Salvador
DalíVisage du Grand Masturbateur (El Gran Masturbador)
1929
Óleo sobre lienzo, 110 x 150 cm.
Salvador
Dalí
Visage du Grand Masturbateur (El Gran Masturbador)
1929
Óleo sobre lienzo, 110 x 150 cm.
Salvador
DalíPara esta ocasión única se han reunido más de 200 obras procedentes de importantes instituciones, colecciones privadas y de los tres depositarios principales de la obra de Salvador Dalí: Fundació Gala-Salvador Dalí (Figueres), Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Florida) y Museo Reina Sofía (Madrid), que de esta forma aúnan esfuerzos para ofrecer al público lo mejor de sus fondos.
La exposición se compone de once secciones que contienen, además de pinturas y dibujos, material documental, fotografías, manuscritos del propio Dalí, revistas, películas y filmaciones de enorme importancia para entender el complejo universo del artista.
1. Del vidrio de multiplicar a la
putrefacción y 2. Autorretratos
La exposición arranca con una sección dedicada a las primeras obras de Dalí
en la que predominan los elementos que marcaron su infancia, como la familia
—"Retrato de mi padre" (1925) o "Muchacha en la ventana" (1925)— y el
entorno que le rodeó en estos años, como por ejemplo "Acantilados" (1926) o
"Paisaje de Cadaqués" (1923).
3. La miel es más dulce que la
sangre
La llegada del artista a la Residencia de Estudiantes de Madrid a finales de
1922 y su encuentro con, entre otros, Federico García Lorca y Luis Buñuel
—con quien colaboró en la película "Un perro andaluz" (1929)— lo vincula a
la Generación del 27, que agrupa poetas, escritores, pintores y cineastas.
4. Surrealismo
En plena etapa surrealista, Dalí desarrolla su método paranoico-crítico, que
centra esta sección de la muestra, con la presencia de grandes obras como
"El Gran Masturbador" (1929) o "La persistencia de la memoria" (1931)
5. El Ángelus
Continuando con el recorrido, se dedica una sección a la relectura que el
artista hace de "El Ángelus" (1857-59) de Jean-François Millet.
6. El rostro de la guerra y 7.
Surrealismo después de 1936
A partir de 1936 y huyendo de la Guerra Civil española, Dalí y Gala pasan la
mayor parte del tiempo en Francia, exceptuando algún viaje a los Estados
Unidos e Italia. La experiencia personal del artista se traslada a óleos tan
perturbadores como "El rostro de la guerra" (1940).
8. America
El inicio de la Segunda Guerra Mundial lleva a Dalí y Gala a exiliarse a los
Estados Unidos, donde residen ininterrumpidamente entre 1940 y 1948. Obras
como "Cabeza rafaelesca estallando" (1951) o "La máxima velocidad de la
Madonna de Rafael" (1954) son representativas de esta etapa.
9. La vida secreta
Treinta dibujos originales que sirvieron para ilustrar su autobiografía La
Vida Secreta de Salvador Dalí, un texto magnífico escrito e ilustrado entre
1941 y 1942, y a menudo considerado por la crítica como el mejor libro del
artista, se muestran en esta sección.
10. Escenarios
Dalí se considera a sí mismo como un artista eminentemente teatral. Desde
sus incursiones cinematográficas, pasando por la confección de decorados
para ballet y teatro, vemos cómo la maestría y el ingenio del Dalí pintor se
ponen al servicio de un campo que no le es propio: el del mundo del
espectáculo.
11. El enigma estético
La exposición finaliza con esta sección en la que se aprecia cómo a partir
de los años 60 y hasta el final de su carrera, los intereses de Dalí
continúan expandiéndose. Durante la década de los ochenta, las teorías
matemáticas desarrolladas por René Thom darán forma a un nuevo universo que
el pintor ya no abandonará, algo de lo que es ejemplo su última obra, "Cola
de golondrina y violonchelos" (1983).
Urs
Fischer:
"Problem Painting", 2011
Basado en una interpretación personal de la realidad, el trabajo de Fischer declara descaradamente su afiliación al pop, al surrealismo y al dadaísmo, mientras que su técnica y sus temas lo colocan indiscutiblemente en nuestro ámbito contemporáneo. En la obra de Fischer aparecen frecuentemente temas y conceptos como el sexo, lo macabro y la violencia. Pero, a su vez, este mundo adulto colinda frecuentemente con un paisaje de cuento de hadas poblado por gigantescos osos de peluche, casas hechas de pan, y objetos semiderretidos. En la imaginación del artista todo es posible, incluyendo una escultura de arcilla del tamaño de un puño transformado en un imponente monolito de doce metros, al parecer producido por las manos de un gigante.
El mundo de Fischer es mutable e impredecible, y el placer que obtenemos de su escultura y pintura se basa en la atracción y repulsión simultánea provocada por sus construcciones oníricas. El trabajo de Fischer se caracteriza por una diversidad sin fin. Algunas de sus esculturas se construyen tanto en fundición de aluminio, otras son toscamente talladas en madera, o están pegadas entre sí como un mosaico de espejos rotos o fundidas en cera para que desaparezcan durante la exposición. Incluso algunas obras que parecen haber sido producidas de forma artesanal por el artista han sido en realidad creadas a través de una serie de procesos digitales con el fin de crear la apariencia extrañamente surrealista de una realidad malograda.
Siendo uno de los más importantes artistas contemporáneos de hoy en día, Fischer es conocido por su uso de una amplia gama de medios de comunicación para expresar la fugacidad del arte y la condición humana. Jessica Morgan, curadora de la Tate Modern de Londres, es la directora de la exposición, que ocupa un total de 6.000 metros cuadrados en el museo angelino. Mostrando su obra de la última década, la exposición reúne por primera vez muchas obras icónicas de Fischer, provenientes de las mejores colecciones internacionales, así como su producción reciente. La exposición ocupa dos espacios diferenciados del MOCA, mostrando la propensión de Fischer a unir lo banal y lo fantástico. Cada espacio tiene un carácter distinto adaptándose a los espacios singulares del museo. En el MOCA, Fischer muestra la trama de su obra: esqueletos que aparecen junto a estrellas de cine, juguetes junto a agujeros de tumbas, y nuestro habitual sentido de desinteresada distancia se construye y destruye al mismo tiempo.
Jean-Michel
Basquiat:
"Dustheads", 1982"Woman with Flowered Hat (Mujer con sombrero de flores)", una obra maestra pop de Roy Lichtenstein, espera ser vendida por más de 30 millones de dólares. Lichtenstein se basa en los retratos de Dora Maar pintados por Picasso en 1949-50, pero reinventados con su revolucionario lenguaje pop. Coincidiendo con la gran exposición retrospectiva de Lichtenstein en la Tate Modern de Londres, la venta de Christie's ofrecerá cuatro grandes obras que abarcan la carrera del artista, con imágenes clásicas de la década de los 60 y obras tardías de las décadas de los 80 y 90.
Ejecutado en 1982, en la cima de la fama y el desarrollo creativo del artista, "Dustheads" de Jean-Michel Basquiatpuede considerarse en su escala y ambición como el epítome de su estilo. Con un precio estimado de entre 25 y 35 millones de dólares, "Dustheads" probablemente rompa el récord de cotización para Basquiat, establecido en 26.400.000 dólares el pasado noviembre en Nueva York.
"Number 19, 1948" (precio estimado de entre 25 y 35 millones de dólares) es una de las grandes pinturas "drip" que Jackson Pollock hizo en un legendario periodo de tres años de inmensa creatividad entre 1947 y 1950, y que revolucionó por completo la pintura americana y la historia del arte del siglo XX. Mostrando una intrincada, rica y dinámica superficie pictórica, la obra es una de las más atractivas e importantes pinturas del artista que han aparecido en subasta en tiempos recientes.
Otra obra importante en la subasta será "Study for portrait" de Francis Bacon. Pintada en 1981, la obra cuenta con un precio estimado de entre 18 y 25 millones de dólares. "PH-1" (1953) es una potente obra de Clyfford Still que podría alcanzar un precio de entre 15 y 20 millones, al igual que "Untitled (Black on maroon)" (1958) de Mark Rothko. Igualmente potente es "Woman" (1953) de Willem de Koonig, que espera lograr entre 12 y 16 millones de dólares. "Abstraktes Bild, Dunkel" es una gran abstracción deGerhard Richter (14-18 millones). "Accent aigu" (1957) deFranz Kline está valorada entre 9 y 12 millones, y "To Fellini" (1958) de Philip Guston, entre 8 y 12 millones
Michelangelo
BuonarrotiLa exposición muestra 11 dibujos de figuras y 14 diseños de arquitectura (incluyendo iglesias, fortificaciones militares, una biblioteca y un portal), algunos de los cuales son obras de gran escala, que ocupan varias hojas. Debido a la naturaleza delicada de los dibujos, éstos se exponen en contadas ocasiones, y su presencia en los Estados Unidos es una oportunidad única. La exposición ofrece una visión íntima de la mano y la mente del artista en momentos clave de su carrera, a través de la exposición de dibujos de figuras y estudios de arquitectura. Entre las obras expuestas se encuentran "Cleopatra" (c. 1532-1533) y "Virgen con el Niño" (c. 1524), realizados en momentos clave de la vida de Miguel Ángel, cuando trataba de superarse a sí mismo después de terminar el célebre techo de la Capilla Sixtina en 1512, en la edad de 37.
"Cleopatra" es uno de los varios dibujos de Miguel Ángel creados como regalos especiales para sus amigos. El artista lo regaló a Tommaso de' Cavalieri, un joven noble romano. Cavalieri atesoró el dibujo durante 30 años, pero cuando la obra ganó prominencia Cavalieri fue obligado por el duque de Florencia, Cosimo I de 'Medici, a renunciar a ella. Cavalieri comentó que era como perder a uno de sus propios hijos. El retrato fue devuelto años después a la familia Buonarroti junto con otras obras del maestro que habían sido adquiridas de manera similar por el duque.
Además de dibujos de figuras, "Michelangelo: Sagrado y Profano" incluye dibujos de estructuras reales e imaginarias, algunas de las cuales fueron ejecutadas, y otras que nunca abandonaron la mesa de dibujo, ya que eran demasiado costosas, ambiciosas, o fantásticas como para hacerse realidad. La Casa Buonarroti tiene la mayor colección de dibujos de arquitectura del artista en el mundo, que van desde sus planes para San Giovanni dei Fiorentini, a los planos de fortalezas imaginarias que poseen pinzas y conchas como cangrejos gigantes. Estas obras documentan su legado como arquitecto, además de sus logros como dibujante, pintor, y escultor ("Pietà", 1499, "David", 1504).
"Hay muy pocas obras de Miguel Ángel a la vista en los Estados Unidos y, de hecho, el MFA no tiene ninguno en su colección, así que para Boston esta exposición constituye una oportunidad única de ver los dibujos de uno de los más grandes maestros de la historia", declaró Malcolm Rogers, director del Museo.
Gerhard
Richter"Domplatz, Mailand" de Gerhard Richter es el resultado de un encargo de Siemens Elettra para producir una obra monumental para sus oficinas de Milán en 1968. El lienzo fue la más ambiciosa obra de Richter hasta la fecha, midiendo más de 9 por 9 pies, siendo la mayor obra figurativa emprendida por el artista, y su materialización técnica fue notable. Hoy en día, la obra se erige como el epítome de las aclamadas foto-pinturas del artista realizadas durante la década de los 60. "Domplatz, Mailand" colgó en las oficinas de Siemens durante 30 años antes de aparecer en una subasta de Sotheby's Londres en 1998, donde fue adquirida por un precio récord y posteriormente expuesto en el Hotel Park Hyatt de Chicago desde hace más de una década. La pintura procede de la Hyatt Hotels Corporation y cuenta con un precio estimado de entre 30 y 40 millones de dólares.
"Domplatz, Mailand vuelve a Sotheby's 15 años después de establecer un nuevo récord de subasta para el artista, y sólo siete meses después de que Sotheby's haya establecido el nuevo record para Richter con 'Abstraktes Bild' (809-4) vendido por 34,3 millones", explicó Tobias Meyer, Jefe de Arte Contemporáneo en la casa de subastas.
El "Study for a Portrait of P.L." (1962) de Francis Bacon se erige como un homenaje al malogrado amante del artista, Peter Lacy, una relación que tuvo un efecto fundamental sobre la vida y el trabajo de Bacon. Pintado pocos meses después de la muerte de Lacy, causada por el abuso de alcohol en 1962, este homenaje es el retrato más importante y emblemático de Lacy jamás creado por Bacon, y marca oficialmente la dirección de su trabajo en las siguientes décadas. "Study for a Portrait of P.L." no había sido visto en público desde 1972, y cuenta con un precio estimado de entre 30 y 40 millones de dólares.
La subasta también incluye "The Blue Unconscious" deJackson Pollock, "Sculpture éponge bleue sans titre, SE 168", de Yves Klein, descrita por Sotheby's como "la más importante obra del artista jamás ofrecida en subasta" y "Onement VI" de Barnett Newman, una de las pinturas más importantes del artista.
Claes
Oldenburg (EE.UU,
nacido en Suecia, 1929)
Floor Burger.
1962.
Óleo con goma y cajas de cerillas, pintado con pintura acrílica.
132.1 x 213.4 x 213.4 cm
Colección Art Gallery of Ontario, Toronto. Adquisición, 1967.
Del 14 de abril al 5 de agosto, 2013
Apoyos importantes para la exposición llegan de la Dana Foundation, Donald B. Marron, Marie-Josée y Henry Kravis, Sue y Edgar Wachenheim III, The Contemporary Arts Council of The Museum of Modern Art, y el The Junior Associates of The Museum of Modern Art.
El Museo Getty presenta 'In Focus: Ed Ruscha'
Ed Ruscha (EE.UU.,
nacido en 1937).
Standard, Figueroa Street, Los Angeles, 1962.
The J. Paul Getty Museum, Los Angeles
Uno de los artistas americanos más influyentes de la actualidad, Ed Ruscha se mudó a Los Angeles en 1956 y continúa viviendo y trabajando en esa ciudad, incorporando la arquitectura local, sus calles, e incluso el espíritu de la ciudad en sus pinturas, grabados, dibujos, y fotografías que son conocidas por su franqueza gráfica. A principios de la década de los 60, Ruscha comenzó a publicar álbumes de fotos y a usar sus fotografías para documentar las carreteras y autopistas en el área de Los Angeles.
"A lo largo de su carrera, la fotografía ha desempeñado un papel importante en la exploración por parte de Ruscha de la arquitectura vernácula, el paisaje urbano y la cultura del automóvil de Los Ángeles", explica Tim Potts, director del J. Paul Getty Museum. "Al reunir fotografías de nuestra colección y materiales de archivo del Getty Research Institute, hemos sido capaces de lograr una comprensión mucho más rica del trabajo y el proceso creativo de Ruscha".
Esta exposición, en la que destaca una importante adquisición conjunta de obras del artista por parte del J. Paul Getty Museum y el Getty Research Institute en 2011, presenta una selección de grabados de las series "Twentysix Gasoline Stations" (1963) y "Some Los Angeles Apartments" (1965), ejemplos originales de la serie "Every Building on the Sunset Strip" (1966) y "Pacific Coast Highway" (1974). La exposición está comisariada conjuntamente por Virginia Heckert, curadora del Departamento de fotografías en el Museo Getty, y John Tain, curador asistente en el Desarrollo de la Colección del Getty Research Institute.
"Las gasolineras y edificios de apartamentos son algunos de los paisajes por excelencia del sur de California que encontramos en la obra de Ruscha", dice Heckert. "La adquisición por parte del Museo Getty de sus fotografías y álbumes de fotos de la década de los 60 nos da la oportunidad de compartir su entusiasmo por los logos y letreros que animan incluso la arquitectura más banal".
El Rijksmuseum abre tras 10 años de reformas
Los arquitectos españoles Cruz y Ortiz han transformado el edificio del siglo XIX en un Museo para el siglo XXI
Más de 30 galerías están dedicadas al esplendor de la Edad de Oro, cuando la joven república mercantil se colocó a la cabeza del mundo del comercio, la ciencia, las campañas militares y las artes. En el centro se sitúa la magníficamente restaurada Galería de Honor, que expone famosas obras de arte de Frans Hals, Jan Steen, Johannes Vermeer y Rembrandt van Rijn.
El Rijksmuseum también presentará un nuevo grupo de galerías centradas en el siglo XX. Pinturas, muebles, fotografías, carteles, películas e incluso un avión muestran la cultura holandesa del siglo pasado. También se exponen por primera vez las Colecciones Especiales, donde los visitantes pueden disfrutar de las artes aplicadas, las ciencias y la historia nacional, incluyendo una galería con una serie de maquetas de barcos y una armería.
Un edificio transformado
El edificio principal del Rijksmuseum ha sido renovado de forma espectacular.
Los arquitectos españoles Cruz y Ortiz han recreado el diseño claro concebido
por el arquitecto original del museo, Pierre Cuypers.
Nuevo Pabellón de Asia
Rodeado de agua, la fachada de vidrio y piedra portuguesa del Pabellón asiático
se caracteriza por sus muros inclinados. La colección de arte asiático del museo
se presenta aquí de una nueva manera. Cuenta con objetos procedentes de China,
Japón, Indonesia, India, Vietnam y Tailandia, desde el 2000a.C. hasta el 2000
d.C. Se exponen un total de 365 objetos.
Nuevo "museo al aire libre"
El Rijksmuseum ha añadido también un gran espacio público basado en un diseño de
1901 de Pierre Cuypers, arquitecto del museo. El nuevo diseño del jardín ha sido
creado por la firma de arquitectura de paisajes Copijn.
L. Lauder dona su colección cubista al Met Museum
Georges Braque
Árboles en L’Estaque (1908)
La colección de Leonard A. Lauder, famosa por su calidad, enfoque y profundidad, incluye 33 obras de Picasso, 17 de Braque, 14 de Gris, y 14 de Léger. Es insuperable por su cantidad de obras maestras e icónicas en el desarrollo del cubismo. Entre las pinturas más destacadas de la colección se encuentran "Notre avenir est dans l'air" (1912), "Mujer en un sillón (Eva)" (1913) y "Naturaleza muerta con cartas, vasos y una botella de ron: Vive la France" (1914, parcialmente repintada en 1915); todas ellas de Pablo Picasso; "Árboles en L'Estaque" (1908) y "El violín (Mozart / Kubelick)" (1912); de Braque; "Casas bajo los árboles" (1913) y "Composición (El Tipógrafo)" ( 1917-18) de Léger, y "Retrato de la madre del artista" (1912) y "Figura sentada en una cafetería (Hombre en una mesa)" (1914); de Juan Gris.
El Centro de Investigación Leonard A. Lauder de Arte Moderno será el primer centro dedicado exclusivamente al arte moderno dentro de un museo enciclopédico como el Metropolitan. También servirá como un centro de referencia para el estudio del cubismo y el arte moderno, conocido por su rigor intelectual y sus recursos disponibles para el estudio. El Centro reunirá a reconocidos académicos, estudiantes y curadores, englobado dentro del rico contexto global de la colección del Metropolitan.
"El regalo de Leonard es un punto crucial para el Museo Metropolitano", declaró Thomas P. Campbell (director y CEO del Museo) al hacer el anuncio. "Aunque el Met es único en su capacidad para exponer más de 5.000 años de historia del arte, durante mucho tiempo hemos carecido de este aspecto fundamental en la historia de la modernidad. Ahora el cubismo estará representado con algunas de sus más grandes obras de arte (...). Se trata de un regalo extraordinario para nuestro Museo y para nuestra ciudad".
Por su parte, Lauder comentó: "Este es un regalo para la gente que vive y trabaja en Nueva York, y para los ciudadanos de todo el mundo que vienen a visitar nuestras grandes instituciones de las artes. Las artes son una piedra angular de la vitalidad cultural, educativa y económica de la ciudad. He seleccionado al Met porque creo que es esencial que el cubismo y el arte que le sigue sea estudiado dentro de las colecciones de uno de los grandes museos enciclopédicos del mundo."
Cézanne y Modigliani brillarán en
Sotheby's
Paul Cézanne
Les Pommes
Precio estimado: 25/35 millones de dólares
"Les Pommes", pintado por Paul Cézanne en 1889-90, revela la razón por la que su trabajo en el género de naturaleza muerta está considerado como uno de sus más grandes logros. Estas emocionantes composiciones, que exploran las paradojas de las formas en el espacio, inspiraron el cubismo de Picasso y Braque, y señalan el nacimiento del arte moderno. "'Les Pommes' es una de las más perfectas naturalezas muertas de Cézanne", opina Charles Moffett, vicepresidente del departamento de arte impresionista y moderno de Sotheby's. "Uno nunca puede imaginar la alteración de un solo trazo de pincel o de un solo toque de color. La pintura fue siempre un punto culminante de cualquier visita a la casa de los Lewyts, que estaba llena de obras muy queridas, desde pequeñas pinturas a importantes dibujos, acuarelas y esculturas."
La sensacional "L'Amazone" de Amedeo Modigliani es una temprana obra maestra del artista y una de sus más bellas imágenes de mujeres (con un precio estimado de 20/30 millones de dólares). Pintada en 1909, representa a la baronesa Marguerite de Hasse de Villers, una mujer de la alta sociedad y amante del hermano menor del patrón de Modigliani, Paul Alexandre. Marguerite posa en su traje de montar, con su mano enguantada en la cadera y la mirada fija en el cautivado espectador. El dibujo y la pincelada exquisita de "L'Amazone" anunció la llegada de un talento singular que Modigliani mostraría durante la década siguiente.
Además, la venta de Sotheby's ofrecerá obras de impresionistas como Pierre-Auguste Renoir y Camille Pissarro, post-impresionistas como Odilon Redon,Georges Seurat y Édouard Vuillard, y modernistas comoPablo Picasso, Georges Braque y Marc C
Fotografía y Guerra Civil Americana en el Metropolitan
Cosecha de Muerte, Gettysburg, Pensilvania
Timothy H. O'Sullivan (EE.UU,
nacido en Irlanda, 1840–1882)
Fecha: julio de 1863
A comienzos de la Guerra Civil, las galerías y comercios de fotografías de los Estados Unidos se llenaron de obras de todo tipo y tamaño, muchas de las cuales se incluyen en la exposición: retratos realizados en hojas delgadas de cobre (daguerrotipos), vidrio (ambrotipos) o hierro (ferrotipos), cada uno dentro de una pequeña caja decorativa, así como retratos en papel de mayor tamaño, a menudo adornados con tinta china, acuarelas y óleos.
La exposición cuenta con obras revolucionarias de Mathew B. Brady, George N. Barnard, Alexander Gardner y Timothy O’Sullivan, entre muchos otros. También se examina a fondo el importante, aunque generalmente mal entendido, papel desempeñado por Brady, quizás el más famoso de todos los fotógrafos de guerra, quien fue responsable de la primera cobertura fotográfica completa de cualquier guerra. La exposición aborda la generalizada, pero errónea, creencia de que Brady produjo la mayor parte de las imágenes de la Guerra Civil que sobreviven, a pesar de que en realidad hizo muy pocas fotografías de campo durante el conflicto. En cambio, encargó y publicó, con su propio nombre y sello, los negativos realizados por un equipo en constante expansión de operadores de campo, incluyendo a Gardner, O'Sullivan y Barnard.
Entre lo más destacado de la exposición se encuentra una excelente selección de los primeros retratos de guerra de los soldados y oficiales que estaban a punto de salir de sus casas hacia el frente de guerra. En estas obras únicas emerge una nueva imagen de la sociedad estadounidense. Las obras más raras son los ambrotipos y ferrotipos de confederados, provenientes de la famosa colección de David Vaughan Wynn, que ha reunido archivo más importante en su género del país. Estas fotografías raramente expuestas, y las de sus homólogos del norte, acompañan a las más conocidas y reproducidas fotografías de los sangrientos campos de batalla de la guerra americana.
La exposición está organizada por Jeff L. Rosenheim, conservador jefe del Departamento de Fotografía del Museo.
Antiguos maestros a Monet - Museo de Arte, Mississippi
Claudio de Lorena: "Paisaje con San Jorge y el Dragón", 1641
"De Antiguos Maestros a Monet" muestra cincuenta obras de la colección del Wadsworth Atheneum de Hartford, Connecticut. Las excepcionales obras de arte de la exposición muestran la historia de la pintura francesa, desde el siglo XVII hasta el XIX y el comienzo del XX, e incluyen temas religiosos y mitológicos, retratos, paisajes, naturalezas muertas, y escenas de género.
La exposición se inicia con los grandes maestros del siglo XVII: Nicolas Poussin, Claudio de Lorena, Simon Vouet, y Jacques Stella, todos los cuales pasaron un tiempo en Roma y cuyo trabajo incorpora ideas de estilo italiano acerca de la belleza, la escultura clásica y el paisaje ideal. La enorme "Crucifixión" de Poussin, pintada en 1646 para el presidente Jacques-Auguste de Thou, y el "Paisaje con San Jorge y el dragón" de Claudio de Lorena, encargada por el cardenal Fausto Poli en 1641, son algunas de las pinturas francesas más importantes que se exponen en los Estados Unidos.
Las obras del siglo XVIII introducen al visitante en la riqueza del rococó. Hay varias escenas y retratos de aristócratas, entre ellos un retrato de la Duquesa de Polignac, obra de Madame Vigée-Lebrun. Distintas tendencias se desarrollan durante el siglo XIX. Existe el Romanticismo vigoroso de Théodore Géricault y Eugène Delacroix, los paisajes pastorales y realistas de Jean Baptiste Camille Corot, Dupré Jules, Gustave Courbet y Pierre-Etienne-Théodore Rousseau, el academicismo de William Adolphe Bourguereau, Jehan Georges Vibert, y Henri Paul Motte, cuyo "Caballo de Troya" de 1874 es la pintura francesa más recientemente adquirida por el Atheneum.
Tal vez el grupo más interesante de obras de la exposición es la selección de pinturas impresionistas, y no hay imagen que capte mejor la esencia de esta popular escuela que la famosa pintura de Pierre-Auguste Renoir de su amigo Claude Monet trabajando en el jardín de su casa alquilada en Argenteuil en 1873. Además, hay dos magníficos cuadros del propio Monet: el "Playa de Trouville" de 1870 y "Nymphéas (lirios de agua) " de 1904. También se incluyen obras de Edouard Manet, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Edgar Degas, y Paul Cézanne. La generación Post-impresionista, que cierra la exposición, está representada aquí por "Avenue de Clichy" de Louis Anqutin, una imagen de un bulevar parisino en una tarde lluviosa.
Christie's subastará 'Blackwell’s Island' de Hopper
Edward Hopper: Blackwell’s
Island
óleo sobre lienzo, 88,9 x 152,4 cm.
Pintado en 1928
Precio estimado pre-venta: de 15 a 20 millones de dólares
La obra, que nunca ha sido ofrecida en subasta, ha sido expuesta en instituciones de renombre, tales como el Museo de Arte Moderno, el Museo Whitney de Arte Americano, el Museo de Bellas Artes de Boston y el Instituto Carnegie de Pittsburgh. Más recientemente, 'Blackwell’s Island' fue incluida en la primera gran retrospectiva de la obra del artista en el Grand Palais de París desde octubre de 2012 hasta febrero de 2013. Un impresionante lienzo de cinco pies de ancho, la obra fue pintada en 1928 y cuenta con un precio estimado pre-venta de 15 a 20 millones de dólares (de 12 a 16 millones de euros).
Elizabeth Sterling, directora de Arte Americano de Christie's Nueva York, explicó: "Pintada en 1928, un año creativa y críticamente decisivo para Hopper, 'Blackwell’s Island' es una pintura visualmente impresionante que muestra la estética inquietante y tensa que caracteriza a las mejores obra del artista. A diferencia de sus contemporáneos, que se sintieron atraídos por la vibrante energía de la bulliciosa metrópolis, Hopper se centró en los aspectos tranquilos de la ciudad. Esto se ve hasta en su elección de la arquitectura, más antigua que los modernos rascacielos como el edificio Chrysler, que cautivaron a sus contemporáneos. La estética única de Hopper le distingue de sus contemporáneos y lo convierte en uno de los artistas más importantes del siglo XX."
'Blackwell’s Island' posee una narrativa típica de una película, un sello distintivo de las obras más célebres de Hopper. Los dramáticos efectos de luz y sombra en los edificios recortados contra el cielo despejado contribuyen al penetrante e inquietante silencio que parece emanar de la pintura. El río permite a Hopper introducir un elemento de movimiento en una obra que está principalmente dominada por la quietud. La corriente que fluye contrasta con la arquitectura estática.
'Blackwell’s Island' es una excelente e importante pintura que manifiesta la estética única de Hopper, definiéndolo como artista y distinguiéndolo de sus compañeros, y que le valió elogios de la crítica que continúan hasta nuestros días.