel de Falla. En esta ciudad conoce a la pianista turca Victoria Kamhi, su futura esposa. Durante la guerra civil española, Rodrigo permaneció unos años en Friburgo, y a su vuelta a España asume un puesto en el departamento de Música de Radio Madrid. Cuando se instaló en Madrid, el compositor trabajó como crítico musical en los diarios Pueblo, Marca y Madrid, además de dedicarse a la docencia. Tras el estreno de su obra magna, en 1940 en Barcelona, Rodrigo no paró de componer. Lo hizo en todos los géneros y estilos; musicó ballets y películas, escribió canciones, zarzuelas, piezas vocales, para piano y para orquesta... No dejó de hacerlo hasta los años 80, que con los 90 fueron tiempos de premios y reconocimiento.

Antonio Lauro, nace el 3 de agosto de 1917 en la ciudad de Bolivar, Venezuela. Hijo de Antonio Lauro y Armida Cutroneo, desde pequeño sigue los pasos de su padre que solía componer piezas para guitarra y piano, tales como Valses, Marchas, Polkas, etc. A los 5 años de edad el joven Antonio pierde a su padre y su familia se muda a Caracas. Poco tiempo después, siendo aún muy joven, adquiere un impecable dominio de la guitarra, hecho que le permite figurar como guitarrista oficial de la Broadcasting Caracas. De este modo Lauro se vincula con el círculo musical de la época, y es aclamado por sus brillantes interpretaciones de la guitarra. Entre 1930 y 1940, Lauro compone sus primeras piezas, destacándose, entre éstas, el joropo "Morenita" para voces y guitarra, además de algunos valses para este último instrumento. Ingresa a la "Escuela Superior de Música", donde tiene a destacados maestros como Emilio Sojo, Raúl Borges, Juan Bautista Plaza y Salvador Llamozas, quienes le inculcan la música, en especial de piano y guitarra, su instrumento preferido. Culmina sus estudios el año 1947. De este mismo año data su primera composición orquestal "Poema Sinfónico Cantaclaro", inspirada en la novela de Don Rómulo Gallegos y con la cual obtiene el Primer Premio "Vicente Emilio Sojo". Luego ganaría el Premio Oficial de Música con "Pavana al estilo de los vihuelistas", obra escrita para guitarra; entre 1951 y 1952 escribe una Suite Venezolana para piano y una Sonata para guitarra. En 1956 Antonio Lauro recibe por tercera vez el Primer Premio Vicente Emilio Sojo con una de sus obras más significativas: El Concierto para Guitarra y Orquesta, el cual es estrenado por el propio Lauro con la Orquesta Sinfónica de Venezuela bajo la dirección de Antonio Estévez. El Maestro Lauro fue, desde luego, un calificado intérprete de la guitarra y ofreció innumerables conciertos entre los que destacan el de la Sala Wigmore Hall de Londres bajo el patrocinio de John Williams y Paco Peña, y un recital en 1982 en el Gran Auditorium de Radio France. Con ese mismo éxito se presenta en Niza y Montecarlo, donde graba un programa especial para el Principado de Mónaco. En 1982, Lauro hace una gira por distintas ciudades de su país, auspiciado por la Presidencia de la República y el Concejo Nacional de Cultura. A pesar de su casi absoluta dedicación a la composición musical y a su actividad como concertista, el Maestro Lauro impartió la docencia musical gran parte de su vida. Antonio Lauro fue un prolífico compositor, quien se dedicó a ampliar el repertorio guitarrístico fundamentalmente componiendo numerosos valses, canciones, fugas, merengues, cuatro estudios en imitaciones, suites, sonatas, boleros, transcripciones y arreglos sólo para guitarra, piezas para guitarra y voz (arreglos y originales), guitarra y clavecín, guitarra y violonchelo y guitarra y flauta; obras corales para orquesta, para piano, etc. En 1985 obtuvo una merecida distinción, al serle otorgado el Premio Nacional de Música por parte de la Presidencia de la República. Antonio Lauro murió en Caracas el 18 de abril de 1986 a los sesenta y ocho años de edad. Al final de sus días el maestro trabajó afanosamente por terminar algunas de sus obras, dejando inconcluso su segundo concierto para guitarra y orquesta, el cual fue terminado por el maestro compositor Inocente Carreño y estrenado por Alirio Díaz en la ciudad de Los Teques, Estado Miranda el 8 de diciembre de 1989, con la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar bajo la Dirección del propio Carreño.

Nace en La Habana el 1ro de marzo de 1939. Es el más importante y universal de los compositores cubanos de este siglo. En el campo específico de la guitarra es posiblemente el más grande de los autores vivos. Empezó estudiando el piano con su tía. Luego, comenzó a interesarse en la guitarra flamenca, pero no podía estudiar porque estaba en Cuba. No existía un ambiente clásico cuando Brouwer crecía. En ese tiempo en Cuba el único profesor respetable de guitarra clásica era Isaac Nicola, discípulo de Pujol. En 1955 va al conservatorio pretendiendo estudiar guitarra flamenca, pero Nicola lo persuade a que estudie guitarra clásica. Para completar su formación musical viaja a Estados Unidos para estudiar composición en el Julliard School y posteriormente en el Hart College en Hartford. Brouwer fue influenciado por el Neoclasicismo y el Nacionalismo. Según Brouwer, los músicos que influenciaron sus composiciones son Falla, Bartok y Stravinski. La música de Brouwer podría dividirse en 3 estilos básicos o periodos de composición: de 1956 a 1964 donde es influenciado por los tres músicos anteriormente mencionados, de 1964 a 1968 donde sus ideas musicales son más importantes y de 1968 a adelante con el Aliterismo (El interprete tiene más libertad al tocar). Brouwer en 1961 a 1962 fue profesor del Conservatorio de Cuba después de su viaje a los Estados Unidos enseñando armonía, contrapunto y composición.

Su gran obra, que incluye casi todos los géneros, es muy rica en la producción guitarrística. En su catálogo se cuentan cinco conciertos para guitarra y orquesta, uno para guitarra, violín y orquesta, Sonatas, Variaciones, Preludios, Estudios, Suites y otras piezas que totalizan alrededor de 80 composiciones. Es además guitarrista, percusionista y afamado director de orquesta. Históricamente sus trabajos son relevantes por su punto de vista cosmológico y de la nueva era. Es importante por sus composiciones de música incidental y experimental. Entre sus composiciones más importantes están en orden cronológico: Pieza sin Título (1956), Danza Característica (1957), Tres Danzas Concertantes (1958), Elogio de la Danza (1964), Canticum (1968), La Espiral Eterna (1970), Tarantos (1976), el Decamerón Negro (1981), Estudios Fáciles (1959-1983), Paisaje Cubano con Lluvia (198 ?), Sonata (1990), El Rito de las Orishas (1994), Concerti: Concierto Nº 1, Concierto di Liege, Retrats Catalans, Concierto Elegiaco, Concierto de Toronto.