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Vida y Muerte en Pompeya y Herculano - British Museum
El Museo Británico presenta una gran exposición sobre las ciudades romanas de Pompeya y Herculano, la primera sobre estas ciudades que se organiza en el Museo. 28 de marzo – 29 de septiembre, 2013
Retrato del panadero Terentius Neo y su esposa.
Pompeya, AD 55–79.
La exposición es el resultado de una estrecha colaboración con la
Superintendencia Arqueológica de Pompeya y Nápoles, y reúne más de 250
fascinantes objetos, tanto descubrimientos recientes como famosos hallazgos de
excavaciones pasadas. Muchos de estos objetos nunca antes habían sido expuestos
fuera de Italia. La exposición tiene un enfoque único, centrándose en la casa
romana y la gente que vivía en estas trágicas ciudades.
"Vida y Muerte en Pompeya y Herculano" ofrece a los visitantes una
muestra de la vida cotidiana de los habitantes de Pompeya y Herculano, desde la
bulliciosa calle hasta la casa familiar. El espacio doméstico es el contexto
fundamental para la vida de las personas, y permite acercarse a la vida romana.
Esta exposición explora la vida de los individuos en la sociedad romana, no las
figuras clásicas del cine y la televisión, como emperadores, gladiadores y
legionarios, sino comerciantes, mujeres poderosas, esclavos liberados y niños.
Un ejemplo impresionante de este material es un hermoso fresco de Pompeya que
muestra al panadero Terentius Neo y su esposa. Es importante destacar que su
postura y presentación sugiere que son socios igualitarios, tanto en los
negocios como en la vida.
El énfasis en el contexto nacional también ayuda a transformar objetos de
museo en bienes cotidianos. Seis piezas de muebles de madera proceden de
Herculano en un préstamo sin precedentes por parte de la Superintendencia
Arqueológica de Pompeya y Nápoles. Estos artículos fueron carbonizados por las
altas temperaturas de la ceniza que cubrió la ciudad, y son hallazgos
extremadamente raros que no hubieran sobrevivido en Pompeya, lo que demuestra la
importancia de combinar hallazgos de ambas ciudades. El mobiliario incluye un
cofre de ropa de cama, un taburete con incrustaciones e incluso un banco del
jardín. Una cuna de bebé es quizás la pieza más conmovedora de la exposición.
La muestra incluye restos de algunas de las víctimas de la erupción. Una
familia de dos adultos y sus dos hijos permanecen juntos para siempre en las
escaleras de su casa. El más famoso de los personajes de la exposición es un
perro, fijado para siempre en el momento de su muerte cuando el volcán sumergió
en lava las dos ciudades.
Cohen compra 'Le Rêve' de Picasso por 120 millones
Pablo Picasso: “Le Reve (El Sueño)” (1932)
Pintada en 1932, "La Rêve (El sueño)" es una de las pinturas más sensuales y famosas de Pablo Picasso, y representa a su amante Marie-Therese Walter sentada en un sillón rojo con los ojos cerrados.
En 2006, Steve Wynn acordó vender la pintura a Steven Cohen por la astronómica suma de 139 millones de dólares, lo que habría sido el precio más alto jamás pagado por una pintura, superando los 135 millones pagados por la "Adele Bloch Bauer" de Gustav Klimt. Sin embargo, la venta fue cancelada cuando Mr. Wynn golpeó accidentalmente el lienzo con su codo, provocando un considerable agujero en la misma. En 1997, la obra había sido vendida en Christie's Nueva York por 48,4 millones de dólares.
El nuevo propietario, Steven A. Cohen, es uno de los coleccionistas de arte más importantes del mundo, y su colección personal incluye obras como "Woman III" de Willem de Kooning (adquirida en 2006 por 137,5 millones de dólares) y "La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo" de Damien Hirst.
André Derain (1880-1954): Madame
Matisse au kimono
Óleo sobre lienzo, pintado en 1905
Esta obra maestra fauvista es el retrato más importante del artista que ha salido al mercado, y representa un momento crucial de la colaboración artística entre André Derain y Henri Matisse. Derain pintó 'Madame Matisse' en agosto de 1905, durante el famoso verano que pasó con Matisse en Collioure, antes de la ahora célebre exposición en el Salon d'Automne, cuando el fauvismo saltó a la fama sorprendiendo al mundo del arte parisino. Con un precio estimado de pre-venta de entre 15 y 20 millones de dólares, la pintura proviene de una colección privada europea, donde ha permanecido más de 40 años.
Brooke Lampley, Directora del Departamento de Arte Impresionista y Moderno de Christie's, comentó que "Derain es conocido por sus vivos paisajes, pero completó muy pocos retratos a cuerpo entero. Este exuberante y detallado homenaje a Madame Matisse se erige como un símbolo de la amistad y colaboración intelectual entre Matisse y Derain, los dos gigantes del movimiento fauvista. El ofrecer un retrato a gran escala de este excepcional nivel, y con una musa célebre como su sujeto, hace de ésta una oportunidad sin precedentes para los coleccionistas de arte de todo el mundo."
Esta pintura nació en el verano de 1905, cuando Derain y Matisse se embarcaron en un frenesí pictórico en Collioure que cambiaría el curso del arte moderno. Los artistas emplearon colores exageradamente brillantes, reemplazando los tonos propios de la naturaleza, cuestionando así, incluso ultrajando, a espectadores y críticos por igual. Los resultados de este verano darían lugar a la legendaria salle VII del Salon d'Automne de 1905, donde el crítico Louis Vauxcelles acuñó el término "les fauves (las bestias salvajes)" como apodo para este grupo de pintores.
Jackson Pollock: "The Blue Unconscious", 1946
El monumental lienzo (213,4 x 142,1 cm.) fue pintado en 1946, justo antes de la creación de las célebres pinturas "drip (goteo)" del artista. Pollock completó el presente trabajo en su famoso estudio de Long Island al que se trasladó junto a su esposa Lee Krasner, para escapar de las presiones del mundo del arte de Nueva York City. El lienzo ha permanecido en la misma colección privada durante casi 50 años, habiendo aparecido por última vez en el mercado en una subasta en 1965 en Parke-Bernet. La aparición de la obra en el mercado se produce pocos meses después de que Sotheby's haya establecido un nuevo récord de subasta para el artista con su "Número 4" de 1951, vendido por 40,4 millones de dólares el pasado mes de noviembre. "The Blue Unconscious" cuenta con un precio estimado de pre-venta de entre 20 y 30 millones de dólares.
En el otoño de 1945, Pollock y Krasner se mudaron a East Hampton en Long Island. Comenzando en la primavera de 1946, Pollock trabajó febrilmente en dos series de pinturas, mientras se preparaba para su cuarta y última exposición individual en la exposición Art of This Century que abriría sus puertas el 14 de enero de 1947. Para la ejecución de la serie "Sounds in the Grass (Sonidos en el césped)", que incluye a "The Blue Unconscious", Pollock se mudó a su estudio en un granero recientemente restaurado en el verano de de 1946, que sería el lugar donde tendrían lugar sus grandes avances hacia su estilo definitivo. Esta serie de lienzos es un grandioso ejemplo de fusión entre figuración y abstracción pictórica, siendo consideradas como sus primeras composiciones "all-over".
De las siete obras que componen la serie "Sonidos en la hierba", cinco se encuentran en las colecciones de importantes museos como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de Tel Aviv, y la Fundación Peggy Guggenheim de Venecia. Además, en 1946 Pollock completó sólo siete pinturas en una escala monumental, de las cuales únicamente dos se encuentran en colecciones privadas, mientras que las demás se exponen en la Peggy Guggenheim Foundation de Venecia, el Instituto de Arte de Chicago y el Museo Stedelijk de Amsterdam.
Charles Bell
Paragon,
1988
Cortesía de Louis K. Meisel Gallery, New York
La exposición estudia los grandes maestros norteamericanos de la primera generación, como Richard Estes, John Baeder, Tom Blackwell, Don Eddy, Ralph Goings o Chuck Close, mostrando su continuidad en Europa y el impacto en pintores de generaciones posteriores, hasta la actualidad.
Paisajes urbanos, escaparates, restaurantes de comida rápida, últimos modelos de coches, relucientes motocicletas, máquinas de pinball, juguetes de hojalata, botes de kétchup,… fragmentos de la vida cotidiana, escenas banales y artículos de consumo convertidos en motivo artístico. Los principales asuntos que ocupan el interés de los pintores hiperrealistas están tomados del mundo que les rodea, de su propio entorno personal, dando visibilidad a lo cotidiano a través de su pintura.
Motivos intrascendentes que captan primero a través de la fotografía y que después trasladan al lienzo mediante un laborioso proceso, utilizando diversos recursos técnicos, como la proyección de diapositivas o el sistema de trama. Son obras generalmente de gran formato, pintadas con tal precisión y exactitud que los propios lienzos producen una impresión de calidad fotográfica, pero realizadas mediante un proceso creativo completamente opuesto a la inmediatez de la instantánea fotográfica.
Tras la utilización pionera de la serigrafía por los artistas pop, como Warhol o Rauschenberg, fueron los primeros hiperrealistas los que empezaron a usar la fotografía sin reparos, convirtiéndola así en un instrumento “legítimo”. La fotografía como punto de partida y como aparente resultado final, pero no como objetivo; en ningún caso el pintor hiperrealista aspira a competir con ella, su motivación es completamente diferente. Sus obras parecen reproducir la realidad pero, de hecho, se trata de una nueva realidad gráfica creada por el pintor.
Los pioneros del Hiperrealismo reflexionan sobre todo ello y lo convierten en el tema de sus cuadros, y lo hacen trabajando de forma más o menos aislada. A comienzos de los años 1960, en la Costa Oeste norteamericana, Robert Bechtle empieza a producir los primeros cuadros auténticamente fotorrealistas; casi al mismo tiempo, Richard Estes comienza en Nueva York a trabajar en sus característicos escaparates y paisajes urbanos, Chuck Close pinta sus famosos retratos y, la única mujer de este grupo de pioneros, Audrey Flack, realiza sus primeros trabajos basados en fotografías.
Pablo Picasso
Mujer sentada en un sillón (Femme assise dans un fauteuil),
1941
Óleo sobre lienzo, 73 x 60 cm
"L’Art en guerre" puede leerse como una exploración de la relación entre arte y guerra, a través de un extenso conjunto de documentos y de obras, entre cuyos autores se encuentran algunos de los nombres más conocidos del arte del siglo XX. En las piezas, creadas a lo largo de ese período, se reflejan muy distintos aspectos de la cotidianeidad de quienes vivieron aquella época: sus sueños, pesadillas y aspiraciones, en definitiva, la atmósfera cognitiva, ideacional y emocional que daba sentido a la vida en los distintos sectores sociales. Pero ese contexto de caos social y oscuridad anímica acoge una época fecunda e innovadora para el arte, que sobrevive en todas partes y fluye bajo todo tipo de circunstancias tanto como corriente subterránea como dentro del gusto oficial.
Ante la adversidad, muchos artistas continuaron trabajando hasta el final con aquello que tenían a mano y hubo también galeristas que no dudaron en apoyar el arte moderno a pesar de la dramática coyuntura.
La reflexión teórica de la que parte L’Art en guerre otorga a la historia del arte una dimensión o envolvente más general, casi antropológica, y los documentos hallados en el proceso de investigación que sustenta la muestra arrojan nueva luz sobre la tormentosa historia del periodo. Esperamos que el excelente resultado de ese intenso esfuerzo, permita a los visitantes de la exposición disfrutar de creaciones artísticas singulares al tiempo que ampliar y matizar la mirada al complejo y dramático período en que se crearon, ampliando asi la comprensión de la reciente historia europea a través de la perspectiva del arte.
La exposición está dividida en doce secciones: La Historia; El Gusto Oficial; Los Surrealistas; En los campos; Exilios, refugios y clandestinidad; Maestros de referencia y jóvenes pintores de tradición francesa; Picasso en su taller; La galería Jeanne Bucher; Campos y cárceles; La Liberación; Distensiones; y Los Anartistas./p>
George Wesley Bellows
New York,
1911 (National Gallery of Art, Washington)
Cuando Bellows falleció a los cuarenta y dos años de edad, era ya considerado uno de los artistas más importantes de América. Su fascinación por el vibrante paisaje urbano de Nueva York, sus maravillas tecnológicas y la diversidad de sus habitantes, lo convirtieron tanto en un narrador de la ciudad moderna como en un perspicaz observador de las dinámicas primeras décadas del siglo XX. La mayoría de las obras de la exposición nunca se han mostrado en el Reino Unido.
La breve carrera de Bellows abarcó una amplia gama de temas, y la exposición explora los temas principales de su obra, desde combates de boxeo, paisajes urbanos, vistas del río Hudson, escenas sociales, marinas, retratos y escenas de la Primera Guerra Mundial. La exposición presenta 71 obras de arte: 39 pinturas, 15 dibujos y 17 litografías, que abarcan la carrera de Bellows entre 1905 y 1925.
En 1904, antes de graduarse en la Universidad Estatal de Ohio, Bellows salió de su natal Columbus y se trasladó a Nueva York para estudiar arte con Robert Henri, uno de los maestros más importantes de los Estados Unidos de la época, y líder del grupo más tarde conocido como la "Escuela Ashcan". Bellows pronto estableció su reputación como pintor vigoroso y realista, especialmente atraído por el Lower East Side de Manhattan y sus escenas urbanas caóticas, donde los inmigrantes vivían en abarrotadas casas.
Ann Dumas, Comisario de la Real Academia de las Artes, declaró: "Esta es la primera vez que una exposición del trabajo de Bellows se organiza en el Reino Unido, y la Real Academia tiene el privilegio de poder ofrecer a su público la oportunidad de aprender más de este poderoso e importante artista."
Abstraktes Bild (780-4) de Gerhard
Richter
1992, óleo sobre lienzo, 260x200cm.
Expuesto en Galerie Odermatt-Vedovi.
Rossi & Rossi, especialistas con sede en Londres de arte clásico de la India y del Himalaya y en obras de arte asiáticas contemporáneas, regresarán al TEFAF Maastricht por primera vez desde 1995, y lo celebran con una exposición espectacular. Una de las piezas más destacadas de su stand en TEFAF será una importante escultura tibetana, unaAvalokiteshvara de once cabezas creada hacia 1400. El bronce con incrustaciones de plata, cobre y piedras semi-preciosas mide unos 120 cm. de alto y recientemente fue cedido a una importante exposición en la Real Academia de las Artes en Londres. El bronce sale a la venta en TEFAF Maastricht por un precio de alrededor de 6 millones de euros.
Bernheimer-Colnaghi de Múnich y Londres exhibirá "Anciano con barba con una capa marrón" de Jan Lievens, uno de los pintores más brillantes del círculo de Rembrandt. Esta importante obra fue pintada hacia 1631, poco antes de que Lievens se trasladara al Reino Unido, y ha sido descrita por el distinguido historiador de arte Werner Sumowski como "una de las mejores obras realizadas por el artista." Galerie Odermatt-Vedovi ofrecerá "Abstraktes Bild (780-4)", un óleo sobre lienzo pintado en 1992 por Gerhard Richter.
Galerie Harmakhis de Bruselas expondrá un ushabti, una escultura funeraria egipcia creada para Faraón Taharqa, una figura importante en la historia de Egipto, que mantuvo una ambiciosa política nacional e internacional. Una pizea inusual será un triturador de alimentos o "Penu" (Polinesia) del siglo XVIII en el stand de Galerie Meyer - Arte Oceánico de París
Emil Kosa Jr., Near
Modesto (Cerca de Modesto),
1940.
Óleo sobre lienzo, 55.9 x 71.1 cm.
Parte del movimiento artístico regionalista de entre 1930 y 1960, la "California Scene Painting" -un término utilizado por primera vez en Los Angeles Times por el crítico de arte Arthur Millier- describe el arte figurativo que mostraba escenas de la vida cotidiana en California. A través de programas de ayuda del New Deal, la Works Progress Administration (WPA) ayudó a varios artistas a crear obras de arte para edificios y lugares públicos, destinados a elevar el espíritu de la nación en medio de la Gran Depresión. "California Scene Paintings from 1930 to 1960" documenta este período de la historia americana a través de obras que muestran escenas rurales y de las ciudades californianas, sobre todo de los alrededores de Los Angeles y San Francisco, en rápida expansión durante ese tiempo.
Caracterizado por un gran sentido de humanidad, las obras de la exposición muestran por lo general a personas o a creaciones hechas por el hombre. Los artistas californianos representaban lo que veían a su alrededor: personas viviendo sus vidas cotidianas, fábricas, la cultura del automóvil en su rápido crecimiento, ranchos y comunidades agrarias. A pesar del interés hacia el arte abstracto propio de la década de 1950, los profesionales de la pintura de escena en California siguieron creando obras de arte que documentaban la evolución de la historia de California, tales como la construcción de autopistas y la formación de la cultura playera californiana.
Comisariada por Gordon T. McClelland, la exposición muestra unas 75 obras de arte, incluyendo óleos, acuarelas, dibujos y grabados. Entre los artistas presentes en la exposición se incluyen Phil Dike, Emil Kosa Jr., Phil Paradise, Millard Sheets, Paul Sample, Ben Messick, Rex Brandt, y Dong Kingman. Un libro de gran formato acompaña la exposición, mostrando las obras presentes en la exposición y situándolas en su contexto de la historia de California.
Bill Brandt: Shadow and Light (Sombra y Luz)
Figura pionera de la fotografía modernista, Brandt se situó entre los visionarios que, gracias a la diversidad de sus investigaciones, establecieron el potencial creativo de la fotografía basada en la observación del mundo que les rodeaba. La visión distintiva de Brandt, su capacidad de presentar el mundo cotidiano como nuevo y extraño, surgió en Londres en la década de 1930, con influencias de Man Ray. Sus exploraciones visuales de la sociedad, el paisaje y la literatura de Inglaterra son indispensables para entender la historia de la fotografía, y, sin duda, para nuestra comprensión de la vida en Gran Bretaña a mediados del siglo XX. "Bill Brandt: Shadow and Light (Sombra y Luz)" está organizada por Sarah Meister, conservadora, con Drew Sawyer, conservadora asistente del Departamento de Fotografía.
La impresionante amplitud de la carrera de Brandt, que demuestra su inquieto espíritu experimental, y las dramáticas transformaciones de su estilo a menudo confunden a quienes tratan de entender la relación entre los capítulos sin relación aparente de su obra. La exposición reúne más de 150 obras divididas en seis secciones, cada una correspondiente a una temática distinta de la obra de Brandt: Londres en los años treinta, el Norte de Inglaterra, la Segunda Guerra Mundial, Retratos, Paisajes, y Desnudos.
La exposición presenta una oportunidad de comprender la obra de Brandt desde una nueva perspectiva: la que establece una trayectoria cronológica de su carrera, con un estudio especialmente detallado de su actividad durante la Segunda Guerra Mundial. Además, el análisis de sus métodos de impresión aclara cómo el artista, cuya obra temprana se caracteriza por el retrato silencioso y nostálgico de una joven ama de casa fregando la entrada de su casa ("East End Morning", 1937), desembocaría en la audaz e imprevisible serie de desnudos en la rocosa costa inglesa ("East Sussex Coast", 1957).
Mediante el análisis riguroso de cada capítulo de la obra de Brandt a lo largo de medio siglo de carrera, la exposición pone de relieve la enorme importancia de esta destacada figura en la tradición modernista de la fotografía.
Caravaggio
La Negación de San Pedro
Metropolitan Museum of Art, Nueva York
"Explosión de Luz" reúne cinco obras de Caravaggio: "El extasis de San Francisco" del propio Wadsworth, "Marta y María Magdalena" del Instituto de Artes de Detroit, "Salomé recibe la cabeza de San Juan Bautista" de la National Gallery de Londres, "La negación de San Pedro" del Museo Metropolitano de Arte (hasta el 29 de abril), y "San Juan Bautista en el desierto" del Museo de Arte Nelson-Atkins.
Caravaggio desarrolló un estilo muy distintivo durante su corta pero influyente carrera, incluyendo el uso de una iluminación dramática, el detalle realista, las composiciones cargadas emocionalmente y la proliferación de temas religiosos. Muchos artistas de toda Europa tomaron influencias del estilo de Caravaggio en su propio trabajo, formando una escuela de artistas que se conocen como "caravaggistas." "Explosión de luz" cuenta con 30 obras de pintores franceses, flamencos, italianos y españoles que fueron influenciados por Caravaggio.
La exposición fue organizada por el Wadsworth Atheneum, el Musée Fabre, Montpellier, el Musée des Augustins, Toulouse, y el Los Angeles County Museum of Art, bajo el asesoramiento del FRAME, (French Regional American Museum Exchange) un consorcio de 26 museos de Francia y América del Norte, que promueve el intercambio cultural mediante la colaboración entre museos. Una exposición similar se inauguró simultáneamente en los dos museos franceses en junio de 2012, y una versión de las exposiciones combinadas pasó por el Los Angeles County Museum of Art desde 11 noviembre de 2012 hasta el 10 febrero de 2013, antes de hacer su parada final en el Wadsworth Atheneum.
"Estamos encantados de presentar cinco obras originales de Caravaggio en el museo, ofreciendo una oportunidad única de admirar estas obras maestras tanto individualmente como en el contexto de los seguidores de Caravaggio", explicó Susan L. Talbott, Director y CEO del Wadsworth Atheneum.
Pablo Hare
Monuments 2005–12
Giganotosaurus, Valle de Majes, Arequipa, 2006
"Ruins in Reverse (Ruinas en reverso)" es el resultado de una colaboración entre la Tate Modern de Londres y el Museo de Arte de Lima, en Perú, una asociación que muestra por primera vez una nueva obra de José Carlos Martinat.
En su serie de fotografías No More Stars (No hay más estrellas) 2011, Rä di Martino interpreta el papel de un arqueólogo descubriendo los restos de la industria cinematográfica contemporánea. La artista fotografió los abandonados decorados de la película Star Wars en los desiertos del norte de África, que ahora parecen un sitio arqueológico o un extraño monumento oficial al pasado glorioso de Hollywood. La exposición de estos lugares una vez emblemáticos revelan la forma en que se han convertido en parte del paisaje años después de haber sido golpeados por la arena y los elementos.
La exposición también incluye la serie Monumentos 2005-2011 de Pablo Hare, una serie de fotografías que documentan la proliferación de estatuas públicas en el Perú. Pese a su intención de encarnar el espíritu del lugar, estas estatuas no suelen relacionarse con su entorno, como un dinosaurio gigante en una remota colina. En la misma línea se sitúa el video Educación 2008, de Amalia Pica.
José Carlos Martinat ha creado dos comisiones especiales para Project Space, que exploran la idea de la ruina abandonada y los graffitis urbanos de Londres y Lima.Arqueología como ficción 2010 de Eliana Otta presenta un estudio de la decadencia de la industria peruana desde los años 60 y 70, y el auge de la construcción que tiene lugar actualmente en Lima. Haroon Mirza trata temas similares a través de su Sección de una Revolución de 2011.
En el Schirn Kunsthalle de Frankfurt - Del 28 de febrero al 2 de junio de 2013.
Claude Monet, Nymphéas, 1914-1917
La exposición muestra una interesante selección de catorce tendencias artísticas desde finales del siglo XIX hasta el presente. Con cerca de noventa obras, la muestra abarca desde artistas como Édouard Manet, Claude Monet, Alexej von Jawlensky, Henri Matisse, Francis Picabia, Ad Reinhardt, y Georgia O'Keeffe hasta Giorgio de Chirico, Bas Jan Ader, Walker Evans, Willem de Kooning, Andy Warhol, Stan Brakhage, y Martin Kippenberger. Se exponen tanto obras famosas del final de la vida de un artista como otras que son casi desconocidas: cada uno de los artistas seleccionados produjo un conjunto de obras cuyo carácter "final" ofrece una visión especial, a veces innovadora, de su respectivo creador, y plantea una serie de preguntas sobre el inminente fin de su actividad artística.
La presentación en el Schirn no está estructurada cronológicamente, sino que ofrece confrontaciones fascinantes de dos artistas que entran en un diálogo inesperado. Los famosos "nenúfares" de Claude Monet, por ejemplo, se encuentran en compañía de las naturalezas muertas con las que Édouard Manet, en 1882/83, dio expresión a su actitud positiva hacia la vida apenas unas semanas antes de su prematura muerte. Las últimas obras abstractas de Willem de Kooning se muestran junto a los collages de Jazz que marcaron el comienzo de la última fase creativa de Henri Matisse, cuando el artista tenía casi ochenta años.
En conjunto, las obras presentadas revelan aspectos muy diferentes de la inminencia del fin de la actividad artística: la libertad recién obtenida y confianza en sí mismo, una mayor productividad, los procesos de reorientación derivados de las restricciones físicas, reflexiones sobre los propios principios, o la insistencia estoica en el camino elegido entran en juego, al igual que muestras de desdén hacia el propio destino, el azar y la repetición. Por último, la exposición de los cuadrados en blanco y negro de Ad Reinhardt (que datan desde 1960 hasta 1966) brinda la oportunidad de explorar el compromiso estético con el "último trabajo" y el fin de la pintura.
Zao Wou-Ki’s 10.03.83
Óleo sobre lienzo, 200 x 325 cm
Con obras cumbres tanto del arte abstracto como del realismo, esta subasta meticulosamente seleccionada ofrecerá más de 150 obras que podrían alcanzar un total de 15 millones de euros.
El gran maestro abstracto Zao Wou-Ki alcanzó el pináculo de su carrera artística en la década de los 80. Combinando formas de arte tradicional occidental y oriental, Zao creó el colosal "10.03.83" (200 x 325 cm, con un precio estimado de entre 3,2 y 4,1 millones de dólares), un díptico excepcional en la carrera del artista.
En el cenit de su carrera, Chu Teh-Chun se embarcó en la creación de su famosa serie "Snow Scene" inspirada por su pasión por la magnificencia de los Alpes. El "25 Décembre 1985" (con un precio estimado de entre 1,9 y 2,5 millones de dólares), que forma parte de dicha serie posee reminiscencias de los grandes paisajes de la Dinastía Song.
El color rojo tiene un profundo significado en la cultura china como un símbolo de la prosperidad, la fortuna, la vida y la esperanza. Aclamado como uno de los maestros del arte chino Realismo, Wang Yidong está presente en la subasta con "Bromeando con los recién casados", ofrecida en subasta por primera vez con un precio estimado de entre 1,5 y 2 millones de dólares.
Arte y Diseño Prerrafaelista en la NGA Washington
- Del 17 de febrero al 19 de mayo de 2013, la National Gallery de Washington presenta 'Prerrafaelistas: Arte y Diseño Victoriano, 1848–1900', la primera gran exposición...
John Everett Millais
Ofelia, 1851-1852
Óleo sobre lienzo
Tate. Regalo de Sir Henry Tate, 1894
Del 17 de febrero al 19 de mayo de 2013, la National Gallery de Washington
presenta 'Prerrafaelistas: Arte y Diseño Victoriano, 1848–1900', la primera gran
exposición de los Prerrafaelistas en los Estados Unidos.
Fuente: National Gallery of Art, Washington
La exposición cuenta con unas 130 pinturas, esculturas, fotografías,
obras sobre papel y objetos de artes decorativas que reflejan los ideales del
primer movimiento de arte moderno en Gran Bretaña.
"Los prerrafaelitas rechazaron las rígidas reglas sobre la pintura que
prevalecían en los albores de la época victoriana, creando el primer movimiento
británico de vanguardia", explica Earl A. Powell III, director de la Galería
Nacional de Arte de Washington. "Estamos muy felices de presentar esta
exposición a nuestro público, y muy agradecidos a las colecciones -tanto
públicas como privadas- que han prestado obras para la exposición, así como a
nuestros generosos patrocinadores."
La Hermandad Prerrafaelista (Pre-Raphaelite Brotherhood - PRB) fue
fundada en Londres en septiembre de 1848, en una época turbulenta de cambio
político y social. Muchos contemporáneos prensaban que la belleza y la
espiritualidad se habían perdido en medio de la industrialización.
Los miembros principales de la PRB fueron los pintores John Everett
Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt, jóvenes estudiantes en la
Royal Academy of Arts. Todos creían que el arte había llegado a su decadencia, y
rechazaban la creencia de sus maestros de que el artista italiano Rafael
(1483-1520) representaba el cénit del logro estético. En su lugar, se inspiraron
en el temprano arte renacentista y medieval. Ya fuese pintando temas de
Shakespeare o de la Biblia, paisajes de los Alpes, o la vista desde una ventana
trasera, los prerrafaelistas llevaron una nueva sinceridad e intensidad al arte
británico.
La exposición está organizada en ocho temas: Comienzos, Historia,
Literatura y Medievalismo, Salvación, Naturaleza, Belleza, Artes Decorativas del
Paraíso, y Mitologías. Entre las obras maestras de la exposición se encuentran
"Ofelia" de John Everett Millais y "Lilith Lady" de Dante Gabriel Rossetti.
Convirtiéndose en Picasso - Courtauld Gallery
- La exposición cuenta la interesante historia del año en el que Pablo Picasso comenzó a destacar como artista: 1901. Courtauld Gallery, Londres, del 14 de febrero al 26...
Pablo Picasso (1881-1973)
Niña con una paloma, 1901
Óleo sobre lienzo, 73 x 54 cm
Colección privada
La exposición cuenta la interesante historia del año en el que Pablo Picasso
comenzó a destacar como artista: 1901. Courtauld Gallery, Londres, del 14 de
febrero al 26 de mayo de 2013.
Fuente: Courtauld Gallery
1901 fue el año en el que un muy ambicioso pintor de diecinueve años de
edad llamado Pablo Picasso lanzó por primera vez su carrera en París, en una
exposición organizada por el influyente marchante Ambroise Vollard. No
acomodándose por el éxito de este evento, Picasso (1881-1973) trazó nuevas
direcciones artísticas hacia la segunda mitad del año, anunciando el comienzo de
su ahora famoso Período Azul. "Convirtiéndose en Picasso: París 1901" se centra
en las pinturas realizadas en 1901, y explora su desarrollo durante este año
crucial en el que encontró su voz artística. Esta exposición es una oportunidad
única de contemplar las primeras obras maestras de Picasso.
1901 fue un año trascendental y turbulento para el joven Picasso. Pasó la
primera parte del mismo en Madrid, donde ayudó a establecer "Arte Joven", una
revista de vanguardia con la ambición de renovar la cultura formal de la capital
española. Este rol no pudo retenerlo por mucho tiempo, ya que Picasso
ambicionaba convertirse en un gran pintor en París, la "capital de las artes".
Su primera visita a París, en el otoño y el invierno de 1900, había alimentado
sus ambiciones y dio lugar a la exposición de 1901 con Vollard, uno de los
marchantes de arte moderno más importantes de la ciudad. En febrero de 1901,
mientras todavía vivía en Madrid, Picasso recibió la noticia de que su íntimo
amigo Carles Casagemas se había suicidado en París. La tragedia tendría un
profundo impacto sobre el arte de Picasso durante ese año.
Picasso salió de España hacia París probablemente a principios de mayo,
con tan solo un puñado de dibujos y pinturas. Tenía poco más de un mes para
producir obras suficientes para su exposición con Vollard. Al llegar a París,
Picasso alquiló un estudio en Montmartre que había sido previamente ocupado por
Casagemas antes de su suicidio. Picasso pintó entonces sin descanso, a veces
terminando tres lienzos en un solo día. Este caudal de energía creativa concluyó
en la mayoría de las sesenta y cuatro obras que se mostraron en la exposición de
Vollard (24 junio - 14 julio). En obras como "Enano Bailando" (Museu Picasso,
Barcelona) y "En el Moulin Rouge" (Colección particular) vemos que las
influencias de artistas como Van Gogh, Degas o Toulouse-Lautrec se unen y se
transforman en representaciones audaces y atrevidas de la vida nocturna
parisina, capturada en una lluvia de pincelada quebrada y colores brillantes.
Frida Kahlo y Diego Rivera en el High Museum of Art
- El High Museum of Art en Atlanta acoge la exposición de ‘Frida y Diego: Pasión, Política y Pintura’, dedicada a los pintores Frida Kahlo y Diego Rivera. Del 14 de...
Frida Kahlo
La Columna Rota
1944, óleo sobre lienzo, Museo Dolores Olmedo, Mexico
© Artists Rights Society (ARS), New York/VG Bild-Kunst, Bonn
El High Museum of Art en Atlanta acoge la exposición ‘Frida y Diego: Pasión,
Política y Pintura’, dedicada a los pintores Frida Kahlo y Diego Rivera. Del 14
de febrero hasta el 12 de mayo de 2013.
Fuente: High Museum of Art, Atlanta
Son pocos los artistas que han captado la imaginación del público con la
fuerza de la pintora Frida Kahlo (1907 – 1954) y su esposo, el pintor y
muralista mexicano Diego Rivera (1886 – 1957). Los mitos que rodeaban sus vidas
se suscitaron no solamente a raíz de sus obras de arte, sino también con su
participación activa en los sucesos históricos de la época. Sus obras reflejan
una intensa lealtad, amor y orgullo por México, los ideales de la Revolución
Mexicana de 1910 y su compromiso por el entorno al que se enfrenta la gente
común.
‘Frida y Diego’ es una exposición sin precedentes en el sureste de los
Estados Unidos y la primera exhibición completamente bilingüe del High, con
versiones en inglés y español de los pósteres y visitas guiadas con audio, y
contará además con guías bilingües durante las exhibiciones de los domingos.
La exposición presenta en forma paralela las obras de Kahlo y Rivera, por
orden cronológico y por tema, entre los que se incluyen la maternidad, la
identidad mexicana y los retratos. Aunque la exhibición encuadra las obras de
los artistas en el contexto artístico de época, la exposición de ‘Frida y Diego’
también examina en qué forma su labor sigue teniendo influencia en los artistas
mexicanos.
Además de la instalación de estas dos salas contemporáneas de lectura,
con lo que se celebra la influencia continua de Kahlo y Rivera, el High también
adquirió recientemente dos fotografías de los artistas para permitir que un
vestigio de la exposición permaneciera en la colección permanente del museo. Una
de estas adquisiciones es la obra de Martin Munkacsi, titulada ‘Diego y Frida’;
se trata de un íntimo retrato recortado de la pareja. La fotografía de Munkacsi
será la primera imagen que los visitantes tendrán a la entrada de la exposición.
Una versión moderna de la segunda adquisición, ‘Frida frente al espejo (Las dos
Fridas)’ por Lola Álvarez Bravo, también aparece en la exposición.
ARCOmadrid se enfoca hacia el mercado internacional
- La Feria eleva al 66% la participación extranjera, la mayor de los últimos años, con 133 galerías extranjeras. En total 201 galerías de 27 países y más de 2.000...
ARCO Madrid 2013
La Feria eleva al 66% la participación extranjera, la mayor de los últimos años,
con 133 galerías extranjeras. En total 201 galerías de 27 países y más de 2.000
artistas se dan cita en Madrid.
Del 13 al 17 de febrero, en Feria de Madrid.
Fuente: ARCOmadrid
Del 13 al 17 de febrero llega a Madrid una nueva edición de ARCOmadrid,
la Feria Internacional de Arte Contemporáneo organizada por IFEMA, que desde
hace 32 años convierte la capital española en un significativo polo de atracción
de coleccionistas, galeristas, artistas y profesionales del arte de todo el
mundo.
ARCOmadrid reúne en su 32ª edición un total de 201 galerías de 27 países,
de las cuales 146 participan en su Programa General y 55 en sus Programas
Comisariados, situándose como la más internacional de los últimos años, con un
66% de representación extranjera – 133 galerías- . Un perfil altamente
internacional al que se suma la presencia de 150 profesionales, de los cuales
más del 90% procede de otros países, y 250 coleccionistas en activo de fuera
nuestras fronteras. Una proyección a la que ha contribuido el esfuerzo en
promoción internacional de ARCOmadrid en el último año.
De esta manera, los pabellones 8 y 10 de la Feria de Madrid, reúnen a
galerías procedentes de prácticamente todos los continentes. Uno de los mayores
atractivos de la Feria viene de la mano de FOCUS TURQUÍA, una sección que ha
contado con la colaboración de la Embajada de Turquía en España, y con la
participación del comisario Vasif Kortun, director de investigación y programas
de la institución SALT Istanbul, y de la comisaria adjunta Lara Fresko,
escritora y profesional del arte, quienes han llevado a cabo la selección de las
10 galerías turcas que participan en el programa.
La presencia internacional tiene también un peso fundamental en los
programas comisariados. Por un lado, OPENING: JÓVENES GALERÍAS, reúne una
selección de 25 galerías con menos de siete años de trayectoria de Asia, América
y Europa, realizada por Manuel Segade, comisario y crítico de arte, y Veronica
Roberts, comisaria del Modern and Contemporary Art at the Blanton Museum in
Austin, Texas.
Subastas de arte contemporáneo, febrero 2013
- Las subastas de arte contemporáneo de Christie's y Sotheby's en Londres vendieron obras por un total de más de 155 millones de libras, destacando obras de Francis Bacon...
Peter Doig
The Architect's Home in the Ravine
Vendido por 7.657.250 libras (8,9 millones de euros) en
Christie's
Jean-Michel Basquiat
Untitled (Pecho/Oreja)
Vendido por 6.817.250 libras (7,9 millones de euros) en
Las subastas de arte contemporáneo de Christie's y Sotheby's en Londres
vendieron obras por un total de más de 155 millones de libras, destacando obras
de Francis Bacon, Gerhard Richter, Jean-Michel Basquiat y Peter Doig.
14 de febrero de 2013, fuente: Christie's / Sotheby's
Sotheby’s vendió obras por un total de 86,3 millones de euros, bastante
por encima de las expectativas pre-venta. La pieza estrella de la subasta fue
"Three Studies for a Self-Portrait (Tres estudios para un autorretrato", un
tríptico realizado por Francis Bacon en 1980, que rozó los 16 millones de euros.
La obra -que había sido vendida por poco más de 4 millones en 2006- fue
adquirida por el coleccionista alemán Jürgen Hall, quien la prestará a un museo
internacional.
También en Sotheby's, dos obras de Gerhard Richter consiguieron venderse
por precios altos: "Abstraktes Bild (769-1)", 1992, logró 9,5 millones de euros
y la fotorrealista "Wolke (Nube)", 1976, 8,8 millones. "Untitled (Pecho/Oreja)"
de Jean-Michel Basquiat se remató por 7,9 millones de euros. La obra perteneció
a la banda U2 hasta hace apenas 5 años.
La subasta de Christie's reunió 94,7 millones de euros, y la estrella fue
"Museum Security (Broadway Meltdown)" de Jean-Michel Basquiat, que se remató por
10,8 millones de euros. En esta obra, "el vocabulario de Basquiat se manifiesta
en el lienzo con una fuerza que combina la urgencia y la sensibilidad política",
según indica la casa de subastas en el catálogo de la pintura.
También en Christie's, la obra maestra de Peter Doig, "The Architect's
Home in the Ravine", se remató por 8,9 millones de euros, un nuevo record de
cotización para el artista. La bella "Abstraktes Bild" de Gerhard Richter logró
9,7 millones, y "Gran Pirámide de Giza con Fragmento de Cabeza desde Tebas" de
David Hockney superó los 4 millones de euros.
Turner desde la Tate – la creación de un Artista
- La Art Gallery of South Australia acoge 'Turner desde la Tate – la Creación de un Artista', la primera gran exposición del gran artista inglés J.M.W. Turner en Australia en...
Joseph Mallord William Turner
Paz - Exequias en el mar
Expuesto en 1842
Joseph Mallord William Turner
Atardecer sobre un lago
circa 1840
La Art Gallery of South Australia acoge 'Turner desde la Tate – la Creación de
un Artista', la primera gran exposición del gran artista inglés J.M.W. Turner en
Australia en casi 20 años. Del 8 de febrero al 19 de mayo de 2013.
Fuente: Art Gallery of South Australia
La exposición ofrece una excelente introducción a la obra del gran
paisajista del siglo XIX -Joseph Mallord William Turner- y a la colección de sus
obras en la Tate Britain. Mostrando óleos, acuarelas y cuadernos de dibujos, la
exposición explora los innovadores procesos creativos de Turner que han
inspirado a generaciones de artistas.
El director de la galería australiana, Nick Mitzevich, explica que
"'Turner desde la Tate' supone el regreso de las grandes exposiciones
internacionales a la Galería de Arte de Australia del Sur. También representa
una oportunidad única para el público australiano de comprender por qué J.M.W.
Turner es considerado como uno de los grandes paisajistas de todos los tiempos".
Turner dominó el mundo del arte en Gran Bretaña durante más de cuarenta
años, creando obras que documentan un periodo dramático de cambio político, y
que son testimonios del avance de los desarrollos industriales. Pero Turner
también se sintió interesado por los encantos del tranquilo valle del Támesis o
el esplendor pastoral de los parques de Petworth. Acuarelas impresionantes de
todas las épocas de su carrera reflejan sus largos viajes por el Reino Unido y
Europa, que culminaron con sus obras que recogen la atmósfera de Venecia y
Suiza.
'Turner desde la Tate' presenta más de 40 pinturas al óleo y unas 60
acuarelas. La exposición ofrece una visión detallada de la carrera de Turner
como artista, basándose en las obras que el pintor legó a la nación británica.
La muestra incluye tanto pinturas que Turner expuso en vida, muchas de las
cuales resultaron polémicas, así como lienzos que sólo salieron a la luz después
de su muerte, como "Mar tormentoso con delfines" (c.1835 -40), o la inquietante
pintura "Un desastre en el mar" (c.1835), que registra el naufragio de un barco
de convictos que se dirigía a Australia. Su estudio también contenía
innumerables hojas de papel en el que sus ideas plasmadas en acuarela parecen
tan claras como cuando fueron pintadas, así como cientos de cuadernos de
bocetos, algunos de los cuales se mostrarán por primera vez en Australia. Sólo a
través de esta amplia colección el público puede viajar en el tiempo y unirse a
Turner mientras éste pinta y dibuja, observando su desarrollo artístico desde
que era un muchacho de trece años hasta convertirse en uno de los más grandes
pintores de la luz, el color y la atmósfera.
Frederic Church y el Boceto del Paisaje. NGA, Londres
- La exposición 'Con ojos americanos: Frederic Church y el boceto al óleo del Paisaje' explora los espontáneos bocetos al óleo de Frederic Edwin Church...
Frederic Edwin Church
Amanecer
Octubre - Diciembre de 1862
© New York State Office of Parks, Recreation and Historic
Preservation /
Olana State Historic Site, Hudson, NY
La exposición 'Con ojos americanos: Frederic Church y el boceto al óleo del
Paisaje' explora los espontáneos bocetos al óleo de Frederic Edwin Church
(1826–1900). National Gallery, Londres, del 6 de febrero al 28 de abril de 2013.
Fuente: National Gallery, Londres
Los bocetos al óleo de Church revelan la frescura de su obra y la
espontaneidad de su estilo de pintura al aire libre, creando bocetos de obras
que serían más tarde realizadas en su estudio. Considerado como uno de los más
ambiciosos pintores de la Escuela del río Hudson, sus obras revelan su apetito
voraz por viajar a lugares tan distantes como Ecuador -'Vista del volcán Sangay,
Ecuador' (1857)-, Jordania -'Ed Deir, Petra' (1868)-, Jamaica -'Ridges in the
Blue Mountains, Jamaica (1865)-, Alemania -'Königssee, Baviera' (1868)-, y los
mares próximos a la Península del Labrador, donde estudió las formas y colores
de los icebergs.
La exposición también incluye obras ejecutadas cerca de su casa sobre el
Hudson en el norte del estado de Nueva York, incluyendo 'Crepúsculo invernal
desde Olana' (c.1871-2) y 'Hudson, New York al atardecer' (1867), que reflejan
su interés por el paisaje americano y su exploración del efecto de la luz.
Esta exposición, la primera oportunidad de examinar en profundidad los
bocetos al óleo de Church en este lado del Atlántico, se organiza con el
importante apoyo de la Fundación Terra de Arte Americano. La muestra reúne unos
30 bocetos al óleo e incluye los préstamos de Olana, la finca rural de Church
junto al río Hudson y hoy Monumento Histórico en EE.UU., y de las colecciones
del Cooper-Hewitt, National Design Museum, Nueva York. Una enorme pintura al
óleo de Church, 'Niagara Falls, del lado americano "(1867), un lienzo
impresionante de más de dos metros cuadrados cedido por las Galerías Nacionales
de Escocia, se incluye en la muestra para ilustrar el viaje desde el boceto a la
pintura completada. La exposición viajará en el verano de 2013 a la Galería
Nacional de Escocia.
La exposición sigue a la muestra de 2011, "Un Experimento Americano:
George Bellows y los pintores Ashcan". También resulta interesante relacionarla
con la impresionante colección Gere de bocetos al óleo de paisajes en préstamo a
largo plazo a la Galería, así como a la propia colección de la National Gallery.
Modigliani brilla en Christie's Londres, febrero de 2013
- La subasta de arte impresionista y moderno de Christie’s vendió obras por un total de 157 millones de euros, destacando el 'Jeanne Hébuterne (au chapeau)'...
Amedeo Modigliani
Jeanne Hébuterne (au chapeau)
1919
Vendido por 26.921.250 libras / 42.104.835 dólares / 31.040.201
euros
La subasta de arte impresionista y moderno de Christie’s Londres el 6 de febrero
de 2013 vendió obras por un total de 157 millones de euros, destacando el
'Jeanne Hébuterne (au chapeau)' de Amedeo Modigliani, vendido por 31 millones de
euros.
07 de febrero de 2013, fuente: Christie’s
El precio más alto de la subasta fueron los 31 millones de euros pagados
por "Jeanne Hébuterne (au chapeau)", 1919, de Amedeo Modigliani (1884-1920). El
bello retrato de la amante y musa del artista ha pasado por algunos de los más
famosos coleccionistas del siglo XX, como Léopold Zborowski, Paul Guillaume y
Henri Belien.
"Aprés le déjeuner", 1881 de Berthe Morisot (1841-1895) fue rematada en
casi 7 millones de libras (más de 8 millones de euros), marcando un nuevo récord
de cotización para una pintura creada por una mujer (su precio estimado de
pre-venta era de 1,5-2,5 millones de libras). Morisot era considerada por sus
contemporáneos como 'l'impressioniste par excellence.'
Pintada en el cénit del Impresionismo, "L'ombrelle", 1878, de
Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) superó los 11 millones de euros (el segundo
precio más alto de la venta). "L'ombrelle", al igual que la obra de Modigliani,
tiene una proveniencia excepcional, y era ofrecida en subasta por primera vez en
25 años.
"Nu accroupi", 1960, de Pablo Picasso (1881-1973) fue rematada por 8,4
millones de euros. "Murnau - Ansicht mit Burg, Kirche und Eisenbahn", 1909, de
Wassily Kandinsky (1866-1944) lo hizo por 7,8 millones. "Femme (Femme debout)"
de Joan Miró (1893 - 1983) alcanzó los 7,3 millones de euros, superando todas
sus expectativas pre-venta.
Picasso brilla en Sotheby's Londres, febrero de 2013
- El 'Femme assise près d’une fenêtre' de Pablo Picasso fue subastado por 32,9 millones de euros en la subasta de arte impresionista y moderno de Sotheby's...
Pablo Picasso: "Femme assise près d’une
fenêtre", 1932
Vendido por 28.601.250 libras
El 'Femme assise près d’une fenêtre' de Pablo Picasso fue subastado por 32,9
millones de euros en la subasta de arte impresionista y moderno de Sotheby's
Londres, el 5 de febrero de 2013. Obras de Schiele, Monet y Miró también
brillaron en la venta.
5 de febrero de 2013, fuente: Sotheby's
El "Femme assise près d’une fenêtre" (1932) de Pablo Picasso fue descrito
por Sotheby's como "una de las obras más icónicas de Pablo Picasso, y es parte
de la serie que introdujo a su 'musa dorada' al gran público". La pintura, con
un precio estimado de pre-venta de entre 25 y 35 millones de libras esterlinas,
fue vendida por 28.601.250 libras (32,9 millones de euros).
Tres excelentes obras de Egon Schiele procedentes del Museo Leopold de
Viena también tuvieron éxito en la subasta. "Liebespaar (Selbstdarstellung mit
Wally)" se vendió por 7.881.250 libras, un récord de subasta para una obra sobre
papel de Schiele. Según Sotheby's, la obra fue creada cuando Schiele "se dedicó
a producir lo que hoy es sin duda la más famosa serie de autorretratos del siglo
XX".
"Nymphéas avec reflets de hautes herbes", un monumental lienzo de Claude
Monet, fue vendido por 9.001.250 libras, un precio algo decepcionante teniendo
en cuenta su importancia, tamaño y precio estimado pre-venta de entre 12 y 18
millones. Por otra parte, "Le Givre à Giverny", un pequeño paisaje invernal,
logró 8.777.250 libras, más del doble de su menor estimación previa.
En la subasta "surrealista" destacó "Le son et fermier épouse", un
fascinante gouache creado por Joan Miró en 1936. La obra se vendió por 5.865.250
libras, ligeramente por encima de su menor estimación previa de 5,5 millones de
libras.
Impresionismo y aire libre. De Corot a Van Gogh
- La exposición analiza la génesis y el desarrollo del paisaje al aire libre entre los pintores impresionistas. Museo Thyssen, del 5 de febrero al 12 de mayo de 2013...
Vincent van Gogh
Paisaje bajo cielo tormentoso, 1889
Óleo sobre lienzo, 59,5 x 70 cm.
Fondation Socindec
La exposición 'Impresionismo y aire libre. De Corot a Van Gogh' analiza la
génesis y el desarrollo del paisaje al aire libre entre los pintores
impresionistas. Museo Thyssen, del 5 de febrero al 12 de mayo de 2013.
Fuente: Museo Thyssen, Madrid
Entre los artistas presentes en esta ocasión se encuentran desde los
iniciadores de los estudios al óleo al aire libre, como Pierre‐Henri de
Valenciennes o Thomas Jones, hasta artistas como Turner, Constable, Corot,
Rousseau, Courbet, Daubigny, Monet, Sisley, Renoir, Seurat, Van Gogh o Cézanne,
entre otros muchos nombres imprescindibles.
La exposición se estructura temáticamente en torno a algunos de los
motivos más frecuentados por la pintura del natural tal como fue concebida por
Valenciennes: árboles, rocas, riachuelos, etc. Cada sala, dedicada a uno de
estos temas, reúne ejemplos del arte de diversas épocas y escuelas, con el fin
de enfatizar, por una parte, la continuidad de la tradición de la pintura al
aire libre y, por otra, la diversidad de soluciones plásticas adoptadas.
1. Ruinas, azoteas y tejados
Las ruinas y arquitecturas constituían en el siglo XVIII uno de los
elementos integrantes de la pintura de paisaje, al que otorgaban un carácter
pintoresco.
2. Rocas
La representación de rocas está presente en la pintura de paisaje desde
sus inicios. Los primeros estudios de roquedales fueron pintados en Italia a
finales del siglo XVIII, pero el protagonismo de este motivo llegó de la mano de
la Escuela de Barbizon. Hacia finales del siglo XIX, Cézanne retomó el motivo de
las rocas para ahondar en la construcción espacial del cuadro sin recurrir al
sombreado o la perspectiva.
3. Montañas
Las montañas no fueron objeto de interés estético hasta el siglo XVIII.
Entre los artistas que trabajaron en Italia predominan las imágenes alejadas,
concebidas como fondos para la composición de cuadros en el estudio. Un caso
excepcional fue el del Vesubio, objeto de numerosas representaciones.
4. Árboles y plantas
En la Italia de finales del siglo XVIII se extendió la costumbre de
ejecutar estudios del natural de los ejemplares más bellos y pintorescos de
árboles y plantas.
5. Cascadas, lagos, arroyos y ríos
Desde el origen del género del paisaje, el agua contribuyó a imprimir
variedad y frescura a los cuadros. De entre los impresionistas, Monet fue el que
mayor atención prestó a los efectos cambiantes del agua.
6. Cielos y nubes
La representación de los cielos era objeto de la atención de los
tratadistas desde tiempos de Leonardo. La sala finaliza con cuadros de Van Gogh
y Nolde, con una concepción estilizada, subjetiva y prácticamente abstracta de
las nubes.
7. El mar
Como la montaña, el mar fue contemplado con temor hasta el siglo XVIII.
Si bien algunos pintores neoclásicos ejecutaron estudios de marinas al aire
libre en el golfo de Nápoles, de nuevo fue Constable quien llevó a cabo las
primeras marinas al aire libre importantes. De entre los impresionistas fue
Monet el que sintió mayor atracción por el mar
Subastas de pintura antigua, enero de 2013 - resumen
- Las subastas de pintura antigua en Sotheby's y Christie's lograron precios destacables para obras de Fra Bartolommeo, Botticelli y Pompeo Batoni. Sin embargo...
Pompeo Girolamo Batoni
Susana y los viejos
Vendido por 8.351.379 euros
Las subastas de pintura antigua en Sotheby's y Christie's lograron precios
destacables para obras de Fra Bartolommeo, Botticelli y Pompeo Batoni. Sin
embargo, pinturas importantes de Bronzino y Goya no encontraron comprador.
1 de febrero de 2013, fuente: Sotheby's / Christie's
La pieza estrella de la subasta "Renacimiento" de Christie's fue una
"Virgen y niño" de Fra Bartolommeo, que alcanzó los 9,6 millones de euros, un
nuevo record de cotización para el artista. La bella "Madonna Rockefeller" de
Botticelli alcanzó los 10,4 millones de dólares (7,7 millones de euros),
bastante por encima de su precio estimado de pre-venta. Curiosamente, esta misma
obra fue ofrecida en el TEFAF Maastricht de 2010, con un precio de
aproximadamente 15 millones de dólares.
El "Retrato de joven con un libro" de Agnolo Bronzino, que esperaba
venderse por más de 10 millones de euros, no encontró comprador a pesar de ser
uno de los mejores retratos renacentistas que haya aparecido en el mercado en
los últimos años. La buena noticia para Christie's vino con el "Retrato de
Jacopo Boncompagni" de Scipione Pulzone, vendido por 5,6 millones de euros (más
de tres veces su precio estimado de pre-venta). Más allá de las obras
renacentistas, Christie's estableció nuevos records de cotización para
Jean-Baptiste-Siméon Chardin y Annibale Carracci.
La venta de pintura antigua en Sotheby's fue liderada por el
impresionante "Susana y los viejos" de Pompeo Batoni, vendido por 8,3 millones
de euros. "Heidelberg con un arco iris", una gran acuarela de J.M.W. Turner,
alcanzó los 3,5 millones de euros, ligeramente por encima de su precio estimado
de pre-venta.
Al igual que sucedió con el Bronzino en Christie's, otro gran retrato no
encontró comprador en Sotheby's. El oscuro pero importante "Retrato de Mariano
Goya, nieto del artista" de Francisco de Goya se quedó sin vender pese a que su
estimación previa de entre 6 y 8 millones de dólares parecía razonable. Por el
contrario, "La Diosa Aurora triunfando sobre la noche", de Fragonard, superó sus
expectativas al venderse por 3,8 millones de dólares.