NGA Washington anuncia adquisición de obras de arte
Edward Weston
EE.UU., 1886–1958
Shell 1 (Nautilus), 1927
Gelatina de plata
National Gallery of Art, Washington, Regalo de Agnes S. Wolf
Entre las adquisiciones se encuentran las primeros pinturas de Jean-Léon Gérôme y Cornelis Bega que entran en la colección del Museo, un interesante relieve florentino de un modelo atribuido a Massimiliano Soldani-Benzi, el primer libro impreso ilustrado por un artista italiano, y dibujos de Lattanzio Gambara y Alessandro Magnasco. La Galería también ha adquirido dos grandes esculturas de Robert Smithson, sus primeras obras de la reconocida fotógrafa Sally Mann, una fotografía histórica de Edward Weston, una cartera de fotograbados de Al Taylor, y un importante grabado de Jasper Johns de 1997.
PIEZAS DESTACADAS
Edward Weston, Shell 1 (Nautilus) (1927)
Edward Weston (1886-1958) fue uno de los más importantes fotógrafos modernistas
de Estados Unidos. "Shell 1 (Nautilus)" fue creada en un momento crucial en la
carrera de Weston, poco después de su regreso a California desde México en 1927,
cuando comenzó a examinar de cerca los objetos naturales.
Jean-Léon Gérôme, Vista de Medinet El-Fayoum
(c. 1868–1870)
Jean-Léon Gérôme (1824-1904) fue el artista francés más financieramente exitoso
de la segunda mitad del siglo XIX. Sus escenas orientalistas se inspiraron en
los muchos viajes que emprendió por Egipto, el norte de África, Siria, Asia
Menor, y Tierra Santa, a lo largo de su carrera. En "Vista de Medinet El-Fayum",
c. 1868-1870, Gérôme representa la ciudad más antigua de Egipto, que se
encuentra a unos 80 km al suroeste de El Cairo. Aunque la National Gallery ya
posee un dibujo y dos grabados de Gérôme, esta obra es la primera pintura del
artista que entra en su colección.
Jasper Johns, Green Angel 2 (1997)
El artista Jasper Johns (b. 1930) ha donado a la National Gallery este grabado
de 1997, junto a varias obras relacionadas.
Jan de Bisschop (Holanda,
1628–1671)
Estudio de 'Weyschuit' en la Costa y Botes de Remos en el Agua
1648–1652
Lápiz y tinta.
The J. Paul Getty Museum, Los Ángeles.
Gustav Klimt (Austria,
1862–1918)
Retrato de joven recostada (1897–1898)
The J. Paul Getty Museum, Los Ángeles.
Al mirar dibujos, generalmente nos concentramos en lo que hay: las figuras, el paisaje, los edificios y otros objetos. "La poesía de papel", sin embargo, se centra en lo que NO está allí, en el uso de los artistas del espacio negativo, que se describe como áreas en blanco que crean una ilusión de luz y forma.
Formada principalmente con obras de la colección permanente del Museo Getty, "La Poesía de papel" contiene 33 dibujos de maestros consumados que abarcan seis siglos de creación artística.
"Exposiciones como 'La Poesía de papel', que se centran en un medio en particular, proporcionan un excelente vehículo para la comprensión de la técnica artística", explica Timothy Potts, director del J. Paul Getty Museum. "Nuestra atención se dirige automáticamente a lo que un artista ha dibujado o pintado, pero a veces es lo que han optado por no representar lo que es igualmente importante para lograr el efecto deseado. La exposición explora el significado de lo que no está allí con resultados a veces sorprendentes".
Al dibujar la figura, los artistas utilizan con frecuencia el espacio negativo para sugerir la forma, confiando en la imaginación de los espectadores para llenar el vacío. Por ejemplo, en el "Retrato de una joven recostada" (1897-1898) de Gustav Klimt, su cabeza descansa sobre una franja de espacio en blanco, la cual, a través de mínimas marcas de tiza, puede interpretarse como una almohada.
Además de figuras y estudios de arquitectura, los artistas también se inspiraron en el mundo que les rodeaba, y se esforzaron por reflejar lo que presenciaban en la naturaleza. Mediante la yuxtaposición de zonas vírgenes de papel blanco con varias áreas coloreadas, podían sugerir nubes blancas en un día soleado, o nubes que avisaban de una tormenta aproximándose. "'Weyschuit' en la Costa y Botes de Remos en el Agua" (1648-1652) de Jan de Bisschop es un ejemplo magistral de esta técnica, usando extensiones de papel blanco para denotar la costa, el cielo y el mar.
Carol Bove: The Equinox (Equinoccio) - MoMA
El conjunto escultórico, creado específicamente para el Museo de Arte Moderno, reúne piezas que representan el particular lenguaje artístico de Bove, juntando formas modernistas con cubos, rectángulos y cilindros, y empleando una amplia variedad de materiales, desde vigas de acero hasta materiales orgánicos, como conchas y plumas de pavo real.
Bove nació en Ginebra en 1971, se crió en Berkeley, California, y vive actualmente en Red Hook, Brooklyn. El paisaje industrial del sur de Brooklyn ha sido fuente de inspiración para la artista, y gran número de sus materiales fueron recolectados originalmente en depósitos de chatarra locales y obras de construcción. Otros objetos que la artista ha utilizado en varias ocasiones, incluyendo plumas de pavo real, se refieren a una estética del norte de California durante la década de los 60 y principios de los 70. Aunque Bove es demasiado joven como para tener recuerdos directos de esta época, su obra alude a su espíritu mediante la incorporación de artefactos que simbolizan las aspiraciones utópicas de conectar lo natural y lo artificial.
El título de esta instalación, "The Equinox (El Equinoccio)", hace referencia tanto al evento celestial bianual en el que el sol cruza el ecuador, haciendo que el día y noche tengan la misma duración, como a las tradiciones esotéricas que estudian fenómenos naturales como elementos clave para aprovechar la energía de la naturaleza. Como reflejo del equilibrio que representa el equinoccio, cada escultura es un equilibrio entre lo orgánico y lo inorgánico, lo geométrico y lo biomórfico. Al igual que los talismanes o amuletos, estos objetos, hechos de plata, bronce, hierro oxidado o madera desgastada, también parecen poseer propiedades místicas que emanan por igual de sus formas y de sus materiales.
Bove ha expuesto internacionalmente en exposiciones individuales como en The Guild en Glasgow, el Palais de Tokio en París, el Museo de Arte Blanton de Austin, la Kunsthalle de Zurich, el ICA de Boston y el Kunstverein de Hamburgo. Ha participado en Documenta 13, la 54ª Bienal de Venecia y la Bienal del Whitney, entre otras muchas exposiciones colectivas.
Adquisiciones de pintura antigua para museos europeos
Brujas (?), Tríptico
con el Embalsamamiento del Cuerpo de Cristo
c.1410-1420
Colección Museum Boijmans Van Beuningen
Pietro Lorenzetti, Cristo
entre San Pedro y San Pablo
c.1320
© Ferens Art Gallery, Hull Museums
Foto: The National Gallery, Londres
La adquisición más cara en la historia reciente del Museo Boijmans
Una obra maestra de la pintura sobre tabla de la época anterior a Jan van Eyck, un tríptico que muestra el embalsamamiento del cuerpo de Cristo se ha añadido a la colección del Museo Boijmans Van Beuningen. La pintura ha sido adquirida gracias a donativos de la Rembrandt Association y el Mondriaan Fund. Otras generosas contribuciones llegaron por parte de la Prins Bernhard Cultuurfonds (Breeman Talle Fonds), VSBfonds, SNS REAAL Fonds, BankGiro Lottery y la Fundación Museo Boijmans Van Beuningen. El director del Boijmans, Friso Lammertse, declaró que "es extraordinario que una pintura totalmente desconocida de este período salga a la luz, y aún más extraordinario que pueda estar disponible para la adquisición por parte del museo. El panel de la derecha con San Juan Bautista es una de las más bellas pinturas holandesas pintadas alrededor de 1400".
Después de la exitosa exposición "The Road to Van Eyck" que el museo organizó el año pasado, y en la que el tríptico fue mostrado por primera vez, la Rembrandt Association decidió aportar 600.000 euros para establecer un fondo para la adquisición del tríptico.
Importante obra de Pietro Lorenzetti comprada para la Ferens Art Gallery
"Cristo entre San Pablo y San Pedro", pintada por Pietro Lorenzetti alrededor de 1320, ha sido adquirida para la Ferens Art Gallery con la ayuda del Art Fund. La obra será la pintura más antigua de la colección de la galería.
La obra fue subastada en Christie's Londres hace un año, rematándose por 5.081.250 libras (contando con una estimación pre-venta de entre un millón y un millón y medio de libras). El secretario de Cultura colocó una prohibición temporal de exportación de la obra. Según el Art Fund, el monto total pagado por la obra ha sido de 1.612.940 libras esterlinas.
Varias pinturas robadas podrían haber sido quemadas
Claude Monet
Puente de Waterloo, Londres (1901)
Expertos rumanos están analizando las cenizas encontradas en un horno para certificar si son los restos de los siete cuadros que fueron robados del Kunsthal Rotterdam hace un año, según afirman varias fuentes.
La propietaria del horno es la madre de uno de los sospechosos acusados de robar las obras del museo holandés, y se ha declarado que los quemó para proteger a su hijo.
Cuando las pinturas fueron robadas, en octubre del pasado año, la directora del museo, Emily Ansenk declaró que el robo era "la peor pesadilla para cualquier director de museo". Lamentablemente, parece que la pesadilla se ha convertido en algo todavía peor.
Las pinturas robadas:
Pablo Picasso: "Cabeza de
Arlequín" (1971)
Claude Monet: "Puente de
Waterloo, Londres" (1901)
Claude Monet: "Puente de
Charing Cross, Londres" (1901)
Henru Matisse: "Chica leyendo
en blanco y amarillo" (1919)
Paul Gauguin: "Femme devant une
fenêtre ouverte, dite la Fiancée (Chica delante de una ventana abierta)" (1898)
Meyer de Haan: "Autorretrato"
(circa 1890)
Lucian Freud: "Mujer con los
ojos cerrados" (2002)
Hippie Chic - Revolución en la Moda - MFA Boston -
Model Pattie Boyd, entonces esposa de George Harrison, aparece en esta obra titulada Fashions and Interior by The Fool at the Beatles’ Apple Boutique, 1967, de Ronald Traeger
La exposición ofrece una experiencia repleta de alfombras "shag", luces giratorias y papeles de colores. Verios maniquíes, (algunos sobre plataformas giratorias) muestran el estilo de la moda y los peinados de la época. En un lugar predominante se muestra la ropa innovadora de los jóvenes diseñadores y las boutiques de vanguardia que defendían los nuevos looks de la contracultura, así como diseñadores más consagrados que se inspiraron en ellos.
Mientras la generación de Woodstock desafiaba el status quo, una revolución cultural nacía y el mundo de la moda se hacia eco de ello. Por primera vez, los diseñadores de alta costura no dictaban todas las tendencias, sino que la inspiración para muchos de los últimos estilos llegaba de los hippies y los jóvenes los mostraban en la calle. Con su pelo largo y su vibrante mezcla de ropa étnica y vintage, los hippies crearon una apariencia única, que trepó por la escalera de la moda hasta las pasarelas más importantes del mundo. Las modas divertidas y coloridas que surgieron fueron popularizadas por las más famosas estrellas de rock y celebridades de la época: The Beatles, Rolling Stones, Jimi Hendrix y Cher.
"'Hippie Chic' revisa un momento particular de la década de los 60 y principios de los 70 en Estados Unidos y Europa, rastreando la influencia revolucionaria los hippies en la moda", explica Malcolm Rogers, Director del MFA. "La ropa se convirtió en un lienzo para la expresión personal. Como estudiante en Oxford, recuerdo vívidamente estar rodeado e inspirado por la energía y la creatividad cultural del movimiento hippie. La instalación - con sus plataformas giratorias, alfombras de pelusa y sus 'jukeboxes' - transporta a nuestros visitantes a esta era nostálgica, para que puedan volver a vivir este período o bien experimentarlo por primera vez".
Obras maestras Luba en el LACMA
Máscara
República Democrática del Congo, Luba, siglo XIX
Madera, (Ricinodendron rautanenii)
Royal Museum for Central Africa, RG 23470
(hallado por O. Michaux en 1896)
"Dando forma al Poder" explora las tradiciones artísticas y los emblemas del poder del Reino Luba, uno de los más influyentes en la historia de África Central. Organizada conjuntamente con el Museo Real de África Central en Bélgica, la exposición muestra una selección de importantes esculturas realizadas por los Luba de la República Democrática del Congo. Se incluyen tronos, cetros, copas reales, reposacabezas de madera y figuras ancestrales, rara vez vistas en los Estados Unidos, y expuestas por primera vez en Los Ángeles.
La exposición transmite la belleza y complejidad del arte y la cultura Luba, y presenta una de las más notables tradiciones escultóricas y filosóficas de África. Mientras que muchas obras Luba parecen tener fines utilitarios, son en realidad objetos simbólicos, imbuidos de atributos espirituales y esotéricos. Las obras mostradas fueron en muchos casos tesoros de reyes, jefes y adivinos. La estética Luba fue copiada posteriormente, ampliando aún más su alcance. Estos mismos objetos fueron y siguen siendo contenedores de memoria, codificando historias y preceptos de la realeza Luba.
Los emblemas reales eran vitales para la formación y expansión del reino Luba, un Estado central africano muy influyente que floreció en los últimos siglos en lo que hoy es la provincia de Katanga de la República Democrática del Congo. Magníficos tronos, cetros, y figuras conmemorativas jugaron un importante papel en la conformación de los poderes de una sofisticada cultura real africana.
Obras maestras prerrafaelistas toman las subastas
Sir Edward Coley Burne-Jones (1833-1898)
Love among the Ruins (Amor entre las Ruínas)
acuarela sobre papel, 96.5 x 152.4 cm.
Precio estimado pre-venta: de 3 a 5 millones de libras
Vendido por 14.845.875 libras
(17.165.500 euros)
Dante Gabriel Rossetti (1828-1882)
Proserpina
Precio estimado pre-venta: de 1,2 a 1,8 millones de libras
"Amor entre las ruinas", una obra de gran importancia de Sir Edward Coley Burne-Jones, fue la estrella indiscutible de la subasta de arte impresionista y victoriano británico de Christie's. Con una estimación pre-venta de tan sólo 3 a 5 millones de libras esterlinas, la pintura se vendió por 14.845.875 libras (22.432.117 dólares / 17.117.294 euros), estableciendo un nuevo récord mundial para el artista, y convirtiéndose en la pintura prerrafaeslita más cara jamás subastada. El catálogo de Christie's describió esta obra como "una de las creaciones más perfectas y bellas del maestro". Otra obra de Burne-Jones -"A Gorgon (fragmento)" - también rompió su estimación pre-venta de 20.000 a 30.000 libras, rematándose por 217.875 libras esterlinas.
"Sisters (Hermanas)", una bella obra de Sir John Everett Millais, PRA (1829-1896) logró 2.301.875 libras (2.654.062 euros), el segundo precio más alto en la subasta y un nuevo récord mundial para el artista.
La gran "Proserpina" de Rossetti en Sotheby's
El próximo 19 de noviembre de 2013, Sotheby's ofrecerá una obra trascendental del movimiento prerrafaelista, y una de las imágenes más reconocidas a nivel internacional del siglo XIX. "Proserpina" de Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) ha llegado a representar al artista en su identidad definitiva, y ocupa un lugar fundamental en la obra del artista. Rossetti consideraba a "Proserpina" el más hermoso de todos sus trabajos, y las diversas versiones que produjo son cruciales para nuestra comprensión de su arte. La versión actual, anteriormente en la colección de William Graham -el más leal y devoto patrón de Rossetti- llega al mercado por primera vez en más de cuarenta años, con una estimación de entre 1,2 a 1,8 millones de libras esterlinas.
México: Una Revolución en Arte - Royal Academy
Robert Capa
Mujeres en un camión con carteles apoyando la candidatura presidencial del
General Manuel Avila Camacho, Ciudad de México
Junio-Julio 1940.
40.6 x 50.8 cm.
International Center of Photography, The Robert Capa and Cornell Capa Archive,
Gift of Cornell and Edith Capa, 1992 (2852.1992). Robert Capa © International
Center of Photography / Magnum Photos
Diego Rivera
Baile in Tehuantepec, 1928.
Óleo sobre lienzo, 200.7 x 163.8 cm.
Colección de Clarissa y Edgar Brontman Jr. - Photo Collection of Clarissa and
Edgar Brontman Jr., cortesía Sotheby’s, Nueva York
© 2013 Banco de México Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust, Mexico, D.F. /
DACS.
Mostrando más de 120 pinturas y fotografías, "México: Una revolución en el arte, 1910-1940" reúne obras procedentes de colecciones públicas y privadas de todo el continente americano y de Europa. La exposición pone de relieve un período extraordinariamente productivo y diverso en la historia de México; un momento en el que México atrajo a un gran número de importantes artistas internacionales e intelectuales que se comprometieron con los cambios políticos que tuvieron lugar, respondiendo al país rico y variado que encontraron al llegar. Para muchos, México era una tierra virgen rica en historia, impresionantes paisajes y una población diversa; un lugar que poseía un aura de descubrimiento y una promesa de aventura.
En 1910, el estallido de la revolución puso fin al largo reinado de Porfirio Díaz, quien había ocupado la presidencia desde 1876. Una vez que la crisis se hubo instalado, el cambio político posterior marcó el comienzo de un período a menudo referido como un renacimiento cultural. Muchos artistas fueron empleados por el Ministerio de Educación para promover los objetivos políticos de la revolución, adoptando el arte como símbolo de la creatividad inherente y la industria de la nación, y, por lo tanto, visto como el representante de los principios de la revolución. Figuras como Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros (los tres grandes) estaban a la vanguardia de este movimiento.
La exposición concluye en 1940, un año trascendental en la vida cultural y política mexicana. "20 Siglos de Arte Mexicano" se inauguró en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, una importante exposición que demostró el gran nivel que el arte mexicano había alcanzado en los EE.UU. Ese mismo año, André Breton organizó la Exposición Internacional del Surrealismo en la Galería de Arte Mexicano en la Ciudad de México. Robert Capa, reportero de la revista Life, encargado de cubrir las elecciones presidenciales, informó de la muerte de León Trotsky, quien fue asesinado después de haber buscado asilo político en México en 1937.
Entre las obras más destacadss de la exposición se encuentran "Mujer Maya" de Roberto Montenegro, 1926 (Museo de Arte Moderno, Nueva York), "Danza de Tehuantepec" de Diego Rivera, 1928 (Colección de Clarissa y Edgar Bronfman Jr.), "Barricada" de José Clemente Orozco, 1931 (Museo de Arte Moderno, Nueva York), "Mujeres en un camión con carteles apoyando la candidatura presidencial del General Manuel Avila Camacho, Ciudad de México" de Robert Capa (Centro Internacional de Fotografía) y un autorretrato de Frida Kahlo (Cortesía de Sotheby's).
Roy Lichtenstein - retrospectiva en el Centro Pompidou
Roy Lichtenstein
Look Mickey (Mira Mickey), 1961
Óleo sobre lienzo, 121,9 x 175,3 cm
National Gallery of Art, Washington,
Dorothy y Roy Lichtenstein
Regalo del Artista, en honor del 15º aniversario de la National Gallery of Art
© Estate of Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein, Whaam!,
1963
Óleo sobre lienzo, 170 x 400 cm
Tate Modern, Londres
© Estate of Roy Lichtenstein
Como pintor pop, Roy Lichtenstein estaba ansioso por experimentar con materiales, y por inventar iconos y códigos pictóricos que desdibujan las líneas entre el arte figurativo y el abstracto, entre los objetos pictóricos y las tres dimensiones. Su trabajo como pintor se vio enriquecido por su interés por la escultura y la cerámica, así como su pasión por las impresiones. Gran conocedor del arte moderno, estaba fascinado sobre todo por Picasso, Matisse y Léger, todos los cuales son citados en varias de sus obras. Hacia el final de su vida, Lichtenstein regresó a los géneros tradicionales de la pintura clásica: la naturaleza muerta, el desnudo, y el paisaje.
Esta exposición no sólo trasciende del Pop Art, sino que también va más allá del medio de la pintura, ya que desde el principio Lichtenstein produjo un importante número de grabados, y también mostró un interés contínuo por la escultura. Al trabajar en los tres medios simultáneamente, cada uno alimentándose constantemente de los demás, Lichtenstein se esforzó por lograr "el tipo más difícil de arquetipo".
El enfoque cronológico y temático de esta exposición pone de relieve la forma en la que Lichtenstein se aventuró más allá del arte pop, su nuevo punto de vista sobre los movimientos de vanguardia lo situan como el primer artista posmoderno. La retrospectiva se divide en 10 salas: "El arte Pop se asoma al mundo", "La agresión del arte comercial", "Lo que hago es la forma", "Material sobrecargado en un estilo eliminado", "La pincelada, la representación de un gran gesto", "El arte como sujeto", "La pintura como un objeto", "Una especie de sentimiento sobre Matisse", "Desnudos: la separación entre la realidad y la convención artística", y "Una versión impresa del Zen".
Entre las obras destacadas de la exposición se encuentran "Whaam!" (1963, Tate Modern) -posiblemente la obra más famosa de Lichtenstein-, "Mira Mickey" (1961, National Gallery of Art, Washington) y "Chica ahogándose" (1963, Museo de Arte Moderno, Nueva York).
Rijksmuseum compra obra maestra de Jan Mostaert
Jan Mostaert
Paisaje con un Episodio de la Conquista de América
c. 1535
Jan Mostaert
Paisaje con un Episodio de la Conquista de América (detalle)
c. 1535
Pintado casi 40 años después del descubrimiento de América por Colón, esta pintura es uno de los primeros intentos de dar una idea del nuevo continente. Un detalle especialmente llamativo es que la procesión de indígenas se representa con lod indios completamente desnudos. Hay evidencias bastante concluyentes que los indígenas no vivían desnudos, y que Mostaert los pintó de esta manera para contrastar la violencia de los conquistadores españoles con el paisaje tranquilo y celestial, con sus habitantes 'no adulterados'. El paisaje mostrado en este cuadro sale por completo de la imaginación de Mostaert, pero, para transmitir su exótica ubicación, Mostaert agregó algunos detalles locales, como los animales y las aves.
"Paisaje con un Episodio de la Conquista de América", constituye la base de la pintura de paisajes del Norte de Holanda, y es un hito en la historia del arte. Por lo tanto, la obra es una obra canónica en la historia de la pintura occidental.
Procedencia
En la década de 1930, la obra pertenecía al marchante de arte Jacques
Goudstikker (1897-1940). Durante la ocupación alemana, el Mostaert fue
confiscado para la colección del Mariscal del Reich Hermann Göring. Después de
la guerra, se expuso durante años en el Museo Frans Hals, Haarlem. En 2006, el
cuadro fue devuelto a los herederos de Goudstikker. La importante pintura se
expuso en el stand de Simon Dickinson en TEFAF Maastricht a principios de este
año, con un precio de unos 11 millones de euros, según varias fuentes.
Acerca del artista
Jan Jansz Mostaert (c. 1474-1552/53) fue uno de los pintores más importantes del
norte de Holanda durante el siglo XVI. Es famoso por sus retratos y pinturas
religiosas. Algunas de las obras más famosas de Mostaert se exponen en el Museo
Real de Bruselas, el Museo Thyssen de Madrid, y el Museo Metropolitano de Arte,
Nueva York.
El Greco y Canaletto destacan en subastas de arte antiguo
El Greco (Domenikos Theotokopoulos) (1541–1614)
Santo Domingo en oración
Precio estimado pre-venta: de 3 a 5 millones de libras
Vendido por 9,15 millones de libras
(10,75 millones de euros)
Giovanni Antonio Canal, llamado Canaletto (Venecia
1697-1768)
El Molo, Venecia, desde el Bacino di San Marco
Precio estimado pre-venta: de 4 a 6 millones de libras
Vendido por 8,46 millones de libras
(9,88 millones de euros)
La subasta no comenzó bien en Christie's. El lote principal de la venta, el importante "El artista comiendo ostras en un interior", de Jan Steen -que esperaba venderse por entre 7 y 10 millones de libras- no encontró comprador. La pintura ha formado parte de la colección del Conde de Lonsdale durante 250 años. Además, una llamativa obra de Nicolas Poussin, "Aníbal cruzando los Alpes en un elefante", tampocó logró venderse. Christie's indicó en el catálogo que "no se conoce que elefante vivo alguno estuviera disponible en Roma en el momento en que se cree que Poussin creó esta pintura".
Sin embargo, "El Molo, Venecia, desde el Bacino di San Marco" de Canaletto rompió su estimación pre-venta (de 4 a 6 millones de libras esterlinas) y se subastó por 8,46 millones de libras (casi 10 millones de euros). El catálogo explicó que esta obra "muestra los edificios clave en el corazón de Venecia en una perspectiva ligeramente diagonal". En la misma subasta, una "Cabeza de hombre con barba" dePeter Paul Rubens se remató por 1,75 millones de libras.
Poco antes, en la subasta de Dibujos y Acuarelas antiguas destacó Francisco de Goya, cuyo "Si yerras los tiros!" se vendió por 1,5 millones de libras, unos 1,7 millones de euros.
DIVINO GRECO EN SOTHEBY'S
Antiguos maestros en Sotheby's, 3 de julio de 2013
La gran estrella en Sotheby's fue "Santo Domingo en oración" de El Greco, que se subastó por 10,75 millones de euros, estableciendo un nuevo récord mundial para el artista, y -según Sotheby's- un récord para una pintura antigua española. Descrito por la casa de subastas como "uno de los mejores y más característico ejemplos del arte de El Greco que se ofrece a la venta en más de una década", el lienzo contaba con una estimación pre-venta de entre 3 y 5 millones de libras. Una igualmente impresionante "Cristo en la Cruz" se subastó por menos de 4 millones de euros, una ganga. La obra procede de la colección del Museo Zuloaga, y su venta supone una importante pérdida cultural para Euskadi.
Una obra de gran tamaño y agradable composición, "Vista de Avignon desde la orilla derecha del Ródano, cerca de Villeneuve" de Claude-Joseph Vernet se vendió por algo más de 5 millones de libras, también un récord de subasta para el artista y el segundo precio más alto de la subasta. Una serie de seis frescos de Giandomenico Tiepololograron algo más de 3 millones de libras, un precio modesto teniendo en cuenta la importancia de las obras.
El día anterior, Sotheby's organizó su subasta de Escultura Europea, que incluyó un importante tríptico del Maestro del Tríptico de Amiens (Francia, c.1310-20). La obra, propiedad de la colección Gustav Rau, se subastó por 2,77 millones de libras.
Impresionismo, Moda y Modernidad en Chicago
Georges Seurat
Domingo en La Grande Jatte—1884 (1884–86)
Art Institute of Chicago
Claude Monet
Mujeres en el jardín (1866)
Musée d’Orsay, Paris
Incluyendo más de 75 importantes obras de los pintores impresionistas y sus contemporáneos, mostradas junto a la alta costura que las inspiró, "Impresionismo, Moda y Modernidad" demuestra cómo, en manos de los impresionistas, el movimiento de un vestido, los cambios en los estilos, y la cada vez mayor disponibilidad de ropa de moda se convirtieron en instrumentos de la modernidad. Cuando esta exposición se presentó en Nueva York, Roberta Smith del New York Times la definió como un "emocionante espectáculo erudito" de "fuegos artificiales visuales, claridad histórica y una perfecta contextualización." Vogue declaró el espectáculo como "fascinante" por su interpretación de "la apasionada historia de amor del arte y la moda en los bulevares y los salones de la Francia de finales del siglo XIX."
"Impresionismo, moda y modernidad" lleva a los visitantes al París de la segunda mitad del siglo XIX. La ciudad francesa era entonces el bullicioso centro de una Europa que cambiaba rápidamente, y el hogar de decenas de artistas que buscaban captar el pulso y los matices de la vida moderna. Los artistas impresionistas encontraron en la moda el vehículo perfecto para ser la expresión de la modernidad. Las formas atrevidas de los vestidos y trajes, los estilos que cambiaban rápidamente, y el nacimiento de los grandes almacenes y las revistas de moda se enmarcaban dentro del espíritu moderno que se vivía en la dinámica ciudad. La primera exposición que muestra esta conexión entre la moda y la pintura durante este período, "Impresionismo, Moda y Modernidad" expone los cambios económicos, comerciales, sociales y artísticos que volcaron el orden existente, sustituyéndolo con algo más parecido a la vida de hoy.
La exposición cuenta con pinturas icónicas de artistas impresionistas como Monet, Renoir y Pissarro, así como obras de contemporáneos notables como James Tissot, Alfred Stevens, Carolus-Duran y Jean Béraud. Muchas de las pinturas -en préstamo de museos de todo el mundo- rara vez se exponen fuera de Europa. Por el contrario, varias obras de la colección permanente del Art Institute of Chicago (como "Calle de París, día lluvioso" de Gustave Caillebotte (1877)) vuelven a su casa en Chicago, uniéndose a la monumental "Un domingo en La Grande Jatte-1884" de Georges Seurat (1884 -86), que no formó parte de la exposición en París o Nueva York.