Primer paso, un nacimiento.

  Un viaje de mil millas comienza con el primer paso

                                                                                              Lao-tsé

              Definir una primera presentación de la obra plástica de un grupo de artistas es siempre una apuesta por los nuevos creadores, esos que alimentan la continuidad de nuestros mundos visuales y psicológicos y también es una puesta en valor del producto que sus mentes han sabido seleccionar del imaginario colectivo en el que esta inmersa su contemporaneidad.


El grupo Ravar se presenta aquí, en esta su primera colectiva realizada en el mes de Mayo de 2006 , demostrando una unión de fuerza creativas y expresivas que aunque dispares en lo concerniente a la elaboración de ideas y a las técnicas empleadas, logran aportar un aire renovado a la plástica contemporánea. Todas estas obras han sido realizadas a través de diversas técnicas desarrolladas a partir del grabado, en sus vertientes litográfica, aguafuerte, empleo de barnices blandos, la aguatinta, la xilografía y  el carborundum.


Parece coincidente que la celebración de esta exposición haya tenido lugar en el año en el que se celebra el aniversario del nacimiento de Rembrandt, que si bien es conocido por sus cuadros en los que la luz es siempre la protagonista, es también el autor de una de las mejores producciones de obras de grabado de todos los tiempos. Los estudios sobre este pintor permiten dirigirnos a la comprensión de su naturaleza observadora mediante su faceta de grabador y este ejemplo es lo mejor para poder comprender si cabe, esta primera muestra del grupo Ravar.


El grabado es una técnica en la que se emplea el dibujo pero a través de la incisión en planchas para que estas después sirvan como molde gráfico, como registro a ser reproducido tantas veces como se requiera su mensaje visual y/o conceptual. Esta característica de reproductibilidad hace que hoy podamos emplear las planchas de los maestros antiguos y conseguir así, piezas cuya autoría es la del propio artista. La imprenta desarrollada por Johannes Jenfleish mas conocido como Gutemberg, participa del proceso que luego adoptara el grabado para la producción seriada del mensaje grafico. La importancia de esta técnica reside además en que con ella el artista es capaz de hacer llegar al gran público, una serie de piezas que desde la unicidad de la obra pintada sobre lienzo o sobre otro formato, seria imposible conseguir.


La reproducción de piezas únicas, al ser su unicidad reproducida en series numeradas determinadas, hace que el grabado siga hoy vigente y su nada despreciable aportación al mundo de la cultura y de las artes, se hace cada día mas patente. Esta primera reproductibilidad técnica que porta en su naturaleza la técnica del grabado, lo ha convertido sin lugar a dudas en un inestimable vehículo para muchos de los consagrados artistas que conocemos y también para los nuevos artistas que tienen en esta técnica un gran aliado.


Ravar nace como grupo en A Coruña y en él están presentes artistas heterogéneos, vinculados a diferentes líneas de la plástica que utilizando un medio de transmisión como es la plancha y el buril, producen unas piezas cargadas de tacto, producidas con la necesaria y escrupulosa mirada del consumidor de imágenes y elaboradas con la pulcritud técnica que permite esta disciplina. A veces los trazos se funden, a veces esos mismos trazos adquieren el valor de lo fotográfico, en ocasiones se perfilan con la obviedad y el juego de pautas dicromáticas y en otros momentos permiten que el color presente matices de un delicadísimo cloissonisme.


Aunque parecen simples, su realización se complejiza y por ello, en esta primera exposición del grupo Ravar, podemos observar muestras ya de un dominio artístico excelente por ser piezas de germinal autoría. No se podría olvidar aquí la importante aportación pedagógica y humana del polifacético artista Antonio Alegre Cremades que sirve de apoyo para que gran parte de las obras expuestas llegasen a la vista del espectador. La obra de este artista se halla hoy representada en el Museo Vaticano, el Museo Nacional de arte contemporáneo de Madrid, el museo de Arte Contemporáneo de Pontevedra, y el Museo Provincial de Valencia entre otros.


Mucho de lo mostrado por Ravar es la prueba testimonial de pasados cercanos, gracias a los que hoy podemos construir la imagen del presente. Esos pasados configuran desde ahora mismo una apuesta de futuro, un inicio de la historia de un grupo de creadores y una posibilidad para una sociedad de pensarse en ellas. Todo en esta exposición es el  indudable fruto de talleres compartidos, tertulias, viajes y búsquedas personales que son los únicos ingredientes que las hacen posibles.


Auguro para ellos amplias veredas de investigación en el interesante territorio del grabado y excelentes trayectorias personales. Con toda seguridad su producción artística será objeto de pausada observación, reflexión y cultura contribuyendo muy pronto a ampliar nuestro patrimonio artístico contemporáneo.
 

Juan Ondategui

Aldehuela ( 2006 )   En la obra "Aldehuela" con claras referencias a los espacios de los pueblos de Soria y más concretamente a las calles de Calatañazor, su pueblo natal, Juan Ondategui, refleja en su manera de hacer una minuciosa y exacta representación de esos intersticios de lo habitable. El color, los rasgos rápidos y sesgados y un cierto cloissonisme visible en los tejados, configuran toda la composición. El promenade que elabora el ojo como una fluencia sobre la representación se transforma en su esencia. Podríamos referirnos a cierta vinculación expresionista, pero sorprende sin embargo la manera en la que es capaz de emplear la aguatinta y generar tan diversas texturas de lo térreo y pétreo de las viviendas pinariegas. Es más si cabe, un hacer único y personal que genera lo orgánico de la obra. Una especie de non finito que aporta valor y carácter y lo sitúa en la contemporaneidad española. Colorido y forma dialogan formando una entidad de pocos colores cocinados a pie de suelo, y si bien visualmente comprendemos la obra en conjunto, el autor permite que aposentemos nuestra mirada en los ocres que configuran el zigzagueo del caminar, un paseo y promenade visual por callejuelas que provocan la evocación en el espectador.

Chimenea Solariega ( 2006 )

En su obra "Chimenea Pinariega" la presencia hierática de una eterna chimenea de las construidas en Soria sirve de motivo al artista, para presentar una figura quieta y monumental, casi humana, matizada por los efectos variables que la litografía le confiere y que nos permite asociar esta obra con "la Aldehuela" realizada en el mismo año. En esta chimenea emplea los tonos negros y grises con los que solemniza el elemento arquitectónico.

Ofrenda ( 2006 )

Con un marcado carácter figurativo, "Ofrenda" supone una reflexión y un estudio de los personajes, ya que una ofrenda como son las flores que aparecen sobre una mesa, sirven de leiv motiv para el desarrollo de la historia. Una conversación, un regalo y una expresión permiten que la obra se comporte como una instantánea, que engloba sentimientos, ritmos y tonalidades sin condensarlos, haciéndolos flotar en el papel y en el grato cromatismo.
 

Katús Otero

            La densidad de las piezas presentadas por esta artista guarda sin embargo un tipo de paisajes controlados de los que hace surgir representaciones intensas y cargadas de fuerza. Los elementos figurativos como los caballos o los cuerpos femeninos aparecidos en "Ecus", litografía del año 2006, se perfilan en significados, en formas rampantes y bailarinas, que torsionan y aportan movimiento.
            Cuando vi esta obra por primera vez, comprendí enseguida que tras ella, lo simbólico y lo contemporáneo se unían, queriendo formar parte de una contemporaneidad que el mundo del diseño fue el primero en adoptar. En la obra existen también juegos formales, ritmos y referencias a matices orientalizantes, que convierten a "Ecus" en un registro complejo pero interesantísimo capaz de imbricar potentes invitaciones a la ensoñación. Complejo por el resultado de las finas manchas que permiten enaltecer a esos caballos e interesantísima obra por lo que contiene de comunicación visual y de análisis gestáltico. La obra es como una maquina de sonoridades que hacen reflexionar al espectador desde su observación. Katús Otero convierte la materia amorfa en un campo del que surgen sutilmente imágenes que nos hacen recrear formas sutiles y convertir el eidetismo de lo plasmado en parte de nuestro dialogo.

            

En su obra "Rita", hay un juego perfecto de movimiento y de estatismo que se contraponen entre si. Un cuerpo casi circular en su posición posado en un magnifico uso del color negro y que parece expresar la espiritualidad de un mantra. Alma como soporte del cuadro y transito hacia el que fluir.

Sindo Cerviño

Atrapando el universo (2006)               La red, elemento antonomástico de su obra "Atrapando el universo", como única representación a través de la depuradísima técnica y como único velo, sirve de metáfora visual a Sindo Cerviño para crear esta pequeña pero fascinante pieza. Atrapando el universo es sin duda un ejercicio sabio de como emplear el agua tinta y conseguir con ella, los matices, las intenciones y los sonidos de un mar quieto, pero construido a través de una red que solo escucha el sonido de los fondos marinos. Esta obra encierra muchos significados, ya que la red y el mar permiten evocar toda una realidad no siempre tangible físicamente para el espectador pero si perfectamente imaginable. La profundidad evocada, la red como telón, como trampa y como cobijo, y la oscuridad que se encierra en una urdimbre clara, pausada y rodeada de un fluir lento, pausado y acuático. Con una presencia casi fotográfica, Cerviño nos deja atónitos y crea un universo abismal dentro de la propia red. Solipsismo y observación abiertos al mar y focalizados en el objeto red que da sentido al pensar y que es cristalizado en su técnica.

            En sus "Sin titulo", realizados siguiendo el aguafuerte, y los barnices blandos, el mar, los peces, los humanos silenciados por las circunstancias del tiempo y las figuras de madres son parte de ese silencio necesario para reflexionar con el artista en el por qué de sus obras.
 

Lola Oviedo
 

Una obra mas matérica es la presentada por Lola Oviedo para esta exposición. Y no sólo la materia sino también el formato elegido ayudan a comprender la complejidad de la narración que la artista sabiamente emplea. Cuadros donde la amplitud y la necesidad de respirar esas atmósferas aparece.

Los azules de los "paisajes" conseguidos con la técnica monotipia que aparecen en las piezas para esta exposición, se convierten en el complemento perfecto de unos nuevos horizontes imaginados. Permiten atraer las complementariedades con los rojos y dialogan a modo de hitos que miran al cielo. Su obra también contiene presencias marinas, acompañadas de elementos centrales, rayados y casi totémicos, como si se tratara de presencias inherentes al movimiento de las aguas, al movimiento de los peces y las algas. Paisajes que rememoran la calma, las anegadas playas en tardes tranquilas y una forma de paisaje personal e intransferible. Presencias siempre valorable de sensaciones y de recuerdos, para convertir los venideros días en anhelos de esos mismos paisajes. Y los horizontes dialogan con esas vistas casi cubificándose y convirtiendo lo abstracto en un componente de fuerza que acompañan la expansión de cada grabado. Existe aquí una necesaria búsqueda del porqué esencial de las materias, en la gran orquestación de la realidad.

Inma Doval

            “Lembrando a Gioconda” es el titulo de una de las obras que Inma Doval presenta para esta exposición. Tomando como base el famoso cuadro de Da Vinci, la autora nos presenta un retrato de una mujer y un fondo, que no presenta ya un esfumato sino que introduce elementos de la cultura industrial, arquitecturas que bien recuerdan los silencios del hombre contemporáneo de Walter Benjamin en la gran ciudad o las amplitudes metafisicas de Chirico. El rostro no porta ya la famosa inmanencia de la pose, sino que se convierte en una realidad poética, desconchada por el paso del tiempo y parece como si esta Gioconda se hubiera convertido en esfinge para preguntar algo al mundo. El aguafuerte y la aguatinta se mezclan es esta ocasión para componer toda una suerte de degragados y la autora consigue asi, personalizar la representación de la mujer y del cuadro hístrico, para acercarlo a nuevos aconteceres de la reflexión mas profunda sobre el tiempo y la vida.

            Otra de sus obras, denominada “Tensando as cordas do mar”, aparece como una clara melodía fractal del elemento agua, ampliándose en toda la extensión del formato papel y el aguafuerte funde el agua y los celajes. Es sin duda una obra que sorprende, permite el recuerdo de la gran ola de Hokusai y logra mostrar toda la iridiscencia del agua en su juego de movimientos ciclicos.

Por ultimo, en su obra "el pájaro rojo", la artista tira del recuerdo de su estancia en Méjico, y a través de la figura del Chacmol,que Augustos Le Plogeon bautizo tras descubrir en Chichin Itza, y que representa a un hombre recostado en decúbito supino, establece una conexión multicultural con las ideas del pájaro alma, la trascendencia espiritual y el entorno físico. Es ésta sin duda la obra mas intimista de las presentadas.

Carmen Cierto

Si bien podríamos hablar de la manera en la que Carmen Cierto plantea los espacios y los efectos de perspectiva en sus obras Lomba 1 y Lomba 2, la pieza de su producción que mas llama la atención es sin duda alguna Fume, realizada en 2006. Toda una suerte de gradaciones y cromatismos se presentan jugando en verdes, amarillos y rojos anaranjados que gracias a la técnica del carborundum, expresan una realidad de chimeneas y vapores densos. El recuerdo de los cielos de Chagall y de las circularidades lumínicas de Vangogh está presentes en una pieza que propone un carácter ascensional, dirigido por la luz.

  Por otro lado, la obra "Sonos" contiene una exquisitez compositiva que convierte a la mujer en la gran madre tierra, adoptando formas silueteadas y plasmando la sensualidad y la miniatura a través del juego de estrellas que simulan tarugos cristalográficos blancos con los que la artista, compone e ilumina la noche. La mano de la mujer es una gran ave del paraíso que se expande hacia el infinito nocturno. Los acordes narrativos y el permiso que la autora aporta al espectador para pasear por ese entorno de significados bipolares, convierte esta pieza en una exquisitez.
 

Manoel Bonabal

             Aunque este autor presenta un pequeño número de obras, son éstas unas piezas que guardan una búsqueda formal y conceptual estudiada y compleja al
mismo tiempo. Fascinan por su entereza, por la seducción con la que plantea cada uno de los trazos ondulantes y hacen transitar al objeto artístico entre su valor expresivo y sus componentes técnico-textuales.

 

"Tres facianas" asimila un juego entre lo que el espectador ve y lo que la línea esconde. Miradas que reflejan una pregunta y una búsqueda en medio de una multitud creada por tres faces, que bien podrían delimitarse en aquel socorrido juego de la tricefalia galaica. Esta obra es de una gran elegancia formal conseguida a través del empleo de tintas presentadas como fondo, en el que resaltar volumétricamente matices psicológicos de la expresión y pulcritudes escrutiñadoras de las miradas.

En su otra obra, la "Lámpara de pintura" el artista  nos muestra una máquina gráfica, en la que el movimiento y el giro de la representación hacen pensar al espectador en la verdadera posición del objeto. El juego de negativos, pretende así formar parte del papel y salir de el para convertirse en una masa plástica mucho mas tangible, asequible a la realidad estática del espectador.
 

Carlos Lafuente Pacios (crítico de arte)