María Alonso Borso: Es verdad, soy consciente de que este proyecto tiene una duración temporal indeterminada; podría trabajar en él durante años. Lo que viene en este catálogo es sólo un boceto de las primeras etapas, y darle esta forma inicial ha sido ya muy difícil. Es importante decir que no creo haber alcanzado el corazón de este proyecto, sino que muestro aquí algunos extractos de cómo este proceso se está desarrollando. Ya sabes, la vida moderna y sus tiempos.

S.S.: Mientras tanto ¿quieres explicarme por qué le has dado este título iyalo?

M.A.B.: Está sacado de una expresión yoruba que se utiliza en el sincretismo cubano: "iyalocha", su significado literal es: "Madre del Santo" (originalmente, Madre del Mercado). Una de las razones por las que las madres son importantes, es porque quería hablar sobre los orígenes y sobre la creación. No enfatizo con esto el poder femenino, sino nuestro potencial como seres humanos para desarrollar al máximo la unidad de ambas energías.

S.S.: Permíteme una observación, he leído el esquema del proyecto con sus divisiones. Hablas de una serie de obras centradas en los elementos primarios (agua, fuego, etc.), seguidas de otras centradas en las combinaciones de estos elementos en el espacio (altares, Mandalas) y en el cuerpo, circulación de las energías, y los arquetipos.
Así por estas pocas notas, me parece comprender que estás haciendo una operación que apunta a una revalorización de una simbología universal, que tiene su raíz en un pasado y por lo tanto también en un futuro. En otras palabras creo que hay de tu parte una atención especial a la exploración de un pensamiento activo y constructivo, también más allá del tipo de consciencia y conocimiento totalmente conceptualizante...que se sirve de aquellas características ligadas más al mythos que al logos, más al icónico que al semántico. ¿Estás de acuerdo?

M.A.B.: Es difícil hablar sobre el mythos, porque esta palabra tiene una base filosófica muy extensa, y por lo tanto puede significar cosas muy diferentes para cada uno. No hago una separación dura entre mythos y logos, ya que los encuentro interdependientes, pero ciertamente intento tratar con la imagen (y aquí me refiero a una imagen bidimensional) como el recipiente concentrado de complejos conceptos mentales, cuya explicación verbal sería interminable.
Siendo así, su efecto en la mente es extremadamente poderoso.
La serie de los mudras habla sobre esto. Tomo una imagen de un gesto (sostener una flor entre los dedos) que puede encontrarse en el arte egipcio, las pinturas renacentistas, diosas indias como Tara, o incluso mazos del tarot, etc. La imagen por sí sola conlleva todos los significados; no había necesidad de texto, aunque puede que use algún texto en ella por otras razones.

S.S.: A propósito de esto, observando la obra "Arquetipo 0", donde hay esta figura con una flor en la mano sobre la cima de una colina verde, la imagen insertada en un espacio virtual, me trae a la mente el Príncipe de los Lirios, y especialmente, una historia que me contó la artista Fiorella Rizzo sobre la primera vez que se encontró delante del Principe de los Lirios en Heraclion: me habló de esta fuerte sensación, de la energía de esta imagen, tanto como para pensar que mirando una segunda vez el muro donde está la pintura, en el lugar del Príncipe estaba el letrero "vuelvo pronto". En otras palabras, esta historia es testimonio de una imaginación en continua acción siempre activa más allá del espacio tiempo, que es de la obra de arte.

M.A.B.: Perfecto, pienso que aquí lo has dicho todo. Son este tipo de imágenes las que estoy intentando desvelar, o volver a trazar, como prefieras: imágenes que tienen un efecto fuerte y curativo en nuestras mentes. También está la influencia de ciencias orientales, como el feng sui, que están haciendo a la gente darse cuenta de que las obras de arte pueden realmente tener un efecto sobre la vida. De esta forma estamos recuperando un conocimiento que se perdió en Europa, y que ahora está volviendo en las casas de la gente jóven, y en algunos espacios públicos.

S.S.: Y volviendo a esta atención tuya sobre el orígen sagrado del arte -su dimensión espiritual etc., que podemos definir atención hacia el imaginario- e tenido mejor una clara sensación por la manera en la que estás trabajando, de que la fuerza del artista para ti no se agota solo en la capacidad de hacer, sino más bien en la capacidad de observar. Desde esta perspectiva el artista es ante todo ese que observa, no el que produce, y eso naturalmente lleva a otro espacio la visión del arte.
Con relación a esto pienso en el comentario de Jung: "Hay, sostiene Jung, un factor bastante descuidado: el inconsciente espíritu del tiempo, el cual compensa la toma de posición de la consciencia y anticipa casi por presentimiento las modificaciones futuras". Un claro ejemplo, añade Jung, se da propio en el arte moderno. ¿Qué te parece?

M.A.B.: Para los historiadores es importante contar el tiempo, pero para los místicos y para los artistas desnudos, todos los tiempos coexisten en este mismo momento. Jung lo dijo muy bien, y no hay necesidad de explicar más...a menos que queramos hablar del acto creativo y sus etapas de oscuridad.
Aunque el artista es un observador, y experimentado en trabajar con las ideas, el artista es precisamente aquel que puede dar forma material a estas ideas, y su trabajo existe porque hay un mundo de la materia.
Lo que quise decir proponiéndote el tema pintura/tecnología es cómo el arte no tiene nada que ver con el medio. Podemos ser seducidos por el uso del vídeo, la interactividad, etc. (y yo soy la primera que disfruta mucho con estas cosas) pero tenemos que excrutar cuidadosamente lo que estamos haciendo, y no tanto cuantas video proyecciones o fotografías enormes mostramos. También quería reflexionar sobre mis motivos para volver a pintar, después de ocho años trabajando principalmente con el vídeo y la instalación.

S.S.: Me explico mejor, lo que quería introducir es el concepto de presente extratemporal de la obra de arte, un término elaborado en los años cincuenta por el teórico del arte Cesare Brandi. "El presente extratemporal de la obra de arte" fue una intuición genial que permitió teorizar el continuo renacimiento de la obra, su regeneración al infinito abriéndose a nuevas interpretaciones, (para entendernos, la Majestad del Duccio de hoy, ha adquirido significados inéditos con respecto al momento en el que fue creada, perdiendo ciertamente otros de los originales, como aquellos ligados a la esfera devocional). El arte sabe, por lo tanto, hacerse interpretar por la sociedad que lo acoje.
Pero ¿puede el artista dominar, predeterminar o programar esta vida de la obra de arte? Naturalmente no, si aceptamos reconocer a la obra de arte una entidad autónoma, (esa que Blanchot define la soledad de la obra de arte).
No si consideramos en la actividad del hombre, y por lo tanto todavía más en aquella del artista, el imprevisto, el accidente, el azar. En este punto es necesario tomar en consideración en la actividad del artista, la indispensable capacidad de observación y de profundización crítico-analítica en la sociedad que le es contemporánea. Este aspecto lo encuentro muy presente en tu modo de trabajar, así como en las obras.
Es por lo tanto en este sentido, que el artista tiene la capacidad de pre-ver, pre-sentir y pre-decir.
Por ejemplo en este proyecto tuyo iyalo lo que emerge como facultad principal de la praxis artística, del arte mismo, es precisamente la memoria (que es sobretodo memoria inconsciente), la importancia de la imagen que debe actuar, nutrir y reactivar el imaginario, incluso me parece que atribuyas al archivo estratificado de la memoria un "Prevedendum et praesagiendum" y desde esta perspectiva la capacidad del arte de incidir sobre la vida.

M.A.B.: Espero que este trabajo haga a la gente consciente del momento que estamos viviendo. Por lo menos en Europa, toda clase de información, culturas y personas están enriquecienciendo el espacio mental e imaginario, y yo estoy intentando simplemente ser una justa exponente de esta experiencia. Mi trabajo está reconociendo este hecho y dándole una visibilidad cultural. He ido más allá de la mera utilización de los símbolos o imágenes "interesantes" que uno pueda encontrar, lo cual sería para mí otra forma de explotación y falta de respeto.
En este sentido, se podría decir que iyalo pertenece más al futuro que al año 2001, especialmente después de los últimos acontecimientos mundiales. Entendimiento, suena como una palabra extraña en estos días.
Estoy convencida de que algunos trabajos pueden nutrir lo mejor en los seres humanos, al igual que otros pueden resultar muy dañinos, provocando rabia, depresión o estupidez. Necesitamos una cantidad enorme de energía positiva para terminar con tanto sufrimiento: podríamos empezar por luchar contra el odio y el miedo dentro de nosotros mismos. Me atrevo a decir que los recursos para hacer esto, no podremos encontrarlos encendiendo la televisión, ni yendo a la mayoría de los espectáculos o exposiciones.
Probablemente lo que una obra clásica puede hacer, es llevarnos a otro estado metal. Para esto, como para muchas otras cosas, no tengo una buena explicación: lo sientes o no.
Esa es una de las razones por las que soy muy crítica con algunos trabajos de arte contemporáneo, al igual que con la justificación teórica de estos mismos trabajos, pero esto podría ser otra conversación...¿te gustaría que lo dejáramos aquí por hoy?

Londres / Valencia, Diciembre de 2001