Comentarios 2002

In Taberna
En el "Estudio Master", de la Radio de la Universidad de Chile, tuvimos la oportunidad de asistir a la actuación de "In Taberna". Esto dentro del programa de actuaciones en vivo "Chile Música" transmitidas por la radio los días Sabado a las 22:00. De más está insistir en la extraordinaria importancia que este tipo de iniciativas comunicacionales tiene para nuestra vida cultural (¿o debemos prescindir del adjetivo?), sobre todo cuando es llevada a cabo por una entidad fundamental de nuestro país, como es la Universidad de Chile. Se trata de la posibilidad de difundir el trabajo musical de los más variados artistas de nuestro medio. Saludamos al equipo humano responsable de este hermoso -e imprescindible- trabajo. Pero se nos queda atrás "In Taberna". Los escuchamos hace unos meses, en una cinta de música medieval, y nos dio la impresión de ser un grupo ibérico (solo por el hecho de usar el idioma español), o al menos europeo; y como tal seguramente apoyado, grabado y producido por alguno de los sellos dedicados a entregarnos cada cierto tiempo catálogos de música interesante. De modo que nos resultó asombroso enterarnos de que "In Taberna" es un grupo chileno. También nos asombró saber que ya han grabado dos albums, en CD, de su trabajo. Música medieval española recreada por seis músicos, mostrándonos instrumentos antiguos ejecutados con maestría, haciéndonos oir un canto evocativo y perfecto, además de una sobria y mágica puesta en escena, no poco apoyada en la simpatía de estas seis personas. Es probable que en algún rincón de nuestra genética estén grabadas imágenes y sonidos de la época, recuerdos que despiertan al eco de la música de "In Taberna".

Dulce Jazz Band
Dentro del marco de los Miércoles dedicados al Jazz, se presentó en el Instituto Chileno Norteamericano de Cultura el grupo "Dulce Jazz Band". Esta es una banda que se mueve en circuitos comerciales, léase centros turísticos, grandes hoteles y otros similares. Contra lo que pudiera esperarse de un grupo meramente comercial, la muestra fue meritoria y no exenta de buen humor; un adecuado vestuario que recordaba los años 20 le añadió color, transportándonos a tiempos pretéritos. Notable y colorística también la participación de Juan Antonio Ríos, (que no es pariente del otrora presidente) tocando Washboard. La Dulce Jazz Band no se toma a sí misma muy en serio, no es academicista ni didáctica. Interpreta muy bién música de la Era del Swing, piezas tan famosas como Take the A train, de Duke Ellington, Tea for two, Chicago, St Louis Blues, y otras como Hello Dolly, o Cabaret. Un espectáculo brillante, liviano, amable, enérgico, vital. No apto para eruditos.

Taller de Música Contemporánea
Escuchar música contemporánea es una actividad, hoy por hoy, muy poco habitual. Tocar música contemporánea es -si se puede- menos habitual aún. En general podemos decir que escuchar música, sea cual sea su apellido, no forma una parte predilecta de nuestras costumbres nacionales. Y hablo de escuchar, y nó de tener un fondo musical para otras actividades, o para elegir marcas de fideos en algun supermercado, o para sacudirse terapéuticamente en alguna discoteque, o para acompañar una interesante escena televisiva. En el folleto explicativo para este concierto, Pablo Aranda -director del "Taller de Música Contemporánea"- escribe respecto al interés que se ha despertado en ellos por la "nueva música". Interesante y sugerente nombre. Todos, más o menos, identificamos el vocablo "música contemporánea" con experiencias sonoras que se distancian deliberadamente de la tonalidad, y de los métodos y sonoridades musicales más tradicionales; pero para muchos no pasa de ser un conjunto de experimentos desarrollados durante el siglo XX, experimentos sin un éxito aparente, ya que no habrían podido reemplazar la sensibilidad tonal; experimentos, por lo demás, ya pasados de moda. Por esto nos llama la atención cuando Aranda habla de "nueva música". Y de hecho escuchamos ese día, 8 de Enero de 2002 en el Goethe Institut, dos obras absolutamente "nuevas": Nubra, de Francisco Silva, y D, de Antonio Carvallo; ambas obras están construídas basándose en la evolución histórica de la música del siglo XX -y yá del XXI- siguiendo un estilo; aunque, con toda seguridad, una audición más detallada de estas y futuras obras de los autores, revelarán los aportes personales que justifican la creación artística, y la distinguen de una mera imitación de lo ya creado. La obra más antigua ejecutada fue Cuatro lieder, de Anton Webern, y junto a esta tembién se pudo oir For Frank O'hara de Morton Feldman, Micropiezas, de Pablo Aranda y Séreno, de Andrés Alcalde, obras que datan de 1973, 1993 y 1994 respectivamente. Estábamos, efectivamente, escuchando Música Contemporánea, de este tiempo. Es decididamente positivo el comprobar que la aventura creativa, contra muchos pronósticos, continúa. Y continúa en manos de personas, artistas, creadores e intérpretes que conocen la forma de hacer del sonido un acto de elevada alquimia.

Arak Pacha, en el Conacin
23 de febrero, plena fiebre del Festival de Viña. No lo olvidaron en sus comentarios los integrantes de Arak Pacha, que esa noche actuaron en la sala de Nataniel 185-B. Arak Pacha siempre ha conservado -al menos desde 1984, fecha en que los escuché por primera vez- una fuerza característica. Fuerza sonora, fuerza artística, dureza, volumen, energía incontrarrestable. A los seis músicos -quienes, en su mayoría, tocan varios instrumentos durante la presentación- se agrega la voz y presencia mágica de Patara, personaje que encarna la energía de Arak Pacha, y aporta los textos hablados que ayudan a cargar de significado la música y canciones de este grupo. La música de Arak Pacha se diferencia radicalmente de aquellas mezclas con zampoñas a que nos tienen acostumbrados los sellos "New-Age". Las zampoñas de Arak Pacha no condescienden con nuestras debilidades, ni con una sosegada comodidad; son urgentes, telúricas, a veces atemorizantes. Escuchamos varias canciones conocidas; entre ellas "Pachacama - Socoroma", "Julián", "Lluvia sobre Timanchaca", "Totoral", "Me voy, me voy", y no hay duda de que, en vivo, suenan mucho más categóricas que en la versión de estudio que hemos escuchado. Arak Pacha estaba ese día en casa, y su música y palabras apelaban al público presente, quien bailó y vibró con esta música, cuyo principal ingrediente es la verdad.

Manuel Huerta
27 junio 2002. Creo que hay un error en las fechas, segúramente alguien se habrá equivocado. La presentación que Lilian Elphick hace del trovador Manuel Huerta dice que grabó su primera producción ,"Azul, azul" -conteniendo 8 canciones de su autoría, texto, música y arreglos- en 1984... ¡hace 18 años!, y que su producción "Elegía" salió a la luz en ¡1986!, siendo distinguida en el "Concierto Latinoamericano". Otros antecedentes son de fechas más creíbles, como que en 1992 participó en el concurso de composición, género canción popular, organizado por la Universidad de Chile, con motivo de celebrar su centenario, o que en 1995 su canción "Cruceros" participó en la selección de la canción que representaría Chile en el Festival de Viña del Mar, con bastante buen resultado, aunque sin resultar seleccionada. En tiempo más reciente, Manuel Huerta participó en el "Encuentro Iberoamericano de Cantautores", compartiendo escenario con Santiago y Vicente Feliu, dos grandes de la Trova latinoamericana, y se ha presentado en varios escenarios de Santiago. Actualmente, Manuel se encuentra preparando lo que será su tercera producción, que incluirá once canciones, actuales y antiguas, con una propuesta diferente respecto al tratamiento de sus canciones. En una Sala Ercilla, de la Biblioteca Nacional, en que el espíritu había sido mecido -y estremecido- por las lecturas de José Miguel Varas, Pía Barros, Constanza Ceresa y Stella Díaz Varín, tuvimos la oportunidad de navegar en las aguas de la música y poesía del artista -que en sus ratos libres ejerce como profesor de Música- Manuel Huerta, quien, luego de agradecer por el silencio, interpretó cinco canciones, acompañadas -¿es la palabra correcta?- o mejor dicho construídas en base a un complemento equilibrado entre el texto, la voz y la guitarra. Una guitarra sólidamente ejecutada, que crea una base armónica, y establece líneas de contrapunto a la melodía principal, siendo el trovador y su instrumento una unidad expresiva. La voz cuenta con una tesitura amplia, más bien de tenor, ampliada gracias al uso discreto del falsete. Bueno, esto último no dice mucho, más parece una disección, y lo lamento. Es mejor escuchar al trovador, quien, entre canción y canción, nos cuenta de su vida y las circunstancias que rodean a las canciones, con un fino matiz de humor, sin duda acogido por los atentos oídos de los escuchas en esa tarde. En su canción "Deja que la música" nos dice: "Deja que la música entre en tu lenguaje. que se encienda simple, como una canción." mientras que en "Moja la tierra" comparte con nosotros la experiencia de la naturaleza, inspirada en su tierra de Buin. "El aire está limpio, el cielo está azul, las nubes son más blancas, cuando la tierra se moja de lluvia..." nos dice en la presentación. "Vaya lugar para vivir", es una declaración poética, más bien optimista, en la que el ritmo básico se opone contrapuntísticamente al ritmo de la melodía principal, sugiriendo distintos ámbitos rítmicos, y la guitarra canta en forma paralela al trovador. Su canción dedicada a Valparaiso, comienza con una fina cadencia de introducción, con cambios de tonalidad, y una compleja armonía, que invita al acompañamiento orquestal. En ella describe poéticamente la ciudad, nos lleva a caminar por ella, con mezcla de alegría y pesar. La canción termina con una cadencia incompleta, que nos deja al borde de continuar nuestro paseo. En general, en las canciones de Manuel Huerta, el texto moldea la estructura, ¿Más acompañamiento? No necesita, aunque puede sugerir unas cuerdas, u otros instrumentos que prolonguen el trabajo de la guitarra. Emparentado con artistas tan notables como Eduardo Gatti, Victor Heredia, Scwenque y Nilo, Silvio Rodriguez y Vicente Feliu, la única duda que nos queda es ¿realmente comenzó su trabajo en 1984?. Porque aún cuando la fecha fuera 1994, la pregunta de rigor es ¿Y, donde está la difusión de esta música? ¿dónde están las cifras de venta de discos? ¿dónde está la convocatoria masiva a escuchar esta música, que lleva la verdad como alma? Esperamos que, en un futuro cercano, el mismo Manuel Huerta conversará con nosotros, para aclarar esta situación.

Kloketen: Cantos Aborígenes Ancestrales
28 de junio de 2002 En el Centro Cultural Carmen 340, la antigua casa que alguna vez fue sede de la Peña de los Parra, el grupo musical "Kloketen" presentó su recital "Cantos Aborígenes Ancestrales". Voz, Cajón peruano, Guitarra, Bajo eléctrico, Kultrún, Pifilca, Quena, Zampoña, Berimbau, Darbuka, Huesos, Piedras, Sonajas. Usando estos instrumentos, y otros, Kloketen define su obra como "etno-fusión musical", y su nombre nos evoca la ignorada y misteriosa cultura de los aborígenes del sur, Selknam, Yaganes, Alacalufes, Chonos, Kaweskar, esos pueblos que fueron descubiertos y arrasados por los europeos que volcaron su impulso depredador en estas tierras. Estas etnias se han extinguido, y su cultura con ellos. Sólo la actividad recopilatoria de otros europeos, como Martín Gusinde, ha permitido dejar un testimonio que podamos reconocer hoy en día. Por otra parte, en la región del norte del continente, lo que es hoy Mexico, Guatemala, Honduras, El Salvador, Nicaragua, Costa Rica, Panamá, Colombia, Ecuador, Perú, Bolivia, los pueblos originarios, las culturas vernáculas, artes, música, religión, fueron subyugadas por bien armados conquistadores, ávidos de riquezas e inflamados de fanatismo e intolerancia. El entonces fragil, por fratricidas luchas intestinas, imperio Inca, que alguna vez abarcó toda la región andina, sólo obstaculizado por los pueblos del sur del Bio-bio, imperio que, más que someter, propendía a una especie de unificación entre los distintos pueblos, con base en el intercambio; este imperio fue destruído y avasallado por la espada y la cruz, en manos de hombres que hasta hoy forman parte de nuestra herencia. Cortés, Pizarro, Almagro, Valdivia son sólo algunos de los más famosos. El Inca Atahualpa, su hermano Huascar, enfrentados por el poder, también han quedado en nuestra memoria. Pero toda esta cáscara histórica cubre y se sostiene en el sustrato humano de nuestro continente, sustrato que está reflejado en la música, en las obras artísticas, en las cosmogonías religiosas de los antepasados. Quechuas, Aymarás, Coyas, Mapuches, Huilliches y otros pueblos que, de no mediar la funesta sangría iniciada hace unos 500 años, tarde o temprano hubieran crecido y se hubieran encontrado en esta tierra común. Tarde o temprano se hubiesen descubierto mutuamente, y tal vez generado una raza común, y una cultura común, en la cual recogeríamos los antiguos cantos de los Selknam y las secas flautas de los Aymarás, junto al mágico pulso del Kultrún y la monótona, hipnótica y ancestral evocación de la pifilca. Kloketen, -Guido Jorquera, Natai Jorquera, Oriana Garrido, Carlos Pareja, Carlos Peinenao, Sergio Chacón, Eduardo Lecaros, y los invitados Alan Paillán, Antú Liwen además del Chasqui Julio Carrera-, recogiendo estos testimonios, y dejando fluír su propio y también originario impulso creativo, funde los rastros casi olvidados de estas culturas, y abre la imaginación hacia un tiempo -pasado o futuro- en que el Chasqui, el mensajero del Inca, es el mensajero de nuestra tierra Amerindia, aunque seguramente esta tierra tendrá otro nombre. Músico en Chile, 2002

Rudy Wiedmaier, 20 años
Yo toqué con Rudy Wiedmaier. Sí. Yo toqué con Rudy Wiedmaier en el concierto que dio el 24 de agosto del 2002, en el que celebraba 20 años de trayectoria. Lo que pasa es que, cuando Rudy empezó en esto de tocar en el 82, uno de los lugares a los que llegó fue el Kafee Ulm -no sé si aún te acuerdas de ese lugar- en el que estábamos con los "Jueves Musicales", intentando hacer algo. Y así fue como me integré al equipo de músicos dedicados a acompañar a Rudy, cuando grabamos su primer cassette -hasta ahora inédito a excepción de algunas copias que se hicieron ese año- en una Sony de 4 pistas (dos por lado). Ese año, Rudy inició su carrera como cantautor solista, ya que antes participaba en un grupo que, según creo, se llamaba "La Sociedad Anónima", o algo así. Hubo muchas actuaciones, lo que ya era un gran éxito dada la época y la institución nacional del abandono y el olvido de los artistas. Rudy tenía mucha energía y ganas de presentar sus canciones, además mucha fe y ninguna pretensión como estrella, así que con plata o sin nada, ahí estaba. Y en eso anduve yo también, arrastrando mi teclado Crumar. Después, el 83, el 84, las cosas se pusieron más duras en el país, y el 85 vino el broche de oro ese lucido domingo 3 de marzo. A partir de entonces perdí de vista al Rudy hasta el 89, cuando lo escuché en una actuación en el Café del Cerro, me invitó a cambio de que yo le prestara mi teclado. Luego, lo he visto de vez en cuando, he escuchado comentarios no muy frecuentes, rumores, que alguien conversó con él, que tocó aquí o allá, y a veces me ha invitado a acompañarlo. Ha persistido, a pesar de que las pocas veces en que actué con Rudy, la recepción pública ha sido bastante nula, en general nunca se ha costeado la actuación -a veces ni siquiera la movilización- bueno, si mal no recuerdo, esto ha sido constante desde el 82, y presiento que desde mucho antes. En todo caso me invitó a actuar en la radio Universidad de Chile, y tocamos tres temas, dos de los antiguos y uno del gran Genaro Sandoval (¿alguien conoce su obra?). Había poca gente, demasiado poca. Wiedmaier sigue siendo despreciado por la gran mayoría, ignorado, a excepción de algunos amigos que sí saben aquilatar su obra. Pero aún así cumplió 20 años. ¿20 años de qué?, me comentaba otro amigo... ¿Dónde están los discos de estos 20 años? ¿dónde está la trayectoria artística?... ¡Estamos hablando de dos décadas! Bueno, muchos han cumplido veinte años de trabajo, sin que a nadie le importe un bledo. Gracias Chile. Iván Toledo R.

Música Electroacústica e Interactiva
Música electroacústica, sí, me suena familiar, alguna vez escuché grabaciones de Juan Amenabar... Pero ¿Música interactiva? 2 de septiembre de 2002, estamos en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, la sede Alfonso Letelier Llona, en Compañía 1264, buscando las programaciones del mes, y de repente vemos ese letrero, nada llamativo, que anuncia este concierto. Ni siquiera me preocupa mucho quienes son los participantes, ahí estamos instalados en las butacas de la sala Isidora Zegers. Y anuncia la música un tipo con facha de extranjero... No recuerdo lo que dijo, mencionó algo acerca de la intervención de elementos electrónicos y acústicos; luego se sienta al piano y ejecuta la primera obra. El sonido del piano se prolonga por la sala, gira, se deforma, estalla, repica, llevado por los cuatro parlantes instalados en las esquinas. El folleto explicativo habla de la relación entre el intérprete del instrumento acústico, y programas de computación que se activan por medio de la misma interpretación de los instrumentistas, pero esto no da cuenta, en lo más mínimo, del llamado consciente e inconsciente de la música... sin apellidos, ni de la perfección que nos envuelve en esas notas, y esas imágenes. Con las últimas notas de Trois profiles, de Jacopo Baboni-Schilingi, la última pieza, debería apagarse el universo. En realidad la obra musical -en general- es perfecta, es justa, viene de un punto, va hacia otro punto, tiene un sentido, es un significado. El músico es un Dios competente. Pero la realidad vuelve a imponerse, la cacofonía caótica del universo santiaguino que nos aprisiona; el sin sentido es más real que el significado. Una sopa en la mosca, disculpe. Los intérpretes, Claire Saillard, Thierry Perroult, Hans Tutschku, Jacopo Baboni-Schilingi, Jacques Clos, son originarios del Conservatorio Montbeliard, Francia, y no me explico porqué no están en la primera plana de los diarios de hoy. Músico en Chile

Chilhué, Cantos y Danzas de Chiloe
Chilhué pretende demasiado. En nuestro medio, un grupo folklórico puede ser muchas cosas: Una oportunidad para empleados y trabajadores de una empresa, para socializar, entretenerse y -¿porqué nó?- actuar y ser más o menos famosos. Por otra parte, en cierta época del año, los grupos folklóricos son un excelente adorno para fondas y ramadas, comerciales o nó, en negocios y parroquias, en clubes y colegios. Un grupo folklórico puede ser una buena manera de canalizar inquietudes artísticas, aprender a tocar la guitarra o el bombo (no demasiado, por cierto), o aprender algunos simpáticos bailes, enmarcando convenientemente estas inquietudes dentro de fórmulas establecidas, que pueden ser excelentemente pedagógicas también. Además es muy simpatico, familiar y constructivo, para padres y madres, ver a sus hijos cultivando una actividad tan inofensiva, tan cultural, tan tranquila, tan pintoresca, tan graciosa, que aleja a la juventud de influencias perniciosas para su futuro, y que será un buen complemento para su educación, para que sean buenos empleados y trabajadores o, con suerte, buenos patrones. ¡Qué graciosa es la Cueca! ¡Qué entretenida la Sirilla! ¡Qué..... ¿Qué es eso? ¿Qué acorde es ese? ¿Qué es ese 5/4? ¿Qué extraño arreglo es ese?... Chilhué pretende -según pudimos apreciar el 13 de septiembre, en el concierto realizado en el Instituto Cultural Carmen 340- que el folklore evolucione, pretende recoger una tradición y proyectarla, pretende que vibremos con la música, pretende expresarse, en su alegría y tristeza, en sus realizaciones y frustraciones. Pretende enfrentarnos cara a cara con nuestra carente condición cultural, con nuestra cercenada tradición, con el verdadero rostro del arte... sufriente, aplastado, ignorado, castigado, pero también mágico, cósmico y trascendente. Pretende que soportemos esa visión, que recojamos esa experiencia y crezcamos a partir de ella. Chilhué no sirve de adorno, no es una planta decorativa, sino un arbol azotado por un inclemente vendaval, y "Cantos y Danzas de Chiloé", a pesar de ser una recopilación cuidadosa de obras de raigambre lo más estrictamente tradicional, nos lo demuestra. ¡Las palmas, chilenos! Músico en Chile, 2002

Ensamble Contemporáneo Lunes 14 Octubre 2002, Instituto Goethe
Entre tanto ruido de máquinas desbocadas, entre tantas formas musicales, entre tanto producto musical comercial, melodías machaconas, ritmos simplones, textos paupérrimos, y formas meramente ornamentales, vale la pena escuchar las obras de Arte Musical que nos presenta el Ensamble Contemporáneo. Esta vez estuvo integrado por Christian Gonzalez, Dante Burotto, Dovor Miric, Mario Castillo, María Carmen García, Alexandros Juzakos, la voz de Nora Miranda, y la maestría ejemplar de Cirilo Vila, al piano. Las cinco obras interpretadas el 14 de octubre, en el Instituto Goethe, bajo la dirección del compositor Aliocha Solovera (algunas de cuyas obras están disponibles en el catálogo del sello SVR), tienen en común la búsqueda de nuevos lenguajes, característica de la música del siglo XX -y yá del XXI-, sonoridades inteligentes, no exentas de emoción, siendo obras que nos proponen universos no descubiertos; se diferencian en su carácter, yendo desde la ceñuda "Pierrot Lunaire", del patriarca Arnold Schoenberg, hasta la casi humorística "In advance of the broken time", de Marc-André Dalbavie. El repertorio incluyó también, para nuestra edificación, obras de tres grandes músicos chilenos: Leon Schidlowsky ("Piano Quartet"), Miguel Aguilar ("Rapsodia para violín, clarinete y violoncello") y Tomás Lefever ("Música a cuatro"), con diferentes grados de terneza, osadía o irreverencia, pero con un mismo mérito: la creación de Música. Con mayúscula. Músico en Chile, 2002

Christian Galvez 15 Octubre 2002
Una máquina perfecta. Precisión, energía, inspiración, dominio técnico, gusto, agresividad, velocidad, sentido infalible del ritmo, virtuosismo, entrega. Las Musas bajaron al escenario de la Sala Estudio Master ese día Martes. La cosa empezó con una introducción en bajo solo, en que Galvez demostró, desde un principio, que no se iba a guardar nada. Luego siguió una larga serie de solos sobre La menor, primero de Enrique Díaz, luego de Nicolás Vera, y luego de Galvez. Nos queda claro que estas personas HABLAN MÚSICA. En Inglés, un Jazzista es "Jazz Player", y aquí tuvimos una traducción literal del término. ESTO ERA UN JUEGO, malabarismos, sorpresas, proezas inverosímiles ejecutadas con total soltura y buen gusto, por estos cuatro músicos. A veces es sentimiento, a veces travesura, a veces un guiño, otras tantas agresividad. El segundo tema era "Isn't she lovely", en una versión memorable, en que Giunta -tocando la batería directamente con las manos- Díaz y Galvez nos mecieron, y nos transportaron al mundo de la música, que ellos, como magos y chamanes habitan. Un corto tema, atmosférico, un poco misterioso, siguió. Nos sorprendió el bajo con pedal de volumen. Luego, un malambo -mal que mal el invitado de honor era el baterista Oscar Giunta, de Argentina- en dos acordes, para seguir con un tema de la autoría de Nicolás Vera, con un suave comienzo, en que la armonía se mueve sin aparente límite, para caer de pronto en un segundo movimiento -de ritmo ternario-, soporte para un solo de Vera, que caminó y paseó sobre la inconmovible y juguetona base de Giunta y Galvez. En Jazz se habla de "interplay" cuando dos o más músicos logran comunicarse musicalmente, entrelazando sus discursos espontáneos. Esto sucedió en el concierto de este cuarteto -Galvez, Díaz, Vera, Giunta-, de principio a fin. Luego, cuando la máquina está en perfecto movimiento, Nicolás Vera silencia su guitarra, y tenemos un solo de Galvez. La batería se detiene, y participamos de la asombrosa música de este bajista. No hay límite, el universo entero está a nuestros pìes, en total libertad, gracias al mago que exorcisa nuestros mediocres pesares, con los gestos y sonidos que sólo él sabe producir y manejar. ¿Existió alguna vez un Pastorius? ¿O un Carter? ¿O un Wootten? Son parte de un contínuo, sincrónico, eterno, que aquí se manifiesta de nuevo, con el sello personal de Christian Galvez. El músico se transfigura, acaricia, azota las cuerdas, se ríe de nosotros, la perfección y el perfeccionismo son antónimos, camina sobre un pulso perfecto. A veces el sonido del bajo gira en torno nuestro, gracias al diálogo entre arte y técnica. ¿O debo decir, entre arte musical y arte sonoro? Jorge Diaz, completamente a la par con Galvez, nos deleita con su conocimiento y virtuosismo, usando sabiamente los recursos MIDI de la guitarra, estableciendo acordes de fondo, usando timbres de sintetizador, o combinando el sinte con el sonido directo de la guitarra en los solos. Nicolás Vera, un poco apabullado por la maquinaria comandada por Galvez y Giunta, entrega a veces un soporte armónico y rítmico adecuado, además de música de su autoría, y siempre una musicalidad y virtuosismo que sin duda deslumbrarían más en compañía más conservadora. En un país donde nos cuesta tanto reconocer el mérito ajeno, tal vez suene extraño decir: Christian Galvez es un GENIO, pero lo es. Músico en Chile

Mireya Alegría Profesión: Directora de Orquesta
Tenía expectación al saber que iría a ver una orquesta liderada por una mujer, por una Directora de Orquesta, sencillamente porque no se encuentra en este país una Directora de Orquesta a la vuelta de cada esquina. Ese día 23 de Agosto, en el Centro Cultural Carmen 340, se iba a mostrar los logros de un grupo de niños de una Escuela de Macul, la Orquesta Infantil de Macul. que se habían acercado al mundo de la música, y a instrumentos que generalmente uno los ve muy serios y difíciles de manejar. La muestra fue muy correcta, con un repertorio basado en danzas a través del tiempo y a través del mundo, abarcando desde la Edad Media y el Renacimiento, hasta llegar a la época actual; pudimos escuchar, entre otros, arreglos de Vicente Bianchi, música de Bela Bartok y del folklore de nuestro país. El ambiente de la orquesta era de una concentración total, siguiendo la lectura de las pautas; algunos tocaban al parecer más por oído, y me divertí de ver a otros que estaban un poco pendientes de la platea, o se componían para la cámara fotográfica. En esta muestra se vio mucho trabajo previo de parte de los alumnos, y un trabajo excelente de la profesora; su paciencia debe ser inmensa para trabajar con estos niños, de diferentes edades. Me llamaron la atención las siguientes palabras de la profesora, en una pausa entre tema y tema: "Vamos a dejar descansar, medio minuto solamente, a los niños; porque cansa tocar tanto rato, porque son niños; primero han ido al Colegio todo el día, y después vienen a tocar. Eso es lo maravilloso de los niños, y de estos proyectos artísticos culturales "Crecer en el arte". Esto debieran hacerlo todos los niños de este país, y todos los niños del mundo. Es muy diferente un niño que crece en el arte, sea este Literatura, Pintura, Música o Danza, lo que sea. Es estupendo que el niño crezca en el arte, hay otra sensibilidad y otra forma de ver la vida, hay otras perspectivas de vida; hay una familia unida en torno al arte. Los papás chochos, cuando van a una exposición de sus hijos, a un concierto, a un recital etc. Todo es bueno frente al arte y alrededor del arte. Por eso es que estos niños son tan lindos, todos los niños que han actuado hoy día." La presentación de la orquesta finalizó con los temas "Rosa colorada" y "The entertainer" del músico norteamericano Scott Joplin. Al término de la actuación, hablé con Mireya Alegría, y me contó que trabajaba en Maipú como profesora de violín de dos orquestas, y que, en Peñalolen, tiene otra Orquesta Infantil, son tres las orquestas en que trabaja; además trabaja con la escuela de folklore y hace clases los días sábado. Gratificante experiencia la de asistir al trabajo de esta Directora y Profesora, de quien teníamos referencias en otros trabajos similares, ya en 1985. Músico en Chile

Carmen 340, nos vamos cantando Viernes 25 de octubre de 2002
Por motivos que no conocemos, el Centro Cultural Carmen 340, luego de 7 años, abandona su casa, la que alguna vez fue la Peña de los Parra, por donde pasó y trabajó esa Madre de la Patria, llamada Violeta. Una casa que guarda reliquias de nuestra cultura más auténtica. Una casa que es un testimonio histórico vivo. En ella se respira la magia del espíritu humano, el arte, la creación, la inquietud, el crecimiento. "Una última jornada, en esta casa que ha acogido el canto, el teatro, la poesía y la danza. Un espacio para artistas emergentes y postergados. Más allá de lo establecido y de lo oficial." "Queda mucho por hacer; este tiempo ha sido sólo el ensayo de una posibilidad, ha sido enfrentarse a una verdad: Que el arte con identidad colectiva carece de espacios y aún no ha conquistado lo que le pertenece" En esta despedida participaron: Enrique Kaliski, Patricia Chavaría, Guillermo Moreno (guitarras), Cuncumén, Cathy Giusti, Angélica Durán, Sofía Painequeo, Sylvia Gutierrez, Estudiantina de Señoritas de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, Poeta Adolfo García y alumno Carlos Cabrera, Nora Blanco, Agrupación Folklórica Raquel Barros, Odette Baltra, Humberto Gallardo (a la distancia) y Manka Saya. Esperamos que el Centro Cultural siga funcionando en una ubicación tal vez más grande; con mayor capacidad de acoger público, con más capacidad como escenario, con más espacios que se puedan destinar a exposiciones, charlas, presentaciones multimediales, teatrales, de danza. Y esperamos que las personas a cuyo cargo está el cuidado del patrimonio nacional, no olviden que Chile, y las generaciones futuras, necesitan tener acceso a lugares históricos con la tremenda importancia -incluso arquitectónica- que la casa de Carmen 340 tiene. Músico en Chile

Coro Contemporáneo Quilapi Martes 5 de Noviembre de 2002
Una vez más, en el Goethe, nos encontramos inmersos en la maravillosa música de José Quilapi Aniguir y el Coro Contemporáneo Quilapi. Cuando a uno le hablan de coro, siempre es difícil saber qué esperar. No por nada la mayoría de los llamados "coros" que participan en eventos de graduaciones, u otros parecidos, suelen ser bastante lamentables, de muy buenas intenciones la mayoría de las veces, pero de un resultado pocas veces logrado. Esto se debe a que en nuestro país no hay una gran cultura musical, y menos coral. Por eso es que resultó una experiencia doblemente gratificante escuchar a este grupo coral, y sus instrumentistas invitados. Las obras, y su selección, merecen comentario aparte: Desde la increíble composición de Einojuhani Rautavaara "Suite de Lorca", pasando por la obra "Oda de Ricardo Reis", del joven compositor chileno Diego Noguera Berger, siguiendo con "Requiem de la Mariposa Muerta" de la también joven compositora chilena Eleonora Coloma, para estacionarnos un rato en "¿Hay alguien ahí?", extraña y aparentemente jocosa obra "teatral - musical" del compositor y maestro chileno Gustavo Becerra. Digo "aparentemente jocosa", porque se puede adivinar segundas lecturas, ya no tan de risa, especialmente en el título, que nos recuerda, sin ir más lejos, nuestro medio cultural, en que uno a veces realmente se pregunta (y sin el menor asomo de ánimo humorístico) si hay alguien ahí. En esta presentación se destacó José Andres Peña, en su rol de Regie, aunque -como es de esperar- no siempre los músicos son buenos actores. Claro está que es preferible esto a contar con actores que no sean buenos músicos. Finalmente, nos desconcierta escuchar una composición que se aleja de todas las precedentes en su estructura, netamente tonal, con ritmo de marcha... Se trata de "Himno de Chile" del autor Joakín Bello, de gran fama en varias partes del mundo, por sus incursiones dentro de la llamada "música New Age". Sin duda esta composición -con un texto innovador en relación a la ya anticuada, y bastante violenta, letra del actual Himno Nacional, de Lillo y Carnicer- volverá a escucharse, especialmente ahora, que el país se acerca al bicentenario. A pesar de la distancia entre éste y el resto de los autores, la presentación tuvo un final brillante, quizás debido a la carismática presentación de Joakín Bello al piano y trutruca, junto al Coro del maestro Quilapi y 10 instrumentos clásicos y folklóricos. Músico en Chile

Kloketen, en tiempos difíciles 29 Diciembre 2002
Este concierto de Kloketen en el Salón Blanco del Museo Nacional de Bellas Artes, en un lugar conocido ahora como Santiago de Chile, no tuvo mucha difusión, aparte del esfuerzo de los propios integrantes de la agrupación. Asistieron sólo unas 25 personas, en momentos en que el Museo recibía la visita de muchas más. O no todos estaban informados, o hay todavía muchas personas refractarias a la salud mental del arte. No es de extrañar la falta de difusión; para montar una campaña publicitaria se necesita muchísimos recursos, que están reservados sólo para los adeptos a la farándula de los medios oficiales, a los grandes negocios del espectáculo, para las productoras internacionales, para la industria del show supérfluo y deshechable. Es decir, todo lo contrario de Kloketen El acondicionamiento acústico del Salón Blanco deja, además, mucho que desear; el rebote de sonido es poco más o menos como el de una catedral, demasiadas superficies duras que reflejan las ondas -aunque, curiosamente, en la zona de las butacas hay condiciones un poco más adecuadas, gracias a los cubrepisos, a los asientos y, por supuesto, a la presencia del público. La infra-estructura de iluminación es nula. La operación del sonido estuvo a cargo del propio Jorquera, a quién vimos, antes de la presentación, nivelando los controles de una mesa de sonido de 8 canales en medio del océano de rebotes y más rebotes, que nos hicieron temer la aterradora aparición de los inevitables acoples durante la ejecución de la música. En resumen, una presentación escénico-musical en medio de condiciones absolutamente adversas. Sin embargo, desde el momento en que Kloketen inicia la actuación, pìdiendo el permiso a los cuatro puntos cardinales para hacer su música, la ausencia de iluminación de escenario y las pésimas condiciones acústicas se transmutan. Sin duda nuestros ancestros no contaban con las comodidades tecnológicas actuales para ejecutar su música, esta música nacía de su realidad, física y espiritual; cualquier rincón era el adecuado, y las características de este, bondades o falencias, formaban parte, eran un instrumento más, del despliegue del vital e imprescindible arte de un pueblo, de una raza, de una familia humana. Kloketen transmuta la adversidad, e invoca a las fuerzas supernaturales a participar, no en un espectáculo, sino en una verdadera ceremonia mágica; la magia vuelve a nosotros, nos envuelve, nos trae las respuestas, nos reconforta, el chamán ha actuado. Una vez más tuvimos la oportunidad de asistir al advenimiento de la necesaria magia ancestral, la magia que nunca debió irse, y que ahora se revela en la creatividad de Carlos Painenao, Patricio Fuentes, Leopoldo Jarrento, Nelson Somodevilla, Guido y Natai Jorquera. La música de Kloketen es como un amanecer, como un atardecer, como el encuentro con la verdadera dimensión humana, que subyace bajo tanta cáscara prescindible, bajo tanto obstáculo innecesario, es la música de todos, hay que escucharla, hay que vivirla. Músico en Chile, 2002

Hector Pavez Pizarro y Letras de Chile 9 de Enero de 2003
En la Sala Ercilla de la Biblioteca Nacional se juntaron ese día Jueves, cuatro exponentes de las impetuosas letras -prosa y poesía- de nuestro país, con un público a su altura. Lo que iba a ser una reunión más, en la que conoceríamos parte de la obra y pensamiento de nuestros valores literarios -participaron Elvira Hernández, Antonio Ostornol, Verónica Zondek y Volodia Teitelboim, se transformó de pronto en un homenaje a éste último (Premio Nacional 2002). Por su parte Teitelboim, con su certera palabra, transformó la reunión en un homenaje a Vicente Huidobro, quien cumplió el 10 de Enero 110 años. Homenaje sobre homenaje. También el trovador Héctor Pavez Pizarro rindió homenaje a Héctor Pavez Casanova y Gabriela Pizarro, sus padres, pero por sobre todo dos gigantes de la música chilena, que han realizado un trabajo invaluable de recopilación y creación folklórica, entre el cual se encuentran varias conocidas joyas del cancionero tradicional chileno. De modo que lo que sería una tertulia literaria -con un trovador invitado- se transformó en una potente seguidilla de evocaciones y homenajes, en que el sentimiento, la voluntad y el Arte estuvieron muy presentes, y que cerró dignamente la gran música y poesía de Héctor Pavez Pizarro. Músico en Chile, 2003

Antonio Vásquez, Imágen, Poesía y Música 21 Enero 2003
El día martes 21 de Enero, en la magnífica Sala de la SCD, en el barrio Bellavista, se presentó Antonio Vásquez con un trabajo consistente en 15 canciones. Vásquez -ex integrante de Amauta, y de Ortiga- tiene una larga trayectoria, aún cuando su nombre y sus obras no han sido -como es costumbre- difundidas en nuestro país. La sala estaba bastante concurrida, aunque no llena. El día martes no es un día en que las personas con posibilidades de asistir a un concierto tengan tiempo para hacerlo. Me refiero a quienes pueden pagar una entrada. Distinto es hablar de quienes tengan la capacidad de apreciar una obra musical; no siempre coinciden ambos aspectos. Antonio Vásquez nos regaló con obras relacionadas e inspiradas en poemas de Vicente Huidobro, Pablo Neruda, Gabriela Mistral, conocida tríada de poetas chilenos, cuya obra permanece todavía muy desconocida, no así sus nombres, que sirven para rellenar variados comentarios (entre ellos este), artículos periodísticos y programas de estudio para colegios y escuelas donde se mata la poesía y el arte. La obra es de alto vuelo, tal vez demasiado para nuestro medio cultural, con un enorme trabajo tanto en la composición, interpretación, presentación audiovisual, como en el impecable sonido. Entre los músicos que acompañaron al artista, destacamos a Cristián Moraga, en percusión, y a Manuel Acuña, en vientos, aunque el grupo completo -aún estando un poco tenso, dado que era una de las primeras veces que se presentaba esta obra- es de primerísima línea. Toño Vásquez, hay que estar atentos a ese nombre. Músico en Chile, 2003

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Lucho Lebert
Una voz de los ochenta

23 de Enero, Tercer Ciclo de Lecturas Intergeneracionales, Biblioteca Nacional.
Otra sesión de Poesía, Relatos y Trova, de la Corporación Letras de Chile, esta vez con la participación, en la música, de Luis Lebert.
El es uno de esos artistas que hicieron resonar la cultura chilena por allá por los ochenta. Lebert y los artistas surgidos en ese tiempo -por una cuestión generacional, y por las anómalas circunstancias políticas del momento- contrastaron con artistas como Manss, Alarcón, los Parra, Pavez y otros, de quienes estuvieron rotundamente desconectados, y sólo en los últimos años se han acercado y tendido la mano de la mutua influencia. El movimiento llamado "Canto Nuevo", poco tuvo que ver con el llamado "Nueva Canción Chilena" y tuvo más relación con el fenómeno de la Nueva Trova Cubana, cuya difusión se hizo sentir a partir de los setenta. Los nuevos creadores chilenos no tenían antecedentes directos, había que empezar de cero.
Cuando Lebert comenzó su trabajo musical era un joven universitario, y sus canciones y poesía dieron vida a "Santiago del Nuevo Extremo", con su evolución desde grupo inspirado en genios como Silvio Rodríguez, Inti Illimani y otros, hasta llegar a las cercanías de lo que es Fulano. Sus raíces son urbanas y mediáticas, universitarias e intelectuales, y a partir de ahí desarrollan su expresión de manera totalmente coherente y honesta.
Curiosamente, Lebert y los suyos están, por hoy, rotulados como "mito", y arrinconados en el recuerdo nostálgico, lo que es de alguna forma otra manifestación de nuestra chilena y crónica sordera para con el arte contemporáneo, vivo, riesgoso, creativo, abierto, y ese acomodaticio aprecio de lo ya pasado, ya sin vuelta, ya sin fuerza, sin el germen vital, sin vida, sin riesgo.
Con su poesía joven, y su música joven, (disculpando este y el otro cliché) de la que podemos esperar mucho en el futuro, y una sencillez que rivaliza con su importancia como músico chileno, nos envolvió y emocionó con algunas de sus canciones, la última de las cuales fue su ya antigua (20 años es mucho tiempo) "A mi ciudad".
Músico en Chile, 2003

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Andrea Pérez Dalannays
En el Mesón Nerudiano

Andrea Pérez, cantante de jazz El Sábado 15 de Marzo de 2003, a las 23:00 horas, se presentó, en su regreso al ciclo de Jazz de los Sábados de este local del Barrio Bellavista, la cantante Andrea Pérez Dalannays, sumándose con su voz al Trío del pianista Moncho Romero (Alejandra Santa Cruz en bajo, Andy Baeza en batería).
La joven cantante -y diseñadora-, que tuvo su primer acercamiento al jazz a los catorce años cuando escuchó el disco "Ella and Louis", no ha cesado en su pasión por la música, y con el paso de los años ha enriquecido sus conocimientos, tomando en 1999 clases de canto con Marcela Carrasco (cantante lírica), para luego seguir su formación con Moncho Romero (pianista), lo que le ha permitido perfeccionar su estilo e interpretación. A través de su trabajo con Andy Baeza (batería), Sergio Miquel (clarinete) y Giovanni Cultrera (piano), aprendió "algo más sobre el jazz tradicional", según ella misma señala.
Entre sus realizaciones se cuenta la grabación del tema "Nobody knows you when you're down and out", junto a Moncho Romero Trío, para el cortometraje "2" de Gregorio González (selección oficial del Festival Chileno Internacional de Cortometrajes que organiza el Instituto Arcos).
También ha compartido escenario con Carlos Silva Trío, en El Perseguidor, sala ubicada en lo que alguna vez fue el Teatro Cámara Negra, Barrio Bellavista, de Santiago.
Andrea Pérez Dalannays se cuenta, de esta manera, entre los numerosos músicos cultores de la forma jazzística en nuestro país, muchos de los cuales son grandes virtuosos, y han alcanzado altos niveles de calidad en este género musical surgido en el siglo XX.
(Agradecemos la información que nos ha sido enviada por Andrea Pérez D. a nuestro correo electrónico. Para más información acerca de la artista, visitar : http://www.cubico.net/andrea).
Músico en Chile, 2003

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Antonio Amaya: Cante, Fernando Escobar: Toque
Recital de Cante Flamenco

Antonio Amaya, Fernando Escobar ¿Cómo enfrentar un recital de Flamenco?
19 de Marzo de 2003, Centro Cultural de España. La sala está bastante poblada, no llena, a pesar de que la entrada es gratuita.
Aparecen por un costado, y suben al austero escenario -casi una prolongación de un salón de tertulias-, dos señores: uno de ellos con una guitarra, el otro, con las manos vacías... Es Antonio Amaya, quien se dirige al público, con ese tono que nos es tan familiar a quienes hemos tenido oportunidad de conocer y conversar con hijos de España.
Antonio nos cuenta que rinde un homenaje a los diez años del Centro Cultural Español y, a la vez, está celebrando sus 50 años dedicado al Cante Flamenco.
Antonio Amaya -que comenzó en este arte en el año 1953, inspirado por la visita a Chile de la gran bailaora y actriz Carmen Amaya -catalana y no andaluza, curiosamente- actríz de numerosas películas ("La copla andaluza", "María de la O", y especialmente "Los Tarantos", de 1963)- anuncia luego lo que viene: unos "palos" flamencos (hay unos 100 conocidos en la actualidad), lo que parece anunciar algo así como una sesión didáctica.
Nada más lejos de la realidad.
El "cantaor", palabra heredada de la tradición flamenca, enciende el fuego, interpretando "a capella" un "Pregón" y una "Nana" dedicada a su nieta. Desde ese momento, empieza a develarse la respuesta a nuestra pregunta:
Abrir los oídos y el corazón, esa es la forma de escuchar este arte.
La voz es apasionada, a veces desgarrada, a veces triste, a veces jocosa, pero siempre llevada de una musicalidad que viene de adentro, del alma del artista.
Pero la voz a veces no basta, y las palmas esbozan un ritmo, o son los dedos los que chasquean al compás del "duende", es el artista todo, el instrumento de esa parte de la música que no se oye, pero que está quizá más presente que los sonidos, traspasando y reuniendo, con su poderoso sortilegio, al grupo humano reunido en la sala del Centro Cultural Español.
El otro elemento fundamental es el "Toque" de guitarra, a cargo de Fernando Escobar, quien acompaña al cantaor desde hace unos 13 años, a la vez que cultiva otros géneros tradicionales, (recomendamos visitar su página web, www.geocities.com/necriza/escobar.html.)
Y de ahí en más, la experiencia musical es potente, conmovedora, energética. Algo en nuestra genética se agita al impulso de la yuxtaposición de textos, la voz natural, la rítmica, las melodías y el tañer de las cuerdas; algo de todo esto nos resulta familiar, entrañable, verdadero, a pesar de las innumerables malas caricaturas que de este género -nacido en Andalucía a mediados del siglo XIX- han sido divulgadas desde los años 20, en que las grabaciones discográficas, y principalmente el cine ("Duende y misterio del arte flamenco", documental dirigido por Edgar Neville , del año 1952, entre otras numerosas películas), esparcieron sus sones, rostros e imágenes en nuestro medio.
Bulería, Milonga (palo creado a principios del siglo XX. por la famosísima cantaora Pepa de Oro, aflamencando una canción folklórica argentina.) Guajira, Alegría, Granaina, Fandango, Caña, Tiento, Sevillana, Garrotín, Solea y Rumba, pasan por la voz del cantaor y por las cuerdas de la guitarra de Fernando Escobar, haciendo vibrar al auditorio.
Ambos artistas son integrantes del Círculo Flamenco "Carmen Amaya", fundado el 3 de septiembre de 1989, al alero del Centro Español de Concepción, y su interés fundamental -según reza el programa del concierto- es entregar lo más fielmente posible, los auténticos estilos -o palos- flamencos que se conocen.
Al finalizar su actuación, Antonio Amaya agradece "la presencia de ustedes, que es la gasolina que necesita todo aquel que está aquí arriba, los aplausos y ese cariño que demuestran, es lo que a uno lo hace de pronto olvidarse de los años que tiene".
Nosotros agradecemos a ambos la entrega de su Arte.
Músico en Chile, 2003

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Avenida4
música + música

Afiche de Avenida 4 El Viernes 11 de Abril concurrí a ver a la actuación del grupo de Jazzrockfusión (así rezaba el afiche) Avenida 4, en EL Naitún, de calle Cumming.
Esta es una banda que se podría catalogar como emergente, a pesar de tener ya cerca de diez años, y con notoria influencia del rock argentino (Spinetta, García, Páez), del jazz y jazz-fusión (Coltrane, Mingus, Pastorius, Magma).
Desde el primer momento los pianos (hay dos tecladistas), el bajo, la batería y la guitarra electrica, más una expresiva voz se incorporán a nuestra piel, llenando la acogedora sala del Naitún de una música potente y vital, (como yo creo que debe ser la música), y con cierta tendencia a lo oscuro y emocional, especialmente en los textos.
La mayoría de los temas son originales del tecladista-saxofonista-clarinetista-cantante (además de director de orquesta) Alvaro O'Ryan, aunque también tuve la oportunidad de escuchar una versión "jazzística" del famoso "Gimnopedia 1" del genial francés de principios del siglo XX Erik Satie.
Hubo también notas de virtuosismo, especialmente en el unísono de clarinete y bajo que constituye el tema "Dueto", de marcada tendencia atonal matizada con reconocibles cadencias frigias, original del bajista Sebastián San Martín, y en varios solos instrumentales, todos enmarcados dentro de la expresión propia de cada tema, sin los excesos exhibicionistas que a veces se encuentran en las expresiones ligadas al Jazz.
En medio de la atmósfera creada, arremete también el Saxo, aportando otro color al torrente sonoro, y hasta el final de su concierto Avenida 4 muestra un sonido propio, afiatamiento, destreza técnica y buen gusto.
Se podría alegar que la amplificación no estuvo muy eficiente, perdiéndose a ratos detalles de los textos, pero esto no obstaculizó la entrega de la banda. Es de esperar que Avenida 4 se destaque en la escena nacional, porque lo merecen.
Músico en Chile, 2003

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Macbeth
En el Municipal

Giuseppe Verdi, el exitoso autor de Macbeth La Opera es hoy por hoy un género musical de escasa difusión en nuestro medio. Y lo mencionamos como género musical aunque incluye también a las artes teatrales: actuación, puesta en escena, escenografía, iluminación, vestuario, como integrantes fundamentales de su hacer, siendo la forma artística más integral que se haya desarrollado; sólo es dable comparar la Opera con las actuales artes multimediales, de las cuales es sin duda precursora.
Este arte, desarrollado fundamentalmente en Europa, a partir del siglo XVI, cuenta entre sus cultores con nombres tan afamados como C. Monteverdi, Alessandro Scarlatti, G. F. Haendel, Cristoph Glück, W. A. Mozart, L. van Beethoven, R. Wagner, G. Rossini, G. Verdi, G. Puccini, por nombrar sólo a algunos, y llega a Chile a partir de junio de 1830, cuando la compañía italiana Scheroni estrenó, en el Teatro Nacional, "El engaño feliz" de Rossini.
La Opera italiana tuvo gran éxito entre el público chileno, especialmente santiaguino, siendo el espectáculo más apreciado por la alta sociedad, que acudía en masa a las temporadas, e idolatraba a sus estrellas, llegando muchas personas a interesarse en hablar el italiano, y otras tantas a adoptar los glamorosos nombres de héroes y heroínas del teatro musical.
Tal fue el impacto de este género, que difícilmente pudieron abrirse paso en el gusto y la sensibilidad de la sociedad chilena, la música sinfónica, de cámara y de conciertos, y sólo gracias a los grandes esfuerzos de gente como Luis Arrieta Cañas, José Miguel Besoain, más tarde Enrique Soro y otros, es que podemos contar actualmente en Chile con música -en el ámbito "docto", al menos- que no sea operística -recién en 1913 se escucharon en Chile las sinfonías de Beethoven...
También hay autores chilenos de ópera, aunque el anunciado estreno de la primera ópera nacional "Telésfora", de Aquinas Reid, no pudo realizarse.
Eleodoro Ortíz de Zárate, que estudió en Italia, es el creador de "La Florista de Lugano", estrenada en Chile en 1895, junto con el repertorio italiano habitual; y Remigio Acevedo creó "Caupolicán", con libreto escrito en italiano.
Hasta hoy, la Opera mantiene el favor de un número respetable de personas, lo que se refleja en las habituales temporadas organizadas, especialmente por el Teatro Municipal de Santiago, aún cuando ha llegado a convertirse en una especie de exclusividad de alta cultura, muy lejana del popular espectáculo que fue antaño.
La Opera tiene algo de arcaísmo, si la enfrentamos con el imperio avasallador de la televisión (aunque no hay punto de comparación, alegará algún aficionado al refinado arte lírico), encerrada en sus teatros con diseño que viene de siglos anteriores, con esos palcos desde los cuales poco se puede apreciar el espectáculo, pero sí se puede ver hacia los palcos del frente, o a la platea, para reconocer a tal o cual personaje; con sus códigos dramáticos al servicio del agrado musical, con sus convenciones teatrales, en que debemos aceptar que una espada de latón es una de acero, o que una copa vacía está llena de vino, o que una mancha de pintura lo es de la sangre de Duncan, rey de Escocia. El gusto por la Opera es hoy en día exclusivo de una elite culta, o meramente snob, o bien de quienes aprecian las cumbres musicales alcanzadas por el género.
En este contexto, cuya evocación se hace inevitable, poco o nada puede decirse cuando se tiene la oportunidad de ser espectador de una producción tan acabada como "Macbeth", de G. Verdi (1813 - 1901), presentada en el Teatro Muncipal de Santiago, el 16 de Mayo de 2003. Poco o nada, aparte de manifestar una genuina admiración.
Músico en Chile, 2003

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Carmen Aguilera & Otro Trío

El jueves 24 de Abril, se presentó, en la sala del Instituto Chileno Norteamericano, Moneda 1467, este grupo, formado en Abril de 2002 e integrado por Luis Zuñiga en guitarra eléctrica, Carlos Delgado en contrabajo y bajo eléctrico, Martín Reyes en batería y percusión, y liderado por la pianista y cantante, también compositora y arregladora, además de profesora, Carmen Aguilera, de cuyo trabajo con "Quinteto Azul" habíamos oído.
La primera parte del concierto estuvo dedicada por estos jóvenes músicos a temas iconos del Jazz (lo que algunos conocen como "standards"), iniciando con una excelente versión pianística de Dolphin Dance (H. Hancock), y siguiendo con Round Midnight (T. Monk), Beatiful Love (V. Young), Caravan (D. Ellington), Mercy, Mercy, Mercy (J. Zawinul), a los que Aguilera aporta sus arreglos, entre los cuales nos llamó la atención el juego formal y trans-estilístico de "Caravan". Esta parte finalizó con "Pequeño Sol", tema original de Carmen Aguilera.
En la segunda parte, más emotiva y personal, interpretaron otros temas originales de Carmen Aguilera: "Ciclos del alma", "Valsito Peruano", "En los días de lluvia", la emotiva elegía "Ignorando tu ausencia", el complejo "Luz y Vida", y una tonadita chilena jazzística, además de "Angélica Huenuman" de Victor Jara, y "Campos Naturales", basado en una melodía tradicional de la Tirana, estos últimos con adaptación y arreglos de Carmen Aguilera.
El grupo -algo contenido y tenso, al menos esta vez- se ciñe con bastante dignidad a las formas musicales, dejando traslucir su formación académica y respetuosa del decir musical, a lo que se suma aventura, versatilidad y talento instrumental, además de la interpretación cadenciosa, algo nocturna, de la voz de Aguilera, lo que da como resultado su particular sonoridad.
La audiencia, en su mayoría jóvenes universitarios, familiares y amigos, recibió con calidez esta nueva presentación de Carmen Aguilera & Otro Trío, los que preparan actualmente una producción de "Latin Jazz y Música Popular Contemporánea", que esperamos poder escuchar en breve.
Músico en Chile, 2003

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Orquesta de Cámara de Chile

El Teatro Municipal de Ñuñoa (ex - California), con su escenario quizás no muy apropiado, estaba un poco frío esa tarde del 30 de mayo, pero el público no faltó.
Para celebrar 109 años de la comuna, la Orquesta de Cámara de Chile, cuyo director titular es el maestro Fernando Rosas, se puso bajo la batuta de Luis Gorelli, de destacada y multifacética trayectoria internacional, para ofrecer un concierto de gala, que incluyó, en una primera parte, el estreno en Chile de la apasionante "Sinfonietta", del músico inglés Benjamin Britten, para seguir con la "Sinfonía Nº 9 en do menor", de un adolescente Felix Mendelssohn, y concluir, en una segunda parte, y a modo de broche de oro, con la "Sinfonía Concertante para Vientos en mi bemol mayor", de Wolfgang Amadeus Mozart.
De esta manera los asistentes a este concierto pudimos transitar por paisajes musicales muy variados, vibrando con los inquietantes colores del siglo XX de Britten, que evoca a los gigantes Bela Bartok, Alban Berg, Igor Stravinsky, Arnold Schöenberg, volviendo luego la mirada al genio que transita entre lo Clásico y lo Romántico, Mendelssohn, en pleno siglo XIX, y aterrizando finalmente en la música de la mano de Dios, puesta en la escritura del genio de Salzburgo, todas entregadas por una orquesta de 30 músicos, muchos de los cuales son grandes virtuosos en su labor, técnica y expresiva.
Es difícil, si no imposible, describir cabalmente la vivencia de la música, o transmitir la emoción experimentada al ser involucrado en el universo virtual que se recrea en el trabajo de los músicos, el mensaje inefable de las obras, y la presencia de los auditores, todos actores -conscientes o inconscientes- en ese momento, del evento de la retroalimentación del espíritu humano. Escribir sobre música es como pintar sobre arquitectura, decía un músico en cierta entrevista, y estamos de acuerdo.
Sin embargo, sí podemos constatar nuestra admiración por la totalidad del grupo de músicos, sin dejar de destacar la memorable interpretación del director Luis Gorelli, y los solistas Luis Rossi en clarinete, Soledad Avalos en fagot, Sergio Marín en oboe y Bernardo Guggiana en corno, para la Sinfonía Concertante de Mozart.
Una sola pregunta: ¿porqué no estaba la televisión, para informar al mundo de este evento?
Músico en Chile, 2003

In Taberna / Dulce Jazz Band / Taller de Música Contemporánea / Arak Pacha / Manuel Huerta / Kloketen / Rudy Wiedmaier / Música Electroacústica / Chilhué / Ensamble Contemporáneo / Christian Galvez / Mireya Alegría / Carmen 340 / Coro Contemporáneo Quilapi / Kloketen / Héctor Pavez P. / Antonio Vasquez / Lucho Lebert / Andrea Pérez / Antonio Amaya, Fernando Escobar / Avenida 4 / Macbeth / Carmen Aguilera / Orq. de Cámara de Chile / Paula Barrientos, David Insunza / Aurha / Entrama / Vasquez, Correa, Del Campo Trío / El Gremio / Ammon - Runge / Pato Frutal / Recital de Viola / Virtual / Carmen Aguilera y Trío / Milton Jara / Eduardo Browne y Johannes Brahms / Rudy Wiedmaier / Manolo Acuña y Mundostress / La Flauta Mágica, para niños / IV Festival de Orquestas Juveniles / Un ensayo con Zubin Metha / Mirar de Afuera / Ensamble de Bronces, para niños / Carmen Aguilera y Otro Trío

Paula Barrientos, David Insunza
Flauta y Piano

Bach, Enesco, Poulenc son sólo nombres, unos más, otros menos conocidos; son sólo nombres hasta que escuchamos su música...
Entonces, estos nombres adquieren un significado que va más allá de la existencia limitada de las personas, estos nombres se hermanan en el contínuo simultáneo del arte sonoro.
Porque el alemán Johann Sebastian Bach, cerca de 1720, el rumano Georges Enesco, cerca de 1910 y el francés Francis Poulenc en pleno siglo XX -entre muchísimos otros creadores-, tienen en común el haber aportado, bajo las más diversas circunstancias, la construcción sutil fruto del trabajo de su espíritu, y el haber dejado plasmadas para siempre en una partitura sus ideas, inquietudes, sensibilidad y planteamientos más genuinos, obras que contribuyen a la herencia común del género humano.
Pero la partitura sólo vuelve a ser sonido, y se recrea, en manos del intérprete; y ese miércoles 18 de junio de 2003, en la interpretación ajustada, respetuosa, atenta y no carente de expresividad de David Insunza, en piano y Paula Barrientos, en flauta traversa, ambos músicos chilenos, que, junto a tantos otros, recogen en nuestro país lo más elevado de la tradición musical del planeta.
Y puede sonar extremadamente pedante cuando uno dice "no carente de expresividad", pero ¿es posible, acaso, ser plenamente expresivo cuando, en medio de una sutil obra musical, se escuchan sirenas policiales, o los estridentes bocinazos que son la música cacofónica de la vida de Santiago? ¿Es posible ser plenamente expresivos, o receptivos como auditores, cuando vivimos rodeados de agresiones y amenazas, físicas, auditivas, emocionales, sicológicas, que son como el aire mismo que respiramos?
Por eso, el concierto de Paula Barrientos y David Insunza, en la Sala América de la Biblioteca Nacional -en un proscenio tal vez demasiado alto, y condiciones algo austeras- tuvo tambien el mérito del heroísmo de quienes, porfiadamente, sostienen y defienden todavía la belleza.
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Aurha
Un mundo de sonidos

Miércoles 22 de Junio, Sala de la SCD, en la calle Santa Filomena, tuvimos la suerte de asistir a una presentación honesta, de un grupo de Valparaíso.
Y el hecho de que vengan del puerto es importante como antecedente de estos músicos chilenos, que, como Valparaíso, han recibido las influencias que provienen de ultramar, que cultivan el sonido de variados instrumentos de cuerda, de percusión, de viento, recogidos de las tradiciones de Afganistán, Apaches, Mayas, Mapuches, Celtas, India, España, Yugoslavia, Turquía, Africa, Irlanda y casi todo el mundo; que sintetizan la respuesta sonora de su espíritu creando una música llena de sutilezas y ecos, entregándonos la sublime belleza del arte musical que proviene del alma, en que la técnica instrumental y compositiva, siendo perfectamente adecuadas, quedan en un respetuoso segundo plano; la de Aurha es una música en que no hay lugar para los inflados egos que a veces tenemos que soportar en tantos artistas del concierto musical.
En cerca de una hora de presentación de Aurha, ocho temas musicales, el último de los cuales fue "Yerpun - Nuevo Mundo", una curiosa mezcla que incorpora el conocido tema de la sinfonía Nº 9 de Antonin Dvorak, aprendimos también de la existencia de sonidos que ni sospechábamos, como es el caso del único instrumento de viento -conocido al menos- que se ejecuta aspirando, además de percusiones y cuerdas, instrumentos en los que, en las propias palabras de integrantes de Aurha "hay mucho más que un cuerpo físico que produce un sonido, y merecen nuestro más profundo respeto" y en que están depositadas las tradiciones de pueblos tan lejanos geográficamente como cercanos en espíritu. Todo esto complementado por teclados electrónicos, ya más familiares a nuestros oídos, guitarras, saxo, clarinete, bajo, batería y canto.
La sala de la SCD, especialmente diseñada para conciertos, acogió perfectamente la actuación de Aurha, con un equipo de iluminación manejado con sensibilidad, y un despliegue de amplificación que sirvió al mensaje sonoro de estos seis músicos.
Pero hacía frío esa noche de miércoles, las calles estaban vacías y en la sala había poca gente; en resumen una vez más sólo unos pocos privilegiados reciben una ofrenda que está destinada a todos, sin excepción. Una vez más el artista está sólo -o casi sólo- con su magia, con la obra de tanto esfuerzo. Los músicos de Aurha también merecen una audiencia multitudinaria.
Aurha es música del mundo, pero posee también la personalidad de sus integrantes, constituyendo así una pieza artística original y única, que vale la pena escuchar.
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Entrama
En la Sala SCD

de www.entrama.scd.cl La Sala de la Calle Santa Filomena, estaba llena este 24 de junio, a pesar de ser martes. Es que Entrama tiene, luego de unos siete años de existencia, una gran convocatoria, al menos entre los conocedores y cultores de las artes musicales en nuestro país, y varios de sus integrantes poseen ya un renombre de respeto.
Esta presentación se enmarcó dentro del ciclo de conciertos "La Música que viene", organizado por la Escuela de la SCD, y en ella Entrama se desplegó como una unidad extremadamente bien ensamblada, y desbordante de energía creativa.
En 11 temas, más dos bis, nos llevaron en el viaje musical de sus nueve integrantes, por música de Chiloé, ritmos Mapuches, evocaciones Célticas, las cercanías del Tango, el Joropo, las raíces Africanas, evocaciones Incas, Mayas, la música de Brasil, la Cumbia, con una mezcla de las sonoridades de acordeón, flauta, guitarra, cello, bajo, charango, tiple, batería, kalimba, congas, y un trabajo de percusiones muy bien integrado, como las necesarias y expresivas aristas de una pieza escultórica.
Esta verdadera orquesta, que a ratos nos recuerda a Inti-Illimani, a ratos a Hermeto Pascoal, otras tantas veces a Flairk, o a Gentle Giant, explora la música con conocimiento, imaginación, entusiasmo, creatividad y aventura. La emoción compenetra la música en todos sus aspectos, en su estructura compositiva, rítmica, en su inspiración, y también en el escenario.
En la música de casi todos los temas, se plantean y desarrollan varias ideas sucesivas, adentrándose en lo polifónico, variando a veces los centros tonales hasta no saber en qué tonalidad descansa el tema, o bien incursionando francamente en la atonalidad, dando a las ideas musicales un tratamiento armónico intencionalmente refinado y conceptual.
El aspecto rítmico es tan complejo como el armónico, manejando a veces estructuras binario-ternarias, o cifras compuestas que, a pesar de lo que pudiera esperarse, no suenan ni pedantes ni forzadas, sino como consecuencia natural del devenir musical.
Los arreglos de Entrama son colorísticos y bastante complejos, desarrollando atmósferas variadas, y haciendo gala de una ejecución tan precisa, que a veces da vértigo, aunque no está exenta de humor y cordialidad.
Se destacó la participación, en uno de los temas, de Claudio "Pájaro" Araya (Huara), que con su personalidad ligeramente cáustica, intervino en Cajón peruano, comandando el ritual de ese momento. Raras veces se puede escuchar tan bien logrado el sonido de este instrumento, como en sus intervenciones en esta actuación, llegando a un máximo, cuando en el primer bis, Entrama -apoyado por un formidable trabajo de sonido- desarrolla una increíble mixtura entre éste y la batería, en ritmo de 7/4.
En su entretenida búsqueda de las fronteras de la musicalidad de las raíces del continente, este grupo de músicos chilenos habita las antípodas de la ramplonería musical que parece invadir los espacios mediáticos. Para apreciar y disfrutar su música no es necesario saber de teoría, composición, historia de la música, o haber escuchado mucha música indoamericana, la emoción -y la diversión- supera todos esos tópicos; sin embargo es necesario tener un espíritu inquieto, humor, sed de aventura, y ayuda mucho haber adquirido algún somero conocimiento de los misterios de la alquimia musical.
Tiene razón el maestro Tomás Lefever cuando manifiesta su admiración por la búsqueda de una "América para uno" de, entre otros, Entrama.
Músico en Chile, 2003

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Vásquez, Correa, Del Campo Trío
Fusión

Este es un grupo de músicos ex-alumnos de la escuela de la SCD, un "trío" poco convencional, ya que aunque su nombre evoca, por mera costumbre, a un grupo de corte jazzístico, más aún cuando en el anuncio del concierto aparece la palabreja "fusión", ese día 26 de junio de 2003, nos encontramos en la excelente Sala de la SCD de calle Sta. Filomena, con una propuesta más bien cercana a lo que algunos llaman "música pop", es decir parecida al sin fin de productos industriales que rebalsan los medios de comunicación. De hecho, el cantante y pianista Eduardo Del Campo manifiesta durante la persentación "queremos cultivar el estilo pop-folk", un pie forzado no demasiado preciso por cierto.
Me parece que en este grupo hay fuerzas creativas que aún no se decantan definitivamente, permaneciendo por ahora en incómoda convivencia. Una es la tendencia al cultivo esmerado de la forma musical, del mensaje estético y la manifiesta voluntad de abrir los oídos a la tradición vernácula de este rincón del mundo; otra fuerza motriz parece ser el acercamiento a una tradición más contemporánea, que tiene que ver con las obras de artistas más presentes en los medios industriales, rozando a veces ciertas características de lo que alguna vez se llamó "rock argentino". La voz característicamente aguda de Del Campo lleva casi inevitablemente a asociar las canciones del trío con artistas como Pedro Aznar, Silvio Rodríguez, Oscar Andrade, Luis Alberto Spinetta, Hugo Moraga, o a ratos Alvaro Veliz, aun considerando las distancias más o menos siderales que puedan mediar entre los ejemplos citados, y entre estos y Vásquez, Correa, Del Campo Trío.
Haciendo gala de una ejecución brillante, el trabajo tecladístico, junto con los textos poéticos, es el ancla principal de la música de este grupo -aunque a ratos el teclado es reemplazado por la base de guitarra del múltiple Daniel Vásquez- ambos complementados por una sólida y precisa base rítmica. El bajo de Farías (el cuarto del trío) y la batería de Cristian Correa funcionan en forma impecable, aunque tal vez ellos están un poco distanciados, un poco flemáticos respecto al sentimiento puesto en juego en las canciones. De cualquier modo, la presentación de Vásquez, Correa, Del Campo Trío nos mostró a un grupo musical en evolución, con una gran base imaginativa y de conocimientos en el oficio de la creación e interpretación musical, dándonos también un respiro dentro de un conjunto de discursos quizá a veces más pretensiosos que lo conveniente, o lo posible
Nos entregaron ocho canciones inspiradas, agradables, entre las que destacamos la hermosa canción "Mi Suerte", sin grandes pretensiones formales, pero en las que tampoco se renuncia a explorar la belleza de la naturaleza musical, como suele suceder en la mayoría de los productos "comerciales". Pudimos además disfrutar, en cerca de una hora de actuación, junto al excelente desempeño de los instrumentistas y cantante, de exploraciones armónicas, timbrísticas y rítmicas interesantes, que denotan la intención de crear mundos nuevos, y el conocimiento necesario para lograrlo.
Vásquez, Correa y Del Campo serían un gran acierto en algún programa de televisión... si existiera alguno apropiado para recibirlos.
Músico en Chile, 2003

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El Gremio
Vorágine musical

Comenzaron su actuación con una introducción en el teclado Roland que nos recordó levemente "Three Quartets" de Corea, para entrar de inmediato en un furioso despliegue de sonido y creatividad compositiva e improvisacional en el que se destaca poderosamente la guitarra de Paulo Parano y el teclado de Diego Aburto, secundados por una perfecta base rítmica, en que se mueven el bajo de Javier Barahona, la batería de Roberto Zamora, la batería Octopad y percusión de Cristobal Tobar y las percusiónes de Gabriel Vazquez, quien hizo además de presentador.
Tocaron siete temas, entre los que destacamos "La Pizza", y el 7/8 frenético de "Metropolis", precedido por un contrastante tema de atmósfera primitiva, que icluyó una sutil mención de los cantos Selknam.
Podría decirse que estamos ante un grupo de Jazz-rock que asimila las tendencias actuales de la "world music", por lo menos es el marco en que se mueven, con una tremenda energía de la cual estos jóvenes músicos -ex-alumnos de la escuela de la SCD- se hacen portadores, poniendo a disposición sus asombrosos recursos técnicos, talentos y sensibilidades.
Hoy en día, en que la música está presente a traves de grabaciones, radio, cine, televisión, cuando envuelve casi todas las actividades cotidianas, todavía es esencial la experiencia de escucharla en directo, a pasos del escenario, en el momento mismo de su génesis. Es vital el hacerse partícipe de esa instancia casi sobrenatural, y esa experiencia es la que nos brinda "El Gremio".
Sin desmerecer respecto a muchos de los músicos que hoy en día aparecen como "estrellas", al menos entre el escaso número de personas que han tenido acceso a esa información, "El Gremio" amalgama virtuosismo instrumental, conocimiento y pasión, generando empatía, emoción y admiración entre las butacas de la sala, a la que asistieron muchos jóvenes, seguramente estudiantes, músicos, y otros tantos aficionados.
Asistir a un concierto de "El Gremio" es una experiencia auditiva, intelectual y emocional en que la retroalimentación entre artista y público se establece en un plano paradojalmente carente de ruido, en el plano de las ideas y de los afectos, ya que ellos no hacen gala de estereotipos ni de los esperpénticos esfuerzos para captar la atención, tan caros a los artistas de los medios.
Músico en Chile, 2003

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Jacques Ammon, Eckart Runge
Duokonsert

24 de Julio, 19:30 horas.
Dos instrumentos, piano y cello, más dos músicos excepcionales, demostrando categóricamente que la música es un lenguaje universal, y que los géneros musicales no son una barrera para la más profunda emoción.
Eckart Runge, Alemán, desplegando precisión y las más increíbles e inéditas sonoridades en cello, armónicos, pizzicatos, glissandos, y una amplia tesitura, y Jacques Ammon, Chileno, extraordinariamente expresivo en el piano, mostraron además un gusto personal por el tango, entregándonos en forma impecable 3 obras de Piazzolla, y finalmente, cediendo a un segundo bis, una adaptación llena de emoción de la canción de Gardel "El día que me quieras".
Sumergidos en su tarea interpretativa se dieron el tiempo para sacar de las obras musicales su profundo vuelo, envolviéndonos en el significado inefable de obras de autores tan distintos como el padre J. S. Bach (Sonate g-Moll), el poeta Robert Schumann (Adagio und Allegro, op 74 ) (a veces nos parece tan lejano el espíritu del romanticismo de la Alemania de Schumann), el romántico Felix Mendelssohn (Lied ohne Worte, op 109, andante), el genio sin par Claude Debussy (Sonate, d-Moll), el misterioso Maurice Ravel (Pièce en forme de Habanera), y el contemporáneo innovador Astor Piazzolla, en su poco conocida dimensión de compositor de Fugas (Fuga y Misterio, Fuga 9, Canto y Fuga, Le Grand Tango, Libertango).
Piano y Cello se convierten en vehículos fieles del mensaje musical, sin obstáculos técnicos; la materialidad se deshace en el espíritu de la música. La gravidez de la materia, madera y acero, desaparece en la ingravidez de la energía vibracional. Porque sólo parte de la música se oye, el resto, su esencia, son ondas en las que vibra la totalidad, en las que cada átomo del intérprete y del escucha forman parte de la razón de ser. Esto se hace posible cuando el músico reúne cualidades excepcionales.
El Instituto Goethe se caracteriza por acoger en su sala las manifestaciones musicales -y artísticas en general- más sublimes. A esto ayuda la infraestructura, acústicamente perfecta y, sin duda colabora también la ubicación estratégica de la sala, en que es posible el silencio y el apartarse por unos momentos del infernal ruido urbano de Santiago.
Hay que estar atentos a la programación de la sala de Esmeralda 650, y a la carrera y discos (ya han grabado cuatro) del dúo, reconocido mundialmente, de Jacques Ammon y Eckart Runge.
Músico en Chile, 2003

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Pato Frutal
Actuación final

de http://www.patofrutal.8m.com Nos informan que el grupo de Jazz "Pato Frutal" se ha desarmado. No es nada raro que los grupos -especialmente los de Jazz- vayan cambiando, mutando, desarmándose y rearmándose; lo verdaderamente raro ha sido lo contrario.
Afortunadamente tuvimos la oportunidad de asistir a lo que fue probablemente la última actuación de Pato Frutal, en la Sala del Centro Cultural de Los Andes.
Ellos cerraron la jornada del 17 de Octubre, que contó con la participación, además, de la Orquesta Infantil Suzuki Song, y la Banda de Conciertos de Melipilla.
Seguramente debido a que la actuación se daba en el marco de la VII Temporada de Orquestas y Grupos Instrumentales Infantiles y Juveniles, la Música propiamente tal pasó a un segundo plano, con una recepción un poco condicionada por cuestiones más etarias que musicales, y un público más proclive, en general, a aplaudir las "gracias" de los niños, que a vivir la trascendente y esencial experiencia del arte sonoro.
Así y todo, Pato Frutal entregó una vibrante música enmarcada en el género desarrollado en el último siglo llamado Jazz. Tocaron cuatro temas, "Someday my prince will come", "A night in Tunizia", "What's your point?", clásicos del repertorio jazzístico actual, y el original de los integrantes Arenas y Mezko "Salto de Tirana", para terminar, a modo de bis, con "The chicken", tema emblemático del genial bajista eléctrico Jaco Pastorius.
Los músicos de "Pato Frutal" tienen mucho que decir -como grupo o como individuos- en el área musical que han elegido y con toda probabilidad su música será más apreciada en recintos en que la gente se reúna a escuchar música, léase el Club de Jazz u otros similares.
De todos modos, y a pesar de una sala quizás demasiado amplia, de una amplificación deficiente y una atmósfera un tanto afectada, disfrutamos con la entusiasta entrega de los, esta vez, cinco integrantes de la banda, en que se destacó la inspirada ejecución de Diego Urbano en vibráfono, y las intervenciones de Franz Mezko en Saxo tenor y Rodrigo Arenas en Trompeta, acompañados por la Batería de Gonzalo Ortega y el Bajo eléctrico de Fabián Guerra.
Saludamos a los músicos de Pato Frutal, y esperamos escucharlos nuevamente.
Músico en Chile, 2003

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Recital de Viola
17 de Noviembre de 2003

Tabea Zimmermann, Violista alemana Actuaron: Oliver Ibañez, Natalia Bauer, Yocelinne Huiliñir, Angela Guerra, Cesar Aracena, Leonardo Rojas, Mitzi Becerra y Tamara Molina, alumnos de la cátedra del Profesor Pedro Poveda, y durante el recital escuchamos el siguiente diálogo en la platea:
- ... Este recital me está dando sueño...
- Es que cualquiera se aquieta con esta múúsica, tan lejana del ruido ambiente de este pequeño -o gran- infierno llamado Santiago...
- No, lo que pasa es que el show es aburriido, no hay animador, ni fanfarrias, ni bailarinas, ni cambios de luces...
- Tampoco hay un presupuesto gigantesco coomo en los programas de tv que algunos tienen por costumbre disfrutar...
- Además no hay micrófonos ni parlantes, nni efectos de sonido...
- La acústica de la Sala Isidora Zegers peermite que uno escuche el sonido real de los instrumentos...
- Entiendo eso, pero ¿para qué un recital de Viola?, y más encima de unos jóvenes que -perdóneme usted- algunos no tienen demasiado dominio... ¡Y esa música!
- No muchas personas tienen la fortuna de poder conocer o haber escuchado música de autores como Tartini, o Diabelli, o Kodaly, y menos de poder disfrutarla.
Es que hay que abrir un poco los oídos, para poder maravillarse... claro que muchos están tan sordos que, y con esfuerzo, podrán escuchar los ensordecedores tambores que hoy por hoy parecen requisito para la música; y una gran mayoría está tan embrutecida, alterada o narcotizada que necesitan el estímulo de un martillazo en la cabeza para sentir algo, y un martillazo regular, para percibir ritmo.
¿No es su caso?
- Por supuesto que nó; eso es una exageracción en defensa de este recital. La Viola es un Violín grande, un Violín torpe, es un instrumento que siempre ha sido integrante de una orquesta, casi nunca solista, porque no tiene potencia. Además algunos de los músicos ni siquiera usan vibrato, y la pianista toca tan parejo, es como estar en una sala de clases; y la música es anacrónica.
- Sin duda si usted o yo intentáramos haceer imitación de la ejecución de Patricia Castro, la pianista, nos encontraríamos con que lo que ella hace con la mayor naturalidad es una proeza casi inalcanzable, y lo mismo, creo yo, corre para lo que están haciendo los solistas.
Lo que pasa es que, aparte de lo que implica desde un punto de vista académico, aquí los músicos no están para lucirse personalmente, sino que nos están entregando (y gratuitamente) un tesoro que ha sido cultivado por años y años, esperando encontrar la recepción que merece en el espíritu humano.
- No me explico qué utilidad puede tener eeso que usted menciona, de guardar y estudiar una música que nadie va a escuchar. Y no entiendo cual es el mercado de este recital, con razón la sala está medio vacía, a pesar de que es gratis...
- Si hubieran puesto avisos en las micros,, o unas gigantografías, prometiendo algunos premios en dinero de pasada, con sugerencias eróticas, arribistas, caritativas, o snobistas, o con amenazas a la seguridad de sus hijos, a lo mejor estaría lleno, aunque igual no les interesaría la música, en lo más mínimo, pero dígame, ¿valdría la pena?
- No sé; a lo mejor con más marketing, conn unas promotoras,o unos canapés, o unos juegos infantiles, para atraer tambien a los niños, y con otra música Porque deberían difundir más la cultura, si tanto les preocupa, hacerla más accesible a la gran masa de consumidores, hacerla más comercial, por ejemplo, tocar esas músicas ¿cómo se llaman? esas del "Efecto Mozart", ..... "platapapán".... por ejemplo...
- ¿O tranmitiéndola por la tv? ¿o en la "ccultura entretenida" que equivale a decir "la cultura es aburrida, pero nosotros se la haremos tragar con algo de entretención, sobre todo para que tenga a sus niños alejados de los peligros de la calle"
¿O sugiere que se desnaturalice esta música, para adaptarla al gusto de los sin gusto?
- Ingeniosa frase, aunque no muy original.. Mire, ya han actuado ocho solistas, y ahora viene por fin un grupo. Ahora la cosa suena un poco más contundente, y hay hasta un piano digital, claro que suena como un antiguo clavecín...
- Yo creo que hemos asistido a un momento en la vida que no tiene precio, porque la música -¡y qué musica!- ha sido entregada con total generosidad y con la humildad propia de los verdaderos artistas, y por lo demás sólo en la tv se ocultan los errores técnicos, las notas falsas, el humano nerviosismo, bajo una lluvia de gritos histéricos y una cáscara de carísimos -e inútiles- trucos técnicos. Eso por no mencionar que jamás en ese tipo de espectáculo se pretende levantar la vista de lo más bajo, ni de las emociones más brutales, que como el martillazo en la cabeza, es seguro que causarán su efecto en la maltratada, encallecida y estropeada mente del espectador...
- Es posible que así sea, pero es lo que eel público quiere; porque nadie anda buscando ni preguntando ¿qué hay ahora en la Sala Isidora Zegers?, y sí miles y miles encienden el televisor todos los días, y lo comentan al otro día. Además, por el Paseo Huérfanos, o por la calle Compañía a esta hora pasan cientos, quizá miles de personas, que podrían repletar varias veces esta cómoda sala. Realmente no me parece entendible que haya gente dedicada a cultivar un arte que tan poca utilidad deja. Algo no me cuadra.
- ¿No le parece que este recital es como ppara decir que aquí sí que están los verdaderos "protagonistas de la música", (con el verdadero significado de la palabra "protagonista") y que tienen harto más sabor, y resultan muchísimo más entretenidos que los de la tele?
- En eso estamos de acuerdo
Músico en Chile, 2003

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Virtual
30 de junio de 2004

Virtual Patricio Morales en guitarra eléctrica, Roberto Acuña, guitarrista, trompetista y bajista que esta vez hubo de reemplazar a Mauricio Olivares en bajo, Raul Mora en saxo tenor y Erico Olivos en batería, actuaron el día Miercoles 30 de junio de 2004, a eso de las 19:30 en la sala del Instituto Chileno Norteamericano de Cultura.
La identidad de Virtual va de la mano con la música y forma de tocar de Patricio Morales, autor de todos los temas, -entre ellos Elegía, Pulso 16, Medieval, Pablo (dedicado a su hijo), Aguas, Crepúsculo, Funka, Encuentro- aunque es vital el apoyo e intervención creativa del resto de sus músicos, y sobre todo, en este caso, el trabajo gestor del baterista Olivos, a quien hemos visto en muchas oportunidades empujando el pesado carro de las producciones de conciertos de grupos de música propia.
Si no fuera por las inhumanas dificultades que el medio cultural chileno opone con porfía incansable a sus propios artistas, esta -y otras agrupaciones artísticas- tendría el lugar que le corresponde, y sería el grupo de Patricio Morales, acompañado esta vez por Olivos, Acuña y Mora. En el jazz es común la personalidad individual, más que la expresión grupal.
La guitarrística y musicalidad de Morales es personal -aun cuando detectemos varios giros que son familiares para los conocedores de las corrientes del jazz y la fusión jazzística contemporánea-, con una cualidad que podría decirse aérea e introspectiva, no exenta de magia, y ha sido desarrollada a traves de largos años de aprendizaje, enseñanza y avatares, deambulando entre el limbo incoloro de la creación enclaustrada y la participación en grupos que ayuden a sacar a flote su expresión musical.
La infraestructura del Instituto no permitió sin embargo apreciar a cabalidad la sonoridad guitarrística de Morales, quien utiliza los recursos MIDI de la guitarra, recursos que necesitan un tratamiento sonoro especial, aparte del sonido puro de la guitarra eléctrica. Claro que esto hubiera implicado un tratamiento de amplificación de todos los instrumentos, mayor inversión en equipo y personal de sonido, más horas de instalación y prueba de sonido, y más gasto de transporte, tiempo y personal ayudante, todo lo cual precisa de recursos económicos que no están disponibles.
Virtual tocó 13 temas, incluyendo algunos standards de jazz -requisito del ICN- como Footprints, Cantalupe Island y una extraña versión de On Green Dolphin Street, en la cual repitieron la mitad de la parte A antes de tocar la segunda mitad.
A pesar de ser con entrada liberada, hubo sólo unas cinco personas en la sala, lo que demuestra que o bien nadie avisó, o nadie supo, o bien nadie quiso ir a perder su tiempo en la recreación del espíritu que es participar en el ritual de la creación musical. Sería bueno que pudiéramos ponernos de acuerdo por lo menos en esto de si queremos o nó tener una vida espiritual, o si sólo vivimos -como zombies- para subsistir, porque en ese caso, mejor nos vamos para la casa señores músicos, que no vale la pena siquiera intentarlo.
Músico en Chile, 2004

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Carmen Aguilera y Trío
Instituto Chileno Norteamericano de Cultura

Pianista, compositora, cantante, Carmen Aguilera se mueve cómodamente en la gran tradición musical europea, de la que es tributaria en parte, a la vez que adopta los "nuevos" modos armónico-rítmicos surgidos en América, a partir del siglo XIX, y evolucionados ampliamente en el siglo XX, en el llamado Jazz, Jazz-Fusión, etc.
Cultiva y desarrolla un gusto por el Jazz heredado de generaciones anteriores de músicos chilenos profesionales, a veces llamados "cultos"; no hay que olvidar a Pablo Garrido, o a Guillermo Rifo con sus grandes experimentos de "Latinomúsicaviva", "Aquila" y otros -por nombrar sólo a dos. La atención y energía volcada por músicos "académicos" al Jazz se debe en parte a que esta fue desde el principio una vertiente musical extraordinariamente vital, mientras lo "académico" se sumergió en experimentos más individuales, sombríos o crípticos.
Con todo, en esto del culto jazzístico se puede distinguir dos tendencias básicas: La una es la de "música de repertorio", a lo que agregaría "música mimética", y la otra es la de recreación, a partir de las obras y conquistas aportadas por las generaciones precedentes.
Carmen Aguilera se ubica en esta última corriente, creando nuevos temas musicales, y desarrollando un discurso "de cámara" que tiene mucho que ver con su personalidad y quehacer de Música (¿cual es el femenino de "Músico") Profesional.
Hay que destacar la colaboración sobria, perfecta e inspirada de Ivo De La Rivera y Carlos Delgado, en batería y contrabajo respectivamente, aunque una audición tan efímera como la que tuvimos en el Instituto Chileno Norteamericano a las 19:30 del 16 de Diciembre, no basta para aprehender esta, o ninguna música.
Por eso es preciso tomar nota de que Carmen Aguilera ha grabado un registro en CD que incluye 18 temas, 16 de los cuales son de su autoría, a traves del cual seguramente podremos comunicarnos mucho más directamente con el universo que ella nos presenta.
Músico en Chile, 2005

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Milton Jara
Con Mauricio Olivares, Carlos Corales y Patricio Morales

A veces pasan cosas raras.
El 18 de diciembre de 2004, en la Casa de la Cultura de San Bernardo, calle América altura del 500, en el gran patio interior de la casa, hubo un concierto de "Fusión". Asistieron unas 80 personas, muchas de ellas atraídas por la prometida participación del renombrado guitarrista Carlos Corales (Aguaturbia, Panal, tv).
Pero el comando de la situación estaba a cargo de Milton Jara, incansable baterista -debo decir músico- sanbernardino. Participaron también, no hay que dejar de mencionarlo, el guitarrista Patricio Morales y el bajista Mauricio Olivares.
Fue un concierto alejado de los rimbombos de los grandes eventos mediáticos y con una sustancia también alejada, aunque en el sentido contrario, de los espectaculares esperpentos que suelen publicitarse por ahí a grandes voces. Tremendo esfuerzo organizativo, tremendo resultado musical.
Aquí estuvimos en el espíritu del jazz, ya que cada uno de los músicos aportó su propia creatividad sobre el escenario, no hubo ensayos generales y la única guía común eran los papeles. Cada músico aportó su personalidad, conocimiento, trayectoria y entusiasmo para generar una música viviente.
Jara nos deleitó con un baterismo lleno de inteligencia, motor de la máquina musical -sin dejar pasar la ocasión de lanzarnos un solo perfectamente logrado, uno de los puntos en que la un tanto perpleja y distante audiencia se vio impelida a aplaudir. A Jara se sumó el bajo de Olivares, permitiendo el cómodo despliegue de Corales en su dimensión menos conocida, y debo decir que pletórica de musicalidad, con todo su personal lenguaje desarrollado a partir de sus particulares influencias.
Morales dialogó de igual a igual, -o de diferente a diferente- con Corales sobre la marcha, aportando un color armónico y solista más etéreo, que complementó el discurso guitarrístico. Pocas veces se tiene la ocasión de escuchar simultáneamente a dos guitarristas cuyas personalidades contrastan y se complementan tan nítidamente.
Tocaron algunos temas "standard", Blue Bossa y todo eso, música del propio Carlos Corales, el conocido tema de Misión: Imposible, en su versión binaria, aunque los temas musicales siempre fueron un pretexto para la creación viva, ahí, en el escenario, de estos cuatro excepcionales músicos.
En resumen, un grupo de músicos que podría crecer en cada presentación, y que siempre -si es que tocan juntos de nuevo- nos deparará buenas experiencias.
Músico en Chile, 2005

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Eduardo Browne y Johannes Brahms
en la Plaza de Armas

Eduardo Browne, Johannes Brahms En la Plaza de Armas de Santiago sucede todo tipo de eventos las más de las veces de destemplado tenor; a veces sin embargo -muy rara vez- se transforma en una isla de paz dentro de la demente ciudad llamada Santiago.
Es lo que sucedió el 26 de Febrero pasado, cerca de las 20:00 horas, cuando, desde un escenario instalado frente a las puertas de la Catedral, Eduardo Browne -que es uno de los pocos maestros de directores en nuestro país- dirigió a la Orquesta Filarmónica, entregando al público presente una versión de la Sinfonía Nº 3, de Johannes Brahms.
A la tranquilidad necesaria para tal empresa ayudó el hecho de que los domingo el tránsito en esa parte de la ciudad es mucho menos febril -casi humano, diría yo- que el resto de la semana.
Había bastante público, cómodamente instalado en una cantidad adecuada de sillas, escuchando a través de un sistema de amplificación adecuado y muy bien manejado; claro está que amplificando una orquesta sinfónica es difícil caer en los chillones y poco saludables excesos que se puede sufrir en otros eventos musicales; pero también es cierto que amplificar una Orquesta Sinfónica no es tarea para un pone-discos precisamente, y tiene sus secretos y riesgos.
Previo a la música misma, una charla de Browne -que a ratos nos recordó a Jorge Dahm en el Municipal por los años 70-, intentó acercar la Sinfonía de Brahms al auditorio, asociándola con un programa que recorre la vida humana, insertando breves trozos de los movimientos de la obra, a modo de ilustración.
Para algunos de los presentes -especialmente aquellos padres preocupados de la educación de sus hijos, por hoy bastante incierta y azarosa, aunque ellos mismos no tuvieran ni idea de lo que estaba pasando- puede haber sido muy instructivo y reconfortante recibir una explicación y una justificación ilustrativa de la música; a muchos nos sucede, cuando contemplamos una obra plástica, que el título de dicha obra, o una descripción de sus circunstancias nos ayuda a aprehenderla, a asociarla a nuestra propia experiencia.
Por otra parte, cuando se escucha una música que no tiene mucho que ver con la cultura y vida diaria, es un buen pretexto asociarla con algo familiar y cotidiano, para aceptar escucharla.
Luego de esta charla, pudimos recrearnos en la excelente interpretación de la obra del músico alemán, una de las cumbres de la humanidad de todos los tiempos.
Músico en Chile, 2005

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Rudy Wiedmaier
presentando su disco "Hotel Teillier"

Teillier , Wiedmaier Poesía de Jorge Teillier (1935-1996), Música de Rudy Wiedmaier, en Matucana 100, presentado por el músico y escritor Cacho Vasquez ("Corazón rebelde").
Una síntesis entre la poesía de Teillier y la música de Wiedmaier, el primero con su arraigo en el recuerdo y la nostalgia, su esperanza de reencontrar el paraíso perdido -inevitablemente perdido, disolviéndose en el sueño y en un mundo cotidiano absolutamente desolado; el segundo con una tremenda energía que se traduce en perplejidad y furia ante un presente que carece incluso de paraísos perdidos (y ni siquiera puede pretender alcanzar un sueño, ya que no es capaz de soñar).
Rudy Wiedmaier, de la mano de Teillier, busca encontrar esa luz olvidada, que él mismo sabe que no existe.
Wiedmaier es un músico -y poeta, como Teillier- único en su categoría, aunque cualquiera puede alegar que en su discurso se transparentan variadas influencias, ¿y quién no las tiene?, ¿es acaso una culpa?.
De ninguna manera, pero en algunos medios se acostumbra exigir lo imposible, especialmente a quien presenta una obra personal, no inscrita en los deprimentes catálogos del arte mediático. Lo que para artistas de mediocres horizontes es una virtud, para el creador es un pecado... bonita contradicción.
En las dos horas de espectáculo, que unos doscientos elegidos pudimos recoger, Wiedmaier estuvo acompañado por (Tiburón Verde) músicos de gran (y poco usual) solvencia -entre ellos un hiperquinético Wolf (bajo), Iván Djaber (batería), Mono en Orbita (teclados y voz), Alfredo Rossel (guitarras), Angélica González (voz), y -más conocido por ser uno de los actuales "músicos de Charly García"- Kiuge Hayashida (guitarra y voz), y mostró además temas propios ya reconocibles por quienes hemos escuchado algo de su obra y trayectoria ("Sol de la capital" y otros).
Aparte de Jorge Teillier, estuvieron presentes en espíritu (¿de qué modo menos siútico decirlo?) el poeta y músico Genaro Sandoval (cuya obra fué y permanece ignorada), Eloy Alquinta, George Harrison, John Lennon y otros que todavía habitan nuestro planeta, como Charly García, Jimmy Page y Luis Alberto Spinetta.
Si hemos de buscar una categoría, esto podría llamarse "Rock de Hielo", hielo en llamas, porque Rudy Wiedmaier nos increpa con su presencia, nos abofetea con su guitarra rebelde -ese golpe de la Telecaster en el pedestal del micrófono nos dolió, Rudy-, nos crispa con textos cantados con una voz que se desgarra junto con el corazón, nos lleva a territorios en que alegría y tristeza adquieren una realidad casi fluídica; nos quema y nos congela desde el escenario.
El arte exige respuestas.
Después -y antes-, la abrumadora soledad de Matucana, la bestial tragedia humana en Alameda, la ciudad triste, el país sangrado, el planeta condenado.
Músico en Chile, 2005

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Manolo Acuña y Mundo Stress
14 de Abril de 2005

Cuando uno trabaja en esto de andar tocando música, a veces se encuentra con personas que quieren desarrollar su propia obra (a veces a uno también le toca buscar ayuda para tocar música propia).
Así fue como empecé a trabajar con Manolo Acuña, a fines de los 90. El ha recorrido ya varias estaciones en esto de la música, aunque entre sus trabajos más destacados está el haber sido integrante del grupo Amauta, una de las figuras del mítico Canto Nuevo, que vivió entre nosotros en los años 80, extinguiéndose a partir de los 90.
Manolo también figura en un disco (New Moon), hecho en Bélgica, del músico Abdelli -dudo que muchos lo conozcan, pero si lo encuentran por ahí se los recomiendo.
Esta actuación en el Pub La Rosa, el local de Peñalolen dirigido por Alexis Venegas, es el debut de Acuña como solista, presentando un grupo de canciones de factura propia, que figuran en el disco "Manolo Acuña" que produjimos hace unos cuatro años, y que todavía no encuentra difusión.
Y, como todo debut, fue algo nervioso, con algunos tropiezos técnicos, menores por cierto, pero con mucha musicalidad, o "duende", como dicen los Flamencos.
No sé si la emoción de estas canciones habrá alcanzado a todos quienes asistieron, pero sin duda son muy sensibles, trasuntando genuina humanidad y universalidad en su particularidad, como suele suceder con las obras musicales de artistas del calibre de un Hugo Moraga, un Silvio Rodriguez, un Caetano Veloso, un Chico Buarque, un Paolo Conte, un Joan Manuel Serrat.
Seguramente no soy yo el mejor crítico en este caso -no pretendo serlo, pero de todos modos quiero consignar esta primera actuación de Manolo Acuña como solista, acompañado de Juan Espinoza en guitarra, Sebastian San Martín en bajo e Iván Toledo en teclado y secuenciador-, y finalmente agradecer el ser partícipe del trabajo de este artista chileno.
"Sube... aunque todo vaya abajo..."
Músico en Chile, 2005

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La Flauta Mágica, para niños
29 mayo 2005

Música reducida
Historia reducida
Escenografía reducida
Precio reducido
Admirable trabajo de cantantes y ambos músicos, especialmente de Leonora Letelier en piano y celesta.
Músico en Chile, 2005

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IV Festival de Orquestas Juveniles
El crecimiento de un país

Aunque para muchos parezca increíble, existen hoy unas 170 orquestas juveniles e infantiles repartidas en Chile; de estas, 10 participaron en este Festival, mostrando parte de los frutos actuales de iniciativas y trabajos que se iniciaron en los años 60, y que, luego de un demasiado extenso letargo, fueron retomados, culminando con la creación en 2001 de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles de Chile.
Por otra parte se demostró categóricamente la potencialidad de las personas, cuando son niños y jóvenes, si se tiene el buen tino de trabajar en la creación de las condiciones propicias para su crecimiento, crecimiento al cabo de todos nosotros.
El Domingo 3 de Julio de 2005 en el Municipal, pudimos escuchar Música de autores diversos: Holst, Vivaldi, Rimski-Korsakov, Piazzola, Bartok, Boyce, Weill, Lizama, Cornejo, Terán, Bizet, Los Jaivas, Svendsen, Anderson, Perez, Bianchi, Piemé, Márquez, Schumann, Mussorgski, Smith, Bach, Purcell, Küchler, Delibes, Strauss, Mozart, Grieg, Parra, en las manos de unos 200 músicos y de los directores Felipe Hidalgo, Sergio Alvarado, Karina Zelaya, Manuel Fuentealba, Alexis Velásquez, Heike Catalán, Américo Giusti, José Luis Domínguez, Patricio Cobos; pero sobre todo, pudimos experimentar la riqueza de la obra de arte, la creatividad, entusiasmo, disciplina, trabajo, entrega, todo lo cual dice que la humanidad tiene un objetivo y un destino distinto a los limitados horizontes que nos muestra un sobrevalorado acontecer repleto de miedo, violencia y desesperanza.
Definitivamente fuimos partícipes, junto con aquellos músicos y trabajadores, de una gesta que sí tiene mucho de regenerador, heroico y benéfico.
No podemos desaprovechar esta oportunidad para reconocer a las muchas personas cuyo trabajo permite que todo esto suceda: Jorge Peña Hen, Fernando Rosas, Luisa Durán, José Urquieta, Claudio Pavez, Américo Giusti, Pablo Matamala, Guillermo Rifo, entre muchos otros.
Parece que, después de todo, la Historia no ha terminado.
Músico en Chile, 2005

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Un ensayo con Zubin Mehta
15 Agosto 2005

No es la primera vez que la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil es guiada por la batuta (es un decir) del director de origen Indio, actualmente Director Vitalicio de la Orquesta Sinfónica de Israel, con la que se presentaba esa misma tarde en Santiago- Para muchos de los músicos presentes ese ensayo constituirá un hito que comentar por mucho tiempo; para otros bastará, para estar orgullosos, con haber llegado a constituir esa gran orquesta.
De todas maneras Mehta es Mehta, con la altura y el brillo de un Bernstein, un Toscanini, un Kharajan o un Rattle y con la sencillez que caracteriza a todo grande, hay que mencionarlo.
Pocas veces tenemos la oportunidad de compartir un espacio con gente de esa talla, pero no hay que dejar de agradecer el trabajo de los que, junto al director, trajeron una vez más a la vida esa monumental obra, la 3ª sinfonía, del por tantos venerado genio aleman Ludwig Van Beethoven, empezando por los propios instrumentistas. Mencionar obligadamente el trabajo preparatorio -la auténtica dirección de la orquesta- de Eduardo Browne, quien está desarrollando hoy por hoy un trabajo extremadamente valioso en nuestro país, colaborando en la creación de un sustrato artístico nunca antes existente en Chile que, si hay alguna justicia, debiera aportar en un tiempo frutos benéficos a nuestra alicaída vida cultural.
Sí; porque indudablemente es de buen tono ir a un concierto de Zubin Metha -viste bien-, y puede ser hasta políticamente correcto (para más de alguien puede ser incluso una experiencia enriquecedora); pero de ahí a vivir la expresión musical, ocupar las herramientas intelectuales propias del género, establecer una comunicación artística, que puede hacernos levantar un poco la nariz y ver dimensiones un poquito más cercanas a lo civilizado que, dicho sea de paso, también existen aunque no sea más que en potencia, hay algún trecho.
Para allá va la cosa, espero; pero mientras, en el camino, grande Metha, grande la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, (sin dejar de considerar a todos los que sostienen la iniciativa) y grande Beethoven, para empezar.
Músico en Chile, 2005

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Mirar de Afuera
Rudy Wiedmaier, Ricardo Nanjari

Alguien me avisó, alguien me dijo, supe que...
Sin duda esta forma de llegar es una ventaja porque, ¿qué pasaría si en un matinal de tv, o en un noticiario, o a traves de avisos publicitarios, se hubiese avisado que el 23 de julio de 2005, a las 20:00, se mostraría una obra musical nueva y se lanzaría el disco "Mirar de Afuera", de Rudy Wiedmaier, basado en la poesía de Ricardo Nanjari?
Es difícil suponer las consecuencias pero, probablemente, por cada persona presente ese día en la sala del Centro Cultural de Los Andes, habrían llegado... digamos... ¿unas tres más?
Es decir, la sala se habría repletado, y probablemente hubiese quedado bastante público fuera de ella.
La gente que vive muy lejos del centro de Santiago, especialmente aquella destrozada por la jornada semanal, sin ganas de nada y sin ganas de invertir el dinero necesario para financiar un muy dudoso y peligroso transporte público, no habría llegado hasta Alonso de Ovalle, descartemos una buena cantidad de personas.
Pero aún así, quizá se habría necesitado hacer varias funciones, o repetir por un tiempo el lanzamiento de este disco.
Más todavía; si las radios anduvieran mostrando parte de este disco, como el inquietante tema "Viento Blanco", o la tv mostrara su interesante video-clip -así como nos machacan con numerosos artistas de dudosa constitución intelectual- quizá hasta algunas personas estuvieran interesadas en adquirir este disco, escucharlo con calma, aprehender su música y su poesía, vivirlo.
Y todo eso hubiera causado muchísimas incomodidades: fabricar más copias del disco, arrendar por varios días la sala, pagar más a los músicos, al equipo de sonido, al equipo de video, comprar más cuerdas y uñetas. Habría que disponer de más personal para acomodar a los espectadores, para el aseo, para seguridad, para entregar folletos informativos. Quizá si tanta repetición de un concierto acabaría aburriendo a los mismísimos Ronald Gallardo, Wiedmaier, Nanjari, Mono en órbita, Iván Djaber, Wolf, o hubiese molestado a alguno de esos para quienes el arte es un artículo decorativo, y no me vengan con tribulaciones.
Y también esto acarrearía problemas a varios conductores de microbus, que deberían trabajar más tiempo para poder transportar a toda esa gente y a muchos expendedores de artículos alimenticios varios... sería largo, y poco práctico, enumerar las numerosas y grandes desventajas que se crearían si a alguien se le ocurriera en Chile comunicar -utilizando los medios de comunicación- la existencia de las obras de los artistas, nuevas o antiguas; y por eso hay que concluir en que es lo mejor que los creadores -ya que se les ocurre existir- paguen su intrusión siendo ignorados y castigados por su desviada, poco competitiva y poco productiva naturaleza.
Es lo mejor que, luego de realizar un agotador esfuerzo de entrega, búsqueda y creación, el artista descanse, y se dedique a cosas de tan inefable naturaleza como manejar un taxi por 15 horas diarias, recolectar cartón en las calles por unas 10 horas diaras para entregarlo a acopiadores que, a su vez, lo entregarán para su reciclaje industrial; o trabajar por 10 horas diaras bajo las sabias órdenes de un jefe, como cajero de supermercado; o dedicarse a empleado vitalicio -hasta, más o menos a los 65 años, ser deshechado- de alguna de las numerosas empresas que hoy por hoy dan trabajo y medios de subsistir a los chilenos.
También está la descansada, mística y emocionante posibilidad de dedicarse al económico arte del ayuno, que si bien a poco le restará posibilidades de realizar cualquier otra actividad, por otro lado le evitará las numerosas frustraciones que la actividad creativa acarrea.
Me levanté solitario
Con la vista vendada
Con la lengua cortada
Y quizá ya sin alma
(R. Nanjari)
Músico en Chile, 2005
Información acerca de la obra en:
http://rudy-wiedmaier.lyrics-songs.com
http://www.ricardonanjari.com

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Ensamble de Bronces, para niños
Teatro Municipal

No se si este grupo de músicos, integrantes de la Orquesta Filarmónica, hace de este tipo de presentación un negocio remunerado, o si lo hacen como una forma voluntaria de dar a conocer a nuevos auditores las maravillas inherentes a los instrumentos de metal, o tal vez como una mera labor funcionaria, parte de las obligaciones de su puesto laboral.
El hecho es que su apuesta didáctica funciona de maravillas, logrando captar la atención no sólo de los niños presentes -a quienes estaba dirigida especialmente la presentación del Domingo 25 de Septiembre- sino además a todos los que disfrutan de una buena música, de un buen sonido, del buen humor y de aprender algo.
Uno de sus aspectos más acertados es que no pretendió arguir ningun pretexto para introducirnos en el mundo de estos instrumentos; porque por mero instinto, un artefacto sonoro, su sonido y la música que encierra siempre llamará la atención de alguien, incluso de muchos seres no humanos, y sólo será necesario guiar al auditor, y llevarlo de paseo por la música, para que descubra sus maravillas.
Esto, además de la excelencia del grupo y cada uno de sus integrantes -algunos tan destacados como el reconocido maestro Edward Brown-, ejecutantes de Trompetas, Cornos (Trompas), Trombones, Tubas, presentando además instrumentos menos usuales, como la "Tuba Wagneriana", instrumentos indígenas, o sencillamente mangueras de plástico, hace de un evento como este un grato y enriquecedor espectáculo, sin pretensiones, sin mayor boato, pero que se agradece por su calidad, musical y humana.
Músico en Chile, 2005

In Taberna / Dulce Jazz Band / Taller de Música Contemporánea / Arak Pacha / Manuel Huerta / Kloketen / Rudy Wiedmaier / Música Electroacústica / Chilhué / Ensamble Contemporáneo / Christian Galvez / Mireya Alegría / Carmen 340 / Coro Contemporáneo Quilapi / Kloketen / Héctor Pavez P. / Antonio Vasquez / Lucho Lebert / Andrea Pérez / Antonio Amaya, Fernando Escobar / Avenida 4 / Macbeth / Carmen Aguilera / Orq. de Cámara de Chile / Paula Barrientos, David Insunza / Aurha / Entrama / Vasquez, Correa, Del Campo Trío / El Gremio / Ammon - Runge / Pato Frutal / Recital de Viola / Virtual / Carmen Aguilera y Trío / Milton Jara / Eduardo Browne y Johannes Brahms / Rudy Wiedmaier / Manolo Acuña y Mundostress / La Flauta Mágica, para niños / IV Festival de Orquestas Juveniles / Un ensayo con Zubin Metha / Mirar de Afuera / Ensamble de Bronces, para niños / Carmen Aguilera y Otro Trío

Carmen Aguilera y Otro Trío
En la Sala Master

portada de 'Collage', de Carmen Aguilera Nuevamente tenemos la oportunidad de escuchar música de Carmen Aguilera -compositora, cantante y pianista- y Otro Trío: Luis Zuñiga en guitarra, Carlos Delgado en contrabajo y bajo eléctrico, Martín Reyes en percusión.
Hemos visto a este grupo musical evolucionando y consolidándose en ya más de tres años de trayectoria pública -poco usual es que un grupo "jazzístico" permanezca, trabaje un repertorio exclusivo, crezca cohesionado.
Escuchar a Aguilera y sus -a veces sentimentales a veces poseídas de un suave humor- canciones (notables los unísonos y solis de voz y guitarra en "Dreams" y "With my mind"), su sólido pianismo (con eléctricos y contenidos solos en "With my mind" y "Contemplation"), la guitarra, bajo y percusión de Otro Trío, con ejecución perfecta y el protagonismo preciso- como sucede cuando nos encontramos con una obra genuinamente artística, es una experiencia que mueve sentidos e intelecto, que tanto apela al sentimiento como a la reflexión acerca de las formas artísticas, y porqué nó, a atrevernos a explorar los caminos creativos que cada persona tiene frente a sí.
No se puede -y sería irrespetuoso- tomar el arte de Carmen Aguilera y Otro Trío y ponerlo como en un insectario, para criticarlo, viviseccionarlo y compararlo con otros; no se puede poner en una tabla de popularidad, no se le puede hacer competir en una carrera en pos de magros premios festivaleros o estériles éxitos marqueteros; su éxito está en sí mismo, en una música personal -como una carta dirigida a nosotros, quienes le oímos- sin concesiones a las cortapisas del arte industrial y con indudables referencias a muchos músicos y artistas que han marcado sendas (ella dedicó el primer tema "Walk" a Duke Ellington), especialmente en lo que respecta al Jazz, género en el cual Carmen Aguilera y Otro Trío han elegido enmarcarse.
Cuando el artista es honesto, en su arte está contenida su persona plena, siendo la obra una respuesta a la vez que interrogante, en un diálogo sutíl cuyo vehículo en lugar de palabras son formas, sonidos, yuxtaposiciones armónicas, interferencia síquica y la energía sólida que presiona, pulsa cuerdas, golpea tambores, creando en forma instantánea en un diálogo entre los músicos, con los auditores presentes en la sala, y esta vez también con quienes escucharon la radio de la Universidad de Chile ese día domingo 8 de enero a las 12:00.
La música de Carmen Aguilera -presentó 10 temas, algunos de los cuales están en su disco "Collage", ya disponible- no intenta imitar una forma estilística -de hecho evoca tanto lo modal, el swing, el latin-jazz, la música pop, la atonalidad y quien tenga conocimientos especializados podrá desgranar otras fuentes-, sino que tiene su propia pluma, que será apreciada por quien tenga el oído preparado y el espíritu dispuesto a encontrar verdades.
Músico en Chile
2006

Lucho Lebert Una voz de los ochenta
23 de Enero, Tercer Ciclo de Lecturas Intergeneracionales, Biblioteca Nacional. Otra sesión de Poesía, Relatos y Trova, de la Corporación Letras de Chile, esta vez con la participación, en la música, de Luis Lebert. El es uno de esos artistas que hicieron resonar la cultura chilena por allá por los ochenta. Lebert y los artistas surgidos en ese tiempo -por una cuestión generacional, y por las anómalas circunstancias políticas del momento- contrastaron con artistas como Manss, Alarcón, los Parra, Pavez y otros, de quienes estuvieron rotundamente desconectados, y sólo en los últimos años se han acercado y tendido la mano de la mutua influencia. El movimiento llamado "Canto Nuevo", poco tuvo que ver con el llamado "Nueva Canción Chilena" y tuvo más relación con el fenómeno de la Nueva Trova Cubana, cuya difusión se hizo sentir a partir de los setenta. Los nuevos creadores chilenos no tenían antecedentes directos, había que empezar de cero. Cuando Lebert comenzó su trabajo musical era un joven universitario, y sus canciones y poesía dieron vida a "Santiago del Nuevo Extremo", con su evolución desde grupo inspirado en genios como Silvio Rodríguez, Inti Illimani y otros, hasta llegar a las cercanías de lo que es Fulano. Sus raíces son urbanas y mediáticas, universitarias e intelectuales, y a partir de ahí desarrollan su expresión de manera totalmente coherente y honesta. Curiosamente, Lebert y los suyos están, por hoy, rotulados como "mito", y arrinconados en el recuerdo nostálgico, lo que es de alguna forma otra manifestación de nuestra chilena y crónica sordera para con el arte contemporáneo, vivo, riesgoso, creativo, abierto, y ese acomodaticio aprecio de lo ya pasado, ya sin vuelta, ya sin fuerza, sin el germen vital, sin vida, sin riesgo. Con su poesía joven, y su música joven, (disculpando este y el otro cliché) de la que podemos esperar mucho en el futuro, y una sencillez que rivaliza con su importancia como músico chileno, nos envolvió y emocionó con algunas de sus canciones, la última de las cuales fue su ya antigua (20 años es mucho tiempo) "A mi ciudad". Músico en Chile, 2003

Andrea Pérez Dalannays En el Mesón Nerudiano
El Sábado 15 de Marzo de 2003, a las 23:00 horas, se presentó, en su regreso al ciclo de Jazz de los Sábados de este local del Barrio Bellavista, la cantante Andrea Pérez Dalannays, sumándose con su voz al Trío del pianista Moncho Romero (Alejandra Santa Cruz en bajo, Andy Baeza en batería). La joven cantante -y diseñadora-, que tuvo su primer acercamiento al jazz a los catorce años cuando escuchó el disco "Ella and Louis", no ha cesado en su pasión por la música, y con el paso de los años ha enriquecido sus conocimientos, tomando en 1999 clases de canto con Marcela Carrasco (cantante lírica), para luego seguir su formación con Moncho Romero (pianista), lo que le ha permitido perfeccionar su estilo e interpretación. A través de su trabajo con Andy Baeza (batería), Sergio Miquel (clarinete) y Giovanni Cultrera (piano), aprendió "algo más sobre el jazz tradicional", según ella misma señala. Entre sus realizaciones se cuenta la grabación del tema "Nobody knows you when you're down and out", junto a Moncho Romero Trío, para el cortometraje "2" de Gregorio González (selección oficial del Festival Chileno Internacional de Cortometrajes que organiza el Instituto Arcos). También ha compartido escenario con Carlos Silva Trío, en El Perseguidor, sala ubicada en lo que alguna vez fue el Teatro Cámara Negra, Barrio Bellavista, de Santiago. Andrea Pérez Dalannays se cuenta, de esta manera, entre los numerosos músicos cultores de la forma jazzística en nuestro país, muchos de los cuales son grandes virtuosos, y han alcanzado altos niveles de calidad en este género musical surgido en el siglo XX. (Agradecemos la información que nos ha sido enviada por Andrea Pérez D. a nuestro correo electrónico. Para más información acerca de la artista, visitar : http://www.cubico.net/andrea). Músico en Chile, 2003

Antonio Amaya: Cante, Fernando Escobar: Toque Recital de Cante Flamenco
¿Cómo enfrentar un recital de Flamenco? 19 de Marzo de 2003, Centro Cultural de España. La sala está bastante poblada, no llena, a pesar de que la entrada es gratuita. Aparecen por un costado, y suben al austero escenario -casi una prolongación de un salón de tertulias-, dos señores: uno de ellos con una guitarra, el otro, con las manos vacías... Es Antonio Amaya, quien se dirige al público, con ese tono que nos es tan familiar a quienes hemos tenido oportunidad de conocer y conversar con hijos de España. Antonio nos cuenta que rinde un homenaje a los diez años del Centro Cultural Español y, a la vez, está celebrando sus 50 años dedicado al Cante Flamenco. Antonio Amaya -que comenzó en este arte en el año 1953, inspirado por la visita a Chile de la gran bailaora y actriz Carmen Amaya -catalana y no andaluza, curiosamente- actríz de numerosas películas ("La copla andaluza", "María de la O", y especialmente "Los Tarantos", de 1963)- anuncia luego lo que viene: unos "palos" flamencos (hay unos 100 conocidos en la actualidad), lo que parece anunciar algo así como una sesión didáctica. Nada más lejos de la realidad. El "cantaor", palabra heredada de la tradición flamenca, enciende el fuego, interpretando "a capella" un "Pregón" y una "Nana" dedicada a su nieta. Desde ese momento, empieza a develarse la respuesta a nuestra pregunta: Abrir los oídos y el corazón, esa es la forma de escuchar este arte. La voz es apasionada, a veces desgarrada, a veces triste, a veces jocosa, pero siempre llevada de una musicalidad que viene de adentro, del alma del artista. Pero la voz a veces no basta, y las palmas esbozan un ritmo, o son los dedos los que chasquean al compás del "duende", es el artista todo, el instrumento de esa parte de la música que no se oye, pero que está quizá más presente que los sonidos, traspasando y reuniendo, con su poderoso sortilegio, al grupo humano reunido en la sala del Centro Cultural Español. El otro elemento fundamental es el "Toque" de guitarra, a cargo de Fernando Escobar, quien acompaña al cantaor desde hace unos 13 años, a la vez que cultiva otros géneros tradicionales, (recomendamos visitar su página web, www.geocities.com/necriza/escobar.html.) Y de ahí en más, la experiencia musical es potente, conmovedora, energética. Algo en nuestra genética se agita al impulso de la yuxtaposición de textos, la voz natural, la rítmica, las melodías y el tañer de las cuerdas; algo de todo esto nos resulta familiar, entrañable, verdadero, a pesar de las innumerables malas caricaturas que de este género -nacido en Andalucía a mediados del siglo XIX- han sido divulgadas desde los años 20, en que las grabaciones discográficas, y principalmente el cine ("Duende y misterio del arte flamenco", documental dirigido por Edgar Neville , del año 1952, entre otras numerosas películas), esparcieron sus sones, rostros e imágenes en nuestro medio. Bulería, Milonga (palo creado a principios del siglo XX. por la famosísima cantaora Pepa de Oro, aflamencando una canción folklórica argentina.) Guajira, Alegría, Granaina, Fandango, Caña, Tiento, Sevillana, Garrotín, Solea y Rumba, pasan por la voz del cantaor y por las cuerdas de la guitarra de Fernando Escobar, haciendo vibrar al auditorio. Ambos artistas son integrantes del Círculo Flamenco "Carmen Amaya", fundado el 3 de septiembre de 1989, al alero del Centro Español de Concepción, y su interés fundamental -según reza el programa del concierto- es entregar lo más fielmente posible, los auténticos estilos -o palos- flamencos que se conocen. Al finalizar su actuación, Antonio Amaya agradece "la presencia de ustedes, que es la gasolina que necesita todo aquel que está aquí arriba, los aplausos y ese cariño que demuestran, es lo que a uno lo hace de pronto olvidarse de los años que tiene". Nosotros agradecemos a ambos la entrega de su Arte. Músico en Chile, 2003

Avenida4 música + música
El Viernes 11 de Abril concurrí a ver a la actuación del grupo de Jazzrockfusión (así rezaba el afiche) Avenida 4, en EL Naitún, de calle Cumming. Esta es una banda que se podría catalogar como emergente, a pesar de tener ya cerca de diez años, y con notoria influencia del rock argentino (Spinetta, García, Páez), del jazz y jazz-fusión (Coltrane, Mingus, Pastorius, Magma). Desde el primer momento los pianos (hay dos tecladistas), el bajo, la batería y la guitarra electrica, más una expresiva voz se incorporán a nuestra piel, llenando la acogedora sala del Naitún de una música potente y vital, (como yo creo que debe ser la música), y con cierta tendencia a lo oscuro y emocional, especialmente en los textos. La mayoría de los temas son originales del tecladista-saxofonista-clarinetista-cantante (además de director de orquesta) Alvaro O'Ryan, aunque también tuve la oportunidad de escuchar una versión "jazzística" del famoso "Gimnopedia 1" del genial francés de principios del siglo XX Erik Satie. Hubo también notas de virtuosismo, especialmente en el unísono de clarinete y bajo que constituye el tema "Dueto", de marcada tendencia atonal matizada con reconocibles cadencias frigias, original del bajista Sebastián San Martín, y en varios solos instrumentales, todos enmarcados dentro de la expresión propia de cada tema, sin los excesos exhibicionistas que a veces se encuentran en las expresiones ligadas al Jazz. En medio de la atmósfera creada, arremete también el Saxo, aportando otro color al torrente sonoro, y hasta el final de su concierto Avenida 4 muestra un sonido propio, afiatamiento, destreza técnica y buen gusto. Se podría alegar que la amplificación no estuvo muy eficiente, perdiéndose a ratos detalles de los textos, pero esto no obstaculizó la entrega de la banda. Es de esperar que Avenida 4 se destaque en la escena nacional, porque lo merecen. Músico en Chile, 2003

Macbeth En el Municipal
La Opera es hoy por hoy un género musical de escasa difusión en nuestro medio. Y lo mencionamos como género musical aunque incluye también a las artes teatrales: actuación, puesta en escena, escenografía, iluminación, vestuario, como integrantes fundamentales de su hacer, siendo la forma artística más integral que se haya desarrollado; sólo es dable comparar la Opera con las actuales artes multimediales, de las cuales es sin duda precursora. Este arte, desarrollado fundamentalmente en Europa, a partir del siglo XVI, cuenta entre sus cultores con nombres tan afamados como C. Monteverdi, Alessandro Scarlatti, G. F. Haendel, Cristoph Glück, W. A. Mozart, L. van Beethoven, R. Wagner, G. Rossini, G. Verdi, G. Puccini, por nombrar sólo a algunos, y llega a Chile a partir de junio de 1830, cuando la compañía italiana Scheroni estrenó, en el Teatro Nacional, "El engaño feliz" de Rossini. La Opera italiana tuvo gran éxito entre el público chileno, especialmente santiaguino, siendo el espectáculo más apreciado por la alta sociedad, que acudía en masa a las temporadas, e idolatraba a sus estrellas, llegando muchas personas a interesarse en hablar el italiano, y otras tantas a adoptar los glamorosos nombres de héroes y heroínas del teatro musical. Tal fue el impacto de este género, que difícilmente pudieron abrirse paso en el gusto y la sensibilidad de la sociedad chilena, la música sinfónica, de cámara y de conciertos, y sólo gracias a los grandes esfuerzos de gente como Luis Arrieta Cañas, José Miguel Besoain, más tarde Enrique Soro y otros, es que podemos contar actualmente en Chile con música -en el ámbito "docto", al menos- que no sea operística -recién en 1913 se escucharon en Chile las sinfonías de Beethoven... También hay autores chilenos de ópera, aunque el anunciado estreno de la primera ópera nacional "Telésfora", de Aquinas Reid, no pudo realizarse. Eleodoro Ortíz de Zárate, que estudió en Italia, es el creador de "La Florista de Lugano", estrenada en Chile en 1895, junto con el repertorio italiano habitual; y Remigio Acevedo creó "Caupolicán", con libreto escrito en italiano. Hasta hoy, la Opera mantiene el favor de un número respetable de personas, lo que se refleja en las habituales temporadas organizadas, especialmente por el Teatro Municipal de Santiago, aún cuando ha llegado a convertirse en una especie de exclusividad de alta cultura, muy lejana del popular espectáculo que fue antaño. La Opera tiene algo de arcaísmo, si la enfrentamos con el imperio avasallador de la televisión (aunque no hay punto de comparación, alegará algún aficionado al refinado arte lírico), encerrada en sus teatros con diseño que viene de siglos anteriores, con esos palcos desde los cuales poco se puede apreciar el espectáculo, pero sí se puede ver hacia los palcos del frente, o a la platea, para reconocer a tal o cual personaje; con sus códigos dramáticos al servicio del agrado musical, con sus convenciones teatrales, en que debemos aceptar que una espada de latón es una de acero, o que una copa vacía está llena de vino, o que una mancha de pintura lo es de la sangre de Duncan, rey de Escocia. El gusto por la Opera es hoy en día exclusivo de una elite culta, o meramente snob, o bien de quienes aprecian las cumbres musicales alcanzadas por el género. En este contexto, cuya evocación se hace inevitable, poco o nada puede decirse cuando se tiene la oportunidad de ser espectador de una producción tan acabada como "Macbeth", de G. Verdi (1813 - 1901), presentada en el Teatro Muncipal de Santiago, el 16 de Mayo de 2003. Poco o nada, aparte de manifestar una genuina admiración. Músico en Chile, 2003

Carmen Aguilera & Otro Trío
El jueves 24 de Abril, se presentó, en la sala del Instituto Chileno Norteamericano, Moneda 1467, este grupo, formado en Abril de 2002 e integrado por Luis Zuñiga en guitarra eléctrica, Carlos Delgado en contrabajo y bajo eléctrico, Martín Reyes en batería y percusión, y liderado por la pianista y cantante, también compositora y arregladora, además de profesora, Carmen Aguilera, de cuyo trabajo con "Quinteto Azul" habíamos oído. La primera parte del concierto estuvo dedicada por estos jóvenes músicos a temas iconos del Jazz (lo que algunos conocen como "standards"), iniciando con una excelente versión pianística de Dolphin Dance (H. Hancock), y siguiendo con Round Midnight (T. Monk), Beatiful Love (V. Young), Caravan (D. Ellington), Mercy, Mercy, Mercy (J. Zawinul), a los que Aguilera aporta sus arreglos, entre los cuales nos llamó la atención el juego formal y trans-estilístico de "Caravan". Esta parte finalizó con "Pequeño Sol", tema original de Carmen Aguilera. En la segunda parte, más emotiva y personal, interpretaron otros temas originales de Carmen Aguilera: "Ciclos del alma", "Valsito Peruano", "En los días de lluvia", la emotiva elegía "Ignorando tu ausencia", el complejo "Luz y Vida", y una tonadita chilena jazzística, además de "Angélica Huenuman" de Victor Jara, y "Campos Naturales", basado en una melodía tradicional de la Tirana, estos últimos con adaptación y arreglos de Carmen Aguilera. El grupo -algo contenido y tenso, al menos esta vez- se ciñe con bastante dignidad a las formas musicales, dejando traslucir su formación académica y respetuosa del decir musical, a lo que se suma aventura, versatilidad y talento instrumental, además de la interpretación cadenciosa, algo nocturna, de la voz de Aguilera, lo que da como resultado su particular sonoridad. La audiencia, en su mayoría jóvenes universitarios, familiares y amigos, recibió con calidez esta nueva presentación de Carmen Aguilera & Otro Trío, los que preparan actualmente una producción de "Latin Jazz y Música Popular Contemporánea", que esperamos poder escuchar en breve. Músico en Chile, 2003

Orquesta de Cámara de Chile
El Teatro Municipal de Ñuñoa (ex - California), con su escenario quizás no muy apropiado, estaba un poco frío esa tarde del 30 de mayo, pero el público no faltó. Para celebrar 109 años de la comuna, la Orquesta de Cámara de Chile, cuyo director titular es el maestro Fernando Rosas, se puso bajo la batuta de Luis Gorelli, de destacada y multifacética trayectoria internacional, para ofrecer un concierto de gala, que incluyó, en una primera parte, el estreno en Chile de la apasionante "Sinfonietta", del músico inglés Benjamin Britten, para seguir con la "Sinfonía Nº 9 en do menor", de un adolescente Felix Mendelssohn, y concluir, en una segunda parte, y a modo de broche de oro, con la "Sinfonía Concertante para Vientos en mi bemol mayor", de Wolfgang Amadeus Mozart. De esta manera los asistentes a este concierto pudimos transitar por paisajes musicales muy variados, vibrando con los inquietantes colores del siglo XX de Britten, que evoca a los gigantes Bela Bartok, Alban Berg, Igor Stravinsky, Arnold Schöenberg, volviendo luego la mirada al genio que transita entre lo Clásico y lo Romántico, Mendelssohn, en pleno siglo XIX, y aterrizando finalmente en la música de la mano de Dios, puesta en la escritura del genio de Salzburgo, todas entregadas por una orquesta de 30 músicos, muchos de los cuales son grandes virtuosos en su labor, técnica y expresiva. Es difícil, si no imposible, describir cabalmente la vivencia de la música, o transmitir la emoción experimentada al ser involucrado en el universo virtual que se recrea en el trabajo de los músicos, el mensaje inefable de las obras, y la presencia de los auditores, todos actores -conscientes o inconscientes- en ese momento, del evento de la retroalimentación del espíritu humano. Escribir sobre música es como pintar sobre arquitectura, decía un músico en cierta entrevista, y estamos de acuerdo. Sin embargo, sí podemos constatar nuestra admiración por la totalidad del grupo de músicos, sin dejar de destacar la memorable interpretación del director Luis Gorelli, y los solistas Luis Rossi en clarinete, Soledad Avalos en fagot, Sergio Marín en oboe y Bernardo Guggiana en corno, para la Sinfonía Concertante de Mozart. Una sola pregunta: ¿porqué no estaba la televisión, para informar al mundo de este evento? Músico en Chile, 2003

Paula Barrientos, David Insunza Flauta y Piano
Bach, Enesco, Poulenc son sólo nombres, unos más, otros menos conocidos; son sólo nombres hasta que escuchamos su música... Entonces, estos nombres adquieren un significado que va más allá de la existencia limitada de las personas, estos nombres se hermanan en el contínuo simultáneo del arte sonoro. Porque el alemán Johann Sebastian Bach, cerca de 1720, el rumano Georges Enesco, cerca de 1910 y el francés Francis Poulenc en pleno siglo XX -entre muchísimos otros creadores-, tienen en común el haber aportado, bajo las más diversas circunstancias, la construcción sutil fruto del trabajo de su espíritu, y el haber dejado plasmadas para siempre en una partitura sus ideas, inquietudes, sensibilidad y planteamientos más genuinos, obras que contribuyen a la herencia común del género humano. Pero la partitura sólo vuelve a ser sonido, y se recrea, en manos del intérprete; y ese miércoles 18 de junio de 2003, en la interpretación ajustada, respetuosa, atenta y no carente de expresividad de David Insunza, en piano y Paula Barrientos, en flauta traversa, ambos músicos chilenos, que, junto a tantos otros, recogen en nuestro país lo más elevado de la tradición musical del planeta. Y puede sonar extremadamente pedante cuando uno dice "no carente de expresividad", pero ¿es posible, acaso, ser plenamente expresivo cuando, en medio de una sutil obra musical, se escuchan sirenas policiales, o los estridentes bocinazos que son la música cacofónica de la vida de Santiago? ¿Es posible ser plenamente expresivos, o receptivos como auditores, cuando vivimos rodeados de agresiones y amenazas, físicas, auditivas, emocionales, sicológicas, que son como el aire mismo que respiramos? Por eso, el concierto de Paula Barrientos y David Insunza, en la Sala América de la Biblioteca Nacional -en un proscenio tal vez demasiado alto, y condiciones algo austeras- tuvo tambien el mérito del heroísmo de quienes, porfiadamente, sostienen y defienden todavía la belleza. Músico en Chile, 2003

Aurha Un mundo de sonidos
Miércoles 22 de Junio, Sala de la SCD, en la calle Santa Filomena, tuvimos la suerte de asistir a una presentación honesta, de un grupo de Valparaíso. Y el hecho de que vengan del puerto es importante como antecedente de estos músicos chilenos, que, como Valparaíso, han recibido las influencias que provienen de ultramar, que cultivan el sonido de variados instrumentos de cuerda, de percusión, de viento, recogidos de las tradiciones de Afganistán, Apaches, Mayas, Mapuches, Celtas, India, España, Yugoslavia, Turquía, Africa, Irlanda y casi todo el mundo; que sintetizan la respuesta sonora de su espíritu creando una música llena de sutilezas y ecos, entregándonos la sublime belleza del arte musical que proviene del alma, en que la técnica instrumental y compositiva, siendo perfectamente adecuadas, quedan en un respetuoso segundo plano; la de Aurha es una música en que no hay lugar para los inflados egos que a veces tenemos que soportar en tantos artistas del concierto musical. En cerca de una hora de presentación de Aurha, ocho temas musicales, el último de los cuales fue "Yerpun - Nuevo Mundo", una curiosa mezcla que incorpora el conocido tema de la sinfonía Nº 9 de Antonin Dvorak, aprendimos también de la existencia de sonidos que ni sospechábamos, como es el caso del único instrumento de viento -conocido al menos- que se ejecuta aspirando, además de percusiones y cuerdas, instrumentos en los que, en las propias palabras de integrantes de Aurha "hay mucho más que un cuerpo físico que produce un sonido, y merecen nuestro más profundo respeto" y en que están depositadas las tradiciones de pueblos tan lejanos geográficamente como cercanos en espíritu. Todo esto complementado por teclados electrónicos, ya más familiares a nuestros oídos, guitarras, saxo, clarinete, bajo, batería y canto. La sala de la SCD, especialmente diseñada para conciertos, acogió perfectamente la actuación de Aurha, con un equipo de iluminación manejado con sensibilidad, y un despliegue de amplificación que sirvió al mensaje sonoro de estos seis músicos. Pero hacía frío esa noche de miércoles, las calles estaban vacías y en la sala había poca gente; en resumen una vez más sólo unos pocos privilegiados reciben una ofrenda que está destinada a todos, sin excepción. Una vez más el artista está sólo -o casi sólo- con su magia, con la obra de tanto esfuerzo. Los músicos de Aurha también merecen una audiencia multitudinaria. Aurha es música del mundo, pero posee también la personalidad de sus integrantes, constituyendo así una pieza artística original y única, que vale la pena escuchar. Músico en Chile, 2003

Entrama En la Sala SCD
La Sala de la Calle Santa Filomena, estaba llena este 24 de junio, a pesar de ser martes. Es que Entrama tiene, luego de unos siete años de existencia, una gran convocatoria, al menos entre los conocedores y cultores de las artes musicales en nuestro país, y varios de sus integrantes poseen ya un renombre de respeto. Esta presentación se enmarcó dentro del ciclo de conciertos "La Música que viene", organizado por la Escuela de la SCD, y en ella Entrama se desplegó como una unidad extremadamente bien ensamblada, y desbordante de energía creativa. En 11 temas, más dos bis, nos llevaron en el viaje musical de sus nueve integrantes, por música de Chiloé, ritmos Mapuches, evocaciones Célticas, las cercanías del Tango, el Joropo, las raíces Africanas, evocaciones Incas, Mayas, la música de Brasil, la Cumbia, con una mezcla de las sonoridades de acordeón, flauta, guitarra, cello, bajo, charango, tiple, batería, kalimba, congas, y un trabajo de percusiones muy bien integrado, como las necesarias y expresivas aristas de una pieza escultórica. Esta verdadera orquesta, que a ratos nos recuerda a Inti-Illimani, a ratos a Hermeto Pascoal, otras tantas veces a Flairk, o a Gentle Giant, explora la música con conocimiento, imaginación, entusiasmo, creatividad y aventura. La emoción compenetra la música en todos sus aspectos, en su estructura compositiva, rítmica, en su inspiración, y también en el escenario. En la música de casi todos los temas, se plantean y desarrollan varias ideas sucesivas, adentrándose en lo polifónico, variando a veces los centros tonales hasta no saber en qué tonalidad descansa el tema, o bien incursionando francamente en la atonalidad, dando a las ideas musicales un tratamiento armónico intencionalmente refinado y conceptual. El aspecto rítmico es tan complejo como el armónico, manejando a veces estructuras binario-ternarias, o cifras compuestas que, a pesar de lo que pudiera esperarse, no suenan ni pedantes ni forzadas, sino como consecuencia natural del devenir musical. Los arreglos de Entrama son colorísticos y bastante complejos, desarrollando atmósferas variadas, y haciendo gala de una ejecución tan precisa, que a veces da vértigo, aunque no está exenta de humor y cordialidad. Se destacó la participación, en uno de los temas, de Claudio "Pájaro" Araya (Huara), que con su personalidad ligeramente cáustica, intervino en Cajón peruano, comandando el ritual de ese momento. Raras veces se puede escuchar tan bien logrado el sonido de este instrumento, como en sus intervenciones en esta actuación, llegando a un máximo, cuando en el primer bis, Entrama -apoyado por un formidable trabajo de sonido- desarrolla una increíble mixtura entre éste y la batería, en ritmo de 7/4. En su entretenida búsqueda de las fronteras de la musicalidad de las raíces del continente, este grupo de músicos chilenos habita las antípodas de la ramplonería musical que parece invadir los espacios mediáticos. Para apreciar y disfrutar su música no es necesario saber de teoría, composición, historia de la música, o haber escuchado mucha música indoamericana, la emoción -y la diversión- supera todos esos tópicos; sin embargo es necesario tener un espíritu inquieto, humor, sed de aventura, y ayuda mucho haber adquirido algún somero conocimiento de los misterios de la alquimia musical. Tiene razón el maestro Tomás Lefever cuando manifiesta su admiración por la búsqueda de una "América para uno" de, entre otros, Entrama. Músico en Chile, 2003

Vásquez, Correa, Del Campo Trío Fusión
Este es un grupo de músicos ex-alumnos de la escuela de la SCD, un "trío" poco convencional, ya que aunque su nombre evoca, por mera costumbre, a un grupo de corte jazzístico, más aún cuando en el anuncio del concierto aparece la palabreja "fusión", ese día 26 de junio de 2003, nos encontramos en la excelente Sala de la SCD de calle Sta. Filomena, con una propuesta más bien cercana a lo que algunos llaman "música pop", es decir parecida al sin fin de productos industriales que rebalsan los medios de comunicación. De hecho, el cantante y pianista Eduardo Del Campo manifiesta durante la persentación "queremos cultivar el estilo pop-folk", un pie forzado no demasiado preciso por cierto. Me parece que en este grupo hay fuerzas creativas que aún no se decantan definitivamente, permaneciendo por ahora en incómoda convivencia. Una es la tendencia al cultivo esmerado de la forma musical, del mensaje estético y la manifiesta voluntad de abrir los oídos a la tradición vernácula de este rincón del mundo; otra fuerza motriz parece ser el acercamiento a una tradición más contemporánea, que tiene que ver con las obras de artistas más presentes en los medios industriales, rozando a veces ciertas características de lo que alguna vez se llamó "rock argentino". La voz característicamente aguda de Del Campo lleva casi inevitablemente a asociar las canciones del trío con artistas como Pedro Aznar, Silvio Rodríguez, Oscar Andrade, Luis Alberto Spinetta, Hugo Moraga, o a ratos Alvaro Veliz, aun considerando las distancias más o menos siderales que puedan mediar entre los ejemplos citados, y entre estos y Vásquez, Correa, Del Campo Trío. Haciendo gala de una ejecución brillante, el trabajo tecladístico, junto con los textos poéticos, es el ancla principal de la música de este grupo -aunque a ratos el teclado es reemplazado por la base de guitarra del múltiple Daniel Vásquez- ambos complementados por una sólida y precisa base rítmica. El bajo de Farías (el cuarto del trío) y la batería de Cristian Correa funcionan en forma impecable, aunque tal vez ellos están un poco distanciados, un poco flemáticos respecto al sentimiento puesto en juego en las canciones. De cualquier modo, la presentación de Vásquez, Correa, Del Campo Trío nos mostró a un grupo musical en evolución, con una gran base imaginativa y de conocimientos en el oficio de la creación e interpretación musical, dándonos también un respiro dentro de un conjunto de discursos quizá a veces más pretensiosos que lo conveniente, o lo posible Nos entregaron ocho canciones inspiradas, agradables, entre las que destacamos la hermosa canción "Mi Suerte", sin grandes pretensiones formales, pero en las que tampoco se renuncia a explorar la belleza de la naturaleza musical, como suele suceder en la mayoría de los productos "comerciales". Pudimos además disfrutar, en cerca de una hora de actuación, junto al excelente desempeño de los instrumentistas y cantante, de exploraciones armónicas, timbrísticas y rítmicas interesantes, que denotan la intención de crear mundos nuevos, y el conocimiento necesario para lograrlo. Vásquez, Correa y Del Campo serían un gran acierto en algún programa de televisión... si existiera alguno apropiado para recibirlos. Músico en Chile, 2003

El Gremio Vorágine musical
Comenzaron su actuación con una introducción en el teclado Roland que nos recordó levemente "Three Quartets" de Corea, para entrar de inmediato en un furioso despliegue de sonido y creatividad compositiva e improvisacional en el que se destaca poderosamente la guitarra de Paulo Parano y el teclado de Diego Aburto, secundados por una perfecta base rítmica, en que se mueven el bajo de Javier Barahona, la batería de Roberto Zamora, la batería Octopad y percusión de Cristobal Tobar y las percusiónes de Gabriel Vazquez, quien hizo además de presentador. Tocaron siete temas, entre los que destacamos "La Pizza", y el 7/8 frenético de "Metropolis", precedido por un contrastante tema de atmósfera primitiva, que icluyó una sutil mención de los cantos Selknam. Podría decirse que estamos ante un grupo de Jazz-rock que asimila las tendencias actuales de la "world music", por lo menos es el marco en que se mueven, con una tremenda energía de la cual estos jóvenes músicos -ex-alumnos de la escuela de la SCD- se hacen portadores, poniendo a disposición sus asombrosos recursos técnicos, talentos y sensibilidades. Hoy en día, en que la música está presente a traves de grabaciones, radio, cine, televisión, cuando envuelve casi todas las actividades cotidianas, todavía es esencial la experiencia de escucharla en directo, a pasos del escenario, en el momento mismo de su génesis. Es vital el hacerse partícipe de esa instancia casi sobrenatural, y esa experiencia es la que nos brinda "El Gremio". Sin desmerecer respecto a muchos de los músicos que hoy en día aparecen como "estrellas", al menos entre el escaso número de personas que han tenido acceso a esa información, "El Gremio" amalgama virtuosismo instrumental, conocimiento y pasión, generando empatía, emoción y admiración entre las butacas de la sala, a la que asistieron muchos jóvenes, seguramente estudiantes, músicos, y otros tantos aficionados. Asistir a un concierto de "El Gremio" es una experiencia auditiva, intelectual y emocional en que la retroalimentación entre artista y público se establece en un plano paradojalmente carente de ruido, en el plano de las ideas y de los afectos, ya que ellos no hacen gala de estereotipos ni de los esperpénticos esfuerzos para captar la atención, tan caros a los artistas de los medios. Músico en Chile, 2003

Jacques Ammon, Eckart Runge Duokonsert
24 de Julio, 19:30 horas. Dos instrumentos, piano y cello, más dos músicos excepcionales, demostrando categóricamente que la música es un lenguaje universal, y que los géneros musicales no son una barrera para la más profunda emoción. Eckart Runge, Alemán, desplegando precisión y las más increíbles e inéditas sonoridades en cello, armónicos, pizzicatos, glissandos, y una amplia tesitura, y Jacques Ammon, Chileno, extraordinariamente expresivo en el piano, mostraron además un gusto personal por el tango, entregándonos en forma impecable 3 obras de Piazzolla, y finalmente, cediendo a un segundo bis, una adaptación llena de emoción de la canción de Gardel "El día que me quieras". Sumergidos en su tarea interpretativa se dieron el tiempo para sacar de las obras musicales su profundo vuelo, envolviéndonos en el significado inefable de obras de autores tan distintos como el padre J. S. Bach (Sonate g-Moll), el poeta Robert Schumann (Adagio und Allegro, op 74 ) (a veces nos parece tan lejano el espíritu del romanticismo de la Alemania de Schumann), el romántico Felix Mendelssohn (Lied ohne Worte, op 109, andante), el genio sin par Claude Debussy (Sonate, d-Moll), el misterioso Maurice Ravel (Pièce en forme de Habanera), y el contemporáneo innovador Astor Piazzolla, en su poco conocida dimensión de compositor de Fugas (Fuga y Misterio, Fuga 9, Canto y Fuga, Le Grand Tango, Libertango). Piano y Cello se convierten en vehículos fieles del mensaje musical, sin obstáculos técnicos; la materialidad se deshace en el espíritu de la música. La gravidez de la materia, madera y acero, desaparece en la ingravidez de la energía vibracional. Porque sólo parte de la música se oye, el resto, su esencia, son ondas en las que vibra la totalidad, en las que cada átomo del intérprete y del escucha forman parte de la razón de ser. Esto se hace posible cuando el músico reúne cualidades excepcionales. El Instituto Goethe se caracteriza por acoger en su sala las manifestaciones musicales -y artísticas en general- más sublimes. A esto ayuda la infraestructura, acústicamente perfecta y, sin duda colabora también la ubicación estratégica de la sala, en que es posible el silencio y el apartarse por unos momentos del infernal ruido urbano de Santiago. Hay que estar atentos a la programación de la sala de Esmeralda 650, y a la carrera y discos (ya han grabado cuatro) del dúo, reconocido mundialmente, de Jacques Ammon y Eckart Runge. Músico en Chile, 2003

Pato Frutal Actuación final
Nos informan que el grupo de Jazz "Pato Frutal" se ha desarmado. No es nada raro que los grupos -especialmente los de Jazz- vayan cambiando, mutando, desarmándose y rearmándose; lo verdaderamente raro ha sido lo contrario. Afortunadamente tuvimos la oportunidad de asistir a lo que fue probablemente la última actuación de Pato Frutal, en la Sala del Centro Cultural de Los Andes. Ellos cerraron la jornada del 17 de Octubre, que contó con la participación, además, de la Orquesta Infantil Suzuki Song, y la Banda de Conciertos de Melipilla. Seguramente debido a que la actuación se daba en el marco de la VII Temporada de Orquestas y Grupos Instrumentales Infantiles y Juveniles, la Música propiamente tal pasó a un segundo plano, con una recepción un poco condicionada por cuestiones más etarias que musicales, y un público más proclive, en general, a aplaudir las "gracias" de los niños, que a vivir la trascendente y esencial experiencia del arte sonoro. Así y todo, Pato Frutal entregó una vibrante música enmarcada en el género desarrollado en el último siglo llamado Jazz. Tocaron cuatro temas, "Someday my prince will come", "A night in Tunizia", "What's your point?", clásicos del repertorio jazzístico actual, y el original de los integrantes Arenas y Mezko "Salto de Tirana", para terminar, a modo de bis, con "The chicken", tema emblemático del genial bajista eléctrico Jaco Pastorius. Los músicos de "Pato Frutal" tienen mucho que decir -como grupo o como individuos- en el área musical que han elegido y con toda probabilidad su música será más apreciada en recintos en que la gente se reúna a escuchar música, léase el Club de Jazz u otros similares. De todos modos, y a pesar de una sala quizás demasiado amplia, de una amplificación deficiente y una atmósfera un tanto afectada, disfrutamos con la entusiasta entrega de los, esta vez, cinco integrantes de la banda, en que se destacó la inspirada ejecución de Diego Urbano en vibráfono, y las intervenciones de Franz Mezko en Saxo tenor y Rodrigo Arenas en Trompeta, acompañados por la Batería de Gonzalo Ortega y el Bajo eléctrico de Fabián Guerra. Saludamos a los músicos de Pato Frutal, y esperamos escucharlos nuevamente. Músico en Chile, 2003

Recital de Viola 17 de Noviembre de 2003
Actuaron: Oliver Ibañez, Natalia Bauer, Yocelinne Huiliñir, Angela Guerra, Cesar Aracena, Leonardo Rojas, Mitzi Becerra y Tamara Molina, alumnos de la cátedra del Profesor Pedro Poveda, y durante el recital escuchamos el siguiente diálogo en la platea: - ... Este recital me está dando sueño... - Es que cualquiera se aquieta con esta múúsica, tan lejana del ruido ambiente de este pequeño -o gran- infierno llamado Santiago... - No, lo que pasa es que el show es aburriido, no hay animador, ni fanfarrias, ni bailarinas, ni cambios de luces... - Tampoco hay un presupuesto gigantesco coomo en los programas de tv que algunos tienen por costumbre disfrutar... - Además no hay micrófonos ni parlantes, nni efectos de sonido... - La acústica de la Sala Isidora Zegers peermite que uno escuche el sonido real de los instrumentos... - Entiendo eso, pero ¿para qué un recital de Viola?, y más encima de unos jóvenes que -perdóneme usted- algunos no tienen demasiado dominio... ¡Y esa música! - No muchas personas tienen la fortuna de poder conocer o haber escuchado música de autores como Tartini, o Diabelli, o Kodaly, y menos de poder disfrutarla. Es que hay que abrir un poco los oídos, para poder maravillarse... claro que muchos están tan sordos que, y con esfuerzo, podrán escuchar los ensordecedores tambores que hoy por hoy parecen requisito para la música; y una gran mayoría está tan embrutecida, alterada o narcotizada que necesitan el estímulo de un martillazo en la cabeza para sentir algo, y un martillazo regular, para percibir ritmo. ¿No es su caso? - Por supuesto que nó; eso es una exageracción en defensa de este recital. La Viola es un Violín grande, un Violín torpe, es un instrumento que siempre ha sido integrante de una orquesta, casi nunca solista, porque no tiene potencia. Además algunos de los músicos ni siquiera usan vibrato, y la pianista toca tan parejo, es como estar en una sala de clases; y la música es anacrónica. - Sin duda si usted o yo intentáramos haceer imitación de la ejecución de Patricia Castro, la pianista, nos encontraríamos con que lo que ella hace con la mayor naturalidad es una proeza casi inalcanzable, y lo mismo, creo yo, corre para lo que están haciendo los solistas. Lo que pasa es que, aparte de lo que implica desde un punto de vista académico, aquí los músicos no están para lucirse personalmente, sino que nos están entregando (y gratuitamente) un tesoro que ha sido cultivado por años y años, esperando encontrar la recepción que merece en el espíritu humano. - No me explico qué utilidad puede tener eeso que usted menciona, de guardar y estudiar una música que nadie va a escuchar. Y no entiendo cual es el mercado de este recital, con razón la sala está medio vacía, a pesar de que es gratis... - Si hubieran puesto avisos en las micros,, o unas gigantografías, prometiendo algunos premios en dinero de pasada, con sugerencias eróticas, arribistas, caritativas, o snobistas, o con amenazas a la seguridad de sus hijos, a lo mejor estaría lleno, aunque igual no les interesaría la música, en lo más mínimo, pero dígame, ¿valdría la pena? - No sé; a lo mejor con más marketing, conn unas promotoras,o unos canapés, o unos juegos infantiles, para atraer tambien a los niños, y con otra música Porque deberían difundir más la cultura, si tanto les preocupa, hacerla más accesible a la gran masa de consumidores, hacerla más comercial, por ejemplo, tocar esas músicas ¿cómo se llaman? esas del "Efecto Mozart", ..... "platapapán".... por ejemplo... - ¿O tranmitiéndola por la tv? ¿o en la "ccultura entretenida" que equivale a decir "la cultura es aburrida, pero nosotros se la haremos tragar con algo de entretención, sobre todo para que tenga a sus niños alejados de los peligros de la calle" ¿O sugiere que se desnaturalice esta música, para adaptarla al gusto de los sin gusto? - Ingeniosa frase, aunque no muy original.. Mire, ya han actuado ocho solistas, y ahora viene por fin un grupo. Ahora la cosa suena un poco más contundente, y hay hasta un piano digital, claro que suena como un antiguo clavecín... - Yo creo que hemos asistido a un momento en la vida que no tiene precio, porque la música -¡y qué musica!- ha sido entregada con total generosidad y con la humildad propia de los verdaderos artistas, y por lo demás sólo en la tv se ocultan los errores técnicos, las notas falsas, el humano nerviosismo, bajo una lluvia de gritos histéricos y una cáscara de carísimos -e inútiles- trucos técnicos. Eso por no mencionar que jamás en ese tipo de espectáculo se pretende levantar la vista de lo más bajo, ni de las emociones más brutales, que como el martillazo en la cabeza, es seguro que causarán su efecto en la maltratada, encallecida y estropeada mente del espectador... - Es posible que así sea, pero es lo que eel público quiere; porque nadie anda buscando ni preguntando ¿qué hay ahora en la Sala Isidora Zegers?, y sí miles y miles encienden el televisor todos los días, y lo comentan al otro día. Además, por el Paseo Huérfanos, o por la calle Compañía a esta hora pasan cientos, quizá miles de personas, que podrían repletar varias veces esta cómoda sala. Realmente no me parece entendible que haya gente dedicada a cultivar un arte que tan poca utilidad deja. Algo no me cuadra. - ¿No le parece que este recital es como ppara decir que aquí sí que están los verdaderos "protagonistas de la música", (con el verdadero significado de la palabra "protagonista") y que tienen harto más sabor, y resultan muchísimo más entretenidos que los de la tele? - En eso estamos de acuerdo Músico en Chile, 2003

Virtual 30 de junio de 2004
Patricio Morales en guitarra eléctrica, Roberto Acuña, guitarrista, trompetista y bajista que esta vez hubo de reemplazar a Mauricio Olivares en bajo, Raul Mora en saxo tenor y Erico Olivos en batería, actuaron el día Miercoles 30 de junio de 2004, a eso de las 19:30 en la sala del Instituto Chileno Norteamericano de Cultura. La identidad de Virtual va de la mano con la música y forma de tocar de Patricio Morales, autor de todos los temas, -entre ellos Elegía, Pulso 16, Medieval, Pablo (dedicado a su hijo), Aguas, Crepúsculo, Funka, Encuentro- aunque es vital el apoyo e intervención creativa del resto de sus músicos, y sobre todo, en este caso, el trabajo gestor del baterista Olivos, a quien hemos visto en muchas oportunidades empujando el pesado carro de las producciones de conciertos de grupos de música propia. Si no fuera por las inhumanas dificultades que el medio cultural chileno opone con porfía incansable a sus propios artistas, esta -y otras agrupaciones artísticas- tendría el lugar que le corresponde, y sería el grupo de Patricio Morales, acompañado esta vez por Olivos, Acuña y Mora. En el jazz es común la personalidad individual, más que la expresión grupal. La guitarrística y musicalidad de Morales es personal -aun cuando detectemos varios giros que son familiares para los conocedores de las corrientes del jazz y la fusión jazzística contemporánea-, con una cualidad que podría decirse aérea e introspectiva, no exenta de magia, y ha sido desarrollada a traves de largos años de aprendizaje, enseñanza y avatares, deambulando entre el limbo incoloro de la creación enclaustrada y la participación en grupos que ayuden a sacar a flote su expresión musical. La infraestructura del Instituto no permitió sin embargo apreciar a cabalidad la sonoridad guitarrística de Morales, quien utiliza los recursos MIDI de la guitarra, recursos que necesitan un tratamiento sonoro especial, aparte del sonido puro de la guitarra eléctrica. Claro que esto hubiera implicado un tratamiento de amplificación de todos los instrumentos, mayor inversión en equipo y personal de sonido, más horas de instalación y prueba de sonido, y más gasto de transporte, tiempo y personal ayudante, todo lo cual precisa de recursos económicos que no están disponibles. Virtual tocó 13 temas, incluyendo algunos standards de jazz -requisito del ICN- como Footprints, Cantalupe Island y una extraña versión de On Green Dolphin Street, en la cual repitieron la mitad de la parte A antes de tocar la segunda mitad. A pesar de ser con entrada liberada, hubo sólo unas cinco personas en la sala, lo que demuestra que o bien nadie avisó, o nadie supo, o bien nadie quiso ir a perder su tiempo en la recreación del espíritu que es participar en el ritual de la creación musical. Sería bueno que pudiéramos ponernos de acuerdo por lo menos en esto de si queremos o nó tener una vida espiritual, o si sólo vivimos -como zombies- para subsistir, porque en ese caso, mejor nos vamos para la casa señores músicos, que no vale la pena siquiera intentarlo. Músico en Chile, 2004

Carmen Aguilera y Trío Instituto Chileno Norteamericano de Cultura
Pianista, compositora, cantante, Carmen Aguilera se mueve cómodamente en la gran tradición musical europea, de la que es tributaria en parte, a la vez que adopta los "nuevos" modos armónico-rítmicos surgidos en América, a partir del siglo XIX, y evolucionados ampliamente en el siglo XX, en el llamado Jazz, Jazz-Fusión, etc. Cultiva y desarrolla un gusto por el Jazz heredado de generaciones anteriores de músicos chilenos profesionales, a veces llamados "cultos"; no hay que olvidar a Pablo Garrido, o a Guillermo Rifo con sus grandes experimentos de "Latinomúsicaviva", "Aquila" y otros -por nombrar sólo a dos. La atención y energía volcada por músicos "académicos" al Jazz se debe en parte a que esta fue desde el principio una vertiente musical extraordinariamente vital, mientras lo "académico" se sumergió en experimentos más individuales, sombríos o crípticos. Con todo, en esto del culto jazzístico se puede distinguir dos tendencias básicas: La una es la de "música de repertorio", a lo que agregaría "música mimética", y la otra es la de recreación, a partir de las obras y conquistas aportadas por las generaciones precedentes. Carmen Aguilera se ubica en esta última corriente, creando nuevos temas musicales, y desarrollando un discurso "de cámara" que tiene mucho que ver con su personalidad y quehacer de Música (¿cual es el femenino de "Músico") Profesional. Hay que destacar la colaboración sobria, perfecta e inspirada de Ivo De La Rivera y Carlos Delgado, en batería y contrabajo respectivamente, aunque una audición tan efímera como la que tuvimos en el Instituto Chileno Norteamericano a las 19:30 del 16 de Diciembre, no basta para aprehender esta, o ninguna música. Por eso es preciso tomar nota de que Carmen Aguilera ha grabado un registro en CD que incluye 18 temas, 16 de los cuales son de su autoría, a traves del cual seguramente podremos comunicarnos mucho más directamente con el universo que ella nos presenta. Músico en Chile, 2005

Milton Jara Con Mauricio Olivares, Carlos Corales y Patricio Morales
A veces pasan cosas raras. El 18 de diciembre de 2004, en la Casa de la Cultura de San Bernardo, calle América altura del 500, en el gran patio interior de la casa, hubo un concierto de "Fusión". Asistieron unas 80 personas, muchas de ellas atraídas por la prometida participación del renombrado guitarrista Carlos Corales (Aguaturbia, Panal, tv). Pero el comando de la situación estaba a cargo de Milton Jara, incansable baterista -debo decir músico- sanbernardino. Participaron también, no hay que dejar de mencionarlo, el guitarrista Patricio Morales y el bajista Mauricio Olivares. Fue un concierto alejado de los rimbombos de los grandes eventos mediáticos y con una sustancia también alejada, aunque en el sentido contrario, de los espectaculares esperpentos que suelen publicitarse por ahí a grandes voces. Tremendo esfuerzo organizativo, tremendo resultado musical. Aquí estuvimos en el espíritu del jazz, ya que cada uno de los músicos aportó su propia creatividad sobre el escenario, no hubo ensayos generales y la única guía común eran los papeles. Cada músico aportó su personalidad, conocimiento, trayectoria y entusiasmo para generar una música viviente. Jara nos deleitó con un baterismo lleno de inteligencia, motor de la máquina musical -sin dejar pasar la ocasión de lanzarnos un solo perfectamente logrado, uno de los puntos en que la un tanto perpleja y distante audiencia se vio impelida a aplaudir. A Jara se sumó el bajo de Olivares, permitiendo el cómodo despliegue de Corales en su dimensión menos conocida, y debo decir que pletórica de musicalidad, con todo su personal lenguaje desarrollado a partir de sus particulares influencias. Morales dialogó de igual a igual, -o de diferente a diferente- con Corales sobre la marcha, aportando un color armónico y solista más etéreo, que complementó el discurso guitarrístico. Pocas veces se tiene la ocasión de escuchar simultáneamente a dos guitarristas cuyas personalidades contrastan y se complementan tan nítidamente. Tocaron algunos temas "standard", Blue Bossa y todo eso, música del propio Carlos Corales, el conocido tema de Misión: Imposible, en su versión binaria, aunque los temas musicales siempre fueron un pretexto para la creación viva, ahí, en el escenario, de estos cuatro excepcionales músicos. En resumen, un grupo de músicos que podría crecer en cada presentación, y que siempre -si es que tocan juntos de nuevo- nos deparará buenas experiencias. Músico en Chile, 2005

Eduardo Browne y Johannes Brahms en la Plaza de Armas
En la Plaza de Armas de Santiago sucede todo tipo de eventos las más de las veces de destemplado tenor; a veces sin embargo -muy rara vez- se transforma en una isla de paz dentro de la demente ciudad llamada Santiago. Es lo que sucedió el 26 de Febrero pasado, cerca de las 20:00 horas, cuando, desde un escenario instalado frente a las puertas de la Catedral, Eduardo Browne -que es uno de los pocos maestros de directores en nuestro país- dirigió a la Orquesta Filarmónica, entregando al público presente una versión de la Sinfonía Nº 3, de Johannes Brahms. A la tranquilidad necesaria para tal empresa ayudó el hecho de que los domingo el tránsito en esa parte de la ciudad es mucho menos febril -casi humano, diría yo- que el resto de la semana. Había bastante público, cómodamente instalado en una cantidad adecuada de sillas, escuchando a través de un sistema de amplificación adecuado y muy bien manejado; claro está que amplificando una orquesta sinfónica es difícil caer en los chillones y poco saludables excesos que se puede sufrir en otros eventos musicales; pero también es cierto que amplificar una Orquesta Sinfónica no es tarea para un pone-discos precisamente, y tiene sus secretos y riesgos. Previo a la música misma, una charla de Browne -que a ratos nos recordó a Jorge Dahm en el Municipal por los años 70-, intentó acercar la Sinfonía de Brahms al auditorio, asociándola con un programa que recorre la vida humana, insertando breves trozos de los movimientos de la obra, a modo de ilustración. Para algunos de los presentes -especialmente aquellos padres preocupados de la educación de sus hijos, por hoy bastante incierta y azarosa, aunque ellos mismos no tuvieran ni idea de lo que estaba pasando- puede haber sido muy instructivo y reconfortante recibir una explicación y una justificación ilustrativa de la música; a muchos nos sucede, cuando contemplamos una obra plástica, que el título de dicha obra, o una descripción de sus circunstancias nos ayuda a aprehenderla, a asociarla a nuestra propia experiencia. Por otra parte, cuando se escucha una música que no tiene mucho que ver con la cultura y vida diaria, es un buen pretexto asociarla con algo familiar y cotidiano, para aceptar escucharla. Luego de esta charla, pudimos recrearnos en la excelente interpretación de la obra del músico alemán, una de las cumbres de la humanidad de todos los tiempos. Músico en Chile, 2005

Rudy Wiedmaier presentando su disco "Hotel Teillier"
Poesía de Jorge Teillier (1935-1996), Música de Rudy Wiedmaier, en Matucana 100, presentado por el músico y escritor Cacho Vasquez ("Corazón rebelde"). Una síntesis entre la poesía de Teillier y la música de Wiedmaier, el primero con su arraigo en el recuerdo y la nostalgia, su esperanza de reencontrar el paraíso perdido -inevitablemente perdido, disolviéndose en el sueño y en un mundo cotidiano absolutamente desolado; el segundo con una tremenda energía que se traduce en perplejidad y furia ante un presente que carece incluso de paraísos perdidos (y ni siquiera puede pretender alcanzar un sueño, ya que no es capaz de soñar). Rudy Wiedmaier, de la mano de Teillier, busca encontrar esa luz olvidada, que él mismo sabe que no existe. Wiedmaier es un músico -y poeta, como Teillier- único en su categoría, aunque cualquiera puede alegar que en su discurso se transparentan variadas influencias, ¿y quién no las tiene?, ¿es acaso una culpa?. De ninguna manera, pero en algunos medios se acostumbra exigir lo imposible, especialmente a quien presenta una obra personal, no inscrita en los deprimentes catálogos del arte mediático. Lo que para artistas de mediocres horizontes es una virtud, para el creador es un pecado... bonita contradicción. En las dos horas de espectáculo, que unos doscientos elegidos pudimos recoger, Wiedmaier estuvo acompañado por (Tiburón Verde) músicos de gran (y poco usual) solvencia -entre ellos un hiperquinético Wolf (bajo), Iván Djaber (batería), Mono en Orbita (teclados y voz), Alfredo Rossel (guitarras), Angélica González (voz), y -más conocido por ser uno de los actuales "músicos de Charly García"- Kiuge Hayashida (guitarra y voz), y mostró además temas propios ya reconocibles por quienes hemos escuchado algo de su obra y trayectoria ("Sol de la capital" y otros). Aparte de Jorge Teillier, estuvieron presentes en espíritu (¿de qué modo menos siútico decirlo?) el poeta y músico Genaro Sandoval (cuya obra fué y permanece ignorada), Eloy Alquinta, George Harrison, John Lennon y otros que todavía habitan nuestro planeta, como Charly García, Jimmy Page y Luis Alberto Spinetta. Si hemos de buscar una categoría, esto podría llamarse "Rock de Hielo", hielo en llamas, porque Rudy Wiedmaier nos increpa con su presencia, nos abofetea con su guitarra rebelde -ese golpe de la Telecaster en el pedestal del micrófono nos dolió, Rudy-, nos crispa con textos cantados con una voz que se desgarra junto con el corazón, nos lleva a territorios en que alegría y tristeza adquieren una realidad casi fluídica; nos quema y nos congela desde el escenario. El arte exige respuestas. Después -y antes-, la abrumadora soledad de Matucana, la bestial tragedia humana en Alameda, la ciudad triste, el país sangrado, el planeta condenado. Músico en Chile, 2005

Manolo Acuña y Mundo Stress 14 de Abril de 2005
Cuando uno trabaja en esto de andar tocando música, a veces se encuentra con personas que quieren desarrollar su propia obra (a veces a uno también le toca buscar ayuda para tocar música propia). Así fue como empecé a trabajar con Manolo Acuña, a fines de los 90. El ha recorrido ya varias estaciones en esto de la música, aunque entre sus trabajos más destacados está el haber sido integrante del grupo Amauta, una de las figuras del mítico Canto Nuevo, que vivió entre nosotros en los años 80, extinguiéndose a partir de los 90. Manolo también figura en un disco (New Moon), hecho en Bélgica, del músico Abdelli -dudo que muchos lo conozcan, pero si lo encuentran por ahí se los recomiendo. Esta actuación en el Pub La Rosa, el local de Peñalolen dirigido por Alexis Venegas, es el debut de Acuña como solista, presentando un grupo de canciones de factura propia, que figuran en el disco "Manolo Acuña" que produjimos hace unos cuatro años, y que todavía no encuentra difusión. Y, como todo debut, fue algo nervioso, con algunos tropiezos técnicos, menores por cierto, pero con mucha musicalidad, o "duende", como dicen los Flamencos. No sé si la emoción de estas canciones habrá alcanzado a todos quienes asistieron, pero sin duda son muy sensibles, trasuntando genuina humanidad y universalidad en su particularidad, como suele suceder con las obras musicales de artistas del calibre de un Hugo Moraga, un Silvio Rodriguez, un Caetano Veloso, un Chico Buarque, un Paolo Conte, un Joan Manuel Serrat. Seguramente no soy yo el mejor crítico en este caso -no pretendo serlo, pero de todos modos quiero consignar esta primera actuación de Manolo Acuña como solista, acompañado de Juan Espinoza en guitarra, Sebastian San Martín en bajo e Iván Toledo en teclado y secuenciador-, y finalmente agradecer el ser partícipe del trabajo de este artista chileno. "Sube... aunque todo vaya abajo..." Músico en Chile, 2005

La Flauta Mágica, para niños 29 mayo 2005
Música reducida Historia reducida Escenografía reducida Precio reducido Admirable trabajo de cantantes y ambos músicos, especialmente de Leonora Letelier en piano y celesta. Músico en Chile, 2005

IV Festival de Orquestas Juveniles El crecimiento de un país
Aunque para muchos parezca increíble, existen hoy unas 170 orquestas juveniles e infantiles repartidas en Chile; de estas, 10 participaron en este Festival, mostrando parte de los frutos actuales de iniciativas y trabajos que se iniciaron en los años 60, y que, luego de un demasiado extenso letargo, fueron retomados, culminando con la creación en 2001 de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles de Chile. Por otra parte se demostró categóricamente la potencialidad de las personas, cuando son niños y jóvenes, si se tiene el buen tino de trabajar en la creación de las condiciones propicias para su crecimiento, crecimiento al cabo de todos nosotros. El Domingo 3 de Julio de 2005 en el Municipal, pudimos escuchar Música de autores diversos: Holst, Vivaldi, Rimski-Korsakov, Piazzola, Bartok, Boyce, Weill, Lizama, Cornejo, Terán, Bizet, Los Jaivas, Svendsen, Anderson, Perez, Bianchi, Piemé, Márquez, Schumann, Mussorgski, Smith, Bach, Purcell, Küchler, Delibes, Strauss, Mozart, Grieg, Parra, en las manos de unos 200 músicos y de los directores Felipe Hidalgo, Sergio Alvarado, Karina Zelaya, Manuel Fuentealba, Alexis Velásquez, Heike Catalán, Américo Giusti, José Luis Domínguez, Patricio Cobos; pero sobre todo, pudimos experimentar la riqueza de la obra de arte, la creatividad, entusiasmo, disciplina, trabajo, entrega, todo lo cual dice que la humanidad tiene un objetivo y un destino distinto a los limitados horizontes que nos muestra un sobrevalorado acontecer repleto de miedo, violencia y desesperanza. Definitivamente fuimos partícipes, junto con aquellos músicos y trabajadores, de una gesta que sí tiene mucho de regenerador, heroico y benéfico. No podemos desaprovechar esta oportunidad para reconocer a las muchas personas cuyo trabajo permite que todo esto suceda: Jorge Peña Hen, Fernando Rosas, Luisa Durán, José Urquieta, Claudio Pavez, Américo Giusti, Pablo Matamala, Guillermo Rifo, entre muchos otros. Parece que, después de todo, la Historia no ha terminado. Músico en Chile, 2005

Un ensayo con Zubin Mehta 15 Agosto 2005
No es la primera vez que la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil es guiada por la batuta (es un decir) del director de origen Indio, actualmente Director Vitalicio de la Orquesta Sinfónica de Israel, con la que se presentaba esa misma tarde en Santiago- Para muchos de los músicos presentes ese ensayo constituirá un hito que comentar por mucho tiempo; para otros bastará, para estar orgullosos, con haber llegado a constituir esa gran orquesta. De todas maneras Mehta es Mehta, con la altura y el brillo de un Bernstein, un Toscanini, un Kharajan o un Rattle y con la sencillez que caracteriza a todo grande, hay que mencionarlo. Pocas veces tenemos la oportunidad de compartir un espacio con gente de esa talla, pero no hay que dejar de agradecer el trabajo de los que, junto al director, trajeron una vez más a la vida esa monumental obra, la 3ª sinfonía, del por tantos venerado genio aleman Ludwig Van Beethoven, empezando por los propios instrumentistas. Mencionar obligadamente el trabajo preparatorio -la auténtica dirección de la orquesta- de Eduardo Browne, quien está desarrollando hoy por hoy un trabajo extremadamente valioso en nuestro país, colaborando en la creación de un sustrato artístico nunca antes existente en Chile que, si hay alguna justicia, debiera aportar en un tiempo frutos benéficos a nuestra alicaída vida cultural. Sí; porque indudablemente es de buen tono ir a un concierto de Zubin Metha -viste bien-, y puede ser hasta políticamente correcto (para más de alguien puede ser incluso una experiencia enriquecedora); pero de ahí a vivir la expresión musical, ocupar las herramientas intelectuales propias del género, establecer una comunicación artística, que puede hacernos levantar un poco la nariz y ver dimensiones un poquito más cercanas a lo civilizado que, dicho sea de paso, también existen aunque no sea más que en potencia, hay algún trecho. Para allá va la cosa, espero; pero mientras, en el camino, grande Metha, grande la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil, (sin dejar de considerar a todos los que sostienen la iniciativa) y grande Beethoven, para empezar. Músico en Chile, 2005

Mirar de Afuera Rudy Wiedmaier, Ricardo Nanjari
Alguien me avisó, alguien me dijo, supe que... Sin duda esta forma de llegar es una ventaja porque, ¿qué pasaría si en un matinal de tv, o en un noticiario, o a traves de avisos publicitarios, se hubiese avisado que el 23 de julio de 2005, a las 20:00, se mostraría una obra musical nueva y se lanzaría el disco "Mirar de Afuera", de Rudy Wiedmaier, basado en la poesía de Ricardo Nanjari? Es difícil suponer las consecuencias pero, probablemente, por cada persona presente ese día en la sala del Centro Cultural de Los Andes, habrían llegado... digamos... ¿unas tres más? Es decir, la sala se habría repletado, y probablemente hubiese quedado bastante público fuera de ella. La gente que vive muy lejos del centro de Santiago, especialmente aquella destrozada por la jornada semanal, sin ganas de nada y sin ganas de invertir el dinero necesario para financiar un muy dudoso y peligroso transporte público, no habría llegado hasta Alonso de Ovalle, descartemos una buena cantidad de personas. Pero aún así, quizá se habría necesitado hacer varias funciones, o repetir por un tiempo el lanzamiento de este disco. Más todavía; si las radios anduvieran mostrando parte de este disco, como el inquietante tema "Viento Blanco", o la tv mostrara su interesante video-clip -así como nos machacan con numerosos artistas de dudosa constitución intelectual- quizá hasta algunas personas estuvieran interesadas en adquirir este disco, escucharlo con calma, aprehender su música y su poesía, vivirlo. Y todo eso hubiera causado muchísimas incomodidades: fabricar más copias del disco, arrendar por varios días la sala, pagar más a los músicos, al equipo de sonido, al equipo de video, comprar más cuerdas y uñetas. Habría que disponer de más personal para acomodar a los espectadores, para el aseo, para seguridad, para entregar folletos informativos. Quizá si tanta repetición de un concierto acabaría aburriendo a los mismísimos Ronald Gallardo, Wiedmaier, Nanjari, Mono en órbita, Iván Djaber, Wolf, o hubiese molestado a alguno de esos para quienes el arte es un artículo decorativo, y no me vengan con tribulaciones. Y también esto acarrearía problemas a varios conductores de microbus, que deberían trabajar más tiempo para poder transportar a toda esa gente y a muchos expendedores de artículos alimenticios varios... sería largo, y poco práctico, enumerar las numerosas y grandes desventajas que se crearían si a alguien se le ocurriera en Chile comunicar -utilizando los medios de comunicación- la existencia de las obras de los artistas, nuevas o antiguas; y por eso hay que concluir en que es lo mejor que los creadores -ya que se les ocurre existir- paguen su intrusión siendo ignorados y castigados por su desviada, poco competitiva y poco productiva naturaleza. Es lo mejor que, luego de realizar un agotador esfuerzo de entrega, búsqueda y creación, el artista descanse, y se dedique a cosas de tan inefable naturaleza como manejar un taxi por 15 horas diarias, recolectar cartón en las calles por unas 10 horas diaras para entregarlo a acopiadores que, a su vez, lo entregarán para su reciclaje industrial; o trabajar por 10 horas diaras bajo las sabias órdenes de un jefe, como cajero de supermercado; o dedicarse a empleado vitalicio -hasta, más o menos a los 65 años, ser deshechado- de alguna de las numerosas empresas que hoy por hoy dan trabajo y medios de subsistir a los chilenos. También está la descansada, mística y emocionante posibilidad de dedicarse al económico arte del ayuno, que si bien a poco le restará posibilidades de realizar cualquier otra actividad, por otro lado le evitará las numerosas frustraciones que la actividad creativa acarrea. Me levanté solitario Con la vista vendada Con la lengua cortada Y quizá ya sin alma (R. Nanjari) Músico en Chile, 2005 Información acerca de la obra en: http://rudy-wiedmaier.lyrics-songs.com http://www.ricardonanjari.com

Ensamble de Bronces, para niños Teatro Municipal
No se si este grupo de músicos, integrantes de la Orquesta Filarmónica, hace de este tipo de presentación un negocio remunerado, o si lo hacen como una forma voluntaria de dar a conocer a nuevos auditores las maravillas inherentes a los instrumentos de metal, o tal vez como una mera labor funcionaria, parte de las obligaciones de su puesto laboral. El hecho es que su apuesta didáctica funciona de maravillas, logrando captar la atención no sólo de los niños presentes -a quienes estaba dirigida especialmente la presentación del Domingo 25 de Septiembre- sino además a todos los que disfrutan de una buena música, de un buen sonido, del buen humor y de aprender algo. Uno de sus aspectos más acertados es que no pretendió arguir ningun pretexto para introducirnos en el mundo de estos instrumentos; porque por mero instinto, un artefacto sonoro, su sonido y la música que encierra siempre llamará la atención de alguien, incluso de muchos seres no humanos, y sólo será necesario guiar al auditor, y llevarlo de paseo por la música, para que descubra sus maravillas. Esto, además de la excelencia del grupo y cada uno de sus integrantes -algunos tan destacados como el reconocido maestro Edward Brown-, ejecutantes de Trompetas, Cornos (Trompas), Trombones, Tubas, presentando además instrumentos menos usuales, como la "Tuba Wagneriana", instrumentos indígenas, o sencillamente mangueras de plástico, hace de un evento como este un grato y enriquecedor espectáculo, sin pretensiones, sin mayor boato, pero que se agradece por su calidad, musical y humana. Músico en Chile, 2005

Carmen Aguilera y Otro Trío En la Sala Master
Nuevamente tenemos la oportunidad de escuchar música de Carmen Aguilera -compositora, cantante y pianista- y Otro Trío: Luis Zuñiga en guitarra, Carlos Delgado en contrabajo y bajo eléctrico, Martín Reyes en percusión. Hemos visto a este grupo musical evolucionando y consolidándose en ya más de tres años de trayectoria pública -poco usual es que un grupo "jazzístico" permanezca, trabaje un repertorio exclusivo, crezca cohesionado. Escuchar a Aguilera y sus -a veces sentimentales a veces poseídas de un suave humor- canciones (notables los unísonos y solis de voz y guitarra en "Dreams" y "With my mind"), su sólido pianismo (con eléctricos y contenidos solos en "With my mind" y "Contemplation"), la guitarra, bajo y percusión de Otro Trío, con ejecución perfecta y el protagonismo preciso- como sucede cuando nos encontramos con una obra genuinamente artística, es una experiencia que mueve sentidos e intelecto, que tanto apela al sentimiento como a la reflexión acerca de las formas artísticas, y porqué nó, a atrevernos a explorar los caminos creativos que cada persona tiene frente a sí. No se puede -y sería irrespetuoso- tomar el arte de Carmen Aguilera y Otro Trío y ponerlo como en un insectario, para criticarlo, viviseccionarlo y compararlo con otros; no se puede poner en una tabla de popularidad, no se le puede hacer competir en una carrera en pos de magros premios festivaleros o estériles éxitos marqueteros; su éxito está en sí mismo, en una música personal -como una carta dirigida a nosotros, quienes le oímos- sin concesiones a las cortapisas del arte industrial y con indudables referencias a muchos músicos y artistas que han marcado sendas (ella dedicó el primer tema "Walk" a Duke Ellington), especialmente en lo que respecta al Jazz, género en el cual Carmen Aguilera y Otro Trío han elegido enmarcarse. Cuando el artista es honesto, en su arte está contenida su persona plena, siendo la obra una respuesta a la vez que interrogante, en un diálogo sutíl cuyo vehículo en lugar de palabras son formas, sonidos, yuxtaposiciones armónicas, interferencia síquica y la energía sólida que presiona, pulsa cuerdas, golpea tambores, creando en forma instantánea en un diálogo entre los músicos, con los auditores presentes en la sala, y esta vez también con quienes escucharon la radio de la Universidad de Chile ese día domingo 8 de enero a las 12:00. La música de Carmen Aguilera -presentó 10 temas, algunos de los cuales están en su disco "Collage", ya disponible- no intenta imitar una forma estilística -de hecho evoca tanto lo modal, el swing, el latin-jazz, la música pop, la atonalidad y quien tenga conocimientos especializados podrá desgranar otras fuentes-, sino que tiene su propia pluma, que será apreciada por quien tenga el oído preparado y el espíritu dispuesto a encontrar verdades. Músico en Chile 2006

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