En algunos distritos como: Coporaque, Tutti, Maca y otras comunidades aledañas; lo danzaban completo, con todos sus personajes, pero con otro nombre como: El Turco, Nigrillo, Intikilla, Tuti Tusu. Pero hay que tener en cuenta que se ejecuta en forma completa y que en las zonas antes mencionadas, estos personajes se desprendieron y se presenta solos como el Negrillo o Nigrillo y su ritmo es lento y su desplazamiento es casi siempre hacia atrás con saltos acongojados y giros en el sitio.
Origen:
El negrillo como personaje encaja como parte y segmento de la danza del Turco. Este personaje en la antigüedad ejecutaba sus danzas en forma personal, no existían la presencia de doncellas; era una danza exclusiva de varones y que luego se hizo costumbre la presencia de las mujeres. Cuentan las crónicas antiguas de personajes de la zona, que este personaje negrillo, bailaba al empezar el alba y que un grupo de las cuadrillas anunciaban con el sonido de sus matracas las festividades de la Virgen de la Asunta. Este personaje lleva un cono en la cabeza, adornado de platería y que su significado representa las torres del campanario de las iglesias. Existen otras versiones, una que eran las de los recolectores de impuestos porque también danzaban en el alba, al igual que los negrillos, otra era la de los negros que bajaban de las alturas con sus canastones para comercializar sus productos.
Historia:
La presencia de negros en festividades católicas ha sido frecuente en la zona; llegados de la costa como peones y caporales de minas y como vendedores de dulces y golosinas, desde hace mucho tiempo se fueron integrando a las comunidades serranas. En la procesión de Nuestra Señora de la Asunta de Chivay participan en parejas de bailarines, que son contratados y pagados por unos o varios devotos de la Virgen. La danza es ejecutada por hombres y mujeres; quienes llevan una especie de chaqueta de colores vivos con átenos en el pecho, denominados pecheras y espaldares, bordados de flora y fauna del Valle del Colca, pantalón corto, también de colores, faldas tipo mandil, hojotas de jebe y sobre la cabeza lleva un canastón muy adornados hasta con platería, hacen sonar unas pequeñas matracas combinando la danza con cantos de alabanza a la virgen.
Terminada la procesión van a la casa de los devotos que los han contratado, rebajan los canastones y las mujeres sus muñecas y recorren las calles al son de pasacalles interpretados con arpa y violín o por una banda de músicos. Tanto en la procesión como en el baile “profano” por los bailarines no muestran formas o poses de esclavos negros, por su actitud digna y de afirmación religiosa podría pensarse en negros libertos; así mismo, a estas danzas acompañan damas con trajes típicos de Chivay, ellas portando un velo y cargados de una canasta pero esta ves con una muñeca adornada de plata.
Descripción de la danza:
La danza de los Negrillos representa a los negros que después de la abolición de la esclavitud empezaron a independizarse realizando labores como: es la agricultura, la ganadería y la pesca de productos de pan llevar.
Es así como los negros libres, llevaban sobre su cabeza canastones de forma de copa, conteniendo diferentes productos para su comercio diario en las distintas ferias donde vendían e intercambiaban estos productos.
Este estilo de transporte se debía a que sus antepasados les habían enseñado a llevar toda la carga sobre la cabeza.
Cuando llagaban a los pueblos provistos de productos la gente los llamaba “Ya llegaron los Negrillos” desde entonces siempre los llaman así. En la actualidad esta representación se ha convertido en una danza social mestiza ya que la integran hombres y mujeres de los distintos distritos de esta parte de la región sur de nuestra patria.
Otra versión dada por historiadores y conocedores de las costumbres andinas de esta región sur del país, comentan que esta danza “Los Negrillos de Chivay”, representa a los esclavos negros que al compás de la música, imitaban satíricamente a los soldados españoles y moros que dominaron los pueblos de Maca, Tuti, Cabanaconde y Coporaque pertenecientes a la región del Colca. Esta danza es un fragmento de la danza mágico religiosa llamada el Turco.
Área de difusión:
Se baila en las fiestas de Caporaque y Madrigal el 25 de julio de cada año, conmemorando “La Festividad de Santiago”; el 26 de julio en Maca en la fiesta de Santa Ana. Últimamente ya no es exclusiva la representación de esta danza en estos distritos ya que también son bailadas en diferentes fiestas patronales de la misma provincia y departamento.
Vestuario:
Varones:
Montera en forma de cono con adornos de plata (representan los canastos),
Pantalón rojo,
Camisa blanca,
Zapatos de color,
Escarpines,
2 pañuelos de colores ajustados del codo.
Mujeres:
Sombrero de color blanco con cinta adornada,
Blusa floreada con bordados,
Pollera externa blanca con doble cinta (rojo y azul),
Pollera interior floreada,
Chaleco bordado de color,
Faja o chumpi,
Tul (velo) para cubrirse la cara.
Aporte de: Profesor Luis Alberto Rios Vasquez || 06 de Julio de 2007
La figura principal es el lazo, que ostensiblemente muestran los Wititis, pero a la vez la careta pareciera un sol, así que puede ser algo simbólico, pero no está determinada la función de estos dos elementos. Igualmente las Señoritas portan un bastón con indudable simbología fálica.
COMPONENTES:
Los Wititis que suelen varían en número, de uno a tres, todos hombres. Un par de Tapaqari-Mallkus, que son hombres portando a las espaldas sendos cóndores disecados, cuyas alas llevan atadas a los brazos. Un par de Señoritas, seguidas al fin por la banda compuesta de cinco músicos, dos de ellos con tambor y los otros tres con Pitos.
DESCRIPCIÓN:
Avanzan en formación, primero los Mallkus, luego los Wititis, las Señoritas y los músicos. Los Wititis alzan en alto las sogas mientras avanzan tres pasos y retroceden dos. Mientras los Mallkus, simulando estar en pleno vuelo, vuelven hacia atrás, por el interior, y hacen una reverencia, rodilla en tierra, a los Wititis, tras la cual giran hacia el exterior y retornan a la cabeza del desfile. Las Señoritas ejecutan una danza lenta, con vaivén de adelante hacia atrás y agitan un pañuelo, luego dan una vuelta y siguen.
Cuando llegan a un claro más ancho ejecutan una figura doblemente circular, quedándose fuera los músicos. En el interior del primer círculo los tres Wititis, espalda con espalda, unen sus lazos y van ensanchando el hipotético triángulo, hasta que alcanzan el primer círculo, que mientras tanto habían formado las Señoritas y que giraba en sentido contrario al círculo exterior, éste protagonizado por los Mallkus. Luego los Wititis ejecutan unos pasos especiales en los cuales llevan las rodillas hasta el pecho, y tras ensanchar el triángulo, se colocan en su interior las Señoritas, mientras que los Mallkus avanzan onduladamente, conduciendo así a todo el conjunto a otra parte. Cuando por fin un Wititi suelta el lazo, todos los componentes vuelven a la posición inicial de formación, para así recomenzar la danza.
FIESTAS:
En Julio.
INSTRUMENTOS:
Tres Pfalahuitos y un par de Bombos.
NOTAS:
Aunque al lazo llamen Qharwista, parece que la acepción Wititi venga de el nombre que en las zonas aledañas al Titicaca dan a las sogas. También significa andar de prisa, como niños o pájaros. La careta que llevan es de tela, pero la nariz pronunciada y los cuernos, llamados Wajra Lipichis, son de pergamino de oveja. A su vez las Señoritas portan un curioso bastón, adornado con cascabeles y plumas, que asume formas fálicas con vivos colores, llamándolo Wilpi Lawi, que quiere decir "bastón de dar golpes".
Son muy curiosos los movimientos ejecutados por los Wititis, pues parecen pasos de ballet clásico, y son admirados por su plasticidad y armonía.
Noticia enviada por: Prof. Yovany Mirtha Avila Lopez
LOS SHAPIS, del 3 al 8 de Mayo, inundan con su colorido y alegre música las calles, barrios y plazas de Chupaca. Danza que no podrá ser jamás, en rigor, ejecutado por quienes no sean oriundos del lugar, que la han conservado por cientos de años.
Solamente los chupaquinos pueden expresar a través de la danza, aquello que hace transcendente, que fusiona a todo un pueblo heredero de una larga tradición.
ORIGEN: Una extraordinaria historia que cuentan los viejos pobladores de Chupaca, dentro de los orígenes de la danza guerrera de LOS SHAPIS.
Refieren, que cuando los Incas derrotaron al gran ejército Wanka, integrado por los ejércitos de los reinos confederados, Anco-Huaillo, jefe de los Wanka-chupacos, se negó a entregar sus armas y someterse a la autoridad del Inca. Luego se retirò hacia el Huallaga, internándose paulatinamente en la Selva.
Y gracias a ellos, se puede conocer la Región Huarac Tampu, hoy Huánuco. Al retornar a su tierra, luego de haberse concertado la paz con los quechuas, causó admiración y asombro entre los suyos, que fueron recibidos alborozados.
La danza alcanza ciudadanía a fines del siglo pasado en el barrio de "Pincha" y hoy se ha extendido a los trece barrios de Chupaca, que año tras año se disputan la supremacía.
COREOGRAFIA: La coreografía nos indica que es una danza guerrera y las figuras toman nombres especiales, como la cadena simple, la cadena doble. En general la danza tiene tres pasos bien marcados:
1. La caramuza o escaramuza, en la que se realiza todas las variantes de la coreografía, con seis movimientos que muestran la preparación del combate y es posiblemente la parte más profunda y hermosa.
2. La Cachua o Cashua, donde los danzarines ejecutan un zapateo suave y elegante.
3. La Chimaycha o Chimaycheada, que es la fuga con fuerte zapateo que revela la euforia, alegría del danzante expresada en frenético zapateo del grupo.
La parte jocosa la ofrecen los negros o caporales, quienes sirven de apoyo a la danza, con movimientos sarcásticos haciendo resonar el látigo de piel de res, provocando la zumba.
VESTIMENTA: El shapish lleva en la frente una borla de plumaje llamada shupash huayta o maiscapacha.
Anteriormente, se confeccionaba con plumaje de ave llamado paujil. La actual es de pavo real adornada con espejos. La cara es cubierta por una máscara roja con bigotes dorados. Sobre el cuerpo lleva una túnica llamada cushma. Entrecruzadas de pecho, una ancha banda confeccionada por un gran número de semillas, de diversos colores de la Selva, guarnecida con plumas multicolores de aves, caracoles y amuletos.
También llevan un pequeño bolso llamado huallqui. En las espaldas cargan una elegante canastilla llena de frutas artificiales, hermosas muñecas y cintas vistosas que penden en forma vertical.
En la mano izquierda, portan sus flechas llamadas huashi y en la derecha, un hacha estilizada. Debajo de la chusma, sobresalen las blondas del calzoncillo. Calzan zapatos nuevos de buena suela y taco que favorecen a la danza.
Los que hacen de negros se disfrazan con macoras (sombrero amplio de paja), máscara de cuero color negro, saco, camisa blanca y corbata, botas de cuero, un tronador en las manos y pantalón de montar, además, portan una zumba que hacen restallar a cada momento.
El Huaylas: También escrito como Huaylarsh. Se define como danza de comparsa de parejas, cuyo
origen tuvo un carácter ritual mítico religioso. Además su evolución se muestra así:
Ritual, mítico-religioso.
Pastoril.
Agrario.
Intermedio o transición.
Mestizo o citadino(moderno).
Esta danza es la más movida y alegre de la Sierra Central. Tiene movimientos muy
vivaces,y mudanzas o zapateo muy peculiar. Se baila en grupos de parejas que se turnan
para ejecutar diversos movimientos y pasos, con dinamismo y picardía. Se relaciona con
las cosechas y las tareas agrícolas, con lo que festejan la riqueza agrícola, el rendimiento
de las cosechas y la producción de la zona. Es acompañada por instrumentos como el
saxofón, violín, clarinete o el arpa. Baile popular muy difundido entre las colectividades
del Valle del Mantaro; y, en particular santiago león de chongos bajo, Huayucachi y
Huancán (situados al sur de Huancayo) son los creadores o haber decidido su
preservación nacional. La agricultura y la ganadería son actividades tradicionales
importantes para el hombre andino por constituir uno de los principales medios de vida
y desarrollo vigentes hasta la actualidad. Estas actividades han dado origen a múltiples
danzas, siendo una de ellas el Huaylars de Carnaval.
En la introducción los bailarines realizan una espera que refleja la preparación para la
danza, luego el baile en sí donde se realizan diversos desplazamientos coreográficos, líneas, paralelas, cruces, círculos, etc. Finalmente el contrapunto de parejas en donde las
parejas expresan enamoramiento, galanteo y acompañado por sus zapateos
característicos tanto del varón como de la mujer.
La marinera, danza típica peruana, ocupa uno de los primeros lugares en el folklore nacional. Es reconocida como un baile nacional por excelencia y en su ritmo y coreografía se sintetizan el alma mestiza peruana, fundida en una.
Se dice que la marinera es la herencia de la primitiva "zamacueca" o "zambacueca" y de la "mozamala" de los mulatos, y que en el ronco redoble del cajón y la quimba de las caderas de las mujeres aflora el negro acervo de la esclavitud.
La elegancia del pie femenino, los suaves movimientos del pañuelo en la mano, el repiqueteo de las palmas, la arrogancia de gesto y figura y del personaje conquistador y enamorado, son elementos que conforman la herencia de danzas españolas de la "Jota Aragonesa", los requiebros del "Fandango" o la elegancia del "minué" francés.
En esta amalgama de ritmos que dan origen a la marinera, también figura la expresión indígena, en ese "Ay!" dolorido que rasga el ritmo, que suena con la tristeza de un lamento y el reclamo de una raza postergada. Esta mezcla musical fue acentuándose con el tiempo, tomando rasgos de la cotidaneidad peruana y resultando en la Marinera.
POR QUE SU NOMBRE Y COMO INGRESO AL MUNDO DE LA MÚSICA
¿Por qué habría de llamarse esta mezcla de ritmos, Marinera? Según los cultores de esta expresión folklórica, la Marinera es símbolo de peruanidad. Fue bautizada así en homenaje a la gloria de Grau, cuando sus increíbles hazañas en el monitor Huáscar electrizaban al mundo durante la Guerra con Chile.
Fue Abelardo Gamarra "El Tunante" quien bautizó a nuestro baile costeño con el nombre de MARINERA....¡Por el Huáscar...Por ti Marinera Peruana!, acabando así con las denominaciones de "zamacueca", "mozamala", entre otras.
En su afán de preservar la marinera, "El Tunante" decidió inmortalizarla en el pentagrama. Para ello escogió una pieza de marinera especialmente compuesta por él y por don José Alvarado, uno de los más populares compositores criollos. Pero no fue nada fácil llevar la marinera al papel; no había quien se dignara a hacerlo y los artistas capaces de realizar tan difícil trabajo estaban dedicados a la música clásica y miraban por encima del hombro a la música popular.
En 1893, "El Tunante" asistió a un concierto de piano ofrecido por una niña limeña, considerada todo un prodigio de la música. Continuando su proyecto de eternizar la marinera, entusiasmado habló con esta talentosa niña y con sus padres para que fuera ella la encargada de continuar ese trabajo musical.
"El Tunante" canturreaba y la pequeña escribía las notas. Así nació "La Decana", nombre de una marinera que, luego, el pueblo denominaría "La Concheperla". Meses después "El Tunante" envió la partitura a Italia para hacerla imprimir y difundirla.
Esta admirable niña, incansable difusora y recopiladora, fue doña Rosa Mercedes Ayarza de Morales, notable y aplaudida compositora de ritmos peruanos.
La marinera conquistaba posiciones lentamente. En 1938 llegó al Teatro Municipal de Lima, nuestro primer escenario nacional, presentada nada menos que en el Concierto de Fiestas Patrias. Así bajo la dirección general de doña Rosa Mercedes Ayarza, quien también manejó toda la puesta en escena, 40 profesores de la Sinfónica Nacional presentaron triunfalmente la Marinera Peruana, haciendo desfilar por el escenario cuadros típicos peruanos.
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